Impressionism

Der Impressionismus war eine Kunstbewegung des 19. Jahrhunderts, die sich durch eine unverwechselbare Pinselführung, uneingeschränkte Kompositionsstrukturen, einen Fokus auf die präzise Darstellung der vergänglichen Eigenschaften des Lichts (wobei häufig zeitliche Verschiebungen hervorgehoben wurden), alltägliche Themen, unkonventionelle Perspektiven und die Integration von Bewegung als grundlegender Aspekt der menschlichen Wahrnehmung und gelebten Erfahrung auszeichnete. Die Bewegung entstand aus einem Kollektiv Pariser Künstler, die durch ihre unabhängigen Ausstellungen in den 1870er und 1880er Jahren Anerkennung erlangten.

Der Impressionismus war eine Kunstbewegung des 19. Jahrhunderts, die sich durch sichtbare Pinselstriche, offene Kompositionen, Betonung der genauen Darstellung des Lichts in seinen sich verändernden Eigenschaften (oftmals mit Betonung der Auswirkungen des Laufs der Zeit), gewöhnliche Themen, ungewöhnliche Blickwinkel und die Einbeziehung von Bewegung als entscheidendes Element der menschlichen Wahrnehmung und Erfahrung auszeichnete. Der Impressionismus entstand durch eine Gruppe Pariser Künstler, deren unabhängige Ausstellungen sie in den 1870er und 1880er Jahren bekannt machten.

Die Impressionisten stießen auf erheblichen Widerstand seitens der etablierten französischen Kunstinstitutionen. Die Nomenklatur der Bewegung geht auf Claude Monets Gemälde Impression, soleil levant (Impression, Sonnenaufgang) zurück, das den Kritiker Louis Leroy dazu veranlasste, den Begriff in einer spöttischen Kritik der Ersten Impressionistenausstellung von 1874 zu erfinden, die in der Pariser Zeitschrift Le veröffentlicht wurde Charivari. Anschließend inspirierte die visuelle Kunstbewegung des Impressionismus parallele stilistische Entwicklungen in anderen künstlerischen Bereichen, insbesondere in der impressionistischen Musik und Literatur.

Übersicht

Die frühen Impressionisten galten zu ihrer Zeit als Bilderstürmer und stellten die etablierten Konventionen der akademischen Kunst in Frage. Sie gaben in ihren Kompositionen frei aufgetragenen Farben Vorrang vor definierten Linien und Konturen und ließen sich dabei von Künstlern wie Eugène Delacroix und J. M. W. Turner inspirieren. Darüber hinaus stellten sie alltägliche Szenen in natürlichen Umgebungen dar und führten diese Arbeiten häufig im Freien aus, um unmittelbare Wahrnehmungen einzufangen.

Historisch gesehen wurden künstlerische Produktionen, darunter Landschaften, Stillleben und Porträts, typischerweise im Atelier ausgeführt, wobei der Schwerpunkt auf akribischer Wahrhaftigkeit lag. Impressionistische Künstler entdeckten, dass die Arbeit im Freien oder im Freien es ihnen ermöglichte, die vergänglichen und flüchtigen Eigenschaften des natürlichen Lichts wiederzugeben. Ihr Ansatz konzentrierte sich eher auf umfassende visuelle Eindrücke als auf winzige Details. Sie verwendeten kurze, deutliche „gebrochene“ Pinselstriche und verwendeten sowohl gemischte als auch ungemischte Pigmente – eine Abkehr von der üblichen sanften Mischung und Schattierung –, um eine lebendige chromatische Intensität zu erzeugen.

Der Aufstieg des Impressionismus in Frankreich fiel mit der Zeit zusammen, als andere Künstler, wie der Italiener Macchiaioli und Winslow Homer in den Vereinigten Staaten, sich ebenfalls mit der Plein-Air-Malerei beschäftigten. Dennoch entwickelten die Impressionisten bestimmte, für ihre Bewegung charakteristische Techniken. Der Impressionismus wird von seinen Befürwortern als neuartiger Wahrnehmungsansatz befürwortet und verkörpert eine Kunstform, die sich durch Unmittelbarkeit, Dynamik, spontane Posen und Arrangements sowie den leuchtenden, vielfältigen Einsatz von Farbe zur Darstellung des Lichtspiels auszeichnet. Im Jahr 1876 brachte der Dichter und Kritiker Stéphane Mallarmé seine Sicht auf den aufkommenden Stil zum Ausdruck: „Das dargestellte Subjekt, das aus einem Zusammenfluss von reflektierten und sich ständig verändernden Lichtern besteht, kann nicht als konstantes Erscheinungsbild angesehen werden, sondern pulsiert vor Bewegung, Beleuchtung und Vitalität.“

Anfangs auf öffentliche Feindseligkeit gestoßen, gewann das Werk der Impressionisten trotz der Missbilligung durch Kunstkritiker nach und nach als frische und innovative künstlerische Vision an Akzeptanz und die etablierte Kunstszene. Durch die Betonung der Nachbildung der vom Betrachter erlebten visuellen Empfindung, statt auf die akribische Detaillierung des Motivs, und durch die Entwicklung einer Vielzahl unterschiedlicher Techniken und Formen diente der Impressionismus als grundlegender Vorläufer für spätere künstlerische Strömungen wie den Postimpressionismus, den Fauvismus und den Kubismus.

Die impressionistische Kunstbewegung

Die erste Impressionistenausstellung, 1874

Während der Mitte des 19. Jahrhunderts – einer Zeit, die von einer raschen Industrialisierung und tiefgreifenden gesellschaftlichen Veränderungen in Frankreich geprägt war, darunter der Wiederaufbau von Paris durch Kaiser Napoleon III. und Militärkampagnen – übte die Académie des Beaux-Arts eine erhebliche Kontrolle über die französische Kunstproduktion aus. Die Académie fungierte als Hüterin der konventionellen französischen Malstandards und diktierte sowohl die Thematik als auch den ästhetischen Ansatz. Während historische Sujets, religiöse Erzählungen und Porträts einen hohen Stellenwert hatten, fanden die Genres Landschaft und Stillleben weniger Beachtung. Die Académie bevorzugte sorgfältig gestaltete Kunstwerke, die bei genauer Betrachtung Realismus vermittelten. Kunstwerke, die dieser Ästhetik folgten, zeichneten sich durch präzise Pinselstriche aus, die sorgfältig gemischt wurden, um die individuelle Technik des Künstlers zu verschleiern. Die Farbpaletten wurden typischerweise gedämpft und häufig durch das Auftragen eines kräftigen Goldlacks noch weiter gedämpft.

Die Académie veranstaltete jährlich eine jurierte Kunstausstellung, den Salon de Paris, bei der ausstellende Künstler durch Preise, Aufträge und einen höheren beruflichen Ruf Anerkennung erlangten. Die Kriterien der Jury spiegelten die ästhetischen Grundsätze der Académie wider, die sich in den Werken von Künstlern wie Jean-Léon Gérôme und Alexandre Cabanel widerspiegeln. Diese Künstler verwendeten eine Vielzahl von Techniken und Konventionen, die in westlichen Maltraditionen seit der Renaissance verwurzelt waren – darunter lineare Perspektiven und figürliche Darstellungen aus der klassischen griechischen Kunst –, um idealisierte Darstellungen einer harmonisch strukturierten Welt zu schaffen. In den 1850er Jahren begannen jedoch bestimmte Künstler, allen voran der realistische Maler Gustave Courbet, öffentliche Aufmerksamkeit und Missbilligung der Kritiker auf sich zu ziehen, indem sie das zeitgenössische Leben darstellten, ohne sich an die von der Académie vorgeschriebene Idealisierung zu halten.

In den frühen 1860er Jahren lernten sich vier aufstrebende Maler kennen – Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley und Frédéric Bazille Studium bei dem akademischen Künstler Charles Gleyre. Gemeinsamkeiten fanden sie in ihrer Vorliebe für die Darstellung von Landschaften und zeitgenössischer Existenz gegenüber traditionellen historischen oder mythologischen Themen. Sie übernahmen eine Methodik, die Mitte des Jahrhunderts immer mehr Anklang fand und zunächst von Künstlern wie dem englischen Maler John Constable vertreten wurde, und reisten häufig in ländliche Gebiete, um Gemälde im Freien anzufertigen. Ihr Ziel weicht von der herkömmlichen Praxis ab, vorläufige Skizzen für die spätere Verfeinerung im Studio zu erstellen; Stattdessen wollten sie ihre Kunstwerke vollständig im Freien fertigstellen.

Durch die Wiedergabe von Szenen direkt aus der Natur unter natürlichem Licht und den Einsatz der zu Beginn des Jahrhunderts eingeführten leuchtenden synthetischen Pigmente kultivierten diese Künstler einen deutlich helleren und leuchtenderen Malstil. Dieser Ansatz stellte eine Weiterentwicklung über den von Courbet und der Schule von Barbizon vertretenen Realismus hinaus dar. Das Café Guerbois in der Avenue de Clichy in Paris diente diesen Künstlern als häufiger Treffpunkt, wo Édouard Manet, der von der jüngeren Generation hoch geschätzt wurde, oft den intellektuellen Austausch leitete. Später schlossen sich auch Camille Pissarro, Paul Cézanne und Armand Guillaumin der Gruppe an.

In den 1860er Jahren lehnte die Jury des Salons immer wieder etwa die Hälfte der Einsendungen von Monet und seinen Mitarbeitern ab und gab Kunstwerken den Vorzug, die der offiziell genehmigten Ästhetik entsprachen. Im Jahr 1863 wurde Manets Le déjeuner sur l'herbe (Das Mittagessen im Gras) von der Jury des Salons insbesondere aufgrund der Darstellung einer nackten Frau neben zwei bekleideten Männern bei einem Picknick abgelehnt. Obwohl die Jury des Salons typischerweise Akte in historischen und allegorischen Kontexten genehmigte, tadelte sie Manet dafür, dass er eine realistische Aktfigur in einem zeitgenössischen Tableau präsentierte. Die scharf formulierte Verurteilung von Manets Gemälde durch die Jury löste bei seinen Unterstützern Empörung aus, und die außergewöhnlich hohe Zahl abgelehnter Werke in diesem Jahr löste in der französischen Künstlergemeinschaft erhebliche Unruhe aus.

Nachdem Kaiser Napoleon III. die abgelehnten Einreichungen im Jahr 1863 überprüft hatte, erließ er ein Dekret, das eine öffentliche Bewertung der Kunstwerke erlaubte, was zur Gründung des Salon des Refusés (Salon der Verweigerten) führte. Obwohl ein erheblicher Teil der Besucher ursprünglich zum Vergnügen kam, war es dem Salon des Refusés gelungen, die Entstehung einer neuartigen künstlerischen Richtung hervorzuheben und mehr Besucher anzulocken als der offizielle Salon.

Spätere Anträge von Künstlern für zusätzliche Salons des Refusés in den Jahren 1867 und 1872 blieben erfolglos. Infolgedessen gründeten Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Cézanne, Berthe Morisot, Edgar Degas und mehrere andere Künstler im Dezember 1873 die Société anonyme des artistes peintres, sculpteurs,graveurs usw., um ihre Kreationen unabhängig zu präsentieren. Die Mitgliedschaft in diesem Verein erforderte die Nichtteilnahme am offiziellen Salon. Die Organisatoren luden für ihre Eröffnungsausstellung verschiedene andere progressive Künstler ein, darunter den älteren Eugène Boudin, dessen künstlerische Praxis Monet zuvor dazu inspiriert hatte, sich der Freilichtmalerei zu widmen. Johan Jongkind, ein weiterer Maler, der Monet und seinen Kreis maßgeblich beeinflusste, verzichtete jedoch auf eine Teilnahme, eine Entscheidung, die auch Édouard Manet traf. Letztendlich trugen dreißig Künstler zu ihrer ersten Ausstellung bei, die im April 1874 im Atelier des Fotografen Nadar stattfand.

Kritische Rezeption des Impressionismus

Die anfängliche kritische Aufnahme war unterschiedlich. Vor allem Monet und Cézanne sahen sich heftiger Kritik ausgesetzt. Louis Leroy, ein Kritiker und Humorist, veröffentlichte eine vernichtende Rezension in der Zeitung Le Charivari, in der er den Begriff prägte, unter dem die Künstler bekannt werden sollten, indem er ein Wortspiel aus dem Titel von Claude Monets Impression, Sunrise (Impression, soleil levant) verwendete. In seinem Artikel mit dem spöttischen Titel „Die Ausstellung der Impressionisten“ behauptete er, dass Monets Gemälde lediglich eine Skizze sei und kaum als vollständiges Kunstwerk angesehen werden könne.

Seine Kritik wurde als Dialog zwischen Beobachtern präsentiert und enthielt die folgenden Bemerkungen:

"Eindruck – da war ich mir sicher. Da ich beeindruckt war, sagte ich mir nur, dass da ein Eindruck darin sein musste ... und was für eine Freiheit, was für eine einfache Verarbeitung! Tapeten in ihrem embryonalen Zustand sind fertiger als diese Meereslandschaft."

Die Bezeichnung Impressionist erlangte schnell öffentliche Akzeptanz. Trotz ihrer stilistischen und temperamentvollen Vielfalt übernahmen die Künstler selbst den Begriff, vor allem vereint durch ihr gemeinsames Ethos der Unabhängigkeit und Rebellion. Zwischen 1874 und 1886 veranstaltete die Gruppe trotz schwankender Mitgliederzahlen acht gemeinsame Ausstellungen. Der durch lockere, spontane Pinselstriche geprägte impressionistische Stil wurde bald zum Symbol des modernen Lebens. Monet, Sisley, Morisot und Pissarro werden oft als die „reinsten“ Vertreter des Impressionismus angesehen, die konsequent eine Ästhetik verfolgen, die auf Spontaneität, Licht und chromatischem Ausdruck basiert. Im Gegensatz dazu lehnte Degas diese Grundsätze weitgehend ab, indem er der Zeichnung Vorrang vor der Farbe einräumte und die Freilichtmalerei herabwürdigte. Renoir distanzierte sich in den 1980er-Jahren vorübergehend vom Impressionismus und bekehrte sich nie wieder vollständig zu seinen Grundprinzipien. Obwohl Édouard Manet von den Impressionisten als führend angesehen wurde, behielt er seine charakteristische Verwendung von Schwarz als Farbe bei (eine Praxis, die von Impressionisten im Allgemeinen gemieden wurde, die gemischte Farbtöne für dunklere Töne bevorzugten) und nahm nie an ihren Gemeinschaftsausstellungen teil. Er reichte seine Kunst beharrlich beim Salon ein, wo sein Werk „Spanish Singer“ 1861 eine Medaille zweiter Klasse erhalten hatte, und ermutigte seine Kollegen, diesem Beispiel zu folgen, indem er behauptete, dass „der Salon das eigentliche Schlachtfeld“ sei, um künstlerisches Ansehen zu erlangen.

Die Kerngruppe der Künstler nahm zunehmend ab. Bazille zum Beispiel kam 1870 im Deutsch-Französischen Krieg ums Leben. Weitere Überläufer folgten, als Cézanne, zusammen mit Renoir, Sisley und Monet, sich aus den Gemeinschaftsausstellungen zurückzog, um ihre Werke unabhängig im Salon einzureichen. Es kam zu internen Streitigkeiten über Angelegenheiten wie Guillaumins Aufnahme in die Gruppe, eine Mitgliedschaft, die von Pissarro und Cézanne befürwortet, aber von Monet und Degas abgelehnt wurde, die ihn für unwürdig hielten. Im Jahr 1879 lud Degas Mary Cassatt ein, ihre Kunst auszustellen, doch er bestand auch kontrovers darauf, Jean-François Raffaëlli, Ludovic Lepic und andere Realisten einzubeziehen, deren Stile von den Prinzipien des Impressionismus abwichen, was Monet 1880 dazu veranlasste, die Impressionisten dafür zu kritisieren, dass sie „die Türen für die ersten Maler öffneten“.

Folglich fand die siebte Pariser Impressionistenausstellung in statt Das Jahr 1882 erwies sich als das exklusivste und zeigte Werke von nur neun Künstlern, die als „echte“ Impressionisten galten: Gustave Caillebotte, Paul Gauguin, Armand Guillaumin, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley und Victor Vignon. Anschließend kam es zu einer weiteren Zersplitterung der Gruppe im Zusammenhang mit den Einladungen an Paul Signac und Georges Seurat, an der achten Impressionisten-Ausstellung im Jahr 1886 teilzunehmen. Bemerkenswert ist, dass Pissarro der einzige Künstler war, der an allen acht Pariser Impressionisten-Ausstellungen teilnahm.

Kommerzieller Empfang

Während die Impressionisten-Ausstellungen für einzelne Künstler nur begrenzte finanzielle Erträge brachten, erlangten ihre Werke nach und nach öffentliche Akzeptanz und Förderung. Paul Durand-Ruel, ihr Kunsthändler, war maßgeblich daran beteiligt, die öffentliche Sichtbarkeit und Zugänglichkeit impressionistischer Werke für das französische Publikum aufrechtzuerhalten. Darüber hinaus organisierte er Ausstellungen für die Pariser Impressionisten in London und New York. Trotz Sisleys Tod in Armut im Jahr 1899 erzielte Renoir 1879 im Salon bedeutende Erfolge. Monet erreichte Anfang der 1880er Jahre finanzielle Stabilität, einen Status, den Pissarro Anfang der 1890er Jahre erreichte. Gleichzeitig setzten sich in der Salonkunst verwässerte Formen impressionistischer Maltechniken durch.

Interpretationen des Impressionismus im 20. Jahrhundert

Der Impressionismus, eine bedeutende Kunstrichtung des 19. Jahrhunderts, sah sich zu Beginn des 20. Jahrhunderts mit veränderten Perspektiven hinsichtlich der öffentlichen Ausstellung seiner künstlerischen Werke konfrontiert. Françoise Cachin plädierte für die Kontextualisierung des Impressionismus durch die strategische Anordnung historischer Objekte und schlug damit eine Erzählung des künstlerischen Fortschritts vor. Im Sommer 1945 vertraten René Huyghe und Georges Salles den Impressionismus als typisch französische Kunst und zeigten Werke seiner wichtigsten Künstler neben denen historischer französischer Meister. Dieser kuratorische Ansatz begründete eine direkte ästhetische Linie und verknüpfte französische Kunstschulen mit der umfassenderen historischen Erzählung der französischen Nation. Sie erkannten die Erwartungen der Alliierten nach dem Zweiten Weltkrieg an ein postnationalistisches, humanistisches Ethos. Über die Aufklärung der Öffentlichkeit über die französische Kunstgeschichte hinaus wurden impressionistische Kunstwerke nur dann hervorgehoben, wenn sie als Meisterwerke galten, die für den Unterricht geeignet waren. Die französische Bourgeoisie, die einen geradlinigen Realismus bevorzugte, stellte fest, dass die Kernkünstler des Impressionismus nie behaupteten, ihre Werke vermittelten intellektuelles oder moralisches Urteilsvermögen. Infolgedessen wurde der Impressionismus zusammen mit anderen Kunstformen des frühen 19. Jahrhunderts oft auf den Status großformatiger epischer Schöpfungen verwiesen, die für den Salon oder Staatsausstellungen bestimmt waren. Gleichzeitig wurde Kurator Jean Cassou damit beauftragt, Kunstwerke zu erwerben, um das neu gegründete Musée National d'Art Moderne zu bevölkern.

Impressionistische künstlerische Techniken

Mehrere französische Maler legten den Grundstein für den Impressionismus, insbesondere der romantische Kolorist Eugène Delacroix, der führende Realist Gustave Courbet und Künstler der Barbizon-Schule wie Théodore Rousseau. Impressionisten ließen sich maßgeblich von den Werken von Johan Barthold Jongkind, Jean-Baptiste-Camille Corot und Eugène Boudin inspirieren. Diese Vorläufer malten direkt nach der Natur mit einem spontanen Stil, der den Impressionismus vorwegnahm, und sie betreuten und berieten auch die jüngere Künstlergeneration.

Der unverwechselbare und innovative Stil der Impressionisten wurde durch eine Sammlung identifizierbarer Techniken und künstlerischer Praktiken geprägt. Während diese Methoden bereits zuvor von Künstlern angewendet wurden – und insbesondere in den Werken von Persönlichkeiten wie Frans Hals, Diego Velázquez, Peter Paul Rubens, John Constable und J. M. W. Turner – die Impressionisten leisteten Pionierarbeit bei deren umfassender und konsequenter Anwendung. Zu den wichtigsten Techniken gehören:

• Künstler verwendeten kurze, dicke Pinselstriche, um das Wesentliche des Motivs schnell zu vermitteln, wobei der Gesamteindruck Vorrang vor komplizierten Details hatte. Die Farbe wurde häufig mit der Impasto-Technik aufgetragen.
• Farben wurden mit minimaler Mischung gegenübergestellt, einer Methode, die das Prinzip des gleichzeitigen Kontrasts nutzt, um die wahrgenommene Lebendigkeit der Farbtöne für den Betrachter zu verstärken.
• Grautöne und dunklere Töne wurden durch die Beimischung von Komplementärfarben erzielt. Der reine Impressionismus verzichtete charakteristischerweise auf die Verwendung schwarzer Farbe.
• Nass-in-Nass-Auftrag, bei dem nachfolgende Farbschichten aufgetragen werden, bevor die vorherigen trocknen, führte zu weicheren Kanten und einem harmonischen Zusammenspiel der Farben.
• Impressionistische Werke nutzten im Allgemeinen nicht die Transparenz dünner Farbfilme oder Lasuren, die frühere Künstler sorgfältig manipulierten, um bestimmte Effekte zu erzielen. Die Oberfläche eines impressionistischen Gemäldes ist charakteristischerweise undurchsichtig.
• Die Farbe wurde auf einen weißen oder hellen Untergrund aufgetragen, eine Abkehr von den dunkelgrauen oder intensiv gefärbten Untergründen, die frühere Maler häufig verwendeten.
• Der Schwerpunkt lag auf dem Zusammenspiel des natürlichen Lichts und der sorgfältigen Beobachtung der Farbreflexionen zwischen den Objekten. Künstler malten häufig abends, um effets de soir einzufangen – die charakteristischen schattigen Qualitäten der Dämmerung oder Dämmerung.
• Bei Gemälden, die im Freien (im Freien) ausgeführt wurden, wurden Schatten mithilfe des reflektierten Blaus des Himmels auf Oberflächen kräftig wiedergegeben, was dem Kunstwerk ein beispielloses Gefühl von Frische verlieh. Diese Technik wurde insbesondere durch die Beobachtung blauer Schatten auf Schnee inspiriert.

Technologische Fortschritte haben die Entwicklung des impressionistischen Stils maßgeblich beeinflusst. Impressionisten nutzten die Innovation der Mitte des 19. Jahrhunderts vorgemischten Farben, die in Blechtuben verpackt waren, ähnlich den heutigen Zahnpastatuben. Diese Innovation ermöglichte den Künstlern mehr Spontaneität und ermöglichte es ihnen, sowohl draußen als auch drinnen einfacher zu arbeiten. Zuvor stellten Maler ihre Farben aufwändig selbst her, indem sie trockene Pigmentpulver mahlten, sie mit Leinöl vermischten und diese Mischungen anschließend in Tierblasen lagerten.

Das 19. Jahrhundert markierte die kommerzielle Einführung zahlreicher leuchtender synthetischer Pigmente für Künstler. Vor dem Aufkommen des Impressionismus, in den 1840er Jahren, verwendeten Künstler bereits Farben wie Kobaltblau, Viridian, Cadmiumgelb und synthetisches Ultramarinblau. Anschließend nutzten impressionistische Maler diese Pigmente neben noch neueren Farbtönen wie Himmelblau, die in den 1860er Jahren kommerziell erhältlich wurden, um ihren unverwechselbaren, kühnen Stil zu erreichen.

Die Entwicklung eines helleren Malstils unter den Impressionisten vollzog sich schrittweise. In den 1860er Jahren verwendeten Künstler wie Monet und Renoir gelegentlich Leinwände, die mit herkömmlichem rotbraunem oder grauem Grund grundiert waren. In den 1870er Jahren entschieden sich Monet, Renoir und Pissarro jedoch häufig für hellere Grau- oder Beigetöne, die als Mittelton im fertigen Kunstwerk dienten. In den 1880er Jahren entwickelten einige Impressionisten eine Vorliebe für weiße oder cremefarbene Grundfarben, wodurch der Einfluss der Grundfarbe auf die endgültige Komposition verringert wurde.

Thematische Inhalte und kompositorische Ansätze

Als Reaktion auf das Aufkommen der Moderne untersuchten impressionistische Künstler ein vielfältiges Spektrum nicht-akademischer Themen, darunter Freizeitaktivitäten der Mittelschicht und urbane Motive wie Bahnhöfe, Cafés, Bordelle, Theater und Tanzlokale. Ihre Inspiration erstreckte sich auf die neu erweiterten Pariser Alleen, die von modernen Hochhäusern flankiert wurden und zahlreiche Möglichkeiten boten, lebhafte Menschenmengen, öffentliche Vergnügungen und künstliche nächtliche Beleuchtung in geschlossenen Umgebungen darzustellen.

Zum Beispiel Caillebottes Pariser Straße; Rainy Day (1877) ist ein Beispiel für eine moderne Sensibilität, indem es die individuelle Isolation innerhalb der weitläufigen städtischen Architektur und Räume hervorhebt. Darüber hinaus integrierten die Impressionisten in ihren Landschaftsdarstellungen bereitwillig die aufstrebenden Fabriken, die die ländliche Landschaft prägen. Im Gegensatz dazu verzichteten frühere Landschaftskünstler in der Regel auf Schornsteine ​​und andere industrielle Markierungen, da sie der natürlichen Harmonie abträglich und für die künstlerische Darstellung ungeeignet waren.

Vor der impressionistischen Bewegung konzentrierten sich Künstler wie der niederländische Maler Jan Steen aus dem 17. Jahrhundert ebenfalls auf alltägliche Themen, doch ihre kompositorischen Ansätze blieben konventionell. Diese früheren Künstler strukturierten ihre Kompositionen so, dass das Hauptthema den Blick des Betrachters dominierte. Obwohl J. M. W. Turner ein Künstler der Romantik war, ließen seine Werke impressionistische Stilelemente erahnen. Umgekehrt verwischten Impressionisten die Unterscheidung zwischen Vordergrund und Hintergrund und erzeugten oft einen Effekt, der einem spontanen Schnappschuss ähnelte und wie durch Zufall einen Ausschnitt einer größeren Realität einfing. Die zunehmende Beliebtheit der Fotografie, gepaart mit der verbesserten Portabilität von Kameras, führte zu ehrlicheren fotografischen Darstellungen. Diese fotografische Entwicklung veranlasste die Impressionisten dazu, vergängliche Momente darzustellen, die sich nicht nur im flüchtigen Licht von Landschaften, sondern auch in den alltäglichen Aktivitäten einzelner Personen zeigten.

Das Aufkommen des Impressionismus kann teilweise als künstlerische Antwort auf die wahrgenommene Herausforderung verstanden werden, die die Fotografie darstellte, die den Wert der Fähigkeit eines Künstlers, die Realität nachzubilden, zu mindern schien. Folglich galten sowohl Porträt- als auch Landschaftsmalerei als etwas unzureichend und weniger wahrheitsgetreu, da die Fotografie „lebensechte Bilder viel effizienter und zuverlässiger erzeugte“.

Trotzdem regte die Fotografie Künstler paradoxerweise dazu an, alternative Wege des kreativen Ausdrucks zu erkunden. Anstatt mit der Fotografie um die Nachahmung der Realität zu wetteifern, konzentrierten sich Künstler „auf das Eine, was sie unweigerlich besser können als die Fotografie – indem sie ihre Subjektivität in der Konzeption des Bildes, genau die Subjektivität, die die Fotografie beseitigt hat, zu einer Kunstform weiterentwickeln“. Ziel der Impressionisten war es, ihre subjektive Wahrnehmung der Natur zu vermitteln, anstatt präzise Reproduktionen zu erstellen. Dieser Ansatz ermöglichte es Künstlern, ihre Beobachtungen subjektiv wiederzugeben, geleitet von ihren „stillschweigenden Imperativen des Geschmacks und des Gewissens“. Die Fotografie veranlasste Maler auch dazu, Elemente zu nutzen, die dem Medium der Malerei innewohnten, etwa die Farbe, die der Fotografie damals fehlte. Tatsächlich „waren die Impressionisten die ersten, die bewusst eine subjektive Alternative zur Fotografie anboten“.

Japanische Ukiyo-e-Kunstdrucke, ein Phänomen, das als Japonismus bekannt ist, stellten einen weiteren bedeutenden Einfluss dar. Die ästhetischen Prinzipien dieser Drucke prägten maßgeblich die charakteristischen „Momentaufnahme“-Perspektiven und unkonventionellen Kompositionsstrukturen, die im Impressionismus vorherrschen. Monets Jardin à Sainte-Adresse (1867) beispielsweise veranschaulicht diesen Einfluss durch seine auffälligen Farbblöcke und eine Komposition mit einer ausgeprägten diagonalen Neigung, die die japanische Druckästhetik widerspiegelt.

Edgar Degas war ein begeisterter Fotograf und Kenner japanischer Drucke. Seine 1874 entstandene The Dance Class (La classe de danse) demonstriert beide Einflüsse durch seine asymmetrische Kompositionsstruktur. Die Tänzer scheinen in einer Reihe unkonventioneller Haltungen überrascht zu sein, was zu einer deutlichen Leere im unteren rechten Quadranten der Bodenfläche führt. Darüber hinaus stellte er seine Tänzer skulptural dar, wie beispielsweise die Kleine vierzehnjährige Tänzerin.

Weibliche Impressionistinnen

Impressionisten versuchten mit unterschiedlichem Schwerpunkt, Wahrnehmungsphänomene und moderne Themen darzustellen. Weibliche Impressionisten teilten diese künstlerischen Ambitionen, waren jedoch im Gegensatz zu ihren männlichen Kollegen mit zahlreichen gesellschaftlichen und beruflichen Zwängen konfrontiert. Sie fehlten insbesondere in Darstellungen des bürgerlichen sozialen Milieus, einschließlich Boulevards, Cafés und Tanzlokalen.

Frauen wurden nicht nur von bestimmten Bildern ausgeschlossen, sondern auch von den entscheidenden Diskussionen, die an solchen Veranstaltungsorten stattfanden. Diese Zusammenkünfte dienten männlichen Impressionisten als entscheidende Foren zur Entwicklung und Verbreitung ihrer künstlerischen Konzepte. In akademischen Kreisen galten Frauen als unfähig, sich mit komplizierten Themen auseinanderzusetzen, was die Dozenten dazu veranlasste, den Umfang der Lehrpläne ihrer Studentinnen einzuschränken. Darüber hinaus galt künstlerische Exzellenz als unweiblich, da man damals allgemein davon ausging, dass die primären Fähigkeiten von Frauen in der häuslichen und mütterlichen Rolle lagen.

Trotzdem erlangten mehrere Frauen im Laufe ihres Lebens Anerkennung, obwohl ihre Karriere von persönlichen Umständen beeinflusst wurde; Marie Bracquemonds Ehemann beispielsweise verübelte ihr künstlerisches Streben, was sie schließlich dazu veranlasste, die Malerei aufzugeben. Die vier bekanntesten Persönlichkeiten – Mary Cassatt, Eva Gonzalès, Marie Bracquemond und Berthe Morisot – werden und wurden in der Vergangenheit häufig als „Impressionistinnen“ bezeichnet. Ihre Beteiligung an den acht Impressionistenausstellungen, die zwischen 1874 und 1886 in Paris stattfanden, war unterschiedlich: Morisot stellte in sieben aus, Cassatt in vier, Bracquemond in drei, während Gonzalès nicht teilnahm.

Zeitgenössische Kritiker gruppierten diese vier Künstler oft in Gruppen und ignorierten dabei ihre individuellen Stile, Techniken oder thematischen Anliegen. Rezensenten ihrer Ausstellungsstücke versuchten häufig, die Fähigkeiten der Künstlerinnen zu loben, beschränkten sie jedoch auf eine restriktive Konzeptualisierung von Weiblichkeit. Der Pariser Kritiker S.C. de Soissons plädierte für die Kongruenz der impressionistischen Technik mit weiblichen Wahrnehmungsweisen und formulierte:

Man kann verstehen, dass Frauen keine Originalität im Denken haben und dass Literatur und Musik keinen weiblichen Charakter haben; Aber sicherlich wissen Frauen, wie man beobachtet, und was sie sehen, ist ganz anders als das, was Männer sehen, und die Kunst, die sie in ihre Gesten, in ihre Toilette, in die Dekoration ihrer Umgebung stecken, reicht aus, um die Vorstellung eines instinktiven, eines besonderen Genies zu vermitteln, das in jedem von ihnen steckt.

Obwohl der Impressionismus das häusliche gesellschaftliche Leben als legitimes Thema anerkannte, einen Bereich, mit dem Frauen sehr vertraut waren, tendierte er gleichzeitig dazu, sie auf diesen thematischen Bereich zu beschränken. In den Ausstellungen wurden vor allem Darstellungen häufig erkennbarer Dargestellter in häuslichen Umgebungen gezeigt, ein Genre, das Aufträge einbringen konnte. Bei den dargestellten Motiven handelte es sich häufig um Frauen, die sich durch ihren Blick oder ihre Handlungen mit ihrer Umgebung auseinandersetzten. Insbesondere Cassatt zeigte einen bewussten Ansatz bei der Platzierung von Motiven: Sie schützte ihre überwiegend weiblichen Figuren vor Objektivierung und stereotyper Darstellung; Wenn sie nicht gerade lesen, werden sie gezeigt, wie sie sich unterhalten, nähen oder Tee trinken. wenn sie inaktiv sind, scheinen sie in Kontemplation versunken zu sein.

Weibliche Impressionisten suchten, ähnlich wie ihre männlichen Kollegen, nach der „Wahrheit“ durch neuartige Wahrnehmungsansätze und innovative Malmethoden; Jeder Künstler pflegte einen eigenen Bildstil. Impressionistinnen, insbesondere Morisot und Cassatt, zeigten ein Bewusstsein für die Machtdynamik zwischen Frauen und Objekten in ihren Kompositionen – die porträtierten bürgerlichen Frauen werden nicht nur durch dekorative Elemente definiert; Vielmehr engagieren sie sich in ihrer häuslichen Umgebung und behaupten ihre Entscheidungsfreiheit. In ihren Darstellungen von Frauen, die gleichzeitig bequem und auf subtile Weise eingeschränkt wirken, gibt es zahlreiche Parallelen. Gonzalès‘ Loge in der italienischen Oper zeigt eine Frau, die in die Ferne blickt und sich scheinbar in einem gesellschaftlichen Umfeld wohl fühlt, jedoch durch die Opernloge und die daneben stehende männliche Figur eingeschränkt wird. Cassatts Junges Mädchen am Fenster vermittelt zwar eine hellere Farbpalette, vermittelt aber in ähnlicher Weise ein Gefühl der Gefangenschaft, da die Figur beim Betrachten des Äußeren durch den Leinwandrand eingeschränkt wird.

Trotz ihrer beruflichen Erfolge und der Charakterisierung des Impressionismus als von Natur aus weiblich – aufgrund seiner wahrgenommenen Sinnlichkeit, seiner Abhängigkeit von Empfindungen, Körperlichkeit und Fluidität – wurden die vier prominenten Künstlerinnen zusammen mit anderen weniger anerkannten Impressionistinnen aus kunsthistorischen Erzählungen über impressionistische Künstler weitgehend ausgeschlossen. Dieses Versäumnis blieb bis zur Veröffentlichung von Tamar Garbs Impressionistinnen im Jahr 1986 bestehen. Beispielsweise enthielt Jean Leymaries Werk Impressionismus aus dem Jahr 1955 keine Informationen über impressionistische Malerinnen.

Der Malerin Androniqi Zengo Antoniu wird gemeinsam die Einführung des Impressionismus in Albanien zugeschrieben.

Prominente Impressionisten

Die wichtigsten Persönlichkeiten, die maßgeblich zur Entwicklung des Impressionismus in Frankreich beigetragen haben, sind nachstehend alphabetisch aufgeführt:

• Frédéric Bazille (1841–1870), dessen Teilnahme an impressionistischen Ausstellungen posthum erfolgte.
• Gustave Caillebotte (1848–1894), der jünger als seine Zeitgenossen war, schloss sich der Gruppe Mitte der 1870er Jahre an.
• Mary Cassatt (1844–1926), eine in Amerika geborene Künstlerin, die in Paris lebte und in vier impressionistischen Ausstellungen ausstellte.
• Paul Cézanne (1839–1906), der sich später von der impressionistischen Bewegung abwandte.
• Edgar Degas (1834–1917), der seine Verachtung für die Bezeichnung Impressionist zum Ausdruck brachte.
• Armand Guillaumin (1841–1927).
• Édouard Manet (1832–1883), der an keiner der impressionistischen Ausstellungen teilnahm.
• Claude Monet (1840–1926), gilt als der produktivste unter den Impressionisten und der Künstler, der ihre ästhetischen Prinzipien am deutlichsten verkörperte.
• Berthe Morisot (1841–1895), die an allen impressionistischen Ausstellungen außer der von 1879 teilnahm.
• Camille Pissarro (1830–1903), bekannt als einziger Künstler, der in allen acht Impressionistenausstellungen ausstellte.
• Pierre-Auguste Renoir (1841–1919), der 1874, 1876, 1877 und 1882 in impressionistischen Ausstellungen ausstellte.
• Alfred Sisley (1839–1899).

Chronologie der Leben impressionistischer Künstler

Galerie

Assoziierte und beeinflusste Künstler

Unter den engen Vertrauten der Impressionisten ist Victor Vignon der einzige Künstler außerhalb der Kerngruppe prominenter Namen, der an der exklusiven Siebten Pariser Impressionistenausstellung im Jahr 1882 teilnahm. Diese besondere Ausstellung stellte eine bewusste Ablehnung früherer, weniger restriktiver Ausstellungen dar, die hauptsächlich von Degas organisiert wurden. Vignon, ursprünglich aus der Corot-Schule, pflegte eine Freundschaft mit Camille Pissarro, deren Einfluss in Vignons impressionistischem Stil nach den späten 1870er Jahren erkennbar ist, und war auch ein Freund des Postimpressionisten Vincent van Gogh.

Mehrere andere enge Mitarbeiter der Impressionisten übernahmen deren Methoden in unterschiedlichem Maße. Dazu gehörten Jean-Louis Forain, der 1879, 1880, 1881 und 1886 in impressionistischen Ausstellungen ausstellte, und Giuseppe De Nittis, ein in Paris lebender italienischer Künstler. De Nittis nahm auf Einladung von Degas an der ersten Impressionistenausstellung teil, obwohl andere Impressionisten seine Arbeit missbilligten. Federico Zandomeneghi, ein weiterer italienischer Freund von Degas, stellte ebenfalls mit den Impressionisten aus. Eva Gonzalès, eine Anhängerin von Manet, stellte nicht mit der Gruppe aus.

James Abbott McNeill Whistler, ein in Amerika geborener Maler, leistete einen Beitrag zum Impressionismus, obwohl er der Gruppe nicht offiziell beitrat und gedämpfte Farbpaletten bevorzugte. Walter Sickert, ein englischer Künstler, folgte zunächst Whistler, bevor er ein bedeutender Schüler von Degas wurde. Er stellte nicht mit den Impressionisten aus. Im Jahr 1904 verfasste der Künstler und Schriftsteller Wynford Dewhurst die erste umfassende Studie über französische Maler, die in englischer Sprache veröffentlicht wurde: Impressionist Painting: its genesis and development, die wesentlich zur Popularisierung des Impressionismus in Großbritannien beitrug.

In den frühen 1880er Jahren begannen impressionistische Techniken, zumindest oberflächlich, die im Salon ausgestellte Kunst zu beeinflussen. Modemaler wie Jean Béraud und Henri Gervex erzielten kritischen und finanziellen Erfolg, indem sie ihre Paletten aufhellten und gleichzeitig die glatte Oberfläche der Salonkunst bewahrten. Werke dieser Künstler werden gelegentlich informell als Impressionismus kategorisiert, ungeachtet ihrer erheblichen Abweichung von den Kernpraktiken des Impressionismus.

Der Einfluss der französischen Impressionisten hielt lange nach dem Tod der meisten ursprünglichen Mitglieder an. Künstler wie J.D. Kirszenbaum verwendeten im gesamten 20. Jahrhundert weiterhin impressionistische Techniken.

Jenseits von Frankreich

Als sich der Einfluss des Impressionismus international über Frankreich hinaus ausdehnte, wurden zahlreiche Künstler, die zu umfangreich waren, um sie umfassend aufzuzählen, als Praktiker dieses sich entwickelnden Stils identifiziert. Zu den bemerkenswerteren Beispielen gehören:

• Prominente amerikanische Impressionisten waren Mary Cassatt, William Merritt Chase, Frederick Carl Frieseke, Childe Hassam, Willard Metcalf, Lilla Cabot Perry, Theodore Robinson, Edmund Charles Tarbell, John Henry Twachtman, Catherine Wiley und J. Alden Weir.
• Zu den australischen Impressionisten gehörten Künstler wie Tom Roberts, Arthur Streeton, Walter Withers, Charles Conder, Frederick McCubbin und E. Phillips Fox, allesamt namhafte Mitglieder der Heidelberger Schule, sowie John Russell, der Freundschaften mit Van Gogh, Rodin, Monet und Matisse pflegte.
• In den Niederlanden gehörten zu den Amsterdamer Impressionisten George Hendrik Breitner, Isaac Israëls, Willem Bastiaan Tholen, Willem de Zwart, Willem Witsen, Marie Henry Mackenzie und Jan Toorop.
• Zur kalifornischen Impressionistenbewegung gehörten Künstler wie William Wendt, Guy Rose, Alson Clark, Donna N. Schuster und Sam Hyde Harris.
• Zu den belgischen Impressionistenmalern gehörten Anna Boch, Eugène Boch (ein Freund von Vincent van Gogh), Georges Lemmen und Théo van Rysselberghe.
• Die slowenischen Impressionisten, darunter Ivan Grohar, Rihard Jakopič, Matija Jama und Matej Sternen, stammten aus der Schule von Anton Ažbe in München und wurden maßgeblich von Jurij Šubic und Ivana Kobilca beeinflusst, die in Paris tätige slowenische Maler waren.
• Wynford Dewhurst, Walter Richard Sickert und Philip Wilson Steer waren bekannte impressionistische Maler aus dem Vereinigten Königreich. Darüber hinaus fungierte Pierre Adolphe Valette, ein in Frankreich geborener Künstler, der in Manchester arbeitete, als Lehrer von L. S. Lowry.
• Zu den deutschen Impressionisten gehörten Max Liebermann, Lovis Corinth, Ernst Oppler, Max Slevogt und August von Brandis.
• In Ungarn waren László Mednyánszky und Pál Szinyei-Merse prominente Impressionisten.
• Theodor von Ehrmanns und Hugo Charlemont repräsentierten eine weniger verbreitete impressionistische Präsenz unter den vorwiegend Wiener Secessionisten-Malern in Österreich.
• Zu den irischen Impressionisten gehörten William John Leech, Roderic O'Conor und Walter Osborne.
• In Russland waren Konstantin Korowin und Walentin Serow bedeutende Künstler des Impressionismus.
• Francisco Oller y Cestero, ein gebürtiger Puerto Rico, war für seine Freundschaften mit Pissarro und Cézanne bekannt.
• James Nairn war ein impressionistischer Künstler in Neuseeland.
• William McTaggart war ein schottischer Impressionist.
• Die kanadischen Künstler Maurice Cullen, Laura Muntz Lyall und Helen McNicoll wurden mit dem Impressionismus in Verbindung gebracht.
• Władysław Podkowiński war ein polnischer Künstler, der sowohl für impressionistische als auch symbolistische Werke bekannt war.
• Nicolae Grigorescu war ein impressionistischer Maler in Rumänien.
• Nazmi Ziya Güran wird die Einführung des Impressionismus in der Türkei zugeschrieben.
• Chafik Charobim war ein impressionistischer Künstler in Ägypten.
• Eliseu Visconti war eine brasilianische Impressionistin.
• In Spanien waren Joaquín Sorolla und Fermín Arango bemerkenswerte Impressionisten.
• Zu den argentinischen Impressionisten gehörten Faustino Brughetti, Fernando Fader, Candido Lopez, Martín Malharro, Walter de Navazio und Ramón Silva.
• Die Skagen-Maler waren eine Gruppe skandinavischer Künstler, die in einem kleinen dänischen Fischerdorf arbeiteten.
• Zu den serbischen Impressionisten gehörten Nadežda Petrović, Milo Milunović, Kosta Miličević, Milan Milovanović und Mališa Glišić.
• Ásgrímur Jónsson war ein impressionistischer Künstler in Island.
• Fujishima Takeji war ein impressionistischer Maler in Japan.
• Frits Thaulow war ein impressionistischer Künstler, der in Norwegen und später in Frankreich tätig war.

Der Impressionismus weitete seinen Einfluss auf verschiedene andere künstlerische Medien aus.

Skulptur

Obwohl Edgar Degas zu seinen Lebzeiten vor allem als Maler anerkannt war, wagte er sich in den 1880er Jahren an die Bildhauerei und schuf etwa 150 Werke. Er bevorzugte Wachs als Medium wegen seiner Formbarkeit, die Änderungen, Neustarts und eine tiefere Erforschung des Modellierungsprozesses erleichterte. Nur eine seiner Skulpturen, Kleine Tänzerin von vierzehn Jahren, wurde zu seinen Lebzeiten öffentlich ausgestellt und erschien auf der Sechsten Impressionistenausstellung im Jahr 1881. Dieses Stück, Kleine Tänzerin, löste erhebliche kritische Debatten aus; Einige betrachteten es als eine revolutionäre Herausforderung für bildhauerische Konventionen, ähnlich dem Einfluss des Impressionismus auf die Malerei, während andere es als ästhetisch unbefriedigend empfanden. Nach Degas‘ Tod im Jahr 1917 genehmigte sein Nachlass die Herstellung von Bronzegüssen aus 73 seiner skulpturalen Werke.

Der Bildhauer Auguste Rodin wird aufgrund seiner Technik, grob modellierte Oberflächen zu verwenden, um flüchtige Lichteffekte hervorzurufen, gelegentlich als Impressionist eingestuft. Medardo Rosso, ein weiterer Bildhauer, wurde ebenfalls als Impressionist beschrieben.

Bestimmte russische Künstler schufen impressionistische Tierskulpturen mit dem Ziel, von traditionellen künstlerischen Konventionen abzuweichen. Diese Werke zeichnen sich dadurch aus, dass sie Vögeln und anderen Lebewesen neuartige spirituelle Qualitäten zuschreiben.

Fotografie und Film

Obwohl Edgar Degas vor allem für seine Gemälde und Skulpturen bekannt war, beschäftigte er sich in seinem späteren Leben auch mit der Fotografie. Seine fotografischen Arbeiten wurden zu seinen Lebzeiten weder ausgestellt noch posthum allgemein gewürdigt; Das wissenschaftliche Interesse an ihnen entstand erst im späten 20. Jahrhundert.

Fotografen, die mit dem Piktorialismus in Verbindung stehen, einer Bewegung, die sich durch die Verwendung von Weichzeichner und atmosphärischen Effekten auszeichnet, wurden ebenfalls als Impressionisten kategorisiert. Diese Fotografen verwendeten verschiedene Methoden, darunter die bewusste Defokussierung von Motiven, die Verwendung von Weichzeichner- oder Lochkameralinsen und die Manipulation des Gummibichromatverfahrens, um Bilder zu erzeugen, die an impressionistische Gemälde erinnern.

„Französisches impressionistisches Kino“ bezeichnet eine lose definierte Filmbewegung, die Filme und Filmemacher in Frankreich umfasst und hauptsächlich von 1919 bis 1929 aktiv ist, obwohl der genaue chronologische Umfang weiterhin Gegenstand wissenschaftlicher Diskussionen ist. Zu den prominenten französischen Impressionisten-Filmemachern zählen Abel Gance, Jean Epstein, Germaine Dulac, Marcel L'Herbier, Louis Delluc und Dmitry Kirsanoff.

Musik

Musikalischer Impressionismus bezeichnet eine Bewegung innerhalb der klassischen europäischen Musik, die im späten 19. Jahrhundert entstand und sich bis zur Mitte des 20. Jahrhunderts erstreckte. Dieser aus Frankreich stammende Stil zeichnet sich durch seine Betonung von Suggestion und Atmosphäre aus und verzichtet bewusst auf den offensichtlichen Emotionalismus, der in der Romantik vorherrschte. Impressionistische Komponisten bevorzugten häufig kürzere Formen wie Nocturne, Arabeske und Präludium und verwendeten oft unkonventionelle Tonleitern, einschließlich der Ganztonskala. Zu ihren bedeutendsten Neuerungen gehörten die Einführung von Dur-Septakkorden und die Erweiterung der Tertian-Akkordstrukturen auf fünf- und sechsstimmige Harmonien.

Der genaue Einfluss des visuellen Impressionismus auf sein musikalisches Gegenstück bleibt ein Thema wissenschaftlicher Diskussion. Claude Debussy und Maurice Ravel gelten allgemein als die herausragenden Komponisten des Impressionismus; Debussy selbst lehnte den Begriff jedoch ab und tat ihn als kritische Erfindung ab. Erik Satie wurde ebenfalls dieser Bewegung zugeordnet, obwohl seine kompositorische Methodik oft als weniger ernsthaft und eher in Richtung musikalischer Neuheit tendierend wahrgenommen wurde.

Paul Dukas, ein weiterer französischer Komponist, wird gelegentlich als Impressionist eingestuft, sein stilistischer Ansatz könnte jedoch eher mit der Spätromantik in Verbindung gebracht werden. Im Gegensatz dazu weisen die Kompositionen von Lili Boulanger deutlich debussische Klänge auf und gelten ebenfalls als impressionistisch. Über seine französischen Ursprünge hinaus erstreckt sich der musikalische Impressionismus auf die Werke von Komponisten wie Ottorino Respighi (Italien), Ralph Vaughan Williams, Cyril Scott und John Ireland (England), Alexander Skrjabin (Russland), Manuel De Falla und Isaac Albeniz (Spanien) sowie Charles Griffes (Amerika).

Die amerikanische impressionistische Musik weist deutliche Merkmale von der europäischen impressionistischen Musik auf, wobei diese Unterschiede insbesondere bei Charles Tomlinson zum Ausdruck kommen Griffes‘ „Gedicht für Flöte und Orchester“. Griffes gilt auch als der produktivste impressionistische Komponist in den Vereinigten Staaten.

Literatur

Der Begriff „Impressionismus“ wurde auch auf literarische Werke ausgedehnt, die sich durch die Vermittlung sinnlicher Eindrücke eines Vorfalls oder einer Szene durch eine Auswahl hervorstechender Details auszeichnen. Die impressionistische Literatur weist eine enge Beziehung zum Symbolismus auf, zu deren prominenten Persönlichkeiten Baudelaire, Mallarmé, Rimbaud und Verlaine zählen. Autoren wie Virginia Woolf, D. H. Lawrence, Henry James und Joseph Conrad haben Werke verfasst, die impressionistisch sind, da sie die Eindrücke, Empfindungen und Emotionen, die die innere Erfahrung einer Figur ausmachen, eher beschreiben als interpretieren. Einige Literaturwissenschaftler, insbesondere John G. Peters, vertreten die Ansicht, dass der literarische Impressionismus genauer durch seine philosophische Ausrichtung definiert wird als durch irgendeine angebliche Verbindung zur impressionistischen Malerei.

Post-Impressionismus

In den 1880er Jahren begannen mehrere Künstler, darunter Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Georges Seurat und Henri de Toulouse-Lautrec, unterschiedliche Prinzipien für die Anwendung von Farbe, Muster, Form und Linie zu formulieren und ließen sich dabei von impressionistischen Praktiken inspirieren. Diese Künstler, die etwas jünger als die Impressionisten waren, entwickelten ein Werk, das später als Postimpressionismus bezeichnet wurde. Postimpressionistische Künstler reagierten bewusst gegen die Beschäftigung der Impressionisten mit der realistischen Reproduktion optischer Empfindungen von Licht und Farbe und tendierten stattdessen zu symbolischen Inhalten und dem offensichtlichen Ausdruck von Emotionen.

Der Postimpressionismus nahm die prägenden Merkmale des Futurismus und Kubismus vorweg und spiegelte damit einen bedeutenden Wandel in der europäischen gesellschaftlichen Perspektive auf die Kunst wider. Mehrere grundlegende Künstler des Impressionismus erkundeten ebenfalls diese aufstrebenden künstlerischen Bereiche; Beispielsweise übernahm Camille Pissarro kurzzeitig eine pointillistische Technik, und Claude Monet ging schließlich über die strenge Freilichtmalerei hinaus. Paul Cézanne, ein Teilnehmer der ersten und dritten Impressionistenausstellung, kultivierte eine besondere künstlerische Perspektive, die die Bildstruktur in den Vordergrund stellte, was zu seiner häufigen Einstufung als Postimpressionist führte. Während solche Beispiele die inhärenten Herausforderungen bei der Kategorisierung verdeutlichen, bleibt das Werk der ersten impressionistischen Maler per Definition innerhalb der impressionistischen Klassifikation.

Die kantonesische Malschule, die Einflüsse des Impressionismus aufwies.

• Kantonesische Malschule, beeinflusst vom Impressionismus
• Die historische Entwicklung der Malerei.
• Les XX
• Luminismus in Bezug auf impressionistische Prinzipien.
• Chronologische Unterteilungen in der westlichen Kunstgeschichte.

Notizen

Zitate

Zitierte Werke

Zeitgenössische Manifestationen des Impressionismus im fotografischen Medium.

• Zeitgenössischer Impressionismus in der Fotografie
• Hecht-Museum
• Die französischen Impressionisten (1860–1900)
• Die französischen Impressionisten (1860–1900) beim Projekt Gutenberg
• Museumsportal Schleswig-Holstein
• Impressionismus: Eine hundertjährige Ausstellung, präsentiert im Metropolitan Museum of Art vom 12. Dezember 1974 bis 10. Februar 1975
• Suburban Pastoral, veröffentlicht in The Guardian am 24. Februar 2007.
• Definition des Impressionismus.
• Impressionism: Paintings Collected by European Museums (1999) war eine Kunstausstellung, die gemeinsam vom High Museum of Art in Atlanta, dem Seattle Art Museum und dem Denver Art Museum organisiert wurde und von Mai bis Dezember 1999 zu sehen war.
• Monets Jahre in Giverny: Jenseits des Impressionismus, ein Ausstellungskatalog des Metropolitan Museum of Art aus dem Jahr 1978, der Monets Beitrag zu dieser künstlerischen Bewegung untersucht.
• Degas: The Artist's Mind, ein Ausstellungskatalog des Metropolitan Museum of Art aus dem Jahr 1976, der Degas‘ Beteiligung an dieser künstlerischen Bewegung analysiert.
• Die Ausstellung „Paris 1874: Die Erfindung des Impressionismus“ fand vom 26. März bis 14. Juli 2024 im Musée d'Orsay statt.
• Die Ausstellung „Paris 1874: Der Impressionist-Moment“ ist vom 8. September 2024 bis zum 19. Januar 2025 in der National Gallery of Art geplant.