Internationale Gotik bezeichnet eine Phase der gotischen Kunst, die im späten 14. und frühen 15. Jahrhundert in Burgund, Frankreich und Norditalien entstand. Anschließend führte seine weitreichende Verbreitung in ganz Westeuropa zu seiner Bezeichnung, einem Begriff, den der französische Kunsthistoriker Louis Courajod Ende des 19. Jahrhunderts prägte.
Die weite Verbreitung künstlerischer Konzepte und tragbarer Kunstwerke, insbesondere illuminierter Manuskripte, in ganz Europa förderte eine stilistische Konvergenz zwischen Künstlern und Mäzenen und verringerte dadurch die regionalen Unterschiede erheblich. Wesentliche Einflüsse kamen aus Nordfrankreich, dem Herzogtum Burgund, Flandern, Brabant, dem Kaiserhof in Prag und Italien. Dynastische Vereinigungen, wie beispielsweise die Heirat von Richard II. von England und Anna von Böhmen, erleichterten die Verbreitung dieses künstlerischen Trends.
Anfänglich geprägt von höfischer Raffinesse, wurden robustere Interpretationen später auf Kunstwerke ausgeweitet, die von den aufstrebenden Handelsklassen und dem geringeren Adel in Auftrag gegeben wurden. In Nordeuropa hielten „spätgotische“ Erscheinungsformen dieses Stils, insbesondere in ihren ornamentalen Aspekten, bis zum frühen 16. Jahrhundert an, da es vor dem Wiederaufleben des Klassizismus in der Renaissance kein lokales alternatives dekoratives Lexikon gab.
Die Verwendung dieser Terminologie unter Kunsthistorikern ist unterschiedlich, wobei einige Wissenschaftler den Begriff enger verwenden als andere. Bestimmte Kunsthistoriker behaupten, dass der Begriff „in vielerlei Hinsicht ... nicht sehr hilfreich ... ist, da er dazu neigt, sowohl Unterschiede als auch Einzelheiten der Überlieferung zu übergehen.“
Entwicklung
Eine bedeutende böhmische Variante des Stils entstand am Hof von Karl IV., Kaiser des Heiligen Römischen Reiches, in Prag, das kurzzeitig als zentrales Zentrum für die Förderung der europäischen Kunst diente. Karl, ein Mitglied der luxemburgischen Dynastie, erhielt die Vormundschaft des späteren Papstes Clemens VI. und residierte in seiner Jugend sieben Jahre lang am französischen Hof und unternahm außerdem zwei Besuche in Italien. Diese Erfahrungen und familiären Verbindungen führten zu engen Beziehungen zu verschiedenen französischen Höfen, darunter zum Papsttum von Avignon und ab 1363 zum eigenständigen Valois-Herzogtum Burgund unter Philipp dem Kühnen. Zunächst unterschied sich der böhmische Stil von anderen Zentren dadurch, dass er keine länglichen Figuren aufwies; Die Darstellung weiblicher Figuren mit bemerkenswerter Fülle und Süße erwies sich jedoch als äußerst einflussreich. Karl besaß mindestens ein italienisches Altarbild, das offenbar in Italien gefertigt und anschließend nach Prag transportiert wurde, wo es heute in seiner prominenten Burg Karlštejn aufbewahrt wird. Für den Bau des St.-Veits-Doms in Prag engagierte er zunächst einen französischen Architekten, dann den Deutschen Peter Parler.
Ein wesentlicher Teil der Stilentwicklung fand in Italien statt; Seine Verbreitung nordwärts über die Alpen nach Frankreich erfolgte wahrscheinlich teilweise über die Gemeinschaft italienischer Künstler, die mit dem päpstlichen Hof in Avignon verbunden waren, und durch die Kunstwerke, die Simone Martini, ein sienesischer Vorläufer des Stils, in den 1330er und 1340er Jahren in dieser Residenz ausstellte. Das republikanische Siena beeinflusste maßgeblich die Entwicklung des Stils, behielt jedoch seine unverwechselbare würdevolle gotische Ästhetik während dieser Ära und darüber hinaus bei, während der opulente Visconti-Hof in Mailand, der auch enge Verbindungen zur französischen Königsfamilie unterhielt, zum wichtigsten italienischen Zentrum des höfischen Stils wurde. Umgekehrt nahmen italienische Künstler mit der Weiterentwicklung des Stils in Nordeuropa seine Einflüsse auf.
Die Hochzeit zwischen dem jungen König Richard II. von England und Anna von Böhmen, der Tochter Karls IV., im Jahr 1384 ermöglichte eine kulturelle Verbindung zwischen Prag und London und führte so den Stil trotz Annes Tod im Jahr 1394 in England ein.
Königliche Porträts
Mehrere zentrale Werke innerhalb des internationalen gotischen Korpus umfassen Votivporträts, die Monarchen neben heiligen Figuren darstellen – gelegentlich veranschaulichen sie ihre Aufnahme in den Himmel, wie beispielsweise eine Miniatur zeigt, die Jean, Herzog von Berry und seine Verwandten bei der Begrüßung durch den Heiligen Petrus im Très Riches Heures du Duc de Berry zeigt. Aus dieser Zeit stammen auch die frühesten erhaltenen Tafelporträts von Monarchen, und königliche Manuskripte aus dieser Zeit weisen eine deutlich erhöhte Häufigkeit realistischer Darstellungen der sie auftraggebenden Monarchen auf.
Umfrage
Architektur
Im Bereich der Architektur, wo dieser Stil eine beträchtliche Langlebigkeit aufwies, werden seine regionalen Erscheinungsformen häufig als senkrechte Architektur in England, Sondergotik in Deutschland und Mitteleuropa, Flamboyantgotik in Frankreich und später als manuelinische Architektur in Portugal und isabellinische Architektur in Spanien identifiziert.
Malerei und Skulptur
In der Malerei und Bildhauerei wird diese künstlerische Strömung gelegentlich mit der deutschen Bezeichnung „Schöner Stil“ oder „Weicher Stil“ bezeichnet, was übersetzt „Schöner Stil“ oder „Weicher Stil“ bedeutet. Zu seinen charakteristischen Merkmalen gehört eine raffinierte Eleganz, die die frühere Monumentalität ablöste, ergänzt durch opulente dekorative Paletten, längliche menschliche Formen und geschwungene Linien. Der Stil zeigte auch eine ausgefeiltere Anwendung von Perspektive, Modellierung und Umgebungskomposition. Den Figuren wurde zunehmend eine stärkere räumliche Integration in ihre Umgebung ermöglicht, gleichzeitig wuchs das Interesse an der veristischen Darstellung von Flora und Fauna. Bestimmte Werke, insbesondere die berühmten Kalenderillustrationen in den Très Riches Heures du Duc de Berry, zeigen die Entstehungsstadien authentischer Landschaftsmalerei. Während sich der Stil in Nordeuropa weiterentwickelte, wurde die Ornamentik immer ausgefeilter, während in Italien die verbesserte Verfeinerung der figürlichen Darstellung in die aufkommende Tradition der Malerei der Frührenaissance integriert wurde.
Prominente italienische Bildhauer behielten größtenteils eine Affinität zum Klassizismus bei und zeigten weniger Empfänglichkeit für diese künstlerische Strömung; Obwohl Lorenzo Ghiberti mehrere stilistische Gemeinsamkeiten aufwies, zeigte er gleichzeitig eine frühe Anreicherung mit dem Klassizismus der Renaissance. Claus Sluter, der bedeutendste Bildhauer Burgunds, nutzte diesen Stil auf einzigartige Weise, um eine kraftvolle monumentale Wirkung zu erzielen. Die Identität der meisten Bildhauer aus dieser Zeit bleibt unbekannt, und der Stil blieb in der nordeuropäischen Bildhauerei im Allgemeinen länger bestehen als in der Malerei, vor allem weil sich der komplizierte Realismus, der für die frühniederländische Malerei charakteristisch ist, als schwierig skulptural darzustellen erwies. Kleinformatige bemalte Holzfiguren, die häufig die Madonna darstellten, hatten eine große Bedeutung und trugen aufgrund ihrer Tragbarkeit wahrscheinlich zur weiten Verbreitung des Stils in ganz Europa bei.
Zu den angesehenen Malern dieser Zeit zählen Meister Theoderich und der Meister des Třeboň-Altars in Böhmen; der Meister des Parement, Jacquemart de Hesdin, und die niederländischen Brüder Limburg in Frankreich; und Gentile da Fabriano, Lorenzo Monaco und Pisanello in Italien, wobei Pisanello den Stil insbesondere in die Frührenaissance übertrug. In Burgund wurden Künstler wie Jean Malouel, Melchior Broederlam und Henri Bellechose von Robert Campin und Jan van Eyck abgelöst, die die frühniederländische Malerei zu einem verstärkten Illusionismus führten. Meister Bertram und Conrad von Soest entwickelten sich zu bedeutenden regionalen Meistern in Deutschland, die vor allem städtische Mäzene betreuten. Hochwertige Tafelgemälde aus der Zeit vor 1390 sind äußerst rar, nennenswerte Ausnahmen gibt es nur in Italien und am Prager Hof. Viele dieser Künstler unternahmen im Laufe ihrer Karriere ausgedehnte Reisen zwischen Ländern oder Regionen, um den Kontakt zu verschiedenen Kunstzentren zu ermöglichen. Insbesondere lebte Broederlam mehrere Jahre in Italien, und wissenschaftliche Vermutungen deuten darauf hin, dass der Meister des Parement angesichts der begrenzten Anzahl seiner dokumentierten französischen Werke und ihrer tiefen stilistischen Affinität zur böhmischen Kunst möglicherweise ein Böhme war.
Illuminierte Manuskripte dienten weiterhin als entscheidende Kanäle für den Stil, wobei Werke wie das Sherborne Missal neben den Glasmalereien von John Thornton im York Minster und Thomas Glazier in Oxford und anderen Orten den wichtigsten Beitrag Englands darstellten. Alabasterschnitzereien aus Nottingham, die von Werkstätten nach standardisierten Entwürfen in Massenproduktion hergestellt wurden, wurden in großem Umfang in ganz Westeuropa an kostenbewusste Pfarrkirchen exportiert. Das Stundenbuch des Mailänder Gian Galeazzo Visconti stellte ein zentrales Werk dar, ebenso wie die vom Sohn Karls IV. in Auftrag gegebene Wenzelsbibel (mit deutschem Text). Beide Manuskripte ähneln dem Sherborne Missal und zeichnen sich durch ihre aufwendig verzierten Ränder aus. John, Herzog von Berry, ein Sohn und Bruder französischer Monarchen, war der größte Förderer von Manuskripten und fungierte als Hauptarbeitgeber für die Brüder Limburg, den Meister der Brüsseler Initialen und Jacquemart de Hesdin, außerdem engagierte er zahlreiche andere Künstler. Weitere bedeutende Sammler waren Wenzel, Sohn Karls IV.; John of Lancaster, 1. Herzog von Bedford, Sohn Heinrichs IV. von England und „Regent“ des englisch besetzten Frankreichs; und die Herzöge von Burgund. Im 15. Jahrhundert übertrafen flämische Städte, insbesondere Brügge, Paris als herausragende Zentren sowohl für die Buchmalerei als auch für die Tafelmalerei.
Tapestry
Die Gobelinwebzentren in Arras, Tournai und Paris trugen erheblich zur Verbreitung des internationalen Gotikstils bei, trotz der Unterbrechung der Gobelinproduktion durch die englische Besatzung von 1418 bis 1436. Die anhaltende Schirmherrschaft der Herzöge von Burgund förderte eine höfische internationale Gotikästhetik, die durch längliche Figuren, aufwändige Kostümdetails und dicht besiedelte, in Ebenen angeordnete Kompositionen gekennzeichnet war. Dieser Stil wurde von Handschriftenmalern und direkt von Malern inspiriert; Beispielsweise lieferte Baudouin de Bailleul, ein in Arras ansässiger Künstler, Cartoons für Gobelin-Werkstätten sowohl in Arras als auch in Tournai, was es schwierig machte, lokale Stilelemente zu unterscheiden (Weigert, S. 44). Die Chatsworth Hunts, die im Victoria and Albert Museum untergebracht sind, beziehen ihre thematische Inspiration aus der Abhandlung von Gaston de Foix über die Jagd und aus zahlreichen zeitgenössischen romantischen Erzählungen, die Zyklen des Trojanischen Krieges darstellen.
Wandteppiche dienten auch als äußerst tragbare Kunstform. Komplette Tapisserie-Sets konnten ihre adligen Besitzer beim Umzug zwischen verschiedenen ungeheizten und unmöblierten Schlössern begleiten. Während Gobelinweber manchmal dazu überredet wurden, ihre Werkstätten zu verlegen, blieben ihre Betriebe von der Verfügbarkeit englischer Wolle abhängig. Innerhalb dieser überwiegend säkularen Kunstform konkurrierten sowohl religiöse als auch weltliche Themen um die Vorrangstellung.
Bemalte Wandbehänge stellen ein spätgotisches Medium dar, das aufgrund seines fast völligen Verschwindens oft übersehen wird. Diese Behänge stellten eine kostengünstigere Alternative zu gewebten Wandteppichen dar und konnten schnell mit passenden thematischen Inhalten hergestellt werden.
Der Höhepunkt der Bewegung
Von etwa 1390 bis 1420 entstand eine bemerkenswerte stilistische Kohärenz zwischen Kunstwerken, die in geografisch unterschiedlichen Regionen Europas geschaffen wurden. Beispiele aus Nordeuropa sind die Miniaturen der Très Riches Heures der Brüder Limburg, während in Italien Lorenzo Monacos Anbetung der Könige sowie Skulpturen und Miniaturen aus verschiedenen Nationen stark stilisierte, langgestreckte Figuren zeigen, die oft ältere Männer mit imposanten langen Bärten und anmutigen, schwankenden Körperhaltungen darstellen. Figuren in biblischen Szenen werden häufig in exotischen Gewändern dargestellt, die lose an zeitgenössische orientalische oder byzantinische Kleidung angelehnt sind; Tatsächlich scheinen viele Figuren in erster Linie enthalten zu sein, um diese aufwändigen Kostüme zur Schau zu stellen. Die Bevölkerung vieler konventioneller religiöser Szenen wuchs erheblich; Beispielsweise werden die Heiligen Drei Könige von einem großen Gefolge begleitet, und die Kreuzigung verwandelt sich häufig in ein dicht bevölkertes Spektakel. Diese besondere Innovation blieb über die Lebensdauer des Stils hinaus bestehen.
Der Niedergang der internationalen Gotik
Der Präsentation von Gentile da Fabrianos Anbetung der Könige in Florenz im Jahr 1423, die als „Kulminationswerk der internationalen gotischen Malerei“ gilt, folgten schnell die Fresken von Masolino und Masaccio in der Brancacci-Kapelle (1424–26), die als Wegbereiter eines neuen künstlerischen Stils galten. Ebenso wurde das Hauptwerk der Gebrüder Limbourg, die Très Riches Heures du Duc de Berry, innerhalb weniger Jahre durch das Turin-Mailänder Stundenbuch abgelöst. Dieses letztere Manuskript, eine Fortsetzung eines Werkes, das Jahrzehnte zuvor vom Parement-Meister für den Herzog von Berry initiiert worden war, führte einen deutlich anderen Malstil ein, obwohl er einen gotischen Strukturrahmen beibehielt.
Dennoch behielt der internationale gotische Stil über Florenz und die wichtigsten Höfe hinaus seine herausragende Bedeutung und entwickelte sich nach und nach auf eine Weise, die wiederum zwischen Italien und Nordeuropa erhebliche Unterschiede aufwies. Anschließend gingen sowohl die Künste als auch die Architektur in die Frührenaissance über.
Galerie
Internationale Gotikkunst in Italien
- Internationale gotische Kunst in Italien
- Madonna von Nesvačily
Notizen
Referenzen
- Levey, Michael. Malerei am Hof. Weidenfeld & Nicolson, London, 1971.
- Hyman, Timothy. Sienesische Malerei. Themse & Hudson, 2003. ISBN 0-500-20372-5.
- Marks, Richard und Nigel Morgan. Das Goldene Zeitalter der englischen Manuskriptmalerei, 1200–1400. Chatto & Windus, 1981. ISBN 0-7011-2540-3.
- Syson, Luke und Dillian Gordon. „Pisanello, Maler des Renaissance-Hofes.“ National Gallery Company, London, 2001. ISBN 1-85709-946-X.
- Thomas, Marcel. Das Goldene Zeitalter: Manuskriptmalerei zur Zeit von Jean, Duc de Berry. Chatto & Windus, 1979. ISBN 0-7011-2472-5.
Boehm, Barbara Drake; et al. (2005). Prag: Die Krone Böhmens, 1347–1437. New York: Das Metropolitan Museum of Art. ISBN 1588391612.
- Boehm, Barbara Drake; et al. (2005). Prag : die Krone Böhmens, 1347–1437. New York: Das Metropolitan Museum of Art. ISBN 1588391612.Metropolitan Exhibition: Prag, die Krone Böhmens, 1347–1437
- Metropolitan-Ausstellung Prag, Die Krone Böhmens, 1347–1437