Gothic art

L'art gothique est apparu comme un style artistique médiéval dans le nord de la France au XIIe siècle, évoluant à partir de l'art roman parallèlement à l'essor parallèle de l'architecture gothique. Ce style s'est répandu dans toute l'Europe occidentale et dans des parties importantes de l'Europe du Nord, du Sud et centrale, bien qu'il n'ait pas entièrement remplacé les traditions artistiques plus classiques en Italie. À la fin du XIVe siècle, l'esthétique courtoise raffinée connue sous le nom de gothique international se matérialisa et persista dans son développement jusqu'à la fin du XVe siècle. Notamment, dans plusieurs régions, notamment en Allemagne, l’art gothique tardif a perduré jusqu’au XVIe siècle avant son éventuelle intégration dans l’art de la Renaissance. Les principaux médias artistiques de l'ère gothique comprenaient la sculpture, la peinture sur panneaux, les vitraux, les fresques et les manuscrits enluminés. Alors que les transitions architecturales distinctes du roman au gothique et du gothique à la Renaissance sont couramment utilisées pour délimiter les périodes historiques de l'art sur tous les supports, l'art figuratif a souvent progressé à un rythme divergent.

L'art gothique était un style d'art médiéval qui s'est développé dans le nord de la France à partir de l'art roman au XIIe siècle, mené par le développement concomitant de l'architecture gothique. Il s'est répandu dans toute l'Europe occidentale et dans une grande partie de l'Europe du Nord, du Sud et centrale, sans jamais complètement effacer les styles plus classiques en Italie. À la fin du XIVe siècle, le style de cour sophistiqué du gothique international s'est développé, qui a continué à évoluer jusqu'à la fin du XVe siècle. Dans de nombreuses régions, notamment en Allemagne, l’art gothique tardif s’est poursuivi jusqu’au XVIe siècle, avant d’être intégré à l’art de la Renaissance. Les principaux médias de la période gothique comprenaient la sculpture, la peinture sur panneaux, les vitraux, les fresques et les manuscrits enluminés. Les changements facilement reconnaissables dans l'architecture du style roman au gothique, et du gothique à la Renaissance, sont généralement utilisés pour définir les périodes de l'art dans tous les médias, bien que, à bien des égards, l'art figuratif se soit développé à un rythme différent.

Les premières expressions artistiques gothiques se manifestaient principalement sous la forme de sculptures monumentales ornant les façades des cathédrales et des abbayes. L'art chrétien adoptait fréquemment une approche typologique, juxtaposant les récits du Nouveau Testament et de l'Ancien Testament. Les représentations de la vie des saints étaient également courantes. Les représentations de la Vierge Marie ont évolué de leurs prototypes iconiques byzantins vers des représentations plus humanisées et plus tendres, la représentant berçant son enfant, exhibant un contrapposto gracieux et incarnant l'attitude sophistiquée d'une dame de cour aristocratique.

À cette époque, l'art profane a pris de l'importance, poussé par l'expansion urbaine, la création d'universités, l'activité commerciale accrue, l'émergence d'une économie monétaire et la montée d'une classe bourgeoise capable de condescendance et commande d’œuvres d’art. Cette confluence de facteurs a conduit à une augmentation significative de la production de peintures et de manuscrits enluminés. Parallèlement, l’augmentation des taux d’alphabétisation et l’expansion du corpus de littérature vernaculaire profane ont favorisé l’inclusion de thèmes profanes dans les œuvres artistiques. Les centres urbains en plein essor ont également facilité la formation de corporations professionnelles, exigeant fréquemment l'adhésion des artistes à des corporations de peintres. Par conséquent, les pratiques améliorées de tenue de registres de cette période permettent d’identifier davantage d’artistes par leur nom qu’au cours des époques précédentes ; certains artistes ont même hardiment apposé leur signature sur leurs créations.

Origines

L'art gothique est né en Île-de-France au début du XIIe siècle, notamment à l'église abbatiale de Saint-Denis, construite sous le patronage de l'abbé Suger. Thomas O'Hagan postule que les influences lombardes, franques et nordiques ont contribué au développement du style gothique. L'œuvre de Wilhelm Worringer, Form in the Gothic (allemand : Formprobleme der Gotik, 1911), explore les fondements psychologiques du style, faisant remonter ses origines au moins à la période de migration.

Historique

Le style gothique s'est rapidement étendu au-delà de ses expressions architecturales initiales pour englober la sculpture (à la fois monumentale et personnelle), l'art textile et la peinture, se manifestant sous diverses formes telles que la fresque, le vitrail, les manuscrits enluminés et les peintures sur panneaux. D'éminents ordres monastiques, en particulier les Cisterciens et les Chartreux, ont joué un rôle crucial en commandant de nombreuses structures ecclésiastiques importantes, propageant ainsi le style et favorisant ses variations régionales distinctes dans toute l'Europe. Malgré l'émergence d'un style paneuropéen cohérent à la fin du XIVe siècle, appelé « gothique international » par Louis Courajod (1841-1896), qui a persisté jusqu'à la fin du XVe siècle et au-delà dans certaines régions, les variations architecturales régionales ont conservé leur importance.

Alors que les artistes gothiques ont créé un plus grand nombre d'œuvres profanes que ce qui est communément admis aujourd'hui, l'art religieux de cette époque présente généralement un taux de survie supérieur à celui de ses homologues profanes. Par conséquent, une partie substantielle de la production artistique de l'époque était religieuse, commandée soit par des institutions ecclésiastiques, soit par des mécènes laïcs. L'art gothique adoptait fréquemment un cadre typologique, reflétant la conviction que les événements de l'Ancien Testament préfiguraient ceux du Nouveau Testament, constituant ainsi leur signification théologique première. Cela est évident dans la juxtaposition de scènes de l'Ancien et du Nouveau Testament dans des œuvres telles que le Speculum Humanae Salvationis du début du XIVe siècle et dans les décorations ecclésiastiques. L’ère gothique a également été témoin d’un renouveau significatif de la dévotion mariale, les arts visuels jouant un rôle central. Les représentations de la Vierge Marie ont évolué de formes hiératiques byzantines rigides, en passant par le motif du couronnement de la Vierge, à des représentations plus humanisées et intimes. Les cycles illustrant la Vie de la Vierge ont acquis une grande popularité. Artistes italiens notables, dont Giotto (c.  1267 – 1337), Fra Angelico (c.  1395 – 1455) et Pietro Lorenzetti (c.  1280 – 1348), aux côtés des praticiens de la peinture ancienne des Pays-Bas, ont collectivement introduit un réalisme accru et une humanité naturaliste dans l'art. Les artistes d'Europe occidentale et leurs mécènes ont de plus en plus adopté une iconographie innovante, favorisant une plus grande originalité, même si de nombreux artistes ont continué à adhérer à des formules de composition établies.

L'iconographie a subi des transformations influencées par l'évolution des perspectives théologiques, illustrées par l'importance croissante des représentations de l'Assomption de Marie par rapport au motif antérieur de la Mort de la Vierge. Les pratiques de dévotion, telles que la Devotio Moderna, ont également eu un impact sur l'iconographie, conduisant à de nouvelles représentations du Christ dans des thèmes comme l'Homme des Douleurs, le Christ Pensif et la Pietà. Celles-ci mettaient l'accent sur sa souffrance humaine et sa vulnérabilité, reflétant une évolution similaire dans les représentations de la Vierge. Même dans les Jugements derniers, le Christ était généralement représenté exposant sa poitrine pour révéler les blessures de sa Passion. Les saints sont devenus plus répandus dans l'art, avec des retables représentant des saints pertinents pour une église ou un donateur spécifique, soit assistant à une Crucifixion ou à une Vierge à l'Enfant intronisée, soit positionnés au centre (un arrangement courant pour les œuvres destinées aux chapelles latérales). Tout au long de la période gothique, de nombreux éléments iconographiques anciens dérivés des apocryphes du Nouveau Testament, comme les sages-femmes présentes à la Nativité, ont été progressivement éliminés en raison de l'influence cléricale, bien que d'autres éléments profondément enracinés aient été conservés, jugés inoffensifs.

Étymologie

Au départ, le terme « gothique », lorsqu'il était appliqué à l'art, servait de synonyme péjoratif de « barbare ». Les critiques de l'époque percevaient ce style d'art médiéval comme brut et fondamentalement divergent des proportions et des formes esthétiques caractéristiques de l'art classique. Les érudits de la Renaissance ont avancé que le sac de Rome par les tribus gothiques en 410 de notre ère avait précipité le déclin du monde classique et de ses valeurs chères. Au XVe siècle, des architectes et des écrivains italiens ont exprimé leurs inquiétudes quant au fait que les styles « barbares » émergents, originaires d'au-delà des Alpes, représentaient une menace comparable pour le renouveau classique défendu par le début de la Renaissance.

Le descripteur « gothique » pour ce mouvement artistique est apparu pour la première fois dans la lettre de Raphaël au pape Léon X vers c. 1518. Il fut ensuite popularisé par l'artiste et écrivain italien Giorgio Vasari, qui, dès 1530, qualifiait l'art gothique de « désordre » « monstrueux et barbare ». Raphaël a émis l'hypothèse que les arcs brisés répandus dans l'architecture nordique rappelaient les abris rudimentaires construits par les habitants de la forêt germanique, formés en courbant des arbres - une notion qui réapparaîtrait plus tard avec des connotations positives au sein du mouvement romantique allemand. Avant sa reconnaissance éventuelle en tant que forme d'art distincte et la stabilisation de sa terminologie, « l'art gothique » a fait l'objet de sévères critiques de la part d'éminents auteurs français, dont Boileau, La Bruyère et Rousseau. Molière a notamment proposé le commentaire suivant sur l'art gothique :

Initialement, l'art gothique était appelé « œuvre française » (Opus Francigenum), une désignation qui souligne le rôle fondateur de la France dans le développement de ce style distinctif.

À ses débuts, l'art gothique était initialement appelé « œuvre française » (Opus Francigenum), attestant ainsi de la priorité de la France dans la création de ce style.

Peinture

La peinture gothique est apparue vers 1200, plus de cinq décennies après le développement initial de l'architecture et de la sculpture gothiques. Le passage de l'art roman à l'art gothique se caractérise par une imprécision plutôt que par une rupture nette, les éléments ornementaux gothiques apparaissant fréquemment avant une évolution stylistique significative des figures ou des compositions. Par la suite, les personnages ont adopté des poses plus dynamiques et des traits du visage expressifs, apparaissant souvent proportionnellement plus petits sur les arrière-plans de la scène, et ont été disposés avec une plus grande liberté spatiale dans le plan pictural. Cette évolution artistique s'est manifestée pour la première fois en Angleterre et en France vers 1200, suivie par l'Allemagne vers 1220 et l'Italie vers 1300. À l'époque gothique, la peinture utilisait principalement quatre médiums : les fresques, les peintures sur panneaux, l'enluminure de manuscrits et les vitraux.

Fresques

Les fresques sont restées le support prédominant du récit pictural sur les murs des églises dans tout le sud de l'Europe, maintenant ainsi la continuité avec les conventions artistiques paléochrétiennes et romanes. Grâce à une préservation fortuite, le Danemark et la Suède possèdent les plus vastes collections de peintures murales d'églises existantes exécutées dans le style *Biblia pauperum*, s'étendant fréquemment aux voûtes d'arêtes nouvellement construites. Dans les deux pays, la majorité de ces œuvres ont ensuite été masquées à la chaux après la Réforme, pratique qui a contribué par inadvertance à leur préservation ; cependant, un sous-ensemble est resté intact depuis leur création originale. Des exemples danois notables incluent les œuvres du maître d'Elmelunde de l'île de Møn, qui a orné les églises de Fanefjord, Keldby et Elmelunde. Albertus Pictor est largement considéré comme le fresquiste le plus important actif en Suède à cette époque. Les églises suédoises présentant des fresques remarquablement conservées comprennent Tensta, Gökhem et Anga.

Vitrail

Dans toute l'Europe du Nord, le vitrail a constitué un médium artistique important et estimé jusqu'au XVe siècle, date à laquelle il a été largement remplacé par la peinture sur panneau. Les innovations architecturales gothiques ont considérablement augmenté l'incorporation du verre dans les structures monumentales, facilitant ainsi de vastes zones vitrées telles que celles trouvées dans les rosaces. Au cours de la phase initiale de la période gothique, la pratique artistique impliquait principalement de la peinture noire aux côtés de verre clair ou aux couleurs vives. Cependant, au début du XIVe siècle, l'application de composés d'argent, peints sur le verre puis cuits, a permis d'intégrer un spectre chromatique plus large, en particulier les teintes jaunes, au verre transparent dans une seule vitre. Vers la fin de la période, les créations comportaient de plus en plus de grandes sections de verre peint, principalement en jaune, avec une inclusion relativement réduite de morceaux de verre plus petits dans des couleurs alternatives.

Manuscrits et gravure

Les manuscrits enluminés offrent la documentation la plus complète sur la peinture gothique, préservant les preuves stylistiques de régions où les œuvres d'art monumentales n'ont pas perduré. Les premiers manuscrits complets comportant des illustrations gothiques françaises sont attribués au milieu du XIIIe siècle. Un nombre important de ces textes enluminés comprenaient des bibles royales, bien que les psautiers incorporent également des illustrations ; par exemple, le Psautier parisien de Saint Louis, créé entre 1253 et 1270, présente 78 enluminures pleine page exécutées à la détrempe et à la feuille d'or.

À la fin du XIIIe siècle, les scribes ont commencé la production de livres de prières destinés aux laïcs, communément appelés « livres d'heures » en raison de leur utilisation prescrite à des intervalles quotidiens spécifiques. Un des premiers exemples est une œuvre de William de Brailes, qui aurait été composée vers 1240 pour une laïque non identifiée résidant dans un petit village près d'Oxford. Les mécènes aristocratiques acquéraient fréquemment ces volumes, investissant considérablement dans leurs illustrations élaborées. Jean Pucelle s'impose comme l'un des créateurs les plus renommés de ces œuvres ; ses *Heures de Jeanne d'Évreux* ont été commandées par le roi Charles IV comme cadeau pour la reine Jeanne d'Évreux. Les traits caractéristiques du style gothique français évidents dans ces manuscrits comprennent des bordures de pages ornées, faisant écho aux conceptions architecturales contemporaines, ainsi que des figures allongées et méticuleusement rendues. De plus, l'incorporation d'indices spatiaux, tels que des composants architecturaux et des éléments naturels comme les arbres et les nuages, représente l'approche gothique française de l'éclairage.

À partir du milieu du XIVe siècle, les blockbooks, contenant à la fois des textes et des images produits par gravure sur bois, sont devenus économiquement accessibles aux curés de paroisse, en particulier aux Pays-Bas, où leur popularité était la plus prononcée. À la fin du siècle, les livres imprimés illustrés, à thème principalement religieux, devinrent rapidement accessibles au sein de la classe moyenne aisée. Parallèlement, des gravures de haute qualité réalisées par des artistes tels qu'Israhel van Meckenem et Maître E. S. sont également devenues disponibles. Le XVe siècle a été témoin de la prolifération de gravures bon marché, principalement des gravures sur bois, qui permettaient même aux paysans de posséder des images de dévotion chez eux. Ces images rudimentaires, souvent grossièrement colorées, occupant le niveau le plus bas du marché, ont été distribuées en grandes quantités mais sont aujourd'hui extrêmement rares, en grande partie à cause de leur pratique courante consistant à les apposer sur les murs.

Peinture de retable et de panneaux

L'adoption généralisée de la peinture à l'huile sur toile a émergé aux XVe et XVIe siècles, devenant une caractéristique déterminante de l'art de la Renaissance. En Europe du Nord, l'école de peinture hollandaise importante et innovante, bien que de style fondamentalement gothique, est également considérée comme faisant partie intégrante de la Renaissance du Nord. Cette classification reconnaît le décalage temporel considérable avant que la résurgence italienne de l’intérêt classique n’influence de manière significative les régions du nord. Des artistes tels que Robert Campin et Jan van Eyck ont ​​utilisé magistralement les techniques de la peinture à l'huile pour produire des compositions méticuleusement détaillées, présentant une perspective précise. Leurs œuvres fusionnaient un réalisme apparent avec un symbolisme complexe, qui émanait précisément des détails réalistes accrus qu'ils pouvaient désormais incorporer, même dans des pièces plus petites. La première peinture néerlandaise, originaire des centres urbains les plus prospères d'Europe du Nord, intégrait ainsi un nouveau réalisme minutieux à l'huile avec des allusions théologiques nuancées et complexes, véhiculées à travers les environnements très détaillés de leurs récits religieux. Des exemples illustratifs incluent le Retable de Mérode de Robert Campin (années 1420) et l'Annonciation Washington Van Eyck de Jan van Eyck ou la Madone du chancelier Rolin (tous deux années 1430). Pour les clients aisés, les petites peintures sur panneaux, y compris les polyptyques à l'huile, gagnèrent de plus en plus en popularité, représentant fréquemment des portraits de donateurs qui, bien que souvent beaucoup plus petits, accompagnaient des représentations de la Vierge ou des saints. Ces œuvres d'art étaient généralement exposées dans des résidences privées.

Sculpture

Sculpture monumentale

La période gothique se caractérise principalement par ses innovations architecturales, et ses limites chronologiques ne correspondent pas précisément à l'évolution stylistique de la sculpture. Les façades des structures ecclésiastiques importantes, en particulier autour de leurs portails, ont continué à présenter de vastes tympans, complétés par de vastes tableaux de figures sculptées ornant les zones environnantes.

La statuaire du portail occidental (royal) de la cathédrale de Chartres (c. 1145) présente une extension en colonnes élégante mais prononcée. En revanche, les figures du portail sud du transept, datant de 1215 à 1220, démontrent une esthétique plus naturaliste, une séparation croissante du mur de soutènement et une reconnaissance émergente de la tradition classique. Ces trajectoires stylistiques ont persisté quelques années plus tard dans le portail ouest de la cathédrale de Reims, où les personnages se rapprochent d'une forme entièrement tridimensionnelle, caractéristique qui s'est répandue à mesure que l'art gothique se diffusait dans toute l'Europe. La cathédrale de Bamberg abrite sans doute la plus vaste collection de sculptures du XIIIe siècle, culminant en 1240 avec le Cavalier de Bamberg, qui représente la première statue équestre grandeur nature de l'art occidental depuis le VIe siècle.

Comme l'a observé John Pope-Hennessy, "En Italie, l'Évangile du gothique était prêché depuis les chaires et non depuis les tympans, et l'unité de pensée du sculpteur était une œuvre autonome et cohérente. de l'art". Nicola Pisano (actif de 1258 à 1278) et son fils Giovanni ont été les pionniers d'un style fréquemment appelé Proto-Renaissance. Ce style présentait des influences évidentes des sarcophages romains et présentait des arrangements complexes et densément composés, y compris une représentation sensible de la nudité. Ces caractéristiques sont évidentes dans les panneaux en relief en marbre de la chaire de Nicolas dans le baptistère de Pise (signés en 1260), de leur chaire collaborative pour la cathédrale de Sienne (1265-1268), de la Fontana Maggiore à Pérouse et de la chaire de Giovanni à Pistoia, achevée en 1301.

La période gothique internationale, vers 1400, voit une nouvelle résurgence de l'esthétique classique, particulièrement évidente dans les œuvres de Claus Sluter et de ses disciples en Bourgogne et en Flandre. L'Europe du Nord a conservé des traditions sculpturales du gothique tardif, caractérisées par une prédilection pour les retables monumentaux en bois finement sculptés présentant de nombreuses figures dynamiques et expressives. Les créations ultérieures, en particulier celles fabriquées à partir de tilleul dans les régions du Rhin supérieur et de la Bavière du sud de l'Allemagne par les vastes ateliers de Tilman Riemenschneider ou Veit Stoss, manquaient souvent de décoration polychromatique. Ce style artistique a persisté jusqu'au XVIe siècle, intégrant progressivement des éléments de la Renaissance italienne, une proportion importante des pièces existantes restant dans leur cadre d'origine, malgré une destruction iconoclaste généralisée dans d'autres régions.

Les effigies funéraires grandeur nature, façonnées en pierre ou en albâtre, ont gagné en importance parmi les clients aisés, conduisant au développement de sépulcres élaborés à plusieurs niveaux, tels que les tombeaux Scaliger à Vérone, qui étaient d'une ampleur si considérable qu'ils ont nécessité un déménagement à l'extérieur. la structure ecclésiastique. Au XVe siècle, une industrie spécialisée a émergé, exportant des reliefs d'autel en albâtre de Nottingham, généralement disposés en groupes de panneaux, dans une grande partie de l'Europe pour répondre aux besoins des paroisses les plus contraintes financièrement et incapables de commander des retables en pierre.

Formes sculpturales portables

La production de sculptures à petite échelle, s'adressant principalement à une clientèle laïque et souvent féminine, s'est développée pour devenir une industrie importante à Paris et dans d'autres centres urbains importants. Les objets en ivoire englobaient diverses formes, notamment de petits polyptyques de dévotion, des figures individuelles (en particulier de la Vierge Marie), des miroirs, des peignes et des cercueils finement ornés représentant des scènes de romans, souvent présentés comme cadeaux de fiançailles. Les extrêmement riches ont amassé des objets en ferronnerie opulents, ornés de bijoux et émaillés, englobant des objets à la fois profanes et religieux, comme le reliquaire de la Sainte Épine du duc de Berry. Cependant, ces trésors étaient souvent ensuite fondus pour obtenir une valeur monétaire pendant les périodes d'exigence financière.

Les sculptures gothiques, distinctes des ornements architecturaux, servaient principalement d'objets de dévotion pour les résidences privées ou d'offrandes aux institutions ecclésiastiques locales. Néanmoins, des reliefs plus petits fabriqués à partir d'ivoire, d'os et de bois englobaient des thèmes à la fois religieux et profanes, adaptés à la fois aux environnements religieux et domestiques. Les artisans urbains ont réalisé ces sculptures, la Vierge Marie, solitaire ou accompagnée de l'Enfant Jésus, constituant le sujet prédominant de petites statuettes tridimensionnelles. Paris était la principale plaque tournante des ateliers d'ivoire, diffusant leurs produits dans une grande partie de l'Europe du Nord, même si l'Italie maintenait également une production importante. Un exemple notable de ces sculptures autonomes réside dans les collections de l'église abbatiale de Saint-Denis : la Vierge à l'Enfant en vermeil, datée de 1339, représente Marie enveloppée dans un manteau fluide, berçant un enfant Christ. La nature sans fioritures du manteau et la représentation juvénile de l'enfant anticipent les tendances stylistiques observées dans d'autres sculptures d'Europe du Nord du XIVe et du début du XVe siècle. Cette tradition sculpturale démontre une évolution d'une esthétique rigide et allongée précédente, conservant partiellement les caractéristiques romanes, vers une sensibilité plus spatiale et naturaliste à la fin du XIIe et au début du XIIIe siècle. D'autres thèmes sculpturaux gothiques français incorporaient des figures et des récits dérivés de la littérature populaire contemporaine. L'iconographie tirée de la poésie des troubadours jouissait d'une faveur particulière parmi les artisans produisant des miroirs et des petites boîtes, vraisemblablement destinés aux mécènes féminins. Le Coffret avec des scènes de romances (Walters 71264), datant de 1330 à 1350, représente un spécimen exceptionnellement grand, abritant plusieurs scènes d'origines littéraires diverses.

Les souvenirs de pèlerinage, notamment des insignes bon marché en argile ou en plomb, des médailles et des ampoules imprimées d'images, ont également acquis une grande popularité. L'homologue laïc, l'insigne de livrée, signifiait l'allégeance ou l'affiliation féodale et politique, étant finalement perçu comme une menace sociétale en Angleterre à l'époque de la féodalité bâtarde. Des versions plus économiques étaient parfois distribuées gratuitement, comme en témoignent les 13 000 insignes en futaine représentant l'emblème du sanglier blanc du roi Richard III d'Angleterre, commandés en 1483 pour l'investiture de son fils Édouard comme prince de Galles - une quantité remarquablement importante par rapport à la population contemporaine. En revanche, le Dunstable Swan Jewel, une pièce entièrement tridimensionnelle fabriquée en or émaillé, représente une variante beaucoup plus exclusive, probablement accordée à une personne jouissant d'une intimité ou d'une importance considérable pour le bienfaiteur.

• Lettre noire (également connue sous le nom de écriture gothique)
• Fresques d'église en Suède
• Architecture gothique
• Histoire de la peinture
• Pleurants
• Les dix vierges
• Peinture occidentale

Remarques

Bibliographie

• Calkins, Robert G. Monuments d'art médiéval. Dutton, 1979. ISBN 0525475613.
• Cerise, John. Le reliquaire de la Sainte Épine. British Museum Press (Objets du British Museum en vedette), 2010. ISBN 0-7141-2820-1.
• Cerise, John. Dans Marks, Richard et Williamson, Paul, éd. Gothique : l'art pour l'Angleterre 1400-1547. V&A Publications, Londres, 2003. ISBN 1-85177-401-7.
• Focillon, Henri (1980). L'art de l'Occident au Moyen Âge : Vol. 2 - Gothique. Ithaca, New York : Cornell University Press. ISBN 978-0801491924.Histoire de l'art 33 (2010) : 568-595.
• Rudolph, Conrad. "Inventer le vitrail exégétique : Suger, Hugh et un nouvel art d'élite." Art Bulletin 93 (2011) : 399–422.
• Snyder, James. Art de la Renaissance du Nord. Harry N. Abrams, 1985. ISBN 0136235964.

• Art gothique, d'ArtCyclopedia.com
• Art gothique (archivé le 31/10/2009), de Microsoft Encarta.
• Art gothique, Museumsportal Schleswig-Holstein
• « Gothique : Art pour l’Angleterre 1400-1547. » Musée Victoria et Albert. Archivé de l'original le 7 mars 2012. Récupéré le 8 juin 2007.
• "Gothique : l'art pour l'Angleterre 1400-1547". Musée Victoria et Albert. Archivé de l'original du 7 mars 2012. Consulté le 8 juin 2007.Source : Archives de l'Académie TORIma