Japonisme

Japonisme ist ein französischer Begriff, der die weit verbreitete Anziehungskraft und künstlerische Wirkung japanischer Kunst und Designs bei verschiedenen westeuropäischen Künstlern im 19. Jahrhundert bezeichnet, nach der erzwungenen Wiederaufnahme Japans in den internationalen Handel im Jahr 1858. Das Konzept des Japonisme wurde erstmals 1872 von dem französischen Kunstkritiker und Sammler Philippe Burty formuliert.

Obwohl seine Erscheinungsformen dort wohl am prominentesten waren die bildende Kunst, ihr Einfluss durchdrang Architektur, Landschaftsgestaltung, Gartenbau und Mode. Auch die darstellenden Künste erlebten diesen Einfluss, wobei Gilbert und Sullivans „The Mikado“ als bemerkenswertes Beispiel diente.

Ab den 1860er Jahren entwickelte sich Ukiyo-e, ein Genre japanischer Holzschnitte, zu einer bedeutenden Inspirationsquelle für zahlreiche westliche Künstler. Diese Drucke wurden ursprünglich für den kommerziellen Inlandsmarkt in Japan hergestellt. Während einige Drucke zuvor über niederländische Handelsnetzwerke in den Westen gelangt waren, kam es in Europa erst in den 1860er Jahren zu einer weit verbreiteten Popularität von ukiyo-e-Drucken. Westliche Künstler waren besonders fasziniert von ihrem innovativen Einsatz von Farben und markanten Kompositionsstrukturen. Zu den charakteristischen Merkmalen von ukiyo-e-Drucken gehörten ausgeprägte Verkürzungen und asymmetrische Anordnungen.

Die japanische dekorative Kunst, die Keramik, Emaille, Metallarbeiten und Lackarbeiten umfasste, übte im Westen einen vergleichbaren Einfluss aus wie die grafische Kunst. Während der Meiji-Ära (1868–1912) erlangte japanische Keramik weltweiten Export. Aufbauend auf einer reichen Tradition in der Herstellung von Samurai-Waffen entwickelten japanische Metallarbeiter durch ausgefeilte Legierungs- und Veredelungstechniken von Metallen eine umfangreiche Farbpalette. Der Zeitraum von 1890 bis 1910 markierte das „goldene Zeitalter“ des japanischen Cloisonné-Emails, in dem beispiellose Fortschritte in der Produktion erzielt wurden. Diese Artefakte erlangten im gesamten Europa des 19. Jahrhunderts große Aufmerksamkeit, wurden auf aufeinanderfolgenden Weltausstellungen Millionen Menschen präsentiert und anschließend von Galerien und gehobenen Einzelhändlern erworben. Zeitgenössische Schriften von Kritikern, Sammlern und Künstlern brachten deutliche Begeisterung für diese aufstrebende Kunstform zum Ausdruck. Prominente Sammler wie Siegfried Bing und Christopher Dresser stellten diese Kreationen aus und dokumentierten sie. Folglich wurden japanische ästhetische Prinzipien und thematische Elemente neu interpretiert und in die Kreationen westlicher Künstler und Kunsthandwerker integriert.

Verlauf

Abgeschiedenheit (1639–1858)

Während des größten Teils der Edo-Zeit (1603–1867) pflegte Japan eine Politik der nationalen Abgeschiedenheit, wobei nur noch ein einziger internationaler Hafen in Betrieb war. Tokugawa Iemitsu ordnete den Bau von Dejima an, einer künstlichen Insel vor Nagasaki, die als Japans exklusiver Einreisepunkt für Importe dienen sollte. Die Niederländer waren die einzigen Westler, denen es gestattet war, mit Japan Handel zu treiben; Dennoch erleichterte diese begrenzte Interaktion die Übertragung japanischer künstlerischer Einflüsse in den Westen. Jährlich kamen niederländische Flotten zum Tausch mit westlichen Waren beladen in Japan an. Ihre Ladung umfasste insbesondere zahlreiche niederländische Abhandlungen über Malerei und verschiedene niederländische Drucke. Shiba Kōkan (1747–1818) gehörte zu den japanischen Künstlern, die sich mit diesen importierten Materialien beschäftigten. Kōkan fertigte eine der frühesten Radierungen Japans an, eine Technik, die er aus einer importierten Abhandlung übernahm. Anschließend integrierte er die ebenfalls aus einer Abhandlung abgeleitete Technik der linearen Perspektive in seine unverwechselbaren Gemälde im Ukiyo-e-Stil.

Frühe Exporte

Zu den Hauptexportgütern Japans gehörten zunächst Silber, das nach 1668 verboten wurde, und Gold, hauptsächlich in Form ovaler Münzen, das nach 1763 verboten wurde, gefolgt von Kupfer in Barrenform. In der Folge gingen die japanischen Exporte zurück und verlagerten sich auf handwerkliche Produkte, darunter Keramik, Handfächer, Papier, Möbel, Schwerter, Rüstungen, Perlmuttartikel, Paravents und Lackwaren, die allesamt bereits etablierte Exportgüter waren.

Selbst während der Zeit der japanischen Isolation waren japanische Waren in der europäischen Aristokratie äußerst begehrte Luxusgüter. Die japanische Porzellanherstellung expandierte im 17. Jahrhundert erheblich, nachdem koreanische Töpfer in die Region Kyushu umgesiedelt wurden. Diese Einwanderer entdeckten zusammen mit ihren Nachkommen und japanischen Handwerkern Kaolin-Tonvorkommen und begannen mit der Herstellung hochwertiger Keramik. Diese Verschmelzung verschiedener Traditionen förderte eine einzigartige japanische Industrie und führte zu unverwechselbaren Stilen wie Imari-Ware und Kakiemon. Diese Stile wirkten sich später auf europäische und chinesische Keramikkünstler aus. Einen zusätzlichen Aufschwung erhielten die Porzellanexporte durch den Ming-Qing-Übergang, der die chinesische Porzellanproduktion in Jingdezhen mehrere Jahrzehnte lang lahmlegte. Folglich kamen japanische Töpfer der Nachfrage nach, indem sie Porzellan herstellten, das auf die europäischen Vorlieben zugeschnitten war. Porzellan und lackierte Artefakte entwickelten sich zu Japans Hauptexportgütern nach Europa. Während eine opulente Methode zur Präsentation von Porzellan darin bestand, exotischen Stücken einen ganzen Raum mit umfangreichen Regalen zu widmen, wurde der Erwerb einiger weniger Gegenstände für ein breiteres Segment der Mittelschicht zunehmend zugänglich. Zu den bemerkenswerten Sammlern japanischer Lackwaren zählen Marie Antoinette und Maria Theresia, deren Sammlungen häufig im Louvre und im Schloss von Versailles ausgestellt sind. Die europäische Nachahmung asiatischer Lacktechniken wird als Japanning bezeichnet.

Wiedereröffnung (19. Jahrhundert)

Während der Kaei-Ära (1848–1854), nach über zwei Jahrhunderten der Isolation, erhielt Japan erstmals Besuch von ausländischen Handelsschiffen unterschiedlicher Herkunft. Nach der Meiji-Restauration im Jahr 1868 beendete Japan seine lange nationale Isolation und öffnete seine Grenzen für westliche Importe wie Fotografie und Drucktechnologien. Diese erneute Zugänglichkeit für den Handel führte zum Aufkommen japanischer Kunst und Artefakte in Pariser und Londoner Kuriositätenläden. Der Japonismus entstand aus einer weit verbreiteten Begeisterung für das Sammeln japanischer Kunst, insbesondere von Ukiyo-e-Drucken. Zu den ersten Beispielen von Ukiyo-e gehörte die Beobachtung in Paris.

Gleichzeitig suchten europäische Künstler aktiv nach Alternativen zu den in Europa vorherrschenden starren akademischen Methoden. Ungefähr im Jahr 1856 entdeckte der französische Künstler Félix Bracquemond in der Druckwerkstatt von Auguste Delâtre eine Kopie des Skizzenbuchs Hokusai Manga. In den Jahren nach dieser Entdeckung stieg das Interesse an japanischen Drucken stark an. Diese Drucke wurden in Kuriositätenläden, Teelagern und größeren kommerziellen Einrichtungen verkauft. Einzelhändler wie La Porte Chinoise konzentrierten sich auf den Vertrieb japanischer und chinesischer Importwaren. Insbesondere wurde La Porte Chinoise zu einem Magneten für Künstler wie James Abbott McNeill Whistler, Édouard Manet und Edgar Degas, die sich von diesen Drucken künstlerisch inspirieren ließen. Diese Einrichtung veranstaltete zusammen mit anderen Versammlungen, die die Verbreitung von Wissen über japanische künstlerische Praktiken und Techniken förderten.

Künstler und Japonismus

Ukiyo-e-Drucke stellten einen wesentlichen japanischen Einfluss auf den künstlerischen Ausdruck des Westens dar. Westliche Künstler fanden Inspiration in der besonderen Nutzung des Kompositionsraums, der Flächenverflachung und den abstrakten Methoden, die auf die Farbe angewendet wurden. Eine ausgeprägte Betonung von Diagonalen, Asymmetrie und Negativraum ist in den Kreationen westlicher Künstler erkennbar, die Elemente dieser Ästhetik übernommen haben.

Vincent van Gogh

Vincent van Goghs Faszination für japanische Drucke begann mit seiner Entdeckung der Illustrationen von Félix Régamey, die in The Illustrated London News und Le Monde illustré veröffentlicht wurden. Régamey fertigte Holzschnitte an, die japanische Techniken nachahmten, und stellte häufig Vignetten des japanischen Alltags dar. Van Gogh betrachtete Régamey als maßgebliche Referenz für das Verständnis japanischer künstlerischer Konventionen und des Alltagslebens. Ab 1885 begann Van Gogh mit der Sammlung von Zeitschriftenillustrationen, darunter auch von Régamey, und begann mit dem Erwerb von Ukiyo-e-Drucken, die in bescheidenen Pariser Geschäften erhältlich waren. Anschließend teilte er diese Drucke mit seinen Künstlerkollegen und kuratierte 1887 eine Ausstellung japanischer Drucke in Paris.

Van Goghs Porträt des Père Tanguy (1887) zeigt seinen Farbenhändler Julien Tanguy. Van Gogh schuf zwei verschiedene Versionen dieses Porträts. Beide Darstellungen enthalten Hintergründe, die mit japanischen Drucken von anerkannten Künstlern wie Hiroshige und Kunisada verziert sind. Van Gogh ließ sich von japanischen Holzschnitten und deren lebendigen Farbschemata inspirieren und integrierte eine vergleichbare chromatische Intensität in sein künstlerisches Schaffen. Er verlieh Tanguys Porträt brillante Farbtöne und ging davon aus, dass die Auftraggeber das Interesse an monochromen niederländischen Gemälden verloren hatten und dass mehrfarbige Kunstwerke als zeitgemäß und ansprechend wahrgenommen würden.

Alfred Stevens

Alfred Stevens, ein belgischer Maler, entwickelte sich zu einem bahnbrechenden Sammler und Bewunderer japanischer Kunst in Paris. Sein Atelierbesitz zeigte deutlich sein tiefes Interesse an japanischen und anderen exotischen Dekorationsgegenständen und Einrichtungsgegenständen. Stevens pflegte enge Beziehungen sowohl zu Manet als auch zu James McNeill Whistler und teilte diese frühe Faszination mit ihnen. Eine beträchtliche Anzahl seiner Zeitgenossen entwickelte eine ähnliche Begeisterung, insbesondere nach der Internationalen Ausstellung 1862 in London und der Internationalen Ausstellung 1867 in Paris, Ereignissen, die die erste öffentliche Ausstellung japanischer Kunst und Artefakte markierten.

Ab Mitte der 1860er Jahre wurde der Japonismus zu einem integralen Bestandteil zahlreicher Gemälde von Stevens. Zu seinen bekanntesten, vom Japonismus beeinflussten Werken gehört La parisienne japonaise (1872). Er fertigte mehrere Porträts an, die junge Frauen in Kimonos zeigten, und japanische Motive sind auch in vielen seiner anderen Gemälde zu erkennen. Beispiele hierfür sind das frühe Werk La Dame en Rose (1866), das eine stilvoll gekleidete Frau in einem Innenraum mit einer sorgfältigen Darstellung japanischer Objekte gegenüberstellt, und The Psyché (1871), wo japanische Drucke prominent auf einem Stuhl ausgestellt sind, was sein künstlerisches Engagement symbolisiert.

Edgar Degas

In den 1860er Jahren begann Edgar Degas, japanische Drucke von Institutionen wie La Porte Chinoise und verschiedenen kleineren Pariser Druckereien zu erwerben. Die gleichzeitige Sammeltätigkeit seiner Kollegen verschaffte ihm ein umfangreiches Spektrum an inspirierendem Material. Unter den Drucken, die Degas geschenkt wurden, befand sich insbesondere eine Kopie von Hokusais Manga, die Bracquemond erhalten hatte, nachdem er in Delâtres Werkstatt darauf gestoßen war. Es wird geschätzt, dass Degas um 1875 den Japonismus in seine Druckgrafik einbezogen hat, was sich in seiner unverwechselbaren Kompositionsstrategie der Segmentierung einzelner Szenen durch vertikale, diagonale und horizontale Unterteilungen zeigt.

Die Drucke von Degas spiegeln die thematischen Interessen zahlreicher japanischer Künstler wider und zeigen häufig Frauen und ihre alltäglichen Aktivitäten. Die unkonventionelle Platzierung seiner weiblichen Motive und sein Engagement für den Realismus in der Druckgrafik stellten eine Verbindung zwischen seiner Arbeit und der japanischer Meister wie Hokusai, Utamaro und Sukenobu her. Beispielsweise verwendet Degas in seinem Druck Mary Cassatt at the Louvre: The Etruscan Gallery (1879–80) eine zweifigurige Komposition – eine sitzende, eine stehende – eine übliche Anordnung in japanischen Drucken. Degas nutzte in seinen Kompositionen konsequent Linien, um Tiefe zu erzeugen und räumliche Bereiche abzugrenzen. Seine expliziteste Anleihe ist die Darstellung einer Frau, die sich auf einen geschlossenen Regenschirm stützt, ein Motiv, das direkt aus Hokusais Manga übernommen wurde.

James McNeill Whistler

Japanische Kunst erschien erstmals in den frühen 1850er Jahren in britischen Ausstellungen. Diese Ausstellungen zeigten eine vielfältige Auswahl japanischer Artefakte, darunter Karten, Korrespondenz, Textilien und Gegenstände des täglichen Lebens. Solche Ausstellungen förderten das Gefühl des Nationalstolzes in Großbritannien und trugen zur Etablierung einer ausgeprägten japanischen Kulturidentität bei, die sich von der breiteren, allgemeinen „Orient“-Klassifikation abgrenzte.

James Abbott McNeill Whistler, ein amerikanischer Künstler, der überwiegend in Großbritannien tätig war. Im späten 19. Jahrhundert entfernte sich Whistler zunehmend von dem von seinen Zeitgenossen bevorzugten realistischen Malstil. Stattdessen entdeckte er Einfachheit und technische Präzision in der japanischen Ästhetik. Anstatt bestimmte Künstler oder Kunstwerke direkt zu reproduzieren, ließ sich Whistler von übergreifenden japanischen Prinzipien der Artikulation und Kompositionsstruktur inspirieren, die er anschließend in seine eigenen Kreationen einbezog.

Künstler, die von japanischer Kunst und Kultur beeinflusst werden

Theater

Die ersten vielbeachteten Theaterproduktionen über Asien entstanden in England und konzentrierten sich auf Japan. Die komische Oper Kosiki, die ursprünglich The Mikado hieß, aber aufgrund von Einwänden aus Japan umbenannt wurde, wurde 1876 komponiert. Im Jahr 1885 brachten Gilbert und Sullivan, scheinbar weniger besorgt über japanische Sensibilitäten, ihr eigenes Mikado auf den Markt. Diese komische Oper erlangte in ganz Europa außerordentliche Popularität: Siebzehn Ensembles führten sie innerhalb von zwei Jahren nach ihrer Premiere 9.000 Mal auf. Nach seiner deutschen Übersetzung im Jahr 1887 behielt Der Mikado seinen Status als Deutschlands beliebtestes dramatisches Werk in den 1890er Jahren. Nach diesem großen Erfolg kam es zu einer raschen Verbreitung von Komödien, die in Asien spielten und humorvolle asiatische Charaktere sowohl in komischer Oper als auch in dramatischer Form vorstellten.

Sidney Jones' Oper Die Geisha (1896) trat die Nachfolge von Der Mikado als Europas beliebtestes japanisches Drama an und führte die Geisha als prominente Standardfigur ein, die Japan repräsentiert. Diese Figur wurde zu einem der „Objekte“, die Japan in Deutschland und in der gesamten westlichen Welt symbolisierten. Zwischen 1904 und 1918 kam es in Europa zu einem bedeutenden Anstieg der Geisha-Dramen, wobei Puccinis Oper Madama Butterfly die bekannteste war. Puccini, Berichten zufolge zu Tränen gerührt von einer Inszenierung von David Belascos gleichnamigem Theaterstück im Jahr 1900, ließ sich zu seiner Oper inspirieren. Die immense Popularität von Madama Butterfly brachte in der Folge zahlreiche Nachahmungen hervor, wie Madames Cherry, Espirit, Flott, Flirt, Wig-Wag, Leichtsinn und Tip Top, die alle um 1904 auftauchten, aber schnell an Bedeutung verloren. Dennoch war ihre kollektive Wirkung nachhaltig und festigte den Status der Geisha neben Schriftrollen, Jade und Bildern des Berges Fuji als ikonische Darstellungen Japans im Westen. So wie diese menschliche Figur der Geisha im Drama oft auf die Ebene anderer symbolischer Objekte reduziert wurde, dienten japanische Künstler, die durch Deutschland tourten, auch deutschen Dramatikern bei ihren Bemühungen, das deutsche Theater wiederzubeleben. Analog zur Nützlichkeit von Ukiyo-e in Frankreich, losgelöst von jedem tiefgreifenden Verständnis Japans, lieferten die durch Europa tourenden japanischen Schauspiel- und Tanzgruppen Stoff für „eine neue Art der Dramatisierung“ auf der Bühne. Ironischerweise trugen die große Anziehungskraft und der Einfluss dieser japanischen Dramen erheblich zur Verwestlichung des japanischen Theaters im Allgemeinen und insbesondere der in Europa aufgeführten Stücke bei.

Die Drehbühne, eine Innovation des japanischen Kabuki-Theaters des 18. Jahrhunderts, wurde 1896 unter dem Einfluss des vorherrschenden Japonismus auf westlichen Bühnen im Residenztheater in München eingeführt. Dies markierte den ersten japanischen Einfluss auf das deutsche Bühnenbild. Karl Lautenschlager übernahm 1896 die Kabuki-Drehbühne und ein Jahrzehnt später nutzte Max Reinhardt sie für die Uraufführung von Frank Wedekinds Frühlings Erwachen. Die Drehbühne wurde in Berlin schnell zum Trend. Eine weitere von deutschen Regisseuren beliebte Kabuki-Bühnenadaption war der Blumensteg, eine ins Publikum hineinragende Bühnenerweiterung. Die europäische Vertrautheit mit Kabuki beruhte auf Reisen nach Japan, Textquellen und reisenden japanischen Truppen. 1893 kamen Kawakami Otojiro und seine Schauspieltruppe in Paris an, kehrten 1900 zurück und traten 1902 in Berlin auf. Kawakamis Truppe präsentierte zwei verwestlichte Stücke, Kesa und Shogun, die beide ohne Musik und mit deutlich reduzierten Dialogen aufgeführt wurden und sich somit an Pantomime und Tanz orientierten. Dramatiker und Kritiker erkannten in diesen Aufführungen prompt eine „Re-Theatralisierung des Theaters“. Unter den Schauspielern war Sada Yacco, Europas erster japanischer Star, der Pioniere des modernen Tanzes wie Loie Fuller und Isadora Duncan beeinflusste; Sie trat 1900 für Königin Victoria auf und erlangte beträchtlichen europäischen Ruhm.

Japanische Gärten

Die ästhetischen Prinzipien japanischer Gärten wurden der englischsprachigen Welt durch Josiah Conders bahnbrechendes Werk Landscape Gardening in Japan (veröffentlicht von Kelly & Walsh, 1893) vorgestellt, das später die Schaffung der ersten japanischen Gärten im Westen inspirierte. Eine zweite Ausgabe dieses einflussreichen Textes wurde 1912 veröffentlicht. Conders skizzierte Prinzipien erwiesen sich gelegentlich als schwierig umzusetzen:

Beraubt ihrer lokalen Gewänder und Manierismen offenbart die japanische Methode ästhetische Prinzipien, die auf die Gärten jedes Landes anwendbar sind, und lehrt, wie man eine Komposition in ein Gedicht oder Bild umwandelt, die trotz all ihrer Detailvielfalt sonst an Einheit und Absicht mangelt.

Tassa (Saburo) Eida entwarf mehrere einflussreiche Gärten, darunter zwei für die Japan-Britische Ausstellung in London 1910 und eines, das über vier Jahre hinweg sorgfältig für William Walker, 1. Baron Wavertree, gebaut wurde. Der letztgenannte Garten bleibt für die Öffentlichkeit im Irish National Stud zugänglich.

Samuel Newsoms Veröffentlichung Japanese Garden Construction aus dem Jahr 1939 schlug japanische ästhetische Prinzipien als Heilmittel für die westliche Steingartengestaltung vor, die Mitte des 19. Jahrhunderts aus dem Bestreben hervorgegangen war, Alpenpflanzen in simulierten Geröllumgebungen zu kultivieren. Die Garden History Society berichtet, dass der japanische Landschaftsarchitekt Seyemon Kusumoto zur Schaffung von etwa 200 Gärten im gesamten Vereinigten Königreich beigetragen hat. Zu seinen bemerkenswerten Projekten gehörten die Ausstellung eines Steingartens auf der Chelsea Flower Show 1937, die Gestaltung eines japanischen Gartens auf dem Burngreave Estate in Bognor Regis und Cottered in Hertfordshire sowie die Gestaltung von Innenhöfen im Du Cane Court in London.

Der impressionistische Künstler Claude Monet integrierte japanische Designelemente in seinen Garten in Giverny, insbesondere die Brücke über den Seerosenteich, ein Motiv, das er wiederholt darstellte. In dieser Gemäldeserie spiegelte sein Fokus auf bestimmte Details wie die Brücke oder die Lilien einen Einfluss traditioneller japanischer Bildtechniken wider, die in ukiyo-e-Drucken vorherrschen, von denen er eine umfangreiche Sammlung besaß. Darüber hinaus kultivierte er zahlreiche einheimische japanische Pflanzenarten, um die exotische Atmosphäre des Gartens zu verstärken.

Museen

In den Vereinigten Staaten führte die Faszination japanischer Kunst zur Einrichtung umfangreicher Sammlungen sowohl von Privatsammlern als auch von Museen, die bis heute bestehen und nachfolgende Generationen von Künstlern tiefgreifend beeinflusst haben. Boston entwickelte sich zum Hauptzentrum für dieses Interesse, wahrscheinlich angespornt durch Isabella Stewart Gardner, eine prominente frühe Sammlerin asiatischer Kunst. Folglich behauptet das Museum of Fine Arts in Boston, außerhalb Japans über die bedeutendste Sammlung japanischer Kunst weltweit zu verfügen. Darüber hinaus unterhalten die Freer Gallery of Art und die Arthur M. Sackler Gallery gemeinsam die größte asiatische Kunstforschungsbibliothek in den Vereinigten Staaten und kuratieren japanische Kunst neben Werken von Whistler, die japanischen Einfluss zeigen.

Galerie

Anglo-japanischer Stil

• Anglo-japanischer Stil
• Anime-beeinflusste Animation
• Arabistisch – „arabischer“ Stil
• Chinoiserie – ähnlicher chinesischer Einfluss auf westliche Kunst und Design
• David B. Gamble House
• Japanophilie
• Okzidentalismus – für östliche Ansichten des Westens
• Orientalismus – westlich romantisierte Darstellungen asiatischer (häufiger nahöstlicher) Themen
• Türkei
• Weeb
• Holzschnittdruck in Japan
• Holzschnitt
• Historisches Viertel Yamashiro

Erklärende Anmerkungen

Referenzen

Zitate

Allgemeine und zitierte Referenzen

• Breuer, Karin (2010). Japanisch: Der japanische Druck im Zeitalter des Impressionismus. New York: Prestel Publishing.Cate, Phillip Dennis; Eidelberg, Martin; Johnston, William R.; Needham, Gerald; Weisberg, Gabriel P. (1975). Japonisme: Japanese Influence on French Art 1854–1910. Kent State University Press.Earle, Joe (1999). Pracht von Meiji: Schätze des kaiserlichen Japan: Meisterwerke aus der Khalili-Sammlung. St. Petersburg, Florida: Broughton International. ISBN 1-874780-13-7. OCLC 42476594.Irvine, Gregory, Hrsg. (2013). Japonismus und der Aufstieg der modernen Kunstbewegung: Die Künste der Meiji-Zeit: Die Khalili-Sammlung. New York: Thames & Hudson. ISBN 978-0-500-23913-1. OCLC 853452453.Lambourne, Lionel (2005). Japonismus: Kulturelle Kreuzungen zwischen Japan und dem Westen. New York: Phaidon.Ono, Ayako (2003). Japonismus in Großbritannien: Whistler, Menpes, Henry, Hornel und das Japan des 19. Jahrhunderts. New York: Routledge Curzon.Slawson, David A. (1987). Geheime Lehren in der Kunst japanischer Gärten. New York/Tokio: Kodansha.Thomson, Belinda (2014).„Japonismus in den Werken von Van Gogh, Gauguin, Bernard und Anquetin“. Im Museum Folkwang (Hrsg.). Monet, Gauguin, Van Gogh ... japanische Inspirationen. Folkwang/Steidl.
  • „Japonisme“ aus der Zeitleiste der Kunstgeschichte des Metropolitan Museum of Art
  • „Japonismus: Erforschung und Feier“
  • Die Privatsammlung von Edgar Degas, vollständig digitalisierter Text aus den Bibliotheken des Metropolitan Museum of Art; enthält den Aufsatz „Degas, japanische Drucke und Japonismus“ (S. 247–260)