Modernisme

Le modernisme, mouvement influent du début du XXe siècle, englobait la littérature, les arts visuels, les arts du spectacle et la musique, en donnant la priorité à l'expérimentation, à l'abstraction et à l'expérience subjective. Son champ d'application s'étendait à la philosophie, à la politique, à l'architecture et à diverses questions sociales. L'un des principes fondamentaux du modernisme était une « aliénation croissante » de « la moralité, de l'optimisme et des conventions » établies, associée à une aspiration à transformer les interactions sociétales et la vie communautaire.

Le modernisme était un mouvement du début du XXe siècle dans les domaines de la littérature, des arts visuels, des arts du spectacle et de la musique qui mettait l'accent sur l'expérimentation, l'abstraction et l'expérience subjective. La philosophie, la politique, l'architecture et les questions sociales étaient autant d'aspects de ce mouvement. Le modernisme était centré sur la croyance en une « aliénation croissante » de « la moralité, de l'optimisme et des conventions » dominantes et sur le désir de changer la façon dont « les êtres humains dans une société interagissent et vivent ensemble ».

Né à la fin du 19e siècle, le mouvement moderniste est né en réaction aux transformations profondes de la culture occidentale, notamment la sécularisation et l'impact croissant des progrès scientifiques. Elle se définit par un rejet délibéré des normes traditionnelles et une recherche de nouvelles formes d’articulation culturelle. Le développement du modernisme a été façonné par de nombreuses innovations technologiques, l'industrialisation, l'urbanisation et les bouleversements culturels et géopolitiques importants qui ont suivi la Première Guerre mondiale. Les principaux mouvements et techniques artistiques liés au modernisme comprennent l'art abstrait, le courant de conscience dans la littérature, le montage cinématographique, l'atonalité musicale et les techniques dodécaphoniques, la danse moderne, l'architecture moderniste et l'urbanisme.

Le modernisme a adopté une perspective critique sur l'accent mis par les Lumières sur le rationalisme. En outre, le mouvement a désavoué la notion d'originalité absolue, en particulier le concept de « Creatio ex nihilo » (création à partir de rien) du XIXe siècle défendu à la fois par le réalisme et le romantisme. Au lieu de cela, le modernisme a adopté des techniques telles que le collage, la reprise, l’incorporation, la réécriture, la récapitulation, la révision et la parodie. Une caractéristique distinctive du modernisme était sa réflexivité concernant les conventions artistiques et sociales, favorisant l'expérimentation qui mettait l'accent à la fois sur la construction des œuvres d'art et de leurs matériaux constitutifs. La chronologie précise du modernisme reste un sujet de débat scientifique, certains universitaires avançant son évolution vers un modernisme tardif ou un modernisme élevé. En revanche, le postmodernisme remet fondamentalement en question de nombreux principes modernistes.

Aperçu et définition

Le modernisme a constitué un mouvement culturel qui a influencé à la fois les arts et le Zeitgeist au sens large. Il est souvent caractérisé comme un cadre de pensée et de conduite caractérisé par une conscience de soi ou une référence à soi, particulièrement important au sein de l'avant-garde dans divers domaines artistiques et académiques. Surtout dans les contextes occidentaux, il est souvent considéré comme un mouvement socialement progressiste affirmant la capacité de l'humanité à créer, améliorer et reconfigurer son environnement grâce à l'expérimentation pratique, à la compréhension scientifique ou à l'application technologique. De ce point de vue, le modernisme prône une réévaluation globale de toutes les facettes de l’existence. Les modernistes examinent les sujets de manière critique pour identifier les obstacles perçus au progrès, proposant ensuite des méthodologies alternatives pour atteindre les résultats souhaités.

L'historien Roger Griffin définit le modernisme comme un vaste effort culturel, social ou politique soutenu par l'éthos de « la temporalité du nouveau ». Griffin a postulé que le modernisme cherchait à rétablir un « sentiment d'ordre et de but sublimes dans le monde contemporain », atténuant ainsi « l'érosion perçue d'un « nomos » global, ou « auvent sacré » », causée par les forces de fragmentation et de sécularisation de la modernité. Par conséquent, des phénomènes apparemment disparates – notamment « l’expressionnisme, le futurisme, le vitalisme, la théosophie, la psychanalyse, le nudisme, l’eugénisme, l’urbanisme et l’architecture utopiques, la danse moderne, le bolchevisme, le nationalisme organique – et même le culte du sacrifice de soi qui a soutenu l’hécatombe de la Première Guerre mondiale » – révèlent une origine et un cadre psychologique communs dans leur opposition à la « décadence perçue ». Ces diverses manifestations représentent collectivement des tentatives visant à atteindre une « expérience suprapersonnelle de la réalité », à travers laquelle les individus croyaient pouvoir transcender leur mortalité et finalement passer du statut de sujets de l'histoire à ses créateurs actifs.

La religion a également connu l'impact des avancées scientifiques, philosophiques et politiques émergentes à la fin du 19e et au début du 20e siècle, culminant avec l'émergence du modernisme catholique. T. S. Eliot, par exemple, a été particulièrement influencé par le modernisme catholique.

En 1911, écrivant pour l'Encyclopédie catholique, le jésuite Arthur Vermeersch a fourni une définition du modernisme du point de vue de l'hérésiologie catholique contemporaine :

Le modernisme cherche généralement une transformation fondamentale de la pensée humaine concernant la divinité, l'humanité, le monde et l'existence, à la fois temporelle et éternelle. Ce changement intellectuel a été initié par l'humanisme et la philosophie du XVIIIe siècle, et formellement déclaré lors de la Révolution française.

Cette section explore les interconnexions entre le modernisme, le romantisme, la philosophie et le symbolisme.

Le modernisme littéraire est souvent résumé dans la phrase de W. B. Yeats tirée de « La Seconde Venue » : « Les choses s'effondrent ; le centre ne peut pas tenir. » Alors que les modernistes recherchaient fréquemment un « centre » métaphysique, ils rencontraient invariablement sa désintégration. En revanche, le postmodernisme embrasse cet effondrement, révélant les limites inhérentes aux constructions métaphysiques, illustrées par les efforts de Jacques Derrida pour déconstruire de telles affirmations.

D'un point de vue philosophique, le déclin de la métaphysique peut être attribué au philosophe écossais David Hume (1711-1776). Hume a soutenu que la perception directe d’un événement en provoquant un autre est impossible. Il affirmait en outre que le soi n'est appréhendé que comme sujet, jamais comme objet, obscurcissant ainsi notre essence fondamentale. Par conséquent, si la connaissance dérive uniquement d'expériences sensorielles, telles que la vision, le toucher et l'émotion, alors la connaissance elle-même et les affirmations métaphysiques deviennent inaccessibles.

Par conséquent, le modernisme peut être propulsé émotionnellement par un désir ardent de vérités métaphysiques, même en reconnaissant leur inaccessibilité inhérente. Par exemple, certains romans modernistes présentent des personnages, comme Marlow dans Heart of Darkness ou Nick Carraway dans The Great Gatsby, qui perçoivent des vérités profondes sur la nature ou le caractère humain. Cependant, ces récits traitent souvent ces perceptions avec ironie, fournissant plutôt des explications plus prosaïques. De manière analogue, de nombreux poèmes de Wallace Stevens explorent la lutte pour déterminer la signification de la nature, se manifestant généralement sous deux formes : celles où l'orateur nie initialement la signification de la nature, seulement pour que sa présence s'affirme par la conclusion du poème ; et ceux où le locuteur pose un sens dans la nature, seulement pour que ce sens se dissipe à la fin du poème.

Le modernisme rejette fréquemment le réalisme du XIXe siècle, en particulier si le réalisme est défini par l'accent mis sur l'intégration du sens dans les représentations naturalistes. Parallèlement, certains modernistes recherchaient une forme de réalisme plus authentique et « non centrée ». Par exemple, l'œuvre protocubiste de Picasso, *Les Demoiselles d'Avignon* (1907), s'écarte de la présentation des sujets d'un point de vue singulier, offrant plutôt un plan pictural plat et bidimensionnel. De même, « Le Poète » (1911) présente une perspective décentrée, représentant le corps sous différents angles. La collection Peggy Guggenheim décrit cette approche en déclarant que « Picasso présente plusieurs vues de chaque objet, comme s'il s'était déplacé autour de lui, et les synthétise en une seule image composée ».

Le modernisme, caractérisé par sa perception que « les choses s'effondrent », peut être interprété comme le point culminant du romantisme, surtout si le romantisme est compris comme la recherche souvent insatisfaite de vérités métaphysiques concernant le caractère, la nature, un pouvoir transcendant et une signification globale. Le modernisme aspire souvent à un noyau romantique ou métaphysique, pour ensuite assister à sa désintégration.

La divergence entre le modernisme et le romantisme est également évidente dans leurs approches du « symbole ». Les romantiques ont parfois posé l'hypothèse d'un lien intrinsèque (le « fondement ») entre le symbole (ou le « véhicule », dans la terminologie de I.A. Richards) et sa « teneur » (sa signification). Une illustration de ceci est la représentation de la nature par Coleridge comme « ce langage éternel que ton Dieu / exprime ». Cependant, alors que certains romantiques considéraient la nature et ses symboles comme un langage divin, d’autres théoriciens romantiques les considéraient comme impénétrables. Goethe, bien que n’étant pas un romantique, a exprimé cela en déclarant : « l’idée [ou le sens] reste éternellement et infiniment active et inaccessible dans l’image ». Cette perspective a été développée davantage dans la théorie moderniste, qui, influencée par ses antécédents symbolistes, met fréquemment en évidence le caractère impénétrable et inadéquat des symboles et des métaphores. Par exemple, Wallace Stevens s’efforce, mais échoue finalement, de discerner le sens de la nature, même s’il semble momentanément en saisir le sens. Par conséquent, les symbolistes et les modernistes emploient parfois une méthodologie mystique pour transmettre une compréhension non rationnelle du sens.

Par conséquent, les métaphores modernistes se manifestent souvent comme contre nature, comme en témoigne T.S. La représentation d'Eliot d'une soirée « étalée sur le ciel / Comme un patient éthérisé sur une table ». De même, les poètes modernistes ultérieurs décrivent fréquemment la nature comme dénaturalisée et parfois mécanisée, comme dans l'image de Stephen Oliver de la lune occupée à se « hisser » dans la conscience.

Origines et histoire ancienne

Romantisme et réalisme

Le modernisme est né de la rébellion du romantisme contre les effets de la révolution industrielle et les valeurs sociétales bourgeoises. Comme l'affirme le spécialiste de la littérature Gerald Graff : « Le motif fondamental du modernisme était la critique de l'ordre social bourgeois du XIXe siècle et de sa vision du monde ; les modernistes, portant le flambeau du romantisme. »

Alors que J. M. W. Turner (1775-1851), un éminent peintre paysagiste du XIXe siècle, était membre du mouvement romantique, ses explorations révolutionnaires de la lumière, de la couleur et de l'atmosphère « anticipaient les impressionnistes français » et, par conséquent, le modernisme « en brisant les formules conventionnelles de représentation ». Il s'en écarte cependant dans sa conviction que son art doit articuler de manière cohérente de profonds thèmes historiques, mythologiques, littéraires ou autres. À l’inverse, les modernistes ont critiqué la conviction romantique selon laquelle l’art fonctionnait comme un conduit direct vers l’essence de la réalité. Ils affirmaient que, compte tenu de l'interprétation subjective inhérente à l'engagement de chaque spectateur dans l'art, celui-ci ne pouvait pas transmettre les vérités métaphysiques ultimes recherchées par les romantiques. Néanmoins, les modernistes n’ont pas entièrement rejeté l’art en tant que mécanisme permettant de comprendre le monde. Au lieu de cela, ils l'ont perçu comme un instrument permettant de remettre en question et de déstabiliser le point de vue du spectateur, plutôt que comme une voie directe vers une réalité transcendante.

Le modernisme rejette fréquemment le réalisme du XIXe siècle, en particulier lorsque ce dernier se caractérise par l'accent mis sur l'intégration du sens dans les représentations naturalistes. À l’inverse, certains modernistes recherchaient un réalisme plus « authentique », dépourvu d’un point focal singulier. Par exemple, l'œuvre proto-cubiste de Picasso de 1907, Les Demoiselles d'Avignon, s'écarte d'une perspective singulière, restituant plutôt ses sujets sur un plan d'image plat et bidimensionnel. De même, Le Poète (1911) présente une approche décentrée, décrivant le corps sous différents points de vue. Comme le note la collection Peggy Guggenheim, « Picasso présente plusieurs vues de chaque objet, comme s'il s'était déplacé autour de lui, et les synthétise en une seule image composée. »

Le modernisme, caractérisé par sa perception selon laquelle « les choses s'effondrent », est souvent considéré comme le point culminant du romantisme. Comme l'a exprimé August Wilhelm Schlegel, un des premiers romantiques allemands, alors que le romantisme s'efforce de découvrir des vérités métaphysiques concernant le caractère, la nature, le pouvoir supérieur et la signification du monde, le modernisme, malgré son aspiration à un tel noyau métaphysique, n'est finalement confronté qu'à sa désintégration.

Le début du 19e siècle

Au cours de la révolution industrielle (environ 1760-1840), d'importantes innovations comprenaient l'industrialisation à vapeur, en particulier l'émergence des chemins de fer en Grande-Bretagne à partir des années 1830, et les progrès qui en ont résulté en physique, en ingénierie et en architecture. Une réalisation technique remarquable du XIXe siècle fut le Crystal Palace, une immense salle d'exposition construite en fonte et en verre plat pour la Grande Exposition de 1851 à Londres. Ces matériaux, le verre et le fer, furent également utilisés de manière monumentale pour la construction de terminaux ferroviaires importants à travers la ville, tels que la gare de King's Cross (1852) et la gare de Paddington (1854). Ces avancées technologiques se sont répandues à l’échelle internationale, aboutissant à des structures ultérieures comme le pont de Brooklyn (1883) et la Tour Eiffel (1889), cette dernière dépassant toutes les contraintes de hauteur antérieures pour les constructions artificielles. Alors que ces merveilles d'ingénierie ont fondamentalement transformé le paysage urbain et la vie quotidienne du XIXe siècle, la perception humaine du temps elle-même a subi des modifications avec l'invention du télégraphe électrique en 1837, parallèlement à la mise en œuvre de « l'heure standard » par les compagnies ferroviaires britanniques à partir de 1845, un concept adopté par la suite à l'échelle mondiale au cours des cinq décennies suivantes.

Parallèlement, Søren Kierkegaard (1813-1855) et Nietzsche ont indépendamment répudié le concept selon lequel la réalité pouvait être appréhendée uniquement à travers un cadre objectif, une position qui a profondément façonné l'évolution de l'existentialisme et du nihilisme.

Le critique d'art Clement Greenberg a qualifié la Fraternité préraphaélite de proto-modernistes, déclarant : « Là-bas, les proto-modernistes étaient, parmi tous les peuples, les préraphaélites (et même avant eux, en tant que proto-proto-modernistes, les Nazaréens allemands). Les préraphaélites préfiguraient Manet (1832-1883), avec qui la peinture moderniste commence très certainement. Ils ont agi sur un mécontentement à l'égard de la peinture. tel qu'il était pratiqué à leur époque, estimant que son réalisme n'était pas assez véridique. "

Parallèlement, les affirmations de Marx concernant les contradictions inhérentes au cadre capitaliste et l'action contrainte des travailleurs ont abouti au développement de la théorie marxiste.

L'art africain a considérablement influencé l'art moderniste, inspirant ses praticiens par l'accent mis sur la représentation abstraite.

La fin du 19e siècle

L'essai influent de Baudelaire « Le Peintre de la vie moderne » (1863) encourageait les artistes émergents à s'écarter des pratiques conventionnelles et à concevoir de nouvelles méthodes de représentation artistique de leur monde contemporain.

À partir des années 1860, deux mouvements artistiques et littéraires distincts émergent indépendamment en France. L'impressionnisme, la première d'entre elles, était une école de peinture principalement connue pour son accent initial sur le travail en extérieur, ou en plein air, plutôt que sur la création en studio. L'art impressionniste cherchait à représenter la lumière elle-même, plutôt que de simplement représenter des objets. Malgré des désaccords internes entre ses artistes éminents, le mouvement a gagné un public important et a gagné en influence. Bien qu'initialement exclus du prestigieux Salon de Paris, parrainé par le gouvernement, les impressionnistes organisèrent des expositions collectives annuelles dans des espaces commerciaux tout au long des années 1870 et 1880, en les programmant stratégiquement pour qu'elles coïncident avec le Salon officiel. En 1863, l'empereur Napoléon III crée le Salon des Refusés pour présenter tous les tableaux refusés au Salon de Paris. Alors que la plupart des œuvres exposées adhèrent aux styles conventionnels d'artistes moins accomplis, les contributions d'Édouard Manet ont attiré une attention significative, créant ainsi des opportunités commerciales pour le mouvement naissant. La deuxième école française était le symbolisme, que les historiens littéraires font remonter à Charles Baudelaire et incluent par la suite des poètes tels qu'Arthur Rimbaud (1854-1891), connu pour Une saison en enfer (1873), Paul Verlaine (1844-1896), Stéphane Mallarmé (1842-1898) et Paul Valéry (1871-1945). Les symbolistes ont donné la priorité à « la priorité de la suggestion et de l'évocation sur la description directe et l'analogie explicite » et ont démontré un intérêt particulier pour « les propriétés musicales du langage ».

Le cabaret, ancêtre important de nombreuses formes d'art modernistes, y compris les antécédents directs du cinéma, est généralement considéré comme étant né en France en 1881 avec la création de la Société des Arts Incohérents et du Chat Noir à Montmartre.

Les cadres théoriques développés par Sigmund Freud (1856-1939), Krafft-Ebing et d'autres sexologues ont exercé une influence considérable au cours de la période naissante du modernisme. La publication phare de Freud, co-écrite avec Josef Breuer, était Etudes sur l'hystérie (1895). Une pierre angulaire de la pensée freudienne postule « la primauté de l'inconscient dans la vie mentale », suggérant que toute réalité subjective est construite par l'interaction de pulsions et d'instincts fondamentaux, qui médiatisent la perception du monde extérieur. La conceptualisation des états subjectifs par Freud englobait un domaine inconscient rempli d'impulsions primaires, équilibré par des contraintes auto-imposées découlant de valeurs sociétales.

Les contributions philosophiques de Friedrich Nietzsche (1844-1900) ont également été un précurseur important du modernisme, en particulier l'accent mis sur les pulsions psychologiques, notamment la « volonté de pouvoir » (Wille zur macht). Nietzsche assimilait fréquemment la vie elle-même à cette « volonté de puissance », la définissant comme un instinct inhérent de croissance et de résilience. En revanche, Henri Bergson (1859-1941) faisait la distinction entre le temps objectif et chronologique et l’expérience humaine immédiate et subjective de la temporalité. Ses recherches sur le temps et la conscience ont profondément « influencé les romanciers du XXe siècle », en particulier les auteurs modernistes comme Dorothy Richardson, James Joyce et Virginia Woolf (1882-1941), qui ont employé la technique narrative du « flux de conscience ». Un autre concept central de la philosophie de Bergson était l'élan vital, ou la force vitale, qui, selon lui, « provoque l'évolution créatrice de toute chose ». Son cadre philosophique accordait également une grande valeur à l'intuition, sans pour autant nier l'importance des processus intellectuels.

Plusieurs personnalités littéraires éminentes sont reconnues comme des précurseurs cruciaux du modernisme. Il s'agit notamment de Fiodor Dostoïevski (1821-1881), dont les romans notables comprennent Crime et Châtiment (1866) et Les Frères Karamazov (1880) ; Walt Whitman (1819-1892), auteur du recueil de poésie Leaves of Grass (1855-1891) ; et August Strindberg (1849-1912), en particulier pour ses œuvres dramatiques ultérieures telles que la trilogie To Damascus (1898-1901), A Dream Play (1902) et The Ghost Sonata (1907). Henry James a également été identifié comme un précurseur important du modernisme, avec des premières œuvres comme Le Portrait d'une dame (1881) démontrant des tendances modernistes.

L'émergence du modernisme

1901-1930

La première vague d'œuvres modernistes a émergé au cours de la première décennie du XXe siècle, issue d'une confluence d'idéaux dérivés du romantisme et d'une quête de connaissances pour élucider des phénomènes jusqu'alors inexpliqués. Même si leurs créateurs considéraient souvent ces œuvres comme la continuation de tendances artistiques établies, elles ont fondamentalement perturbé la compréhension implicite de l'art par le public, qui positionnait traditionnellement les artistes comme interprètes et représentants de la culture et de la pensée bourgeoise. Les réalisations « modernistes » marquantes de cette période comprennent le Deuxième Quatuor à cordes atonal d'Arnold Schoenberg (1908), les peintures expressionnistes de Vassily Kandinsky (à partir de 1903) culminant avec son œuvre abstraite inaugurale et la création du groupe Blue Rider à Munich (1911), ainsi que la montée du fauvisme et les innovations du cubisme dans les ateliers d'Henri Matisse, Pablo Picasso, Georges Braque et d'autres artistes entre 1900 et 1910.

Une caractéristique importante du modernisme implique son engagement avec la tradition, qui se manifeste à travers l'adaptation et la recontextualisation de techniques telles que la reprise, l'incorporation, la réécriture, la récapitulation, la révision et la parodie dans de nouvelles formes artistiques.

T. S. Eliot a formulé des observations notables concernant la relation entre un artiste et la tradition, déclarant : 

[Nous constaterons souvent que non seulement les meilleures, mais aussi les parties les plus individuelles de l'œuvre [d'un poète], peuvent être celles dans lesquelles les poètes morts, ses ancêtres, affirment le plus vigoureusement leur immortalité.

Néanmoins, l'interaction du modernisme avec la tradition s'est avérée complexe, comme l'a exprimé le spécialiste de la littérature Peter Child : "Il y avait des paradoxes sinon des tendances opposées vers des positions révolutionnaires et réactionnaires, la peur du nouveau et le plaisir de la disparition de l'ancien, le nihilisme et l'enthousiasme fanatique, la créativité et le désespoir. Schoenberg s'écartait notamment de l'harmonie tonale traditionnelle, un système hiérarchique qui structurait la composition musicale depuis plus de 150 ans. Il a postulé la découverte d'une méthode entièrement nouvelle pour organiser le son, basée sur l'utilisation de rangées de douze notes. Malgré sa nature révolutionnaire, la genèse de cette technique peut être attribuée aux contributions de compositeurs précédents, notamment Franz Liszt, Richard Wagner, Gustav Mahler, Richard Strauss et Max Reger.

Au cours de la première décennie du XXe siècle, de jeunes peintres éminents tels que Pablo Picasso et Henri Matisse ont généré une controverse et des critiques considérables en abandonnant la perspective traditionnelle comme élément structurel fondamental de la peinture, malgré les innovations impressionnistes antérieures de Claude Monet en matière de perspective. Parallèlement, en 1907, tandis que Picasso créait Les Demoiselles d'Avignon, Oskar Kokoschka écrivait Mörder, Hoffnung der Frauen (Meurtrier, espoir des femmes), reconnue comme la première pièce expressionniste (dont la première a été controversée en 1909), et Arnold Schoenberg composait son Quatuor à cordes n°2 en fa dièse mineur (1908), marquant sa composition inaugurale dépourvue de centre tonal.

Les dernières œuvres de Paul Cézanne, en particulier sa représentation de la forme tridimensionnelle, ont influencé de manière significative le développement du cubisme. Ces œuvres ont fait l'objet d'une rétrospective au Salon d'Automne de 1907. L'art cubiste implique l'analyse, la déconstruction et le réassemblage abstrait d'objets. Plutôt que de présenter un point de vue unique, les artistes présentent des sujets sous plusieurs perspectives pour transmettre un contexte plus complet. Le cubisme est reconnu publiquement pour la première fois en 1911 au Salon des Indépendants à Paris, qui s'est tenu du 21 avril au 13 juin. L'exposition collective des œuvres de Jean Metzinger, Albert Gleizes, Henri Le Fauconnier, Robert Delaunay, Fernand Léger et Roger de La Fresnaye dans la salle 41 a déclenché un « scandale » qui a propulsé le cubisme sur le devant de la scène, conduisant à sa diffusion à travers Paris et à l'étranger. Toujours en 1911, Kandinsky crée Bild mit Kreis (Image avec un cercle), une œuvre qu'il identifie par la suite comme la première peinture abstraite. En 1912, Metzinger et Gleizes ont co-écrit le manifeste cubiste fondateur, Du "Cubisme", qui a été publié pour coïncider avec le Salon de la Section d'Or, alors la plus grande exposition cubiste. La même année, Metzinger peint et expose ses œuvres remarquables, La Femme au Cheval et Danseuse au Café (Danseuse dans un café). Albert Gleizes a également peint et exposé Les Baigneuses et son œuvre monumentale, Le Dépiquage des Moissons. Cette œuvre particulière, aux côtés de La Ville de Paris (Ville de Paris) de Robert Delaunay, représentait les peintures cubistes les plus grandes et les plus ambitieuses créées au cours de l'ère cubiste d'avant-guerre.

En 1905, un quatuor d'artistes allemands, dirigé par Ernst Ludwig Kirchner, fonda Die Brücke (Le Pont) à Dresde. Ce collectif est largement considéré comme l'organisation fondatrice du mouvement expressionniste allemand, bien qu'il n'adopte pas explicitement le terme « expressionnisme » lui-même. Quelques années plus tard, en 1911, une cohorte similaire de jeunes artistes fonda Der Blaue Reiter (Le Cavalier Bleu) à Munich. Le nom du groupe provient du tableau de Vassily Kandinsky de 1903, Der Blaue Reiter. Les membres clés comprenaient Kandinsky, Franz Marc, Paul Klee et August Macke. Néanmoins, le terme « expressionnisme » ne s'est imposé fermement qu'en 1913. Bien qu'il s'agisse principalement d'un mouvement artistique allemand, particulièrement important dans la peinture, la poésie et le théâtre entre 1910 et 1930, nombre de ses précurseurs n'étaient pas allemands. De plus, des écrivains de fiction en prose expressionnistes et des auteurs expressionnistes non germanophones ont émergé. Bien que le mouvement ait connu un déclin en Allemagne après l'arrivée au pouvoir d'Adolf Hitler dans les années 1930, des œuvres expressionnistes ultérieures ont continué à être produites.

L'expressionnisme présente d'importants défis de définition, en partie à cause de son chevauchement important avec d'autres mouvements modernistes importants tels que le futurisme, le vorticisme, le cubisme, le surréalisme et Dada. Richard Murphy note en outre la difficulté d'une définition globale, observant que certains des expressionnistes les plus influents, notamment les romanciers Franz Kafka et Alfred Döblin, ainsi que le poète Gottfried Benn, étaient simultanément de fervents opposants au mouvement. Néanmoins, l’expressionnisme est apparu principalement en Allemagne au début du XXe siècle en réponse aux effets déshumanisants de l’industrialisation et de l’expansion urbaine. Un aspect clé qui distingue l’expressionnisme en tant que mouvement d’avant-garde et marque sa divergence avec les institutions culturelles traditionnelles est sa position critique à l’égard du réalisme et des conventions de représentation établies. Fondamentalement, les expressionnistes rejetaient les principes du réalisme. Le début du XXe siècle a été témoin d'un mouvement expressionniste concentré au sein du théâtre allemand, Georg Kaiser et Ernst Toller étant reconnus comme ses dramaturges les plus célèbres. Parmi les autres dramaturges expressionnistes notables figuraient Reinhard Sorge, Walter Hasenclever, Hans Henny Jahnn et Arnolt Bronnen. Ces artistes se sont inspirés du dramaturge suédois August Strindberg et de l'acteur-dramaturge allemand Frank Wedekind, les considérant comme des précurseurs de leurs approches dramaturgiques expérimentales. Le meurtrier, l'espoir des femmes d'Oskar Kokoschka, créé à Vienne le 4 juillet 1909, est considéré comme la première œuvre théâtrale pleinement expressionniste. Ses traits caractéristiques, tels que la simplification radicale des personnages en archétypes mythiques, l'incorporation d'éléments choraux, le dialogue déclamatoire et l'intensité émotionnelle accrue, sont ensuite devenus les caractéristiques des pièces expressionnistes ultérieures. Le Fils de Walter Hasenclever, publié en 1914 et mis en scène pour la première fois en 1916, a la particularité d'être la première pièce expressionniste complète.

Le futurisme représente un autre mouvement moderniste important. Sa genèse remonte à 1909, lorsque le journal parisien Le Figaro publie le premier manifeste de F. T. Marinetti. Peu de temps après, un collectif de peintres, dont Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo et Gino Severini, ont conjointement soutenu le Manifeste futuriste. Ces manifestes, s'inspirant du célèbre « Manifeste communiste » de Marx et Engels (1848), visaient à susciter le débat et à attirer des adhérents. Néanmoins, à cette époque, les débats prônant une peinture géométrique ou purement abstraite se limitaient majoritairement à de « petits magazines » spécialisés au lectorat extrêmement limité. Les tendances modernistes telles que le primitivisme et le pessimisme ont généré une controverse considérable, car le sentiment dominant dans la première décennie du début du XXe siècle favorisait largement la croyance dans le progrès et l'optimisme libéral.

Les artistes abstraits, s'inspirant des impressionnistes, aux côtés de personnalités telles que Paul Cézanne (1839-1906) et Edvard Munch (1863-1944), affirmaient fondamentalement que la couleur et la forme, plutôt que la représentation littérale du monde naturel, constituaient les qualités intrinsèques de l'art. Historiquement, l’art occidental de la Renaissance jusqu’au milieu du XIXe siècle reposait sur les principes de la perspective et sur la tentative de reproduire une illusion de réalité visible. Parallèlement, l’exposition à des traditions artistiques non européennes a fourni aux artistes des cadres alternatifs pour représenter l’expérience visuelle. À la fin du XIXe siècle, de nombreux artistes ont perçu la nécessité de forger de nouvelles expressions artistiques qui refléteraient les profondes transformations en cours dans la technologie, la science et la philosophie. Les fondements théoriques adoptés par les artistes individuels étaient variés, reflétant les préoccupations sociales et intellectuelles dominantes dans la culture occidentale de cette époque. Des personnalités éminentes comme Vassily Kandinsky, Piet Mondrian et Kazimir Malevitch ont unanimement préconisé une redéfinition de l’art comme un arrangement systématique de couleurs pures. Cet accent moderniste a été considérablement influencé par l'avènement de la photographie, qui avait largement rendu obsolète la fonction de représentation traditionnellement remplie par l'art visuel.

D'éminents architectes et designers modernistes, dont Frank Lloyd Wright et Le Corbusier, affirmaient que les technologies émergentes rendaient les styles architecturaux traditionnels obsolètes. Le Corbusier a postulé que les structures devraient fonctionner comme des « machines à habiter », établissant un parallèle avec les automobiles, qu'il considérait comme des machines à locomotion. Il a soutenu que, tout comme les véhicules avaient remplacé les chevaux, le design moderniste devrait également abandonner les styles et les formes historiques dérivés de la Grèce antique ou du Moyen Âge. Adhérant à cette esthétique de la machine, les praticiens modernistes évitaient généralement les motifs ornementaux, donnant plutôt la priorité aux qualités inhérentes des matériaux et aux configurations géométriques sans fioritures. Le gratte-ciel illustre la quintessence de l'édifice moderniste, avec le Wainwright Building, un immeuble de bureaux de dix étages achevé à Saint-Louis, dans le Missouri, aux États-Unis, en 1891, reconnu comme l'un des premiers gratte-ciel au monde. Le Seagram Building de Ludwig Mies van der Rohe, construit à New York entre 1956 et 1958, est souvent considéré comme l'apogée de ce mouvement architectural moderniste de grande hauteur. Alors que de nombreux éléments du design moderniste perdurent dans la pratique architecturale contemporaine, son dogmatisme rigide antérieur a évolué vers une approche plus adaptable intégrant des éléments décoratifs, des allusions historiques et des arrangements spatiaux dramatiques.

L'année 1913 a marqué une période de développements culturels et scientifiques importants, notamment la publication des Idées du philosophe Edmund Husserl, l'articulation de l'atome quantifié par le physicien Niels Bohr, l'établissement de l'imagisme par Ezra Pound, l'Armory Show à New York et la première du « premier opéra futuriste » de Mikhaïl Matyushin, La Victoire sur le Soleil, à Saint-Pétersbourg. Parallèlement, le compositeur russe Igor Stravinsky a créé son ballet Le Sacre du Printemps, une œuvre représentant un sacrifice humain caractérisé par une partition musicale dissonante et rythmiquement primitive, qui a provoqué une controverse considérable lors de sa première représentation à Paris. À cette époque, alors que le modernisme adoptait encore une position « progressiste », il percevait de plus en plus les formes traditionnelles et les structures sociétales comme des obstacles au progrès, redéfinissant ainsi le rôle de l'artiste en tant que figure révolutionnaire désireuse de transformation sociétale plutôt que de simple illumination. Toujours en 1913, la France a vu la publication, moins conflictuelle, du volume inaugural de la séquence de romans fondateurs de Marcel Proust, À la recherche du temps perdu (1913-1927), traduit par À la recherche du temps perdu. Bien que fréquemment cité comme l'un des premiers exemples d'écrivain employant la technique du courant de conscience, Robert Humphrey observe que Proust « ne s'intéresse qu'à l'aspect réminiscence de la conscience » et « recapturait délibérément le passé dans le but de communiquer ; Arthur Schnitzler (1862-1931) est souvent crédité de son application complète et pionnière dans sa nouvelle de 1900, « Leutnant Gustl » (« Aucun sauf les courageux »). Dorothy Richardson est devenue la première auteure anglaise à utiliser cette méthode, notamment dans les premiers volumes de sa séquence de romans Pilgrimage (1915-1967). D'autres romanciers modernistes éminents reconnus pour leur adoption de cette approche narrative incluent James Joyce dans Ulysses (1922) et Italo Svevo dans La coscienza di Zeno (1923).

Le début de la Grande Guerre (1914-1918) et la Révolution russe de 1917 ont profondément transformé le paysage mondial, suscitant un scepticisme généralisé à l’égard des croyances et des institutions historiques établies. L’insuffisance du statu quo d’avant-guerre est devenue indéniable pour une génération qui avait vu des millions de personnes périr dans des conflits territoriaux, en particulier compte tenu des affirmations antérieures selon lesquelles une guerre aussi coûteuse était inconcevable avant 1914. L’avènement de l’ère des machines, qui avait considérablement remodelé la vie quotidienne au XIXe siècle, modifiait désormais fondamentalement la nature de la guerre. Le traumatisme profond de ces expériences récentes a remis en question les hypothèses fondamentales, rendant les représentations artistiques réalistes de la vie insuffisantes face aux horreurs surréalistes de la guerre des tranchées. La notion dominante de progrès moral continu de l'humanité semblait absurde à la lumière des massacres aveugles, décrits de manière frappante dans des œuvres comme le roman d'Erich Maria Remarque Tout est calme sur le front occidental (1929). Par conséquent, le cadre interprétatif de la réalité du modernisme, auparavant une perspective de niche, a été plus largement accepté tout au long des années 1920.

Dans la littérature et les arts visuels, certains modernistes ont délibérément remis en question les attentes conventionnelles, principalement pour rehausser la vivacité de leurs créations ou pour obliger le public à examiner de manière critique leurs propres idées préconçues. Cette caractéristique du modernisme est souvent apparue comme une réponse à la culture de consommation naissante qui s’est développée en Europe et en Amérique du Nord à la fin du XIXe siècle. Alors que la plupart des fabricants s’efforcent de produire des biens commercialisables en répondant aux préférences et préjugés existants, les grands modernistes ont délibérément évité de telles approches consuméristes pour renverser la pensée conventionnelle. Le critique d'art Clement Greenberg a articulé cette théorie moderniste dans son essai Avant-Garde et Kitsch. Greenberg a qualifié les produits de la culture de consommation de « kitsch », arguant que leur conception donnait la priorité à un attrait maximal en éliminant tous les éléments difficiles. Par conséquent, Greenberg considérait le modernisme comme un contre-mouvement contre la prolifération des manifestations de la culture de consommation contemporaine, notamment la musique populaire commerciale, Hollywood et la publicité. Il a en outre lié cette position à un rejet révolutionnaire du capitalisme.

Un segment de modernistes se percevait comme faisant partie intégrante d'une culture révolutionnaire englobant les bouleversements politiques. Après la Révolution de 1917 en Russie, un premier élan d’activité culturelle d’avant-garde, notamment le futurisme russe, s’est en effet matérialisé. À l’inverse, d’autres modernistes ont répudié à la fois la politique conventionnelle et les normes artistiques, affirmant qu’une transformation de la conscience politique avait une plus grande importance que de simples modifications des structures politiques. Néanmoins, un nombre considérable de modernistes se considéraient comme apolitiques. Des personnalités éminentes comme T. S. Eliot, par exemple, ont rejeté la culture populaire de masse d’un point de vue conservateur. Certains chercheurs affirment même que le modernisme dans la littérature et l'art a servi à perpétuer une culture d'élite, excluant ainsi la population dans son ensemble.

Le surréalisme, apparu au début des années 1920, a gagné la reconnaissance du public comme la manifestation la plus radicale du modernisme, souvent appelé « l'avant-garde du modernisme ». Le terme « surréaliste » a été inventé par Guillaume Apollinaire, apparaissant pour la première fois dans la préface de sa pièce Les Mamelles de Tirésias, écrite en 1903 et créée en 1917. Parmi les artistes surréalistes notables figurent Paul Éluard, Robert Desnos, Max Ernst, Hans Arp, Antonin Artaud, Raymond Queneau, Joan Miró et Marcel Duchamp.

Par Vers 1930, le modernisme avait assuré sa position au sein des établissements politiques et artistiques, malgré ses propres transformations internes à cette période.

L'évolution du modernisme : 1930-1945

Le modernisme a connu un développement continu tout au long des années 1930. Entre 1930 et 1932, le compositeur Arnold Schoenberg a développé Moses und Aron, un des premiers opéras employant la technique des douze tons. En 1937, Pablo Picasso crée Guernica, une œuvre cubiste condamnant le fascisme. Parallèlement, James Joyce élargit encore les paramètres du roman moderne avec sa publication de 1939, Finnegans Wake. Vers 1930, le modernisme commença également à imprégner la culture dominante ; par exemple, le magazine The New Yorker a commencé à publier des œuvres d'influence moderniste d'écrivains et d'humoristes émergents tels que Dorothy Parker, Robert Benchley, E. B. White, S. J. Perelman et James Thurber. Perelman est particulièrement apprécié pour ses nouvelles humoristiques, fréquemment publiées dans des magazines comme The New Yorker dans les années 1930 et 1940, qui sont reconnues comme des exemples pionniers de l'humour surréaliste en Amérique. En outre, des concepts artistiques modernes sont apparus de plus en plus dans les publicités et les logos commerciaux, illustrés par le célèbre logo du métro de Londres d'Edward Johnston datant de 1916.

Une transformation importante au cours de cette époque a impliqué l'intégration de nouvelles technologies dans la routine quotidienne des citoyens ordinaires en Europe occidentale et en Amérique du Nord. L'adoption généralisée de l'électricité, du téléphone, de la radio et de l'automobile, ainsi que la nécessité de faire fonctionner, entretenir et coexister avec ces innovations, ont précipité des changements sociaux importants. Le type d’expérience perturbatrice auparavant limité à quelques privilégiés dans les années 1880 est devenu monnaie courante. Par exemple, les capacités de communication rapide, autrefois exclusives aux courtiers en valeurs mobilières des années 1890, sont devenues un aspect intégral de la vie familiale, particulièrement au sein de la classe moyenne nord-américaine. Parallèlement à l'urbanisation et à l'évolution des normes sociales, il y avait des tendances vers des unités familiales plus petites et une dynamique modifiée dans les relations parents-enfants.

Le marxisme est apparu comme une autre influence significative au cours de cette période. Le modernisme d’avant la Première Guerre mondiale, caractérisé par le primitivisme et l’irrationalisme, évitait souvent les solutions purement politiques, une position reprise par le néoclassicisme des années 1920, illustré par T. S. Eliot et Igor Stravinsky, qui rejetaient de la même manière les approches populaires des problèmes contemporains. Cependant, la montée du fascisme, la Grande Dépression et le conflit mondial imminent ont profondément radicalisé toute une génération. Parmi les personnalités éminentes incarnant cette forme moderniste du marxisme figurent Bertolt Brecht, W. H. Auden, André Breton, Louis Aragon et les philosophes Antonio Gramsci et Walter Benjamin. À l'inverse, il existait également un groupe distinct de modernistes alignés sur la droite politique, comprenant des artistes tels que Salvador Dalí, Wyndham Lewis, T. S. Eliot, Ezra Pound et l'auteur néerlandais Menno ter Braak, entre autres.

Les années 1920 et 1930 ont vu la création continue d'œuvres littéraires modernistes substantielles, notamment des romans supplémentaires de Marcel Proust, Virginia Woolf, Robert Musil et Dorothy Richardson. Eugene O'Neill, dramaturge moderniste américain, a commencé sa carrière en 1914, ses pièces les plus importantes étant apparues tout au long des années 1920, 1930 et au début des années 1940. Bertolt Brecht et Federico García Lorca étaient deux autres dramaturges modernistes notables actifs au cours de ces décennies. L'Amant de Lady Chatterley de D. H. Lawrence a été publié en privé en 1928, tandis que Le son et la fureur de William Faulkner, publié en 1929, a marqué un autre moment charnière dans l'évolution du roman moderne. Les années 1930 ont vu d'autres contributions majeures de Faulkner, et Samuel Beckett a publié son premier ouvrage important, le roman Murphy, en 1938. Par la suite, Finnegans Wake de James Joyce est apparu en 1939, se distinguant par son langage largement idiosyncratique, qui mélange le lexique anglais standard avec des jeux de mots multilingues néologistes et des mots-valises pour évoquer l'expérience du sommeil et des rêves. En poésie, T. S. Eliot, E. E. Cummings et Wallace Stevens ont été actifs des années 1920 aux années 1950. Alors que la poésie moderniste anglaise est fréquemment associée à des représentants américains comme Ezra Pound, T. S. Eliot, Marianne Moore, William Carlos Williams, H.D. et Louis Zukofsky, d'importants poètes modernistes britanniques comprenaient David Jones, Hugh MacDiarmid, Basil Bunting et W. H. Auden. Parmi les poètes modernistes européens de renom figurent Federico García Lorca, Anna Akhmatova, Constantine Cavafy et Paul Valéry.

Le mouvement moderniste a également persisté en Russie soviétique à cette époque. En 1930, Dimitri Chostakovitch (1906-1975) créa son opéra Le Nez, qui utilisait de manière innovante un montage de styles divers, incorporant de la musique folklorique, des chansons populaires et de l'atonalité. L'opéra Wozzeck (1925) d'Alban Berg (1985-1935) a considérablement influencé Chostakovitch, ayant fait une profonde impression lors de sa mise en scène à Leningrad. Cependant, l'Union soviétique commença à supprimer le modernisme au profit du réalisme socialiste à partir de 1932, ce qui conduisit à la censure de Chostakovitch en 1936 et au retrait forcé de sa 4e Symphonie. Alban Berg a composé un autre opéra moderniste remarquable, quoique incomplet, Lulu, créé en 1937, et son Concerto pour violon a été joué pour la première fois en 1935. Comme Chostakovitch, d'autres compositeurs ont rencontré des défis considérables au cours de cette période.

En 1933, Arnold Schoenberg (1874-1951) fut contraint de quitter l'Allemagne pour les États-Unis, conséquence à la fois de son style de composition atonal moderniste et de son héritage juif, suite à l'accession au pouvoir d'Hitler. Les compositions importantes de cette époque incluent son Concerto pour violon, op. 36 (1934/36) et un Concerto pour piano, op. 42 (1942). Parallèlement, Schoenberg produit également des œuvres tonales, telles que la Suite pour cordes en sol majeur (1935) et la Symphonie de chambre n°2 en mi♭ mineur, op. 38 (commencé en 1906 et achevé en 1939). Au cours de cette même période, le moderniste hongrois Béla Bartók (1881-1945) a créé plusieurs pièces remarquables, dont la Musique pour cordes, percussions et célesta (1936), le Divertimento pour orchestre à cordes (1939), le Quatuor à cordes n° 5 (1934) et le Quatuor à cordes n° 6 (son dernier quatuor, 1939). Cependant, Bartók a également émigré aux États-Unis en 1940 en raison de l'escalade du fascisme en Hongrie. Igor Stravinsky (1882-1971) a maintenu son approche compositionnelle néoclassique tout au long des années 1930 et 1940, produisant des œuvres telles que la Symphonie des Psaumes (1930), la Symphonie en ut (1940) et la Symphonie en trois mouvements (1945). Lui aussi a déménagé aux États-Unis à cause de la Seconde Guerre mondiale. En revanche, Olivier Messiaen (1908-1992) a servi dans l'armée française pendant le conflit et a été interné par les Allemands au Stalag VIII-A, où il a composé son célèbre Quatuor pour la fin du temps ("Quatuor pour la fin des temps"). Ce quatuor a été créé en janvier 1941 devant un public composé à la fois de prisonniers et de gardiens de prison.

Dans le domaine de la peinture des années 1920, 1930 et de la Grande Dépression, le modernisme en Europe a été caractérisé par des mouvements tels que le surréalisme, le cubisme tardif, le Bauhaus, De Stijl, Dada et l'expressionnisme allemand, ainsi que par les contributions de coloristes magistraux comme Henri Matisse et Pierre Bonnard, et les œuvres abstraites d'artistes comme Piet. Mondrian et Vassily Kandinsky. En Allemagne, des artistes tels que Max Beckmann, Otto Dix et George Grosz ont imprégné leurs peintures de commentaires politiques, anticipant le début de la Seconde Guerre mondiale. Pendant ce temps, en Amérique, le modernisme se manifestait à travers la peinture de scène américaine et les mouvements de réalisme social et de régionalisme, qui incorporaient d’importantes critiques politiques et sociales, dominant ainsi le paysage artistique. Les artistes éminents de cette époque comprenaient Ben Shahn, Thomas Hart Benton, Grant Wood, George Tooker, John Steuart Curry et Reginald Marsh. En Amérique latine, le modernisme a été illustré par les peintres Joaquín Torres-García de l’Uruguay et Rufino Tamayo du Mexique. Parallèlement, le mouvement muraliste, mettant en vedette des personnalités comme Diego Rivera, David Siqueiros, José Clemente Orozco, Pedro Nel Gómez et Santiago Martínez Delgado, ainsi que les peintures symbolistes de Frida Kahlo, a initié une renaissance artistique dans la région, caractérisée par une application plus libérale de la couleur et un accent mis sur les messages politiques.

Diego Rivera est largement reconnu pour sa fresque murale de 1933, L'homme à la croisée des chemins, située dans le hall du bâtiment RCA du Rockefeller Center. L'inclusion dans la fresque d'un portrait de Vladimir Lénine et d'autres iconographies communistes a conduit au licenciement de Rivera par son mécène, Nelson Rockefeller, et à la destruction ultérieure de l'œuvre inachevée par le personnel de Rockefeller. La production artistique de Frida Kahlo se distingue souvent par ses représentations austères de la souffrance. L'engagement profond de Kahlo envers la culture indigène mexicaine est évident dans les couleurs vibrantes et le symbolisme dramatique omniprésents dans ses peintures. Son œuvre incorpore également fréquemment des motifs chrétiens et juifs, mélangeant des éléments de l'art religieux traditionnel mexicain, qui présentaient souvent des images graphiques et violentes. Les œuvres symbolistes de Frida Kahlo présentent de fortes affinités avec le surréalisme et le mouvement littéraire du réalisme magique.

L'activisme politique constituait un aspect important de la vie de David Siqueiros, l'incitant fréquemment à suspendre temporairement ses activités artistiques. Son art a été profondément influencé par la révolution mexicaine. La période allant des années 1920 aux années 1950 est désignée comme la Renaissance mexicaine, au cours de laquelle Siqueiros s'est activement efforcé de forger une forme d'art à la fois distinctement mexicaine et de résonance universelle. Notamment, un jeune Jackson Pollock a participé à l'atelier de Siqueiros, aidant à la construction de chars de parade.

Dans les années 1930, de nombreux artistes associés au surréalisme, dont Pablo Picasso, se caractérisaient par des idéologies politiques radicales de gauche. Le 26 avril 1937, pendant la guerre civile espagnole, la ville basque de Gernika est soumise à un bombardement aérien par la Luftwaffe de l'Allemagne nazie. Cette attaque visait à soutenir la campagne de Francisco Franco visant à déstabiliser les gouvernements républicain basque et espagnol. En réponse, Pablo Picasso a créé sa fresque monumentale, Guernica, comme une puissante commémoration des atrocités du bombardement.

Tout au long de la Grande Dépression des années 1930 et jusqu'à la Seconde Guerre mondiale, l'art américain était principalement défini par le réalisme social et la peinture de scène américaine, illustrés par des artistes tels que Grant Wood, Edward Hopper, Ben Shahn et Thomas Hart Benton. Le tableau d'Edward Hopper de 1942, Nighthawks, représente des individus assis dans un restaurant nocturne du centre-ville. Cette œuvre est non seulement la plus célèbre de Hopper, mais constitue également l’une des pièces les plus emblématiques de l’art américain. L'inspiration de la scène vient d'un restaurant situé à Greenwich Village. Hopper a commencé à le peindre immédiatement après l'attaque de Pearl Harbor, un événement qui a suscité un sentiment omniprésent de découragement national, qui est palpable dans l'œuvre d'art. La rue urbaine à l’extérieur du restaurant reste déserte, tandis qu’à l’intérieur, les trois clients semblent éloignés les uns des autres, chacun absorbé dans ses propres réflexions. Cette représentation de l'existence urbaine moderne caractérisée par le vide et la solitude est un motif récurrent dans l'œuvre de Hopper.

Le tableau de Grant Wood de 1930, American Gothic, représente un agriculteur tenant une fourche aux côtés d'une jeune femme, positionné devant une maison de style architectural Carpenter Gothic. Cette œuvre reste l’une des images les plus reconnaissables de l’art américain du XXe siècle. Au départ, les critiques d'art, dont Gertrude Stein et Christopher Morley, considérèrent le tableau d'un œil favorable, l'interprétant comme un commentaire satirique sur l'existence d'une petite ville rurale. Par conséquent, il a été perçu comme contribuant à une tendance artistique plus large de représentations de plus en plus critiques de l'Amérique rurale, semblable à des œuvres littéraires telles que Winesburg, Ohio de Sherwood Anderson en 1919, Main Street de Sinclair Lewis en 1920 et La Comtesse tatouée de Carl Van Vechten. Néanmoins, avec l'avènement de la Grande Dépression, l'interprétation du tableau a changé, devenant emblématique de l'esprit pionnier américain inébranlable.

Au cours des années 1930, la situation des artistes en Europe s'est rapidement détériorée avec la montée en puissance du régime nazi en Allemagne et dans toute l'Europe de l'Est. Le régime nazi en Allemagne a inventé le terme Art dégénéré pour catégoriser presque tout l'art moderne, qu'il considérait comme non allemand ou bolchevique juif. Par conséquent, cet art a été interdit et les artistes identifiés comme « dégénérés » ont été sévèrement sanctionnés. Ces mesures punitives comprenaient le licenciement des postes universitaires, l'interdiction d'exposer ou de vendre leurs œuvres et, dans certains cas, l'interdiction totale de la production artistique. En 1937, les nazis ont propagé davantage cette idéologie en organisant une exposition intitulée « L’art dégénéré » à Munich. L’environnement de plus en plus hostile aux artistes et à l’art associé au modernisme et à l’abstraction a provoqué un exode important vers les Amériques. L'éminent artiste allemand Max Beckmann, parmi de nombreux autres, a cherché refuge à New York. Parallèlement, à New York, une génération naissante de peintres modernistes innovants, dont Arshile Gorky et Willem de Kooning, commençait à émerger.

Le portrait d'Arshile Gorky, représentant potentiellement Willem de Kooning, illustre le développement de l'expressionnisme abstrait à partir de ses fondements dans la peinture de figures, le cubisme et le surréalisme. En collaboration avec ses collègues artistes Willem de Kooning et John D. Graham, Gorky a d'abord produit des compositions figuratives abstraites et de forme biomorphique. Dans les années 1940, ces œuvres se sont transformées en peintures entièrement abstraites. L'œuvre de Gorki semble constituer une exploration méticuleuse de la mémoire, de l'émotion et de la forme, employant la ligne et la couleur pour articuler le sentiment et les éléments naturels.

Attaques contre le début du modernisme

Le mouvement moderniste, caractérisé par l'accent mis sur la liberté d'expression, l'expérimentation, le radicalisme et le primitivisme, a défié les normes artistiques conventionnelles. Dans diverses disciplines artistiques, cela se manifeste souvent par l’utilisation délibérée d’éléments troublants et non conventionnels, destinés à provoquer et désorienter le public. Les exemples incluent la juxtaposition troublante de motifs dans le surréalisme et l’adoption d’une dissonance et d’une atonalité extrêmes dans les compositions musicales modernistes. Le modernisme littéraire impliquait souvent l’abandon des récits cohérents ou du développement conventionnel des personnages dans les romans, parallèlement à la production d’une poésie résistante à une interprétation simple. Au sein de l'Église catholique, les inquiétudes entourant le modernisme et le concept d'évolution de la doctrine ont été exacerbées par les préoccupations historiques liées au protestantisme et à l'héritage de Martin Luther.

À partir de 1932, le réalisme socialiste a remplacé le modernisme en Union soviétique. Auparavant, l'Union soviétique avait soutenu le futurisme et le constructivisme russes, largement influencés par le mouvement philosophique indigène du suprématisme.

Le régime nazi en Allemagne a condamné le modernisme comme étant narcissique, absurde, « juif » et « nègre ». Des peintures modernistes ont été exposées par les nazis aux côtés d'œuvres de personnes atteintes de maladie mentale dans une exposition intitulée « Art dégénéré ». Les allégations de « formalisme » pourraient entraîner de graves répercussions professionnelles, voire un licenciement. Par conséquent, de nombreux modernistes d’après-guerre se considéraient comme un moyen de défense crucial contre le totalitarisme, agissant comme un « canari dans la mine de charbon » dont la suppression par le gouvernement ou d’autres entités faisant autorité signalait une menace plus large pour les libertés individuelles. Louis A. Sass, offrant une perspective non fasciste, a établi des parallèles entre la folie, en particulier la schizophrénie, et le modernisme, soulignant leurs points communs dans des récits disjonctifs, des images surréalistes et une incohérence inhérente.

Après 1945

Bien que l'Encyclopédie d'Oxford de la littérature britannique postule que le modernisme a pris fin vers 1939 dans la littérature britannique et américaine, la démarcation précise entre le déclin du modernisme et l'émergence du postmodernisme reste un sujet d'intense débat scientifique, comparable aux discussions entourant le passage du victorianisme au modernisme. Clement Greenberg suggère que le modernisme s’est largement achevé dans les années 1930, excluant les arts visuels et du spectacle. À l’inverse, Paul Griffiths observe que si le modernisme musical semble décliner à la fin des années 1920, il connaît une résurgence après la Seconde Guerre mondiale grâce à une nouvelle génération de compositeurs, dont Boulez, Barraqué, Babbitt, Nono, Stockhausen et Xenakis. En effet, de nombreux modernistes littéraires sont restés actifs dans les années 1950 et 1960, même si leur production d’œuvres significatives a généralement diminué. La désignation « modernisme tardif » est parfois appliquée aux œuvres modernistes publiées après 1930. Parmi les modernistes notables, ou modernistes tardifs, qui ont continué à publier après 1945, citons Wallace Stevens, Gottfried Benn, T. S. Eliot, Anna Akhmatova, William Faulkner, Dorothy Richardson, John Cowper Powys et Ezra Pound. Basil Bunting, né en 1901, a publié son poème moderniste fondateur, Briggflatts, en 1965. De plus, La Mort de Virgile de Hermann Broch parut en 1945, suivi du Docteur Faustus de Thomas Mann en 1947. Samuel Beckett, dont la mort est survenue en 1989, est souvent qualifié de « plus tardif ». moderniste." Beckett, un écrivain profondément enraciné dans la tradition expressionniste du modernisme, a produit des œuvres des années 1930 aux années 1980, comprenant des titres tels que Molloy (1951), En attendant Godot (1953), Happy Days (1961) et Rockaby (1981). Ses œuvres ultérieures ont également été classées en utilisant les termes « minimaliste » et « post-moderniste ». Parmi les écrivains de la seconde moitié du XXe siècle identifiés comme modernistes tardifs figurent les poètes Charles Olson (1910-1970) et J. H. Prynne (né en 1936).

Dans la recherche contemporaine, au moins un critique a redéfini le « modernisme tardif » pour englober les œuvres produites après 1945, s'écartant de la démarcation antérieure de 1930. Cette redéfinition s'accompagne souvent de l'affirmation selon laquelle les fondements idéologiques du modernisme ont été profondément transformés par les événements cataclysmiques de la Seconde Guerre mondiale, en particulier l'Holocauste et le déploiement de la bombe atomique.

La période d’après-guerre a plongé les capitales européennes dans un profond désarroi, nécessitant une reconstruction économique et physique urgente parallèlement à un réalignement politique. À Paris, autrefois épicentre de la culture européenne et capitale mondiale de l’art, l’environnement artistique s’est considérablement détérioré. Des collectionneurs, marchands et artistes modernistes, écrivains et poètes influents ont émigré d'Europe vers New York et les États-Unis. Les surréalistes et les artistes modernes de divers centres culturels européens ont cherché refuge aux États-Unis pour échapper à l'agression nazie. De nombreuses personnes qui n’ont pas cherché refuge ont succombé aux conditions du moment. À l'inverse, un nombre limité d'artistes, dont Pablo Picasso, Henri Matisse et Pierre Bonnard, ont choisi de rester en France et ont enduré cette période.

Les années 1940 à New York ont marqué l'essor de l'expressionnisme abstrait américain, un mouvement moderniste qui synthétisait les influences d'Henri Matisse, Pablo Picasso, du surréalisme, de Joan Miró, du cubisme, du fauvisme et du début du modernisme, facilité par des éducateurs américains influents tels que Hans Hofmann et John D. Graham. Les artistes américains ont bénéficié de manière significative de la relocalisation de Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst et du groupe André Breton, ainsi que d'institutions comme la galerie de Pierre Matisse et la galerie de Peggy Guggenheim L'art de ce siècle, entre autres éléments contributifs.

Paris, en outre, a réaffirmé son importance dans les années 1950 et 1960 en tant qu'épicentre de l'épanouissement de l'art de la machine, attirant d'éminents arts de la machine. les sculpteurs Jean Tinguely et Nicolas Schöffer, qui ont fait carrière dans la ville. Cette résurgence artistique, compte tenu de la nature technocentrique de la société contemporaine, est susceptible d'exercer un impact durable et significatif.

Théâtre de l'Absurde

Le terme « Théâtre de l'Absurde » désigne un genre de pièces de théâtre, principalement écrites par des Européens, qui expriment la conviction philosophique selon laquelle l'existence humaine manque de sens ou de but inhérent, conduisant à une rupture de communication. Par conséquent, le discours et l’argumentation rationnels sont supplantés par une expression irrationnelle et illogique, culminant dans le silence. Bien qu'il existe des antécédents notables, comme Alfred Jarry (1873-1907), le Théâtre de l'Absurde est communément considéré comme ayant vu le jour dans les années 1950 avec les œuvres dramatiques de Samuel Beckett.

Le critique Martin Esslin a introduit cette nomenclature dans son essai de 1960 « Théâtre de l'Absurde ». Il a relié ces œuvres dramatiques à travers un thème omniprésent de l'absurde, établissant des parallèles avec l'utilisation de ce concept par Albert Camus dans son essai de 1942, Le Mythe de Sisyphe. Dans ces productions théâtrales, l'absurde se manifeste comme la réponse de l'humanité à un monde apparemment dénué de sens, ou comme des individus manipulés ou menacés par des forces extérieures invisibles. Bien que cette désignation englobe un large éventail d'œuvres dramatiques, plusieurs caractéristiques récurrentes sont fréquemment observées : de nombreux éléments comiques, rappelant souvent le vaudeville, juxtaposés à des images horrifiques ou tragiques ; des protagonistes piégés dans des circonstances futiles, contraints de se livrer à des actions répétitives ou sans but ; un dialogue rempli de clichés, de jeux linguistiques et de discours illogiques ; des structures narratives soit cycliques, soit excessivement tentaculaires ; et soit une imitation satirique, soit un rejet pur et simple du réalisme et de la structure conventionnelle de la « pièce de théâtre bien faite ».

Les dramaturges éminents fréquemment liés au Théâtre de l'Absurde incluent Samuel Beckett (1906-1989), Eugène Ionesco (1909-1994), Jean Genet (1910-1986), Harold Pinter (1930-2008), Tom Stoppard. (1937-2025), Alexander Vvedensky (1904-1941), Daniil Kharms (1905-1942), Friedrich Dürrenmatt (1921-1990), Alejandro Jodorowsky (né en 1929), Fernando Arrabal (né en 1932), Václav Havel (1936-2011) et Edward Albee. (1928-2016).

Pollock et les influences abstraites

À la fin des années 1940, l'approche radicale de Jackson Pollock en matière de peinture a révolutionné le potentiel de tout l'art contemporain ultérieur. Pollock a reconnu que le processus créatif était aussi crucial que l'œuvre d'art finie elle-même. Semblable aux innovations de Pablo Picasso en matière de peinture et de sculpture au début du XXe siècle à travers le cubisme et les formes construites, Pollock a redéfini les méthodologies de production artistique. Son abandon de la peinture de chevalet et des pratiques conventionnelles a constitué un signal libérateur pour les artistes de son époque et ceux qui ont suivi. Les artistes ont observé que le processus de Pollock – qui impliquait de placer une toile brute non étirée sur le sol pour un engagement multidirectionnel avec des matériaux artistiques et industriels, en employant des techniques telles que l'égouttage et le lancement d'écheveaux de peinture linéaires, le dessin, la coloration et le pinceau, et en incorporant à la fois de l'imagerie et de la non-imagerie – élargissait fondamentalement les limites de la création artistique. L'expressionnisme abstrait, en tant que mouvement, a généralement élargi et développé les définitions et les possibilités offertes aux artistes pour la création de nouvelles œuvres.

D'autres expressionnistes abstraits se sont ensuite appuyés sur les percées fondamentales de Pollock avec leurs propres avancées significatives. Les innovations collectives d’artistes tels que Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Robert Motherwell et Peter Voulkos, entre autres, ont effectivement lancé une ère d’une diversité et d’une portée sans précédent dans les mouvements artistiques ultérieurs. Cependant, des réévaluations critiques de l'art abstrait par des historiens de l'art tels que Linda Nochlin, Griselda Pollock et Catherine de Zegher ont démontré que les femmes artistes pionnières, qui ont apporté des contributions substantielles à l'art moderne, ont souvent été omises des récits historiques conventionnels.

Personnalités internationales de l'art britannique

Henry Moore (1898-1986) est devenu le plus grand sculpteur britannique de l'après-Seconde Guerre mondiale. Il a acquis une large reconnaissance pour ses sculptures monumentales et semi-abstraites en bronze, dont beaucoup sont exposées dans le monde entier en tant qu'œuvres d'art publiques. Les formes caractéristiques de Moore sont typiquement des abstractions de la figure humaine, représentant fréquemment une mère et son enfant ou des sujets allongés, évoquant souvent la forme féminine, à l'exception d'une période des années 1950 où il se concentrait sur les groupes familiaux. Ces sculptures comportent généralement des perforations ou intègrent des sections évidées.

Au cours des années 1950, Moore a commencé à obtenir des commandes de plus en plus prestigieuses, comme une figure allongée pour le bâtiment de l'UNESCO à Paris en 1958. Au fur et à mesure qu'il entreprenait de nombreux projets d'art public supplémentaires, l'échelle monumentale des sculptures de Moore s'est considérablement élargie. Les trois dernières décennies de la carrière de Moore ont maintenu cette trajectoire, marquée par plusieurs rétrospectives internationales importantes, dont une exposition remarquable à l'été 1972 au Forte di Belvedere, surplombant Florence. À la fin des années 1970, environ 40 expositions présentaient chaque année son œuvre. Sur le campus de l'Université de Chicago en décembre 1967, précisément 25 ans après que l'équipe de physiciens d'Enrico Fermi ait réalisé la première réaction nucléaire en chaîne contrôlée et auto-entretenue, l'Énergie nucléaire de Moore a été dévoilée. Toujours à Chicago, Moore a commémoré les réalisations scientifiques avec un important cadran solaire en bronze, connu localement sous le nom de L'homme entre dans le cosmos (1980), qui a été commandé pour reconnaître le programme d'exploration spatiale.

L'« École de Londres » de peintres figuratifs, comprenant des artistes tels que Francis Bacon (1909-1992), Lucian Freud (1922-2011), Frank Auerbach (1931-2024), Leon Kossoff (1926-2019) et Michael Andrews (1928-1995) ont acquis une renommée internationale.

Francis Bacon, peintre figuratif britannique d'origine irlandaise, était réputé pour ses images audacieuses, graphiques et émotionnellement brutes. Son style distinctif présentait des figures picturales mais abstraites, généralement isolées dans des enceintes géométriques de verre ou d'acier, sur des fonds plats et indescriptibles. Bacon a commencé à peindre au début de la vingtaine, mais a travaillé sporadiquement jusqu'au milieu de la trentaine. Sa percée s'est produite avec le triptyque de 1944 Trois études sur des personnages à la base d'une crucifixion, qui a solidifié sa réputation de chroniqueur particulièrement sombre de la condition humaine. Son œuvre peut être globalement décrite comme comprenant des séquences ou des variations sur des motifs cohérents : des têtes d'hommes isolées dans des pièces des années 1940, des papes hurlant au début des années 1950, et des animaux ou des personnages solitaires suspendus dans des structures géométriques du milieu à la fin des années 1950. À celles-ci ont succédé ses interprétations modernes de la crucifixion du début des années 1960 sous forme de triptyque. Du milieu des années 1960 au début des années 1970, Bacon a principalement réalisé des portraits d’amis d’une compassion saisissante. Après le suicide de son amant, George Dyer, en 1971, son art est devenu plus personnel, introspectif et préoccupé par les thèmes de la mort. Tout au long de sa vie, le travail de Bacon a suscité à la fois un grand dégoût et une large reconnaissance.

Lucian Freud, un peintre britannique d'origine allemande, était principalement reconnu pour ses portraits et ses figures aux empâtements épais, et était largement considéré comme l'artiste britannique prééminent de son temps. Ses œuvres se distinguent par leur profonde pénétration psychologique et leur examen souvent inquiétant de la relation entre artiste et modèle. Selon William Grimes du The New York Times, « Lucien Freud et ses contemporains ont transformé la peinture de figures au XXe siècle. Dans des peintures comme La Fille au chien blanc (1951-1952), Freud a utilisé le langage pictural de la peinture européenne traditionnelle pour servir un style de portrait anti-romantique et conflictuel qui met à nu la façade sociale du modèle. les yeux écarquillés devant la toile, vulnérables à l'inspection impitoyable de l'artiste."

Suivre l'expressionnisme abstrait

Au cours des années 1950 et 1960, la peinture abstraite a vu l'émergence de plusieurs nouvelles directions, telles que la peinture hard-edge et d'autres formes d'abstraction géométrique. Ces développements sont apparus dans les ateliers d'artistes et les cercles d'avant-garde radicale, souvent en réaction contre le subjectivisme de l'expressionnisme abstrait. Clement Greenberg est devenu un éminent défenseur de l'abstraction post-picturale, organisant une exposition influente de nouvelle peinture qui a fait le tour des principaux musées d'art des États-Unis en 1964. Cette époque a marqué l'essor de la peinture sur champs colorés, de la peinture hard-edge et de l'abstraction lyrique en tant que nouveaux mouvements artistiques importants.

À la fin des années 1960, le postminimalisme, le process art et l'Arte Povera ont également émergé comme des concepts et des mouvements révolutionnaires. Celles-ci englobaient à la fois la peinture et la sculpture, se manifestant à travers l'abstraction lyrique, le mouvement post-minimaliste et les premiers arts conceptuels. L'art de processus, inspiré par Pollock, a permis aux artistes d'expérimenter et d'utiliser un large éventail de styles, de contenus, de matériaux, de placements, de perceptions temporelles, d'éléments aplastiques et d'espace réel. Une cohorte de jeunes artistes, dont Nancy Graves, Ronald Davis, Howard Hodgkin, Larry Poons, Jannis Kounellis, Brice Marden, Colin McCahon, Bruce Nauman, Richard Tuttle, Alan Saret, Walter Darby Bannard, Lynda Benglis, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield, Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra, Pat Lipsky, Sam Gilliam, Mario Merz et Peter Reginato, ont pris de l'importance au cours de cette période. période moderniste tardive, qui a favorisé l'épanouissement de l'art à la fin des années 1960.

Pop Art

En 1962, la galerie Sidney Janis a présenté Les nouveaux réalistes, marquant la première exposition collective importante du pop art organisée dans une galerie d'art du quartier chic de New York. Cette exposition a été organisée par Janis dans une vitrine de la 57e rue, adjacente à sa galerie principale. L’exposition a considérablement influencé à la fois l’école de New York et le paysage artistique international au sens large. Avant cela, en Angleterre, en 1958, Lawrence Alloway avait inventé le terme « Pop Art » pour caractériser les peintures reflétant la culture de consommation qui prévalait après la Seconde Guerre mondiale. Ce mouvement artistique s'écartait de l'expressionnisme abstrait, qui mettait l'accent sur l'introspection herméneutique et psychologique, adoptant plutôt des représentations de la culture de consommation matérielle, de la publicité et de l'iconographie de l'ère de la production de masse. Parmi les exemples marquants de ce mouvement figurent les premières œuvres de David Hockney, ainsi que les créations de Richard Hamilton et d'Eduardo Paolozzi, notamment le révolutionnaire I was a Rich Man's Plaything de 1947. Parallèlement, au sein de la scène du centre-ville de l'East Village à New York, en particulier parmi les galeries de la 10e rue, les artistes développaient une itération américaine du pop art. Claes Oldenburg exploitait son propre espace d'exposition, tandis que la Green Gallery de la 57e rue commençait à présenter les œuvres de Tom Wesselmann et James Rosenquist. Par la suite, Leo Castelli expose les œuvres d’autres artistes américains de premier plan, dont Andy Warhol et Roy Lichtenstein, tout au long de la majorité de leurs carrières respectives. Un lien perceptible existe entre les œuvres radicales et humoristiquement rebelles des dadaïstes Marcel Duchamp et Man Ray et les créations d'artistes pop tels que Claes Oldenburg, Andy Warhol et Roy Lichtenstein, dont les peintures reproduisent souvent l'esthétique des points de Ben-Day, une technique utilisée dans la reproduction commerciale.

Minimalisme

Le minimalisme englobe les mouvements artistiques et de design, en particulier dans les arts visuels et la musique, où les praticiens visent à révéler l'essence ou l'identité fondamentale d'un sujet en supprimant systématiquement toutes les formes, caractéristiques ou éléments conceptuels non essentiels. Fondamentalement, le minimalisme représente toute approche de conception ou stylistique qui utilise le plus simple et le moins d'éléments pour obtenir l'impact le plus profond.

En tant que mouvement artistique distinct, le minimalisme est principalement associé aux développements de l'art occidental d'après la Seconde Guerre mondiale, en particulier aux arts visuels américains dans les années 1960 et au début des années 1970. Les principaux artistes liés à ce mouvement incluent Donald Judd, John McCracken, Agnes Martin, Dan Flavin, Robert Morris, Ronald Bladen, Anne Truitt et Frank Stella. Ses origines résident dans les principes réducteurs du modernisme et il est fréquemment interprété à la fois comme une contre-réaction à l'expressionnisme abstrait et comme une phase de transition menant aux pratiques artistiques postminimales. Au début des années 1960, le minimalisme s’est matérialisé sous la forme d’un mouvement artistique abstrait, enraciné dans l’abstraction géométrique de Kazimir Malevitch, du Bauhaus et de Piet Mondrian. Il rejetait explicitement la peinture relationnelle et subjective, les surfaces complexes caractéristiques de l'expressionnisme abstrait, ainsi que l'air du temps émotionnel et le discours polémique qui prévalent dans la peinture d'action. Les partisans du minimalisme affirmaient qu’une extrême simplicité était suffisante pour transmettre toute la représentation sublime nécessaire dans l’art. Le minimalisme est diversement conceptualisé soit comme un précurseur du postmodernisme, soit comme un mouvement postmoderne à part entière. De ce dernier point de vue, les premiers minimalismes ont produit des œuvres modernistes avancées ; cependant, le mouvement s'est partiellement écarté de cette trajectoire lorsque certains artistes, comme Robert Morris, se sont tournés vers le mouvement anti-forme.

Dans son essai The Crux of Minimalism, Hal Foster analyse comment Donald Judd et Robert Morris, à travers leurs définitions publiées du minimalisme, reconnaissent et transcendent le modernisme greenbergien. Foster postule que le minimalisme ne représente pas une « impasse » pour le modernisme, mais constitue plutôt un « changement de paradigme vers des pratiques postmodernes qui continuent d'être élaborées aujourd'hui ».

Musique minimale

La portée de ces termes s'est élargie pour englober un mouvement musical caractérisé par la répétition et l'itération, illustré dans les compositions de La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass et John Adams. Les compositions minimalistes sont parfois appelées musique systémique. L'appellation « musique minimale » décrit généralement un style musical apparu en Amérique à la fin des années 1960 et dans les années 1970, initialement associé à ces compositeurs spécifiques. Le mouvement minimalisme impliquait principalement ces personnalités, aux côtés d'autres pionniers moins éminents tels que Pauline Oliveros, Phill Niblock et Richard Maxfield. En Europe, les compositeurs notables dans ce domaine incluent Louis Andriessen, Karel Goeyvaerts, Michael Nyman, Howard Skempton, Eliane Radigue, Gavin Bryars, Steve Martland, Henryk Górecki, Arvo Pärt et John Tavener.

Postminimalisme

À la fin des années 1960, Robert Pincus-Witten a introduit le terme « postminimalisme » pour caractériser l'art dérivé du minimalisme mais incorporant un contenu et des nuances contextuelles que le minimalisme lui-même évitait. Pincus-Witten a appliqué ce terme aux œuvres d'Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra et aux nouvelles créations d'anciens minimalistes, notamment Robert Smithson, Robert Morris, Sol LeWitt et Barry Le Va. À l'inverse, d'autres minimalistes, tels que Donald Judd, Dan Flavin, Carl Andre, Agnes Martin et John McCracken, ont continué à produire des peintures et des sculptures modernistes tardives tout au long de leur carrière.

Par la suite, de nombreux artistes ont adopté le minimalisme ou esthétique post-minimale, conduisant souvent à leur classement sous l'étiquette « postmoderne ».

Collage, assemblage et installations

Un développement lié à l'expressionnisme abstrait a été l'intégration d'objets manufacturés avec des matériaux artistiques traditionnels, s'écartant des conventions établies de la peinture et de la sculpture. L'œuvre de Robert Rauschenberg illustre cette tendance ; ses « moissonneuses-batteuses » des années 1950, qui incorporaient des assemblages d'objets physiques substantiels comme des animaux empaillés, des oiseaux et des photographies commerciales, ont servi de précurseurs au pop art et à l'art de l'installation. Rauschenberg, Jasper Johns, Larry Rivers, John Chamberlain, Claes Oldenburg, George Segal, Jim Dine et Edward Kienholz ont été des pionniers majeurs de l'abstraction et du pop art. En établissant de nouvelles conventions artistiques, ils ont légitimé l’inclusion radicale de matériaux non conventionnels dans les cercles sérieux de l’art contemporain. Joseph Cornell, un autre innovateur dans le domaine du collage, a créé des œuvres à plus grande échelle, considérées comme radicales en raison de son iconographie personnelle distinctive et de son utilisation d'objets trouvés.

Néo-Dada

En 1917, Marcel Duchamp a soumis un urinoir, intitulé Fontaine, comme sculpture pour l'exposition inaugurale de la Society of Independent Artists, qui s'est tenue au Grand Central Palace de New York. Il a affirmé son intention que l'urinoir soit perçu comme une œuvre d'art, en le déclarant comme telle. Cette pièce, signée du pseudonyme « R. Mutt », illustre également ce que Duchamp appellera plus tard les « readymades ». Cette œuvre et d'autres créations de Duchamp sont généralement classées dans la catégorie Dada. Duchamp est considéré comme un précurseur de l'art conceptuel, avec d'autres exemples marquants, notamment 4′33″ de John Cage, une composition de quatre minutes et trente-trois secondes de silence, et Erased de Kooning Drawing de Rauschenberg. De nombreuses œuvres conceptuelles postulent que l'art naît de la perception qu'a le spectateur d'un objet ou d'un acte en tant qu'art, plutôt que des qualités intrinsèques de l'œuvre elle-même. En sélectionnant « un article ordinaire de la vie » et en générant « une nouvelle pensée pour cet objet », Duchamp a invité les observateurs à interpréter Fontaine comme une sculpture.

Marcel Duchamp a abandonné « l'art » pour se lancer dans les échecs. Le compositeur d'avant-garde David Tudor, en collaboration avec Lowell Cross, a créé la pièce Reunion (1968), qui présente un jeu d'échecs où chaque mouvement déclenche un effet d'éclairage ou une projection spécifique. Duchamp et Cage ont participé au jeu lors de la première de l'œuvre.

Steven Best et Douglas Kellner identifient Rauschenberg et Jasper Johns comme des figures clés d'une phase de transition, influencée par Duchamp, reliant le modernisme et le postmodernisme. Les deux artistes ont incorporé des images d'objets ordinaires, ou les objets eux-mêmes, dans leur travail, tout en conservant simultanément l'abstraction et les gestes picturaux caractéristiques du grand modernisme.

Performances et événements

À la fin des années 1950 et dans les années 1960, des artistes d'horizons divers ont élargi la portée de l'art contemporain. Parmi les personnalités clés de l'art basé sur la performance figuraient Yves Klein en France ; Carolee Schneemann, Yayoi Kusama, Charlotte Moorman et Yoko Ono à New York ; et Joseph Beuys, Wolf Vostell et Nam June Paik en Allemagne. Des efforts de collaboration, tels que ceux du Living Theatre, dirigés par Julian Beck et Judith Malina, ont impliqué des sculpteurs et des peintres dans la création d'environnements immersifs, modifiant fondamentalement la dynamique entre le public et l'interprète, particulièrement évidente dans leur œuvre Paradise Now. De même, le Judson Dance Theatre, situé à la Judson Memorial Church de New York, a vu des danseurs comme Yvonne Rainer, Trisha Brown, Elaine Summers, Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay, Lucinda Childs et Steve Paxton collaborer avec des artistes tels que Robert Morris, Robert Whitman, John Cage et Robert Rauschenberg, aux côtés d'ingénieurs comme Billy Klüver. La Park Place Gallery a également servi de lieu important pour les performances musicales des compositeurs électroniques Steve Reich et Philip Glass, ainsi que d'autres artistes de premier plan, dont Joan Jonas.

Ces performances constituaient une nouvelle forme d'art, intégrant sculpture, danse et son, intégrant fréquemment l'engagement du public. Ils ont été définis par les principes réducteurs de la philosophie minimaliste et par l'improvisation spontanée et les qualités expressives de l'expressionnisme abstrait. Alors que des photographies des performances de Schneemann, telles que Interior Scroll, qui visaient à provoquer le choc du public, sont parfois utilisées pour illustrer ce genre, la philosophie moderniste de l'art de la performance s'oppose généralement à une telle documentation. Les artistes de la performance soutiennent que l'acte live lui-même constitue le médium, rendant les médias externes incapables de véritablement l'illustrer. La performance est par nature éphémère, éphémère et intime, et n’est pas destinée à être capturée. Les représentations de l’art de la performance à travers des images, des vidéos ou des récits imposent inévitablement des perspectives spatiales ou temporelles spécifiques et sont contraintes par les limites inhérentes à leurs médias respectifs. Par conséquent, les artistes affirment que les enregistrements ne représentent pas adéquatement la performance en tant que forme d'art.

Parallèlement, les artistes d'avant-garde ont développé des « Happenings », qui étaient souvent des assemblées énigmatiques, spontanées et non scénarisées impliquant des artistes, leurs connaissances et des membres de leur famille sur des sites désignés. Ces événements incorporaient fréquemment des éléments d'absurdité, d'engagement physique, de costumes, de nudité impromptue et d'actions apparemment déconnectées ou aléatoires. Parmi les personnalités éminentes de la création d'Happenings figuraient Allan Kaprow, qui a inventé le terme en 1958, aux côtés de Claes Oldenburg, Jim Dine, Red Grooms et Robert Whitman.

Intermédia et multimédia

Une trajectoire artistique distincte liée au postmodernisme implique l'intégration de plusieurs médias. Le terme « Intermedia », inventé par Dick Higgins, décrit des formes d'art émergentes telles que Fluxus, la poésie concrète, les objets trouvés, l'art de la performance et l'art informatique. Higgins, poète concret, éditeur de Something Else Press, mari de l'artiste Alison Knowles et admirateur de Marcel Duchamp, a considérablement influencé ce concept. Ihab Hassan identifie « l'intermédia, la fusion des formes, la confusion des domaines » comme une caractéristique déterminante de l'art postmoderne. L'art vidéo, utilisant des bandes vidéo et des moniteurs CRT, représente une forme répandue d'expression multimédia. Bien que le concept théorique de synthèse de divers arts soit ancien et ait connu une résurgence périodique, son itération postmoderne se confond fréquemment avec l’art de la performance. Dans ce contexte, le récit dramatique est souvent sous-estimé, mettant au premier plan les déclarations spécifiques de l'artiste ou le fondement conceptuel de ses actions.

Fluxus

Fluxus, un mouvement nommé et vaguement structuré en 1962 par l'artiste américain d'origine lituanienne George Maciunas (1931-1978), est né des cours de composition expérimentale de John Cage tenus à la New School for Social Research de New York entre 1957 et 1959. De nombreux participants aux cours de Cage étaient des artistes issus de divers milieux médiatiques avec une formation musicale formelle limitée ou inexistante. Parmi les étudiants notables qui sont devenus membres fondateurs de Fluxus figuraient Jackson Mac Low, Al Hansen, George Brecht et Dick Higgins.

Fluxus défendait une esthétique d'autoproduction et privilégiait la simplicité plutôt que les conceptions complexes. Faisant écho à son prédécesseur, Dada, Fluxus a maintenu une position anti-commerciale et anti-art prononcée, critiquant l'establishment artistique conventionnel et axé sur le marché en faveur d'une méthodologie créative centrée sur l'artiste. Les artistes de Fluxus préféraient utiliser des matériaux facilement disponibles, s'engageant soit dans une création indépendante, soit dans des efforts artistiques collaboratifs avec leurs pairs.

Andreas Huyssen critique les efforts visant à catégoriser Fluxus dans le postmodernisme, le caractérisant comme « soit le code maître du postmodernisme, soit le mouvement artistique finalement irreprésentable – pour ainsi dire, le sublime du postmodernisme ». À l’inverse, Huyssen considère Fluxus comme une manifestation néo-dadaïste significative ancrée dans la lignée plus large de l’avant-garde. Même s'il ne signifie pas une progression substantielle dans les méthodologies artistiques, il exprime néanmoins un défi à l'égard de « la culture administrée des années 1950, dans laquelle un modernisme modéré et domestiqué servait de soutien idéologique à la guerre froide ».

Musique populaire d'avant-garde

Le modernisme a entretenu une relation controversée avec les formes musicales populaires, à la fois structurellement et esthétiquement, rejetant souvent carrément la culture populaire. Néanmoins, des compositeurs tels que Stravinsky ont incorporé des idiomes de jazz dans des compositions, notamment "Ragtime" de son œuvre théâtrale de 1918 Histoire du Soldat et le Concerto d'ébène de 1945.

Au cours des années 1960, alors que la musique populaire prenait une importance culturelle et remettait en question sa classification comme simple divertissement commercial, les artistes cherchaient de plus en plus à s'inspirer de l'avant-garde d'après-guerre. En 1959, le producteur Joe Meek a enregistré I Hear a New World (sorti en 1960), une œuvre décrite par Jonathan Patrick de Tiny Mix Tapes' comme un « moment fondateur à la fois dans l'histoire de la musique électronique et de l'avant-pop [...] une collection de vignettes pop rêveuses, ornées d'échos dubby et de vrilles sonores déformées par la bande », malgré son manque initial de reconnaissance généralisée. D'autres premiers exemples de compositions avant-pop incluent le morceau "Tomorrow Never Knows" des Beatles de 1966, qui intégrait des éléments de la musique concrète, des méthodes de composition d'avant-garde, de la musique indienne et de la manipulation sonore électro-acoustique dans une structure pop de trois minutes, et la synthèse par The Velvet Underground des concepts musicaux minimalistes et drones de La Monte Young, de la poésie rythmique et du pop art des années 1960.

Période de retard

Les trajectoires de l'expressionnisme abstrait, de la peinture sur champs de couleurs, de l'abstraction lyrique, de l'abstraction géométrique, du minimalisme, de l'illusionnisme abstrait, du process art, du pop art, du postminimalisme et d'autres mouvements modernistes de la fin du XXe siècle, tant en peinture qu'en sculpture, se sont étendues jusqu'à la première décennie du 21e siècle, établissant ainsi des orientations innovantes au sein de ces disciplines artistiques.

En entrant dans le 21e siècle, d'éminents artistes établis, dont Sir Anthony Caro, Lucian Freud, Cy Twombly, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Agnes Martin, Al Held, Ellsworth Kelly, Helen Frankenthaler, Frank Stella, Kenneth Noland, Jules Olitski, Claes Oldenburg, Jim Dine, James Rosenquist, Alex Katz et Philip Pearlstein, aux côtés d'une cohorte de jeunes praticiens tels que Brice Marden, Chuck Close, Sam Gilliam, Isaac Witkin, Sean Scully, Mahirwan Mamtani, Joseph Nechvatal, Elizabeth Murray, Larry Poons, Richard Serra, Walter Darby Bannard, Larry Zox, Ronnie Landfield, Ronald Davis, Dan Christensen, Pat Lipsky, Joel Shapiro, Tom Otterness, Joan Snyder, Ross Bleckner, Archie Rand et Susan Crile, ont maintenu leur production de peintures et de sculptures significatives et percutantes.

Architecture moderne

De nombreux gratte-ciel à Hong Kong et à Francfort s'inspirent de Le Corbusier et de principes architecturaux modernistes plus larges. Son style distinctif continue d'influencer la conception architecturale à l'échelle mondiale.

Modernisme en Asie

Le chercheur William J. Tyler note que les termes « modernisme » et « moderniste » n'ont été intégrés que récemment dans le discours anglais standard concernant la littérature japonaise moderne, et que des questions persistent quant à leur véritable applicabilité par rapport au modernisme d'Europe occidentale. Tyler considère cela comme étrange, étant donné la prose résolument moderne évidente dans les œuvres d'auteurs japonais de premier plan tels que Kawabata Yasunari, Nagai Kafu et Jun'ichirō Tanizaki. À l’inverse, les universitaires spécialisés dans les arts visuels et les beaux-arts, l’architecture et la poésie ont facilement adopté le « modanizumu » comme concept central pour analyser et caractériser la culture japonaise des années 1920 et 1930. Au sein de la photographie japonaise, un mouvement moderniste appelé Shinkō shashin (« Nouvelle photographie ») s'est matérialisé vers 1930, s'inspirant de la Neue Sachlichkeit (Nouvelle objectivité) et du surréalisme allemands. Dans ce contexte, le poète et photographe Kansuke Yamamoto a cultivé une approche artistique d'influence surréaliste qui s'est engagée dans le modernisme international. En 1924, plusieurs écrivains japonais émergents, dont Kawabata et Riichi Yokomitsu, lancent la revue littéraire Bungei Jidai (« L'ère artistique »). Cette publication faisait partie intégrante d'un mouvement « l'art pour l'art », qui absorbait les influences du cubisme européen, de l'expressionnisme, de Dada et d'autres esthétiques modernistes.

Kenzō Tange (1913-2005), architecte moderniste japonais, est l'une des figures les plus influentes du XXe siècle, réputé pour avoir intégré l'esthétique traditionnelle japonaise aux principes modernistes et pour avoir conçu des structures importantes sur les cinq continents. Tange a également été un éminent défenseur du mouvement métaboliste. Il a articulé son développement conceptuel en déclarant : « C'est, je crois, vers 1959 ou au début des années soixante que j'ai commencé à réfléchir à ce que j'appellerai plus tard le structuralisme. » Au début de sa carrière, Tange a été fortement influencé par le moderniste suisse Le Corbusier. Sa renommée internationale a commencé en 1949 lorsqu'il a remporté le concours pour la conception du parc commémoratif de la paix d'Hiroshima.

En Chine, les « Nouveaux sensationnistes » (新感覺派, Xīn Gǎnjué Pài) constituaient un collectif d'écrivains basés à Shanghai et actifs dans les années 1930 et 1940. Ce groupe a montré divers niveaux d'influence du modernisme occidental et japonais. Leur production littéraire donnait la priorité aux thèmes liés à l'inconscient et aux considérations esthétiques plutôt qu'aux préoccupations socio-économiques. Parmi les membres notables de ce groupe figuraient Mu Shiying et Shi Zhecun.

En Inde, le Progressive Artists' Group, principalement situé à Mumbai, a émergé en 1947 en tant que collectif d'artistes modernes. Bien qu'il n'adhère pas à une approche stylistique unique, le groupe a intégré les traditions artistiques indiennes aux influences européennes et nord-américaines du début au milieu du XXe siècle, englobant des mouvements tels que le postimpressionnisme, le cubisme et l'expressionnisme.

Le modernisme en Afrique

Peter Kalliney postule que les concepts modernistes, en particulier l'autonomie esthétique, ont joué un rôle fondateur dans la littérature sur la décolonisation en Afrique anglophone. Il soutient que des écrivains tels que Rajat Neogy, Christopher Okigbo et Wole Soyinka ont adapté les interprétations modernistes de l'autonomie esthétique pour affirmer leur libération de l'asservissement colonial, des systèmes de discrimination raciale et même de l'État postcolonial naissant.

Relation avec le postmodernisme

Au début des années 1980, le mouvement postmoderne en art et en architecture a consolidé sa présence à travers diverses approches conceptuelles et intermédia. L’émergence du postmodernisme dans la musique et la littérature est cependant antérieure à cette période. En musique, un ouvrage de référence caractérise le postmodernisme comme un « terme introduit dans les années 1970 ». À l’inverse, dans la littérature britannique, L’Oxford Encyclopaedia of British Literature suggère que le modernisme a commencé à « céder sa prédominance au postmodernisme » dès 1939. Néanmoins, la chronologie précise reste très controversée, en particulier compte tenu de l’observation d’Andreas Huyssen selon laquelle « le postmodernisme d’un critique est le modernisme d’un autre critique ». Cette perspective englobe les chercheurs qui critiquent la démarcation stricte entre les deux mouvements, les considérant plutôt comme les facettes interconnectées d'une trajectoire continue, et qui soutiennent que le modernisme tardif persiste.

Le modernisme sert de désignation globale englobant un large spectre de mouvements culturels. En revanche, le postmodernisme représente fondamentalement un mouvement centralisé et auto-identifié enraciné dans une théorie sociopolitique. Cependant, le terme « postmodernisme » est désormais appliqué plus largement pour décrire les activités culturelles à partir du XXe siècle qui démontrent une prise de conscience et une réinterprétation de la modernité.

La théorie postmoderne postule que toute tentative rétrospective de canoniser le modernisme conduit intrinsèquement à des contradictions irréconciliables. Une divergence fondamentale entre le postmodernisme et le modernisme réside dans leurs points de vue respectifs sur l’existence de la vérité, le postmodernisme critiquant toute affirmation d’une vérité singulière et discernable. Alors que les modernistes explorent la vérité à travers divers cadres théoriques (par exemple, la correspondance, la cohérence, le pragmatisme, la sémantique), les postmodernistes adoptent une approche négative, remettant en question la possibilité même d'une vérité accessible.

Plus précisément, tous les éléments modernistes n'étaient pas intrinsèquement postmodernistes. Les aspects du modernisme qui mettaient l'accent sur les avantages de la rationalité et du progrès socio-technologique sont restés exclusivement modernistes.

Les réponses modernistes au postmodernisme englobent des mouvements tels que le remodernisme, qui rejette le cynisme et les tendances déconstructrices de l'art postmoderne, plaidant plutôt pour une résurgence des premiers principes esthétiques modernistes.

Critiques de la modernité tardive

Alors que le modernisme artistique s'opposait généralement aux principes capitalistes comme le consumérisme, la société civile du XXe siècle a de plus en plus adopté la production de masse mondiale et la large disponibilité de biens abordables. Cette phase d’évolution sociétale, qualifiée de « tardive » ou de « haute modernité », a émergé principalement dans les pays occidentaux avancés. Jürgen Habermas, un sociologue allemand, a présenté la première critique significative de la culture de la modernité tardive dans son ouvrage de 1981, La théorie de l'action communicative. Une autre critique fondamentale de cette époque est la publication de George Ritzer de 1993, The McDonaldization of Society, dans laquelle le sociologue américain détaille l'influence omniprésente de la culture de consommation de la restauration rapide à la fin de la modernité. En outre, divers chercheurs ont illustré l’intégration d’éléments modernistes dans le cinéma populaire puis dans les vidéoclips. Le design moderniste a également imprégné la culture populaire dominante, avec des formes simplifiées et stylisées qui gagnent en importance, souvent liées aux aspirations à un avenir de haute technologie et de l'ère spatiale.

En 2008, Janet Bennett a contribué à La modernité et ses critiques au Manuel de théorie politique d'Oxford. La convergence des manifestations de la culture moderniste orientées vers le consommateur et haut de gamme a fondamentalement modifié le concept de « modernisme ». Cette transformation suggérait d’abord qu’un mouvement fondé sur le rejet de la tradition avait lui-même évolué vers une tradition. Deuxièmement, elle a révélé une distinction moins claire entre les cultures modernistes d’élite et les cultures consuméristes de masse. L’institutionnalisation du modernisme a atteint un point où il a été considéré comme « post-avant-gardiste », ce qui signifie une perte de son élan révolutionnaire. De nombreux chercheurs ont interprété ce changement comme la genèse de l’ère postmoderniste. À l'inverse, des personnalités comme le critique d'art Robert Hughes considéraient le postmodernisme comme une continuation du modernisme.

Les mouvements « anti-modernes » ou « contre-modernes » prônent le holisme, l'interconnectivité et la spiritualité comme correctifs au modernisme. Ces mouvements perçoivent le modernisme comme réductionniste, limitant ainsi sa capacité à discerner les phénomènes systémiques et émergents.

Les artistes traditionalistes, tels qu'Alexander Stoddart, rejettent largement le modernisme comme le résultat d'une « époque de fausse monnaie alliée à une fausse culture ».

L'impact du modernisme a été plus prononcé et plus durable dans certains domaines que dans d'autres. L’art visuel, par exemple, a démontré la rupture la plus complète avec ses précédents historiques. La plupart des grands centres urbains abritent des musées dédiés à l'art moderne, ce qui le distingue de l'art post-Renaissance, qui s'étend sur environ c. 1400 à c. 1900. Des exemples notables incluent le Museum of Modern Art de New York, la Pinakothek der Moderne de Munich, la Tate Modern de Londres et le Centre Pompidou de Paris. Ces institutions ne font généralement pas de différence entre les phases modernistes et postmodernistes, les considérant comme des développements intégraux dans le cadre plus large de l'art moderne.

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Références

Sources

• Barth, John (1979) The Literature of Replenishment, réédité par la suite dans The Friday Book (1984).
• Eco, Umberto (1990) Interpreting Serials, dans The Limits of Interpretation, pages 83 à 100, extrait archivé le 21 juillet 2011 à la Wayback Machine.
• Everdell, William R. (1997) Les premiers modernes : profils aux origines de la pensée du vingtième siècle (Chicago : University of Chicago Press).
• Orton, Fred et Pollock, Griselda (1996) Avant-Gardes and Partisans Review, Université de Manchester.
• Steiner, George (1998) Après Babel, chapitre 6, Topologies de la culture, 3e édition révisée.
• Berman, Art (1994) Préface au modernisme. Presses de l'Université de l'Illinois.

• Ballard, J. G., sur le modernisme.
• Denzer, Anthony S., PhD, maîtrise en modernisme.
• Hoppé, E. O., photographe, modernistes édouardiens.
• Malady of Writing : Modernism You Can Dance To, une émission de radio en ligne qui présente une perspective humoristique sur le modernisme.
• Laboratoire de modernisme à l'université de Yale.
• Modernisme/Modernité, la publication officielle de la Modernist Studies Association.
• Modernisme contre postmodernisme.
• Tobolczyk, Marta (2021). Architecture contemporaine : genèse et caractéristiques des principales tendances (PDF). Newcastle upon Tyne : Cambridge Scholars Publishing. ISBN 978-1-5275-7039-9. Archivé de l'original (PDF) le 14 janvier 2025. Récupéré le 27 octobre 2024.Source : Archives de l'Académie TORIma