L'art corporel désigne une pratique artistique où le corps humain sert de médium principal. Issu du mouvement de l’art conceptuel des années 1970, il englobe fréquemment l’art de la performance. De plus, l’art corporel facilite l’exploration de la forme humaine à travers divers médias, tels que la peinture, le moulage, la photographie, le cinéma et la vidéo. Les manifestations extrêmes de l'art corporel peuvent impliquer l'automutilation ou le repoussement délibéré des limites physiologiques.
Le discours contemporain a élargi la conceptualisation et le traitement du corps bien au-delà de la compréhension conventionnelle de l'art corporel. Les approches importantes qui interrogent le corps humain incluent les implants, sa relation symbiotique avec les technologies émergentes et la création de corps d'avatars virtuels, entre autres innovations.
Portée contemporaine de la terminologie
Le concept d'art corporel a imprégné la culture populaire, englobant désormais un large éventail de pratiques telles que le tatouage, le perçage corporel, la scarification et la peinture corporelle. Le photographe Spencer Tunick est reconnu pour avoir organisé des installations photographiques à grande échelle mettant en vedette des participants nus dans divers espaces publics du monde entier.
Contexte historique
L'art corporel aborde fréquemment les thèmes du genre et de l'identité personnelle, explorant souvent la relation complexe entre le corps physique et la psyché.
Les précurseurs de l'art corporel étaient principalement des artistes d'avant-garde. En 1913, des futuristes russes, dont Ilia Zdanevich, David Burliuk, Milkhail Larionov et Natalia Goncharova, organisèrent une représentation publique dans les rues de Moscou avec des visages peints, publiant par la suite le manifeste « Pourquoi nous peignons-nous ? dans le périodique russe "Argus".
Le Groupe d'action de Vienne, créé en 1965, comprenait Hermann Nitsch, Otto Mühl, Günter Brus et Rudolf Schwarzkogler. Ce collectif a réalisé de nombreuses performances d'art corporel. Parallèlement, aux États-Unis, Carolee Schneemann, Chris Burden et Vito Acconci émergent comme des praticiens très actifs. Acconci a notamment documenté, via des enregistrements photographiques et textuels, un programme d'exercices quotidiens soutenus impliquant de monter et descendre d'une chaise pendant des durées prolongées sur plusieurs mois. Il a également présenté Following Piece, une œuvre d'art dans laquelle il a suivi des individus sélectionnés au hasard à New York.
En France, l'art corporel a été désigné art corporel et pratiqué par des artistes tels que Michel Journiac, Orlan et Gina Pane. Dans les années 1980 en Italie, Ketty La Rocca était une figure marquante de ce mouvement.
Les artistes dont les œuvres se sont développées à travers des mythologies personnelles plus spécifiques incluent Rebecca Horn, Youri Messen-Jaschin, Javier Perez et Jana Sterbak. De plus, l'art corporel peut se manifester à travers une expression textuelle, et pas uniquement à travers une application visuelle.
Formes extrêmes d'art corporel
Les artistes peuvent étudier des méthodes moins conventionnelles de représentation corporelle, par exemple en permettant aux membres du public d'utiliser le corps nu comme site d'expérimentation et de manipulation. Les praticiens peuvent utiliser des effets ou des médias pour dramatiser l'apparence du corps du point de vue subjectif du spectateur, ou introduire des éléments externes au corps qui suscitent la répulsion, illustrant ainsi les thèmes de la maltraitance et de l'objectivation. Les artistes s'engagent fréquemment dans l'auto-expérimentation pour tester leurs propres limites physiques, confrontés à l'inconfort inhérent. Un travail remarquable de Dennis Oppenheim l'impliquait allongé en plein soleil avec un livre placé sur sa poitrine, ce qui provoquait de graves coups de soleil sur toute la peau exposée. L'art corporel extrême peut également englober l'arrangement artistique et la dissection de corps préservés, illustrés par les spécimens plastinés présentés dans l'exposition itinérante Body Worlds.
En 1974, Marina Abramović présente sa performance Rhythm 0. Au cours de ce travail, le public a reçu des instructions pour interagir avec le corps d'Abramović à l'aide d'une sélection de 72 objets, allant des instruments de douleur à ceux de plaisir, tels que des couteaux, des plumes et un pistolet chargé. Les participants ont commencé à la couper, à lui enfoncer des épines dans l'abdomen, à lui appliquer du rouge à lèvres, à lui retirer ses vêtements et même à lui pointer un pistolet chargé sur la tête. Des divergences existent concernant la conclusion de la représentation ; certains rapports indiquent qu'elle a cessé à la suite d'une altercation avec le public concernant leur comportement, tandis qu'Abramović raconte que l'œuvre s'est terminée naturellement après sa durée prévue de six heures, après quoi elle s'est levée et s'est approchée du public, le faisant se disperser. Une autre pièce d'Abramović la montrait dansant continuellement jusqu'à succomber à l'épuisement physique.
Christopher Burden est un artiste américain réputé pour ses performances artistiques extrêmes. Dans son œuvre de 1971 intitulée Shoot, Burden s'est arrangé pour qu'un ami lui tire une balle dans le bras avec un fusil devant les caméras et un petit public. Pour une autre pièce, Through the Night Softly, il a rampé sur le ventre sur du verre brisé, les mains liées et vêtu uniquement de sous-vêtements, tandis que les spectateurs observaient son mouvement sur les éclats. Dans son œuvre Trans-Fixed, il s'est auto-crucifié de manière controversée sur un véhicule Volkswagen.
L'artiste français Orlan a développé une série d'œuvres impliquant la modification de son corps par chirurgie plastique, visant à incarner les standards de beauté occidentaux.
Exploration thématique de l'absence corporelle
Cette forme d'art corporel met principalement l'accent sur les silhouettes et les ombres projetées par le corps interprète, plutôt que uniquement sur sa forme physique. Les recherches scientifiques dans ce domaine, comme celles menées par Stelarc, peuvent s'inscrire dans cette veine artistique. Une stratégie distincte dans l’art corporel implique l’absence délibérée du corps. Parmi les artistes qui ont exploré « l'absence » du corps à travers leurs œuvres figurent Davor Džalto, Antony Gormley et Andy Warhol.
Art corporel basé sur la performance
L'art corporel présenté sous forme de performances peut articuler les dimensions didactiques et symboliques du corps humain et de la sexualité. Cela peut se manifester à travers la présentation de l’anatomie humaine comme impeccable, esthétique et ornée, ou à l’inverse, en la mutilant délibérément et/ou en la transformant dans un état répugnant ou ambigu. L'objectif principal de ces performances est d'engager le spectateur dans une réaction qui l'incite à réfléchir sur la façon dont son état d'esprit interagit avec la visualisation du corps humain. Une autre manifestation de l’art corporel de performance implique le symbolisme de la sexualisation et de la violation corporelle. L'œuvre de Yoko Ono, Cut Piece 1964, sert d'exemple illustratif.
Les artistes de performance Karen Finley et Laurie Anderson sont reconnues pour évoquer l'obscurité et la controverse, remettant ainsi en question les normes établies concernant l'action féminine dans la culture occidentale. Finley a fréquemment incorporé des éléments sensoriels psychologiques dans ses performances, suscitant souvent la répulsion du public. Son œuvre de 1982, I'm An Ass Man, utilisait des haricots rouges et tachait les mains d'un "violeur" avec du sang menstruel. Dans M. Hirsch (1990), Finley a utilisé de la crème glacée, symbolisant l'innocence de l'enfance, pour tacher de manière agressive la robe d'une fille, reflétant les thèmes du traumatisme. Laurie Anderson exploite la technologie pour renverser les paradigmes traditionnels selon lesquels les femmes sont réduites au silence et objectivées à distance en fonction de leurs attributs physiques. Dans Home of the Brave (1986), Anderson extériorise son corps en l'étendant physiquement avec un tambour électronique. Le son distinctif et perturbateur produit par ses mouvements fait la satire du regard masculin omniprésent dirigé sur le corps féminin et plaide pour une exploration plus approfondie de la voix en tant qu'instrument de pouvoir dans la représentation féminine.
La carrière artistique d'Ana Mendieta a constamment exploré les thèmes de l'identité, examinant l'interaction d'éléments tels que la race, le sexe, l'âge et la classe socio-économique dans la formation du soi authentique d'un individu. Dans Untitled (Glass on Body Imprints—face) (1972), Mendieta pressait son corps contre une vitre, transmettant visuellement l'angoisse physique et faciale, incarnant ainsi la souffrance vécue dans la forme féminine. La série photographique Untitled (Facial Cosmetic Variations) (1972) montre Mendieta modifiant son apparence avec du maquillage et des perruques, éclaircissant parfois son teint, ce qui a servi à interroger sa catégorisation raciale en Amérique. Dans sa série *Silueta*, elle s'allongeait sur le sol et dessinait sa silhouette, symbolisant le déplacement ou l'absence de son corps par rapport à sa terre natale.
Événements d'art corporel
La World Naked Bike Ride constitue un événement cycliste international semestriel où les participants ont la possibilité de rouler nus. La manifestation la plus importante de cet événement a lieu à Portland, dans l'Oregon, attirant en moyenne environ 10 000 participants et des milliers d'observateurs. Pendant le trajet, les participants ornent leur corps de messages peints et de dessins artistiques, qui sont mis en valeur lorsqu'ils traversent les voies urbaines.
Le festival Burning Man est un rassemblement annuel organisé en septembre dans le désert de Black Rock, au nord-ouest du Nevada, aux États-Unis. Jake Lloyd Jones, un artiste résidant à Sydney, est à l'origine du Sydney Body Art Ride, qui est depuis devenu un événement annuel. Dans cet événement, les participants sont peints pour former collectivement un « arc-en-ciel vivant » qui se dirige vers l'océan Pacifique avant de s'immerger dans les vagues.
Applications médicales de l'art corporel
La peinture corporelle, forme spécifique d'art corporel, a récemment été intégrée à l'enseignement médical. Bien que la dissection des cadavres reste la principale méthode d’étude de la physiologie humaine, comme le souligne Gabrielle Flinn, certains étudiants trouvent cette approche difficile. Par conséquent, les institutions explorent la peinture corporelle comme un outil pédagogique efficace, économique et constructif pour comprendre les structures anatomiques. Cette méthode implique que des étudiants en médecine appliquent de la peinture ou collaborent avec des volontaires consentants dont les corps ont été marqués pour illustrer diverses caractéristiques anatomiques, notamment les poumons, les muscles des mains et la musculature des jambes. Les mains sont fréquemment sélectionnées à cette fin car elles n'exigent pas que le volontaire se déshabille pour l'examen ; cependant, avec leur consentement explicite, les étudiants en médecine peuvent également peindre d'autres régions, comme le dos. Cette pratique facilite non seulement l'apprentissage anatomique dans un environnement favorable, mais fournit également une expérience pratique dans le développement de l'attitude au chevet du patient et dans la garantie du confort et des soins du patient tout au long de la procédure.
Références
Walker, John (1992). "Art corporel". Dans Glossaire de l'art, de l'architecture et de l'art. Conception depuis 1945 (3e éd.). Londres : Bingley. ISBN978-0-85365-639-5. OCLC930752485.
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