El arte posmoderno abarca varios movimientos artísticos que surgieron en oposición a ciertos principios del modernismo o desarrollos posteriores. Por lo general, categorías como intermedia, arte de instalación, arte conceptual y multimedia, especialmente aquellas que incorporan video, se caracterizan como posmodernas.
Varias características definitorias distinguen el arte posmoderno. Estos abarcan la recontextualización de estilos y temas históricos dentro de marcos contemporáneos, el bricolaje, la destacada integración del texto como componente artístico primario, el collage, la simplificación, la apropiación y el arte escénico. Además, una característica significativa es la disolución de las distinciones tradicionales entre bellas artes, arte elevado, arte vulgar y cultura popular.
Uso del término
Desde la década de 1950, la denominación predominante para la producción artística ha sido "arte contemporáneo". Sin embargo, no todo el arte catalogado como contemporáneo es posmoderno; esta clasificación más amplia incluye artistas que mantienen prácticas modernistas y tardomodernistas, junto con aquellos que reniegan del posmodernismo por razones alternativas. Arthur Danto postula que "contemporáneo" sirve como el descriptor más amplio, y que las obras posmodernas constituyen un "subsector" dentro del movimiento contemporáneo más amplio. Si bien algunos artistas posmodernos se han distanciado notablemente de los principios modernistas, sigue siendo difícil alcanzar un consenso definitivo que distinga lo "tardío" de lo "posmoderno". Se han restablecido conceptos previamente descartados por la estética moderna. Específicamente en pintura, el posmodernismo marcó la reintroducción de formas representativas. Ciertos críticos sostienen que una parte sustancial del arte "posmoderno" contemporáneo, particularmente las expresiones vanguardistas recientes, deberían clasificarse como arte moderno.
Más allá de caracterizar tendencias específicas en el arte contemporáneo, el término "posmoderno" también se ha aplicado para designar una fase particular dentro del arte moderno. Esta perspectiva ha sido adoptada tanto por los defensores del modernismo, incluido Clement Greenberg, como por sus críticos radicales, como Félix Guattari, quien la denominó el "último suspiro" del modernismo. El crítico neoconservador Hilton Kramer caracterizó el posmodernismo como "una creación del modernismo al límite". Según la interpretación de Fredric Jameson, Jean-François Lyotard no afirmó una etapa posmoderna fundamentalmente distinta del alto modernismo; más bien, Lyotard vio la insatisfacción posmoderna con estilos específicos del alto modernismo como un componente integral de la naturaleza experimental del alto modernismo, fomentando así nuevos modernismos. Dentro de los ámbitos de la estética y el arte, Jean-François Lyotard se erige como un filósofo fundamental del posmodernismo.
Una visión crítica predominante postula que el arte posmoderno evolucionó a partir del arte moderno. Los cronogramas propuestos para esta transición van desde 1914 en Europa hasta 1962 o 1968 en Estados Unidos. James Elkins, al reflexionar sobre los debates en torno al comienzo preciso del cambio del modernismo al posmodernismo, traza un paralelo con el discurso de la década de 1960 sobre la duración exacta del manierismo y su punto de iniciación, ya sea inmediatamente después del Alto Renacimiento o más adelante en el siglo. Subraya que estos debates son perennes en relación con los movimientos y períodos artísticos, sin disminuir su importancia. La conclusión de la era del arte posmoderno a menudo se sitúa a finales de la década de 1980, un período en el que el término "posmodernismo" experimentó un declive en su relevancia crítica y las prácticas artísticas se involucraron cada vez más con las implicaciones de la globalización y los medios emergentes.
Jean Baudrillard ejerció una influencia considerable en el arte de inspiración posmoderna, destacando el potencial de nuevas expresiones creativas. El artista Peter Halley, por ejemplo, caracterizó su uso de colores diurnos como una "hiperrealización del color real", y atribuyó a Baudrillard una influencia clave. Por el contrario, Baudrillard mantuvo consistentemente, desde 1984 en adelante, que el arte contemporáneo –especialmente el arte posmoderno– era inferior al arte modernista producido en la era posterior a la Segunda Guerra Mundial, mientras que Jean-François Lyotard elogió la pintura contemporánea y destacó su desarrollo a partir del arte moderno. Numerosas artistas destacadas del siglo XX están vinculadas con el arte posmoderno, dado que gran parte del marco teórico de su trabajo se originó en el psicoanálisis francés y la teoría feminista, ambos profundamente conectados con la filosofía posmoderna.
La aplicación del término "posmoderno" enfrenta críticas, algo común en este tipo de designaciones. Por ejemplo, Kirk Varnedoe afirmó que el posmodernismo no existe y que el potencial del modernismo sigue sin realizarse. Aunque el término se ha convertido en una abreviatura convencional desde principios y mediados de la década de 1980 para identificar obras de movimientos artísticos específicos de la posguerra que utilizan distintos materiales y técnicas genéricas, los fundamentos teóricos del posmodernismo como una demarcación epistémica o de época siguen siendo muy polémicos.
Características
El posmodernismo abarca movimientos artísticos que se originan y se oponen activamente o rechazan las tendencias modernistas establecidas. Las características clave que a menudo se atribuyen al modernismo incluyen la pureza formal, la especificidad del medio, el concepto de arte por el arte, la autenticidad, la universalidad, la originalidad y las tendencias revolucionarias o reaccionarias, ejemplificadas por la vanguardia. Sin embargo, la paradoja se destaca como posiblemente el concepto modernista más significativo que desafía el posmodernismo. La paradoja fue fundamental para el proyecto modernista, especialmente introducido por Manet. Las diversas subversiones del arte representacional de Manet subrayaron la exclusividad mutua percibida entre realidad y representación, diseño y representación, y abstracción y realidad, entre otras dicotomías. Esta integración de la paradoja resultó profundamente influyente para artistas que van desde Manet hasta los conceptualistas.
La posición de la vanguardia dentro del arte contemporáneo sigue siendo polémica. Numerosas instituciones sostienen que las cualidades visionarias, progresistas, vanguardistas y progresistas son indispensables para la misión del arte contemporáneo, lo que sugiere que el arte posmoderno entra inherentemente en conflicto con el espíritu del "arte de nuestros tiempos". El posmodernismo repudia fundamentalmente el concepto de avance o progreso inherente en el arte, buscando así desmantelar el "mito de la vanguardia". Rosalind Krauss fue una destacada defensora de la perspectiva en la que había concluido el vanguardismo, marcando el comienzo de una nueva época artística caracterizada como posliberal y posprogreso. Griselda Pollock investigó extensamente y se comprometió críticamente con el arte moderno y de vanguardia a través de una serie de publicaciones fundamentales, reevaluando simultáneamente el arte moderno y reconceptualizando el arte posmoderno.
Una característica definitoria del arte posmoderno es su amalgama de alta y baja cultura, lograda mediante la incorporación de materiales industriales e imágenes de la cultura popular. Aunque la experimentación modernista también incluyó la utilización de formas de arte "inferiores", como lo demuestra la exposición de Kirk Varnedoe y Adam Gopnik de 1990-91 Alto y bajo: cultura popular y arte moderno en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (una exposición ampliamente criticada en su momento por unir a figuras como Douglas Crimp y Hilton Kramer en un desdén colectivo), el arte posmoderno es particularmente reconocido por su deliberado desdibujamiento de los límites entre lo que se considera bellas artes o arte elevado y lo que Por lo general, se clasifica como arte bajo o kitsch. Si bien el concepto de "difuminar" o "fusionar" el arte alto y bajo se exploró durante el modernismo, obtuvo pleno respaldo sólo con el surgimiento de la era posmoderna. El posmodernismo integró elementos de comercialismo, kitsch y una estética camp más amplia en su marco artístico. Además, se apropia y combina estilos de diversos períodos históricos, como el gótico, el Renacimiento y el Barroco, desconociendo muchas veces sus funciones contextuales originales dentro de sus respectivos movimientos artísticos. Estos elementos constituyen colectivamente características comunes que definen el arte posmoderno. Art Spiegelman, al analizar sus elecciones estilísticas para Maus, articuló la capacidad del artista posmoderno para cultivar una extensa "paleta" de estilos variados, de la que pueden extraer libremente, en contraste con sus predecesores que típicamente se concentraban en refinar y mantener un estilo singular "marca registrada".
Fredric Jameson postula que las obras posmodernas renuncian a cualquier afirmación de espontaneidad y franqueza en la expresión, y en su lugar emplean pastiche y discontinuidad. En oposición a esta definición, Charles Harrison y Paul Wood de Art and Language sostuvieron que el pastiche y la discontinuidad son intrínsecos al arte modernista y han sido utilizados eficazmente por artistas modernos como Manet y Picasso.
Una definición concisa de posmodernismo plantea su rechazo de las narrativas artísticas generales del modernismo, desmantelando simultáneamente las distinciones entre formas de arte altas y bajas, y subvirtiendo los géneros convencionales a través de técnicas como la colisión, el collage y la fragmentación. Dentro del arte posmoderno, todas las perspectivas se consideran inherentemente inestables y falsas; en consecuencia, la ironía, la parodia y el humor emergen como las únicas posturas críticas o revisionistas inmunes a la subversión. Otras características distintivas incluyen el pluralismo y la diversidad.
Precursores de Vanguardia
Influyentes movimientos y tendencias radicales, considerados precursores potenciales del posmodernismo, surgieron durante e inmediatamente después de la Primera Guerra Mundial. La incorporación de artefactos industriales al arte y la adopción de técnicas como el collage por movimientos de vanguardia como el cubismo, el dadaísmo y el surrealismo desafiaron fundamentalmente las nociones establecidas sobre la naturaleza y el valor del arte. Las formas de arte emergentes, incluido el cine y la creciente prevalencia de la reproducción, también dieron forma a estos movimientos como nuevas vías para la creación artística. El ensayo fundamental de Clement Greenberg, Avant-Garde and Kitsch, publicado inicialmente en Partisan Review en 1939, sirvió como texto fundamental para definir el modernismo, defendiendo la vanguardia en el contexto de la cultura popular. Posteriormente, Peter Bürger diferenció entre vanguardia histórica y modernismo, distinción que llevó a críticos como Krauss, Huyssen y Douglas Crimp a identificar la vanguardia histórica como precursora del posmodernismo. Por ejemplo, Krauss interpreta la aplicación del collage por parte de Pablo Picasso como una técnica de vanguardia que presagiaba la priorización de los elementos lingüísticos por parte del arte posmoderno sobre la expresión autobiográfica. Por el contrario, una perspectiva alternativa sugiere que los artistas de vanguardia y modernistas emplearon estrategias comparables, y que el posmodernismo finalmente repudió ambas.
Papá
A principios del siglo XX, Marcel Duchamp presentó un urinario como pieza escultórica. Su intención era obligar a los espectadores a percibir el urinario como una obra de arte únicamente en virtud de su declaración. A estas creaciones las denominó "Readymades". La icónica Fuente, un urinario firmado con el seudónimo de R. Mutt, provocó una considerable controversia dentro del mundo del arte en 1917. Esta pieza, junto con otras obras similares de Duchamp, se clasifica en términos generales como dadaísta. A menudo se considera a Duchamp como el progenitor del arte conceptual. Sin embargo, algunos críticos cuestionan la clasificación de Duchamp (reconocido por su preocupación por la paradoja) como posmodernista, argumentando que su rechazo de la especificidad del medio (dado que la paradoja trasciende cualquier medio en particular, a pesar de su aparición inicial en las pinturas de Manet) complica tal categorización.
El dadaísmo, junto con el surrealismo, el futurismo y el expresionismo abstracto, puede entenderse como una expresión de la inclinación inherente del modernismo a subvertir los estilos artísticos establecidos. y formas. Cronológicamente, Dadá está firmemente situado dentro del modernismo; sin embargo, varios críticos sostienen que presagia el posmodernismo, mientras que otros, incluidos Ihab Hassan y Steven Connor, proponen que representa una posible fase de transición entre el modernismo y el posmodernismo. Por ejemplo, McEvilly postula que el posmodernismo comienza con el reconocimiento de que el mito del progreso ya no es creíble, una comprensión que Duchamp supuestamente captó en 1914 cuando pasó de una práctica modernista a una posmodernista, "abjurando así del deleite estético, la ambición trascendente y las demostraciones tour de force de agilidad formal en favor de la indiferencia estética, el reconocimiento del mundo ordinario y el objeto encontrado o ready-made".
Movimientos radicales en el arte moderno
Inicialmente, el Arte Pop y el Minimalismo surgieron como movimientos modernistas; sin embargo, un cambio de paradigma significativo y una divergencia filosófica entre formalismo y antiformalismo a principios de la década de 1970 llevaron a algunos a reevaluar estos movimientos como precursores o formas de transición del arte posmoderno. Otros movimientos modernos considerados influyentes en el arte posmoderno incluyen el arte conceptual y la aplicación de técnicas como el ensamblaje, el montaje, el bricolaje y la apropiación.
Jackson Pollock y el expresionismo abstracto
A finales de la década de 1940 y principios de la de 1950, el enfoque radical de Pollock hacia la pintura revolucionó la trayectoria del arte contemporáneo posterior. Pollock postuló que el proceso artístico tenía un significado equivalente al de la propia obra de arte final. Al igual que las innovadoras reinvenciones de la pintura y la escultura de Pablo Picasso a principios de siglo a través del cubismo y la escultura construida, Pollock redefinió fundamentalmente la creación artística a mediados del siglo XX. Su alejamiento de la pintura de caballete tradicional y de los métodos convencionales emancipó tanto a sus contemporáneos como a las generaciones posteriores de artistas. Los artistas reconocieron que la metodología de Pollock, que implicaba trabajar en el suelo, utilizar lienzos en bruto sin estirar por los cuatro lados, incorporar materiales artísticos e industriales, emplear imágenes y no imágenes, y aplicar pintura a través de madejas lineales, goteo, dibujo, tinción y cepillado, expandió los parámetros de la creación artística más allá de las limitaciones anteriores. En consecuencia, el expresionismo abstracto amplió y avanzó las definiciones y posibilidades creativas disponibles para los artistas para producir nuevas obras. Las innovaciones introducidas por figuras como Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyff Still, Barnett Newman y Ad Reinhardt, entre otros, allanaron el camino para la diversa gama y alcance de los esfuerzos artísticos posteriores.
Post-expresionismo abstracto
Durante las décadas de 1950 y 1960, la pintura abstracta fue testigo del surgimiento de varios movimientos nuevos, incluida la pintura de borde duro y otras formas de abstracción geométrica, ejemplificadas por el trabajo de Frank Stella. Estos desarrollos surgieron en los estudios de artistas y círculos de vanguardia como una reacción contra el subjetivismo percibido del expresionismo abstracto. Clement Greenberg defendió la abstracción pospictórica articulando sus principios a través de una influyente exposición de pintura nueva que recorrió los principales museos de arte de los Estados Unidos en 1964. La pintura de campo de color, la pintura de vanguardia y la abstracción lírica se materializaron posteriormente como nuevas e importantes trayectorias artísticas.
A finales de la década de 1960, el posminimalismo, el arte procesual y el arte povera también se materializaron como conceptos y movimientos revolucionarios. influyendo tanto en la pintura como en la escultura. Estos desarrollos se entrelazaron con la abstracción lírica, el movimiento posminimalista y el arte conceptual temprano. Inspirándose en Pollock, Process Art permitió a los artistas explorar y emplear una amplia gama de estilos, contenidos, materiales, ubicaciones, percepciones temporales y espacios tanto plásticos como reales. Entre los artistas más jóvenes destacados que surgieron durante esta era modernista tardía y que contribuyeron al florecimiento artístico de finales de la década de 1960 se encuentran Nancy Graves, Ronald Davis, Howard Hodgkin, Larry Poons, Jannis Kounellis, Brice Marden, Bruce Nauman, Richard Tuttle, Alan Saret, Walter Darby Bannard, Lynda Benglis, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield, Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra, Sam Gilliam. Mario Merz, Peter Reginato y Lee Lozano.
Movimientos artísticos
Arte escénico y acontecimientos
A lo largo de finales de los años cincuenta y sesenta, artistas de diversos orígenes ampliaron activamente los parámetros del arte contemporáneo. Entre los pioneros del arte basado en la performance se encuentran Yves Klein en Francia y Carolee Schneemann, Yayoi Kusama, Charlotte Moorman y Yoko Ono en la ciudad de Nueva York. Conjuntos como The Living Theatre, dirigido por Julian Beck y Judith Malina, colaboraron con escultores y pintores para construir entornos inmersivos, alterando fundamentalmente la dinámica entre el público y el intérprete, particularmente en su obra Paradise Now. El Judson Dance Theatre, situado en la Judson Memorial Church de Nueva York, contó con bailarines como Yvonne Rainer, Trisha Brown, Elaine Summers, Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay, Lucinda Childs y Steve Paxton, quienes colaboraron con los artistas Robert Morris, Robert Whitman, John Cage, Robert Rauschenberg e ingenieros como Billy Klüver. Estas actuaciones frecuentemente tenían como objetivo forjar una nueva forma de arte, integrando escultura, danza y música o sonido, y a menudo involucraban la participación del público. Las obras se caracterizaron por las filosofías reduccionistas del minimalismo, la improvisación espontánea y la expresividad inherente al expresionismo abstracto.
Al mismo tiempo, desde finales de los años cincuenta hasta mediados de los sesenta, varios artistas de vanguardia crearon Happenings. Estos eventos fueron a menudo reuniones espontáneas, sin guión y enigmáticas de artistas, sus amigos y familiares, celebradas en diversos lugares designados. Los sucesos frecuentemente integraban elementos como ejercicios absurdos, actividades físicas, disfraces, desnudez improvisada y una variedad de acciones aleatorias y aparentemente no relacionadas. Entre las figuras destacadas en la creación de Happenings se encuentran Allan Kaprow, Joseph Beuys, Nam June Paik, Wolf Vostell, Claes Oldenburg, Jim Dine, Red Grooms y Robert Whitman.
Arte de ensamblaje
El arte de ensamblaje, que surgió junto con el expresionismo abstracto, implicó la integración de artículos manufacturados con materiales artísticos tradicionales, alejándose así de las convenciones establecidas de pintura y escultura. Las "cosechadoras" de Robert Rauschenberg de la década de 1950, que incorporaban grandes objetos físicos como animales de peluche, pájaros y fotografías comerciales, sirvieron como una excelente ilustración de esta trayectoria artística y presagiaron tanto el arte pop como el arte de instalación.
En 1969, Leo Steinberg empleó el término "posmodernismo" para caracterizar el plano pictórico "plano" de Rauschenberg, que integraba una diversa gama de imágenes y artefactos culturales que antes se consideraban incompatibles con la Dominios pictóricos de la pintura premodernista y modernista. Craig Owens amplió esta interpretación, afirmando que la importancia de la obra de Rauschenberg no radica en representar, como sugirió Steinberg, "el cambio de la naturaleza a la cultura", sino más bien en ilustrar la imposibilidad inherente de mantener tal oposición binaria.
Steven Best y Douglas Kellner ubican a Rauschenberg y Jasper Johns dentro de una fase de transición, influenciada por Marcel Duchamp, uniendo el modernismo y el posmodernismo. Su práctica artística incorporó imágenes de objetos cotidianos, o de los objetos mismos, al mismo tiempo que preservaba la abstracción y la pincelada gestual características del alto modernismo.
Anselm Kiefer también incorpora elementos de ensamblaje en sus creaciones, en particular presentando la proa de un barco de pesca dentro de una de sus pinturas.
Arte pop
Lawrence Alloway acuñó el término "Pop Art" para caracterizar las obras de arte que celebraban el consumismo prevaleciente en la era posterior a la Segunda Guerra Mundial. Este movimiento artístico divergió del énfasis del expresionismo abstracto en la introspección hermenéutica y psicológica, favoreciendo en cambio el arte que representaba, y con frecuencia alababa, la cultura material de consumo, la publicidad y la iconografía de la era de la producción en masa. Ejemplos fundamentales dentro del movimiento incluyen las primeras obras de David Hockney, junto con creaciones de Richard Hamilton, John McHale y Eduardo Paolozzi. Las manifestaciones americanas posteriores abarcan las extensas carreras de artistas como Andy Warhol y Roy Lichtenstein, este último utilizando en particular los puntos Benday, una técnica derivada de la reproducción comercial. Un linaje distinto conecta las obras radicales, llenas de humor, del rebelde dadaísta Marcel Duchamp con artistas pop como Claes Oldenburg, Andy Warhol y Roy Lichtenstein.
Thomas McEvilly, coincidiendo con Dave Hickey, postula que el posmodernismo estadounidense en las artes visuales se originó con las exposiciones inaugurales de arte pop en 1962, a pesar de que se necesitaron aproximadamente dos décadas para que el posmodernismo se estableciera como una sensibilidad predominante en el país. las artes visuales. Fredric Jameson clasifica de manera similar el arte pop como posmoderno.
El carácter posmoderno del arte pop es en parte atribuible a su desmantelamiento de lo que Andreas Huyssen denominó la "Gran División" entre el arte elevado y la cultura popular. Se entiende que el posmodernismo mismo surge de un "rechazo generacional de las certezas categóricas del alto modernismo".
Fluxus
El movimiento Fluxus fue nombrado y estructurado libremente en 1962 por George Maciunas (1931-1978), un artista estadounidense nacido en Lituania. Sus orígenes se remontan a las clases de Composición Experimental de John Cage, impartidas de 1957 a 1959 en la Nueva Escuela de Investigación Social de la ciudad de Nueva York. Un número significativo de estudiantes de Cage eran artistas dedicados a diversos medios y, a menudo, poseían una formación musical formal mínima o nula. Entre los estudiantes de Cage se encontraban varios miembros fundadores de Fluxus, incluidos Jackson Mac Low, Al Hansen, George Brecht y Dick Higgins. En Alemania, Fluxus comenzó en 1962 con el FLUXUS Internationale Festspiele Neuester Musik en Wiesbaden, con George Maciunas, Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June Paik y otros. A este le siguió en 1963 el Festum Fluxorum Fluxus en Düsseldorf, que incluía a George Maciunas, Wolf Vostell, Joseph Beuys, Dick Higgins, Nam June Paik, Ben Patterson y Emmett Williams, entre otros.
Fluxus defendió el espíritu de autoproducción y priorizó la simplicidad sobre el diseño complejo. Al igual que su predecesor, Dada, Fluxus exhibió una pronunciada postura anticomercial y antiarte, criticando el establishment del arte convencional impulsado por el mercado a favor de una metodología creativa centrada en el artista. Los artistas de Fluxus prefirieron utilizar materiales fácilmente disponibles, ya sea produciendo sus obras de forma independiente o participando en la creación colaborativa con sus pares.
Fluxus a menudo se clasifica dentro de la fase inicial del posmodernismo, junto con figuras como Rauschenberg, Johns, Warhol y la Internacional Situacionista. Andreas Huyssen, sin embargo, critica los esfuerzos por alinear Fluxus con el posmodernismo, caracterizando tales intentos como presentarlo como "el código maestro del posmodernismo o el movimiento artístico en última instancia irrepresentable, por así decirlo, lo sublime del posmodernismo". Por el contrario, Huyssen postula a Fluxus como una importante manifestación neodadaísta dentro del linaje de vanguardia. Si bien no significó una progresión sustancial en las metodologías artísticas, articuló un desafío contra "la cultura administrada de la década de 1950, en la que un modernismo moderado y domesticado sirvió como puntal ideológico de la Guerra Fría".
Minimalismo
A principios de la década de 1960, el minimalismo se materializó como un movimiento de arte abstracto, cuyos orígenes se remontan a la abstracción geométrica a través de Malevich, la Bauhaus y Mondrian. Este movimiento repudió la pintura relacional y subjetiva, las intrincadas superficies del expresionismo abstracto y el tenor emocional y la polémica característicos de la pintura de acción. Los defensores del minimalismo sostenían que una profunda simplicidad podía lograr la representación sublime inherente al arte. En pintura, el minimalismo, ejemplificado por artistas como Frank Stella, constituye un movimiento modernista que, dependiendo de su interpretación contextual, puede considerarse como un precursor del posmodernismo.
En su ensayo The Crux of Minimalism, Hal Foster analiza cómo Donald Judd y Robert Morris, a través de sus definiciones publicadas del minimalismo, reconocen y trascienden simultáneamente el modernismo greenbergiano. Foster sostiene que el minimalismo no representa un "callejón sin salida" del modernismo, sino más bien un "cambio de paradigma hacia prácticas posmodernas que se siguen elaborando en la actualidad".
Arte terrestre
Conocido por varias denominaciones como Land art, Earth art, arte ambiental y Earthworks, este movimiento artístico se originó en las décadas de 1960 y 1970. Si bien está vinculado principalmente a Gran Bretaña y Estados Unidos, abarca ejemplos de muchas otras naciones. Como fenómeno artístico, el "land art" amplió el alcance de la producción de arte convencional mediante la elección de materiales y la ubicación de sus instalaciones. Los materiales constituyentes frecuentemente comprenden elementos naturales como suelo, rocas, vegetación y agua provenientes directamente del sitio, que a menudo se encuentran alejados de las áreas urbanas. A pesar de la inaccesibilidad ocasional de estos sitios, la documentación fotográfica se presenta habitualmente en las galerías de arte urbano.
Los principios centrales de este movimiento artístico giran en torno al repudio a la comercialización del arte y la aceptación del floreciente movimiento ecológico. Su inicio coincidió con un rechazo generalizado de los estilos de vida urbanos y una correspondiente apreciación de los entornos rurales. Estas tendencias también abarcaban aspiraciones espirituales con respecto al papel de la Tierra como morada de la humanidad.
Postminimalismo
En 1977, Robert Pincus-Witten introdujo el término posminimalismo para caracterizar el arte derivado del minimalismo pero incorporando contenidos y matices contextuales que el propio minimalismo evitaba. Su aplicación del término abarcó el período de 1966 a 1976, abarcando obras de artistas como Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra y nuevas creaciones de antiguos minimalistas como Robert Smithson, Robert Morris, Sol LeWitt y Barry Le Va, entre otros. Este cuerpo de trabajo también se describe con términos como arte de proceso y arte antiforma, cuyas características se definen por el espacio ocupado y su metodología de producción.
Rosalind Krauss postula que en 1968, artistas como Morris, LeWitt, Smithson y Serra habían "entrado en una situación cuyas condiciones lógicas ya no pueden describirse como modernistas". Afirma además que la ampliación de la categoría de escultura para incorporar land art y arquitectura "provocó el cambio hacia el posmodernismo".
El escultor estadounidense Christopher Wilmarth a menudo se clasifica como posminimalista, alineándose con figuras como Eva Hesse y Bruce Nauman. La obra de Wilmarth se apartó deliberadamente de la estética prístina, fabricada a máquina, favorecida por los minimalistas, y al mismo tiempo evitó la exuberancia impulsada por el proceso que prevalecía en gran parte de la escultura posminimalista de la década de 1970.
Prominentes artistas minimalistas, incluidos Donald Judd, Dan Flavin, Carl Andre, Agnes Martin y John McCracken, mantuvieron su producción de pinturas y esculturas del modernismo tardío a lo largo de su vida profesional.
Arte conceptual
El arte conceptual se clasifica con frecuencia como posmoderno debido a su compromiso explícito con la deconstrucción de definiciones artísticas. Este género a menudo suscita una controversia significativa, ya que sus creaciones frecuentemente tienen como objetivo desafiar, provocar o criticar las percepciones predominantes entre su audiencia.
Las primeras influencias en el arte conceptual abarcan las contribuciones de Duchamp, "4' 33" de John Cage, una pieza donde el contenido musical se define por los sonidos ambientales percibidos por la audiencia durante su interpretación, y Erased De Kooning Drawing de Rauschenberg. Un principio fundamental de muchas obras de arte conceptual es que el arte está constituido por la percepción que tiene el espectador de un objeto o acción como artístico, más que por cualidades inherentes de la obra en sí. En consecuencia, la exposición de Fuente la convirtió en una escultura.
Pintura Figurativa
Ciertas tendencias dentro de la pintura figurativa de la posguerra se han interpretado a través de una lente posmoderna. Los críticos estadounidenses, por ejemplo, identificaron al artista italiano Carlo Maria Mariani como un posmodernista. Charles Jencks señaló que el retrato grupal de Mariani, La constelación de Leo (1980-1981), que retrata figuras de la escena artística italiana junto con alusiones mitológicas e históricas del arte, ejemplifica una característica clave del arte posmoderno: "un comentario irónico sobre un comentario sobre un comentario que señala la distancia; un nuevo mito tres veces alejado de su ritual original".
Arte de instalación
Una trayectoria significativa en el arte consistentemente categorizado como posmoderno abarca el arte de instalación y la producción de artefactos conceptualmente impulsados. Los carteles de Jenny Holzer, por ejemplo, emplean mecanismos artísticos para comunicar mensajes precisos, como "Protégeme de lo que quiero". El arte de instalación ha jugado un papel crucial en la configuración de los requisitos arquitectónicos de los museos de arte contemporáneo, necesitando espacios capaces de albergar obras amplias que comprendan extensos collages de materiales fabricados y descubiertos. Estas instalaciones y collages incorporan frecuentemente componentes eléctricos, elementos cinéticos e iluminación.
Estas obras con frecuencia se conciben para generar impactos ambientales, como lo ejemplifica Cortina de hierro, muro de 240 barriles de petróleo, bloqueo de la Rue Visconti, París, junio de 1962 de Christo y Jeanne-Claude, que sirvió como comentario simbólico sobre el Muro de Berlín erigido en 1961.
Arte Lowbrow
El arte lowbrow representa un movimiento populista generalizado que se origina en el cómic underground, la música punk, la cultura callejera hot-rod y varias subculturas californianas. También denominado frecuentemente surrealismo pop, el arte lowbrow subraya un principio central del posmodernismo: la disolución de las distinciones tradicionales entre formas de arte "altas" y "bajas".
Arte escénico
Arte digital
El arte digital sirve como descriptor general de diversas creaciones y metodologías artísticas que integran la tecnología digital como un componente fundamental de sus procesos generativos o expositivos. La influencia de la tecnología digital ha revolucionado prácticas establecidas como la pintura, el dibujo, la escultura y la música/arte sonoro, fomentando al mismo tiempo la aparición y el reconocimiento de nuevas formas artísticas como el net art, las instalaciones digitales y la realidad virtual.
Prominentes teóricos e historiadores del arte especializados en este ámbito incluyen a Christiane Paul, Frank Popper, Christine Buci-Glucksmann, Dominique Moulon, Robert C. Morgan, Roy Ascott, Catherine Perret, Margot Lovejoy, Edmond Couchot, Fred Forest y Edward A. Shanken.
Intermedia y Multimedia
Una tendencia notable en el arte asociada con el posmodernismo es la integración de diversos medios, a menudo denominados "intermedios". Acuñado por Dick Higgins, intermedia se refiere a nuevas formas de arte que abarcan movimientos como Fluxus, poesía concreta, objetos encontrados, arte escénico y arte por computadora. Higgins, un poeta concreto, editor de Something Else Press y admirador de Marcel Duchamp, estaba casado con la artista Alison Knowles. Ihab Hassan incluye "Intermedia, la fusión de formas, la confusión de reinos", entre sus características definitorias del arte posmoderno. El videoarte, que utiliza cintas de video y monitores CRT, representa una de las formas más frecuentes de "arte multimedia". Si bien el concepto teórico de combinar múltiples disciplinas artísticas es antiguo y ha experimentado resurgimientos periódicos, su manifestación posmoderna frecuentemente se fusiona con el arte de performance, a menudo desprovisto de un subtexto dramático, centrándose en cambio en las declaraciones específicas del artista o la esencia conceptual de sus acciones. La visión de Higgins de Intermedia está intrínsecamente ligada a la evolución de las prácticas digitales multimedia, incluida la realidad virtual inmersiva, el arte digital y el arte por computadora.
Arte Telemático
El arte telemático describe esfuerzos artísticos que emplean redes de telecomunicaciones mediadas por computadora como medio principal. Esta forma de arte desafía la dinámica convencional entre sujetos que ven activamente y objetos de arte pasivos al establecer contextos de comportamiento interactivos para encuentros estéticos remotos. Roy Ascott considera que el arte telemático transforma al espectador en un participante activo en la creación de la obra de arte, que permanece en un proceso perpetuo a lo largo de su duración. Ascott ha sido pionero en la teoría y la práctica del arte telemático desde 1978, cuando participó por primera vez en línea para organizar varios proyectos digitales colaborativos.
Arte de apropiación y arte neoconceptual
En su ensayo de 1980 El impulso alegórico: hacia una teoría del posmodernismo, Craig Owens identifica el resurgimiento de un impulso alegórico como un sello distintivo del arte posmoderno. Este impulso es evidente en el arte de apropiación de figuras como Sherrie Levine y Robert Longo, dado que "las imágenes alegóricas son imágenes apropiadas". El arte de apropiación critica los ideales modernistas de genio artístico y originalidad, exhibiendo mayor ambivalencia y contradicción que el arte moderno al establecer y subvertir ideologías simultáneamente, siendo por lo tanto "crítico y cómplice".
Neoexpresionismo y pintura
El resurgimiento de formas de arte tradicionales como la escultura y la pintura a finales de los años 1970 y principios de los 1980, ejemplificado por artistas neoexpresionistas como Georg Baselitz y Julian Schnabel, se ha caracterizado como una tendencia posmoderna y uno de los primeros movimientos cohesivos que surgieron en la era posmoderna. Sin embargo, sus fuertes vínculos con el mercado comercial del arte han generado dudas sobre su estatus como movimiento posmoderno y la definición misma de posmodernismo. Hal Foster sostiene que el neoexpresionismo fue cómplice de la política cultural conservadora que prevaleció durante la era Reagan-Bush en los Estados Unidos. Félix Guattari descarta las "grandes operaciones de promoción denominadas 'neoexpresionismo' en Alemania" (citándolas como un ejemplo de una "moda que se mantiene por medio de la publicidad") como un medio demasiado simplista para "demostrar que el posmodernismo no es más que el último suspiro del modernismo". Estas críticas al neoexpresionismo resaltan cómo el respaldo financiero y las relaciones públicas reforzaron significativamente la credibilidad del mundo del arte contemporáneo en Estados Unidos durante un período en el que los artistas conceptuales y las prácticas de las mujeres artistas, incluidas pintoras y teóricas feministas como Griselda Pollock, estaban reevaluando sistemáticamente el arte moderno. Brian Massumi afirma que Deleuze y Guattari amplían el alcance de nuevas definiciones de belleza dentro del arte posmoderno. Para Jean-François Lyotard, las pinturas de artistas como Valerio Adami, Daniel Buren, Marcel Duchamp, Bracha Ettinger y Barnett Newman, siguiendo la era de las vanguardias y las obras de Paul Cézanne y Wassily Kandinsky, sirvieron como conducto para conceptos novedosos de lo sublime en el arte contemporáneo.
Crítica institucional
Las críticas a las instituciones de arte, principalmente museos y galerías, son fundamentales para el trabajo de Andrea Fraser, Michael Asher, Marcel Broodthaers, Daniel Buren y Hans Haacke.
Fuentes
Fuentes
- El triunfo del modernismo: el mundo del arte, 1985-2005. Por Hilton Kramer. 2006. ISBN 978-0-15-666370-0.
- Imágenes de la nada: arte abstracto desde Pollock (Conferencias de Bellas Artes de A.W. Mellon). Por Kirk Varnedoe. 2003.
- Arte de la era posmoderna: desde finales de los sesenta hasta principios de los noventa. Por Irving Sandler.
- Posmodernismo (Movimientos en el arte moderno). Por Eleanor Heartney.
- Escultura en la era de la duda. Por Thomas McEvilley. 1999.
Referencias
- Medios relacionados con el arte posmoderno en Wikimedia Commons