Impressionism

L'impressionnisme était un mouvement artistique du XIXe siècle caractérisé par un travail au pinceau distinctif, des structures de composition illimitées, une concentration sur la représentation précise des qualités passagères de la lumière (soulignant fréquemment les décalages temporels), des sujets banals, des perspectives non conventionnelles et l'intégration du mouvement comme aspect fondamental de la perception humaine et de l'expérience vécue. Le mouvement est né d'un collectif d'artistes parisiens qui se sont fait connaître grâce à leurs expositions indépendantes dans les années 1870 et 1880.

L'impressionnisme était un mouvement artistique du XIXe siècle caractérisé par des coups de pinceau visibles, une composition ouverte, l'accent mis sur une représentation précise de la lumière dans ses qualités changeantes (accentuant souvent les effets du passage du temps), un sujet ordinaire, des angles visuels inhabituels et l'inclusion du mouvement comme élément crucial de la perception et de l'expérience humaine. L'impressionnisme est né d'un groupe d'artistes basés à Paris dont les expositions indépendantes les ont fait connaître au cours des années 1870 et 1880.

Les impressionnistes ont fait face à une résistance importante de la part des institutions artistiques françaises établies. La nomenclature du mouvement provient du tableau de Claude Monet, Impression, soleil levant (Impression, lever de soleil), qui a incité le critique Louis Leroy à inventer le terme dans une critique dérisoire de la Première Exposition impressionniste de 1874, publiée dans la revue parisienne Le Charivari. Par la suite, le mouvement des arts visuels de l'impressionnisme a inspiré des développements stylistiques parallèles dans d'autres domaines artistiques, notamment la musique et la littérature impressionnistes.

Vue d'ensemble

Considérés comme des iconoclastes à leur époque, les premiers impressionnistes ont remis en question les conventions établies de l'art académique. Ils ont donné la priorité aux couleurs appliquées librement plutôt qu'aux lignes et contours définis dans leurs compositions, s'inspirant d'artistes comme Eugène Delacroix et J. M. W. Turner. De plus, ils représentaient des scènes quotidiennes dans des environnements naturels, exécutant fréquemment ces œuvres à l'extérieur pour capturer des perceptions instantanées.

Historiquement, les productions artistiques, notamment les paysages, les natures mortes et les portraits, étaient généralement exécutées en studio, mettant l'accent sur une vraisemblance méticuleuse. Les artistes impressionnistes ont découvert que travailler en plein air, ou en plein air, leur permettait de restituer les qualités éphémères et éphémères de la lumière naturelle. Leur approche s'est concentrée sur des impressions visuelles complètes plutôt que sur des détails infimes. Ils ont utilisé des coups de pinceau « cassés » courts et distincts, utilisant à la fois des pigments mélangés et non mélangés – une rupture avec le mélange et l'ombrage doux habituels – pour générer une intensité chromatique vibrante.

La montée de l'impressionnisme en France a coïncidé avec celle d'autres artistes, tels que l'Italien Macchiaioli et Winslow Homer aux États-Unis, qui étudiaient également la peinture plein-air. Néanmoins, les impressionnistes ont innové dans des techniques distinctes, caractéristiques de leur mouvement. Préconisé par ses partisans comme une nouvelle approche perceptuelle, l'impressionnisme incarne une forme d'art caractérisée par l'immédiateté, le dynamisme, les poses et les arrangements spontanés, et l'application lumineuse et diversifiée de la couleur pour décrire l'interaction de la lumière. En 1876, le poète et critique Stéphane Mallarmé a exprimé sa vision du style naissant : « Le sujet représenté, constitué par une confluence de lumières réfléchies et en perpétuel mouvement, ne peut pas être présumé maintenir une apparence constante mais palpite plutôt de mouvement, d'éclairage et de vitalité. » la communauté artistique établie. En mettant l'accent sur la reproduction de la sensation visuelle ressentie par l'observateur, plutôt que sur le détail méticuleux du sujet, et en étant pionnier dans un large éventail de techniques et de formes, l'impressionnisme a servi de précurseur fondamental aux mouvements artistiques ultérieurs tels que le post-impressionnisme, le fauvisme et le cubisme.

Le mouvement artistique impressionniste

La première exposition impressionniste, 1874

Au milieu du XIXe siècle, période marquée par une industrialisation rapide et de profonds changements sociétaux en France, notamment la reconstruction de Paris et les campagnes militaires par l'empereur Napoléon III, l'Académie des Beaux-Arts a exercé un contrôle important sur la production artistique française. L'Académie fonctionnait comme la gardienne des normes conventionnelles de la peinture française, dictant à la fois le sujet et l'approche esthétique. Alors que les sujets historiques, les récits religieux et les portraits étaient très appréciés, les genres de paysages et de natures mortes étaient moins reconnus. L'Académie privilégiait les œuvres d'art méticuleusement rendues qui transmettaient le réalisme après une inspection minutieuse. Les œuvres d'art adhérant à cette esthétique présentaient des coups de pinceau précis, méticuleusement mélangés pour obscurcir la technique individuelle de l'artiste. Les palettes de couleurs étaient généralement atténuées et souvent atténuées davantage par l'application d'un vernis doré substantiel.

L'Académie a organisé une exposition d'art annuelle avec jury, le Salon de Paris, où les artistes exposants ont obtenu une reconnaissance grâce à des prix, des commandes et une réputation professionnelle accrue. Les critères du jury reflétaient les principes esthétiques de l'Académie, illustrés par les œuvres d'artistes comme Jean-Léon Gérôme et Alexandre Cabanel. Ces artistes ont utilisé un large éventail de techniques et de conventions, ancrées dans les traditions de la peinture occidentale depuis la Renaissance, notamment la perspective linéaire et les représentations figuratives dérivées de l'art grec classique, pour créer des représentations idéalisées d'un monde harmonieusement structuré. Cependant, dans les années 1850, certains artistes, notamment le peintre réaliste Gustave Courbet, commencèrent à attirer l'attention du public et la désapprobation critique en décrivant la vie contemporaine sans adhérer à l'idéalisation prescrite par l'Académie.

Au début des années 1860, quatre peintres naissants - Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley et Frédéric Bazille - firent connaissance tout en entreprenant des études avec l'artiste académique Charles. Gleyre. Ils ont trouvé un terrain d’entente dans leur préférence pour la représentation de paysages et de l’existence contemporaine plutôt que de sujets historiques ou mythologiques traditionnels. Adoptant une méthodologie qui avait gagné en popularité au milieu du siècle, initialement défendue par des artistes tels que le peintre anglais John Constable, ils se rendaient fréquemment dans les zones rurales pour exécuter des peintures en plein air. Leur objectif s'écartait de la pratique conventionnelle consistant à créer des esquisses préliminaires pour un affinement ultérieur en studio ; au lieu de cela, ils visaient à finaliser leurs œuvres entièrement à l'extérieur.

En rendant des scènes directement de la nature sous la lumière naturelle et en employant les pigments synthétiques vibrants introduits plus tôt dans le siècle, ces artistes ont cultivé un style de peinture distinctement plus léger et plus lumineux. Cette approche représentait une évolution au-delà du réalisme défendu par Courbet et l'école de Barbizon. Le Café Guerbois de l'avenue de Clichy à Paris était un lieu de rassemblement fréquent pour ces artistes, où Édouard Manet, très estimé par la jeune génération, guidait souvent leurs échanges intellectuels. Par la suite, Camille Pissarro, Paul Cézanne et Armand Guillaumin s'affilieront également au groupe.

Tout au long des années 1860, le jury du Salon a systématiquement refusé environ cinquante pour cent des soumissions de Monet et de ses associés, donnant la priorité aux œuvres d'art qui adhéraient à l'esthétique officiellement sanctionnée. En 1863, Le déjeuner sur l'herbe de Manet fut notamment rejeté par le jury du Salon, principalement en raison de sa représentation d'une femme nue aux côtés de deux hommes habillés dans un cadre de pique-nique. Bien que le jury du Salon ait généralement approuvé les nus dans des contextes historiques et allégoriques, il a critiqué Manet pour avoir présenté une figure nue réaliste dans un tableau contemporain. La condamnation ferme du tableau de Manet par le jury a provoqué l'indignation de ses partisans, et le volume exceptionnellement élevé d'œuvres rejetées cette année-là a provoqué une inquiétude considérable au sein de la communauté artistique française.

Après l'examen par l'empereur Napoléon III des soumissions rejetées en 1863, il a publié un décret autorisant l'évaluation publique des œuvres d'art, conduisant à la création du Salon des Refusés (Salon des Refusés). Malgré une part importante de visiteurs initialement venus pour le plaisir, le Salon des Refusés a réussi à souligner l'émergence d'une nouvelle direction artistique et a recueilli une plus grande fréquentation que le Salon officiel.

Les demandes ultérieures d'artistes pour des Salons des Refusés supplémentaires en 1867 et 1872 ont échoué. Ainsi, en décembre 1873, Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Cézanne, Berthe Morisot, Edgar Degas et plusieurs autres artistes créent la Société anonyme des artistes peintres, sculpteurs, graveurs, etc. pour présenter de manière indépendante leurs créations. L'adhésion à cette association imposait l'abstention de participation au Salon officiel. Les organisateurs ont invité divers autres artistes progressistes pour leur exposition inaugurale, notamment l'aîné Eugène Boudin, dont la pratique artistique avait auparavant inspiré Monet à adopter la peinture en plein air. Cependant, Johan Jongkind, un autre peintre qui a considérablement influencé Monet et son entourage, a choisi de ne pas participer, décision également prise par Édouard Manet. Finalement, trente artistes contribuèrent à leur première exposition, qui eut lieu en avril 1874 dans l'atelier du photographe Nadar.

Réception critique de l'impressionnisme

La réception critique initiale a été variée. Monet et Cézanne, en particulier, ont fait l'objet de vives critiques. Louis Leroy, critique et humoriste, publie une critique cinglante dans le journal Le Charivari, où il invente le terme par lequel les artistes se feront connaître, tirant un jeu de mots du titre de Impression, lever de soleil (Impression, soleil levant). Son article, intitulé par dérision "L'Exposition des impressionnistes", affirmait que la peinture de Monet n'était qu'une esquisse et pouvait difficilement être considérée comme une œuvre d'art complète.

Sa critique était présentée comme un dialogue entre observateurs, avec les remarques suivantes :

"Impression, j'en étais certain. Je me disais juste que, puisque j'étais impressionné, il devait y avoir une impression dedans... et quelle liberté, quelle facilité de réalisation ! Le papier peint à l'état embryonnaire est plus fini que ce paysage marin."

La désignation Impressionniste a rapidement été acceptée par le public. Malgré leur diversité stylistique et capricieuse, les artistes eux-mêmes ont adopté le terme, principalement unis par leur philosophie commune d’indépendance et de rébellion. Entre 1874 et 1886, le groupe organise huit expositions communes, malgré les fluctuations du nombre de membres. Caractérisé par des coups de pinceau lâches et spontanés, le style impressionniste est rapidement devenu emblématique de l’existence moderne. Monet, Sisley, Morisot et Pissarro sont souvent considérés comme les représentants « les plus purs » de l'impressionnisme, poursuivant constamment une esthétique centrée sur la spontanéité, la lumière et l'expression chromatique. À l’inverse, Degas a largement désavoué ces principes, privilégiant le dessin à la couleur et dénigrant la peinture en plein air. Renoir s'est temporairement éloigné de l'impressionnisme au cours des années 1980, sans jamais revenir pleinement sur ses principes fondateurs. Édouard Manet, bien qu'il soit considéré comme un leader par les impressionnistes, a maintenu son utilisation caractéristique du noir comme couleur (une pratique généralement évitée par les impressionnistes, qui privilégiaient les teintes mixtes pour les tons plus sombres) et n'a jamais participé à leurs expositions collectives. Il soumit constamment son art au Salon, où son œuvre Chanteur espagnol avait obtenu une médaille de seconde classe en 1861, et encouragea ses pairs à emboîter le pas, affirmant que « le Salon est le véritable champ de bataille » pour établir la renommée artistique.

Le noyau dur des artistes a progressivement diminué. Bazille, par exemple, périt dans la guerre franco-prussienne en 1870. D'autres défections s'ensuivirent lorsque Cézanne, rejoint par la suite par Renoir, Sisley et Monet, se retirèrent des expositions collectives pour soumettre leurs œuvres de manière indépendante au Salon. Des conflits internes ont éclaté concernant des questions telles que l'inclusion de Guillaumin dans le groupe, une adhésion préconisée par Pissarro et Cézanne mais combattue par Monet et Degas, qui le jugeaient indigne. En 1879, Degas a invité Mary Cassatt à exposer son art, mais il a également insisté de manière controversée pour incorporer Jean-François Raffaëlli, Ludovic Lepic et d'autres réalistes dont les styles divergeaient des principes impressionnistes, incitant Monet en 1880 à critiquer les impressionnistes pour « ouvrir les portes aux premiers arrivés ».

Par conséquent, la septième exposition impressionniste de Paris en 1882 s'est avérée être la plus exclusif, présentant des œuvres de seulement neuf artistes considérés comme de « vrais » impressionnistes : Gustave Caillebotte, Paul Gauguin, Armand Guillaumin, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley et Victor Vignon. Par la suite, le groupe connut une nouvelle fragmentation concernant les invitations adressées à Paul Signac et Georges Seurat à participer à la huitième exposition impressionniste en 1886. Pissarro fut notamment le seul artiste à exposer dans les huit expositions impressionnistes parisiennes.

Réception commerciale

Alors que les expositions impressionnistes produisaient des rendements financiers limités pour les artistes individuels, leurs œuvres gagnèrent progressivement l'acceptation et le mécénat du public. Paul Durand-Ruel, leur marchand d'art, a joué un rôle déterminant dans le maintien de la visibilité publique et de l'accessibilité des œuvres impressionnistes pour le public français. Il organise également des expositions pour les impressionnistes parisiens à Londres et à New York. Malgré la mort de Sisley dans la pauvreté en 1899, Renoir obtint un succès significatif au Salon de 1879. Monet atteignit la stabilité financière au début des années 1880, un statut atteint par Pissarro au début des années 1890. Parallèlement, des formes diluées de techniques de peinture impressionnistes étaient devenues répandues dans l'art de salon.

Interprétations de l'impressionnisme du XXe siècle

L'impressionnisme, un mouvement artistique important du XIXe siècle, a été confronté à des perspectives changeantes au début du XXe siècle en ce qui concerne l'exposition publique de ses œuvres artistiques. Françoise Cachin a plaidé pour contextualiser l'impressionnisme à travers l'agencement stratégique d'objets historiques, suggérant ainsi un récit de progression artistique. À l'été 1945, René Huyghe et Georges Salles défendirent l'impressionnisme comme un art typiquement français, exposant les œuvres de ses artistes centraux aux côtés de celles des maîtres historiques français. Cette approche curatoriale a établi une lignée esthétique directe, reliant les écoles d’art françaises au récit historique plus large de la nation française. Ils ont reconnu que les Alliés attendaient, après la Seconde Guerre mondiale, une philosophie post-nationaliste et humaniste. Au-delà de l’éducation du public sur l’histoire de l’art français, les œuvres impressionnistes n’étaient mises en évidence que si elles étaient considérées comme des chefs-d’œuvre adaptés à l’enseignement. La bourgeoisie française, favorable au réalisme direct, a constaté que les principaux artistes impressionnistes n'ont jamais affirmé que leurs œuvres transmettaient un jugement intellectuel ou moral. Par conséquent, l’impressionnisme, comme d’autres formes d’art du début du XIXe siècle, fut souvent relégué au statut de créations épiques à grande échelle destinées au Salon ou aux expositions d’État. Parallèlement, le conservateur Jean Cassou a été chargé d'acquérir des œuvres d'art pour peupler le nouveau Musée National d'Art Moderne.

Techniques artistiques impressionnistes

Plusieurs peintres français ont jeté les bases de l'impressionnisme, notamment le coloriste romantique Eugène Delacroix, le principal réaliste Gustave Courbet et les artistes de l'école de Barbizon comme Théodore Rousseau. Les impressionnistes se sont largement inspirés des œuvres de Johan Barthold Jongkind, Jean-Baptiste-Camille Corot et Eugène Boudin. Ces précurseurs peignaient directement d'après nature avec un style spontané qui anticipait l'impressionnisme, et ils ont également encadré et conseillé la jeune génération d'artistes.

Le style distinctif et innovant des impressionnistes a été façonné par un ensemble de techniques et de pratiques artistiques identifiables. Même si ces méthodes avaient déjà été employées par des artistes – et sont notamment évidentes dans les œuvres de personnalités telles que Frans Hals, Diego Velázquez, Peter Paul Rubens, John Constable et J. M. W. Turner : les impressionnistes ont été les pionniers de leur application complète et cohérente. Les techniques clés incluent :

• Les artistes ont utilisé des traits de peinture courts et épais pour transmettre rapidement l'essence du sujet, en privilégiant l'impression générale plutôt que les détails complexes. La peinture était fréquemment appliquée selon la technique de l'empâtement.
• Les couleurs ont été juxtaposées avec un mélange minimal, une méthode qui exploite le principe du contraste simultané pour améliorer le dynamisme des teintes perçu par l'observateur.
• Les gris et les tons plus foncés ont été obtenus grâce au mélange de couleurs complémentaires. L'impressionnisme pur évitait généralement l'utilisation de peinture noire.
• L'application mouillé sur mouillé, où les couches de peinture suivantes sont appliquées avant que les précédentes ne sèchent, permet d'obtenir des bords plus doux et un mélange harmonieux de couleurs.
• Les œuvres impressionnistes n'utilisaient généralement pas la transparence de fines pellicules de peinture, ou glacis, que les artistes précédents manipulaient méticuleusement pour obtenir des effets spécifiques. La surface d'une peinture impressionniste est typiquement opaque.
• La peinture était appliquée sur un fond blanc ou de couleur claire, ce qui s'écarte des fonds gris foncé ou de couleur intense fréquemment utilisés par les peintres antérieurs.
• L'accent a été mis sur l'interaction de la lumière naturelle, avec une observation méticuleuse des reflets de couleur entre les objets. Les artistes peignaient fréquemment le soir pour capturer les effets de soir : les qualités d'ombre distinctives du crépuscule ou du crépuscule.
• Pour les peintures exécutées en plein air (en extérieur), les ombres ont été rendues avec audace en utilisant le bleu réfléchi du ciel sur les surfaces, conférant une sensation de fraîcheur sans précédent à l'œuvre. Cette technique s'est notamment inspirée de l'observation des ombres bleues projetées sur la neige.

Les progrès technologiques ont considérablement influencé l'évolution du style impressionniste. Les impressionnistes ont capitalisé sur l’innovation du milieu du XIXe siècle consistant en des peintures prémélangées conditionnées dans des tubes en étain, semblables aux tubes de dentifrice contemporains. Cette innovation a facilité une plus grande spontanéité pour les artistes, leur permettant de travailler aussi bien à l'extérieur qu'à l'intérieur avec une plus grande facilité. Avant cela, les peintres préparaient laborieusement leurs propres peintures en broyant des poudres de pigments secs et en les mélangeant avec de l'huile de lin, puis en stockant ces mélanges dans des vessies d'animaux.

Le 19ème siècle a marqué l'introduction commerciale de nombreux pigments synthétiques vibrants auprès des artistes. Avant l’émergence de l’impressionnisme, dans les années 1840, les artistes utilisaient déjà des couleurs telles que le bleu cobalt, le viridien, le jaune de cadmium et le bleu outremer synthétique. Les peintres impressionnistes ont ensuite exploité ces pigments, ainsi que des teintes encore plus récentes comme le bleu céruléen, devenu disponible dans le commerce dans les années 1860, pour obtenir leur style distinctif et audacieux.

Le développement d'un style de peinture plus brillant parmi les impressionnistes s'est progressivement développé. Dans les années 1860, des artistes tels que Monet et Renoir employaient occasionnellement des toiles apprêtées avec des fonds classiques rouge-brun ou gris. Cependant, dans les années 1870, Monet, Renoir et Pissarro optaient généralement pour des fonds gris ou beiges plus clairs, qui servaient de ton intermédiaire dans l'œuvre achevée. Dans les années 1880, une préférence pour les fonds blancs ou blanc cassé est apparue chez certains impressionnistes, diminuant ainsi l'influence de la couleur de fond sur la composition finale.

Contenu thématique et approches compositionnelles

En réponse à l'avènement de la modernité, les artistes impressionnistes ont étudié un large éventail de sujets non académiques, englobant les loisirs de la classe moyenne et des motifs urbains tels que les gares, les cafés, les bordels, les théâtres et les salles de danse. Leur inspiration s'est étendue aux avenues parisiennes nouvellement agrandies, flanquées de grands immeubles contemporains, qui offraient de nombreuses possibilités de représenter des foules animées, des divertissements publics et un éclairage nocturne artificiel dans des environnements clos.

Par exemple, la rue Paris de Caillebotte ; Rainy Day (1877) illustre une sensibilité moderne en mettant en valeur l'isolement individuel au sein de l'architecture et des espaces urbains expansifs. De plus, dans leurs représentations de paysages, les impressionnistes incorporaient volontiers les usines en plein essor qui parsèment le paysage rural. En revanche, les artistes paysagistes précédents omettaient généralement les cheminées et autres marqueurs industriels, les considérant comme préjudiciables à l'harmonie naturelle et impropres à la représentation artistique.

Avant le mouvement impressionniste, des artistes comme le peintre hollandais du XVIIe siècle Jan Steen se concentraient également sur des sujets quotidiens, mais leurs approches compositionnelles restaient conventionnelles. Ces premiers artistes ont structuré leurs compositions pour garantir que le sujet principal domine le regard du spectateur. Bien qu'il s'agisse d'un artiste de l'époque romantique, le travail de J. M. W. Turner préfigurait des éléments stylistiques impressionnistes. À l’inverse, les impressionnistes brouillent la distinction entre le premier plan et l’arrière-plan, créant souvent un effet proche d’un instantané spontané, capturant un segment d’une réalité plus large comme par hasard. La popularité croissante de la photographie, associée à la portabilité accrue des appareils photo, a conduit à des représentations photographiques plus franches. Cette évolution photographique a incité les impressionnistes à représenter des moments éphémères, évidents non seulement dans la lumière éphémère des paysages mais aussi dans les activités quotidiennes des individus.

L'émergence de l'impressionnisme peut être en partie comprise comme une réponse artistique au défi perçu posé par la photographie, qui semblait diminuer la valeur de la capacité d'un artiste à reproduire la réalité. Par conséquent, les portraits et les paysages étaient considérés comme quelque peu inadéquats et moins véridiques, étant donné que la photographie « produisait des images réalistes de manière beaucoup plus efficace et fiable ».

Néanmoins, paradoxalement, la photographie a stimulé les artistes à explorer des voies alternatives d'expression créative. Au lieu de rivaliser avec la photographie pour imiter la réalité, les artistes se sont concentrés « sur la seule chose qu'ils pouvaient inévitablement faire mieux que la photographie : en développant davantage en une forme d'art sa subjectivité même dans la conception de l'image, la subjectivité même que la photographie a éliminée ». Les impressionnistes visaient à transmettre leurs perceptions subjectives de la nature, plutôt que de produire des reproductions précises. Cette approche permet aux artistes de rendre subjectivement leurs observations, guidés par leurs « impératifs tacites de goût et de conscience ». La photographie a également incité les peintres à exploiter des éléments inhérents au médium pictural, comme la couleur, qui manquaient à la photographie à l’époque. En effet, "Les impressionnistes furent les premiers à proposer consciemment une alternative subjective à la photographie".

Les estampes d'art japonaises ukiyo-e, un phénomène connu sous le nom de japonisme, ont constitué une autre influence significative. Les principes esthétiques de ces estampes ont largement influencé les perspectives caractéristiques des «instantanés» et les structures de composition non conventionnelles qui prédominent dans l'impressionnisme. Le Jardin à Sainte-Adresse de Monet (1867), par exemple, illustre cette influence à travers ses blocs de couleurs saisissants et sa composition présentant une inclinaison diagonale prononcée, reflétant l'esthétique de l'estampe japonaise.

Edgar Degas était un photographe passionné et un connaisseur des estampes japonaises. Son œuvre The Dance Class (La classe de danse), créée en 1874, démontre ces deux influences à travers sa structure compositionnelle asymétrique. Les danseurs semblent être capturés par surprise dans une gamme de postures non conventionnelles, ce qui crée un vide important dans le quadrant inférieur droit de la surface au sol. De plus, il a rendu ses danseurs de manière sculpturale, comme en témoigne la Petite Danseuse de quatorze ans.

Femme impressionnistes

Les impressionnistes, avec différents degrés d'importance, cherchaient à représenter des phénomènes perceptuels et des thèmes modernes. Les femmes impressionnistes partageaient ces aspirations artistiques mais étaient confrontées à de nombreuses contraintes sociétales et professionnelles contrairement à leurs homologues masculins. Ils étaient notamment absents des représentations du milieu social bourgeois, notamment des boulevards, des cafés et des salles de danse.

Au-delà de leur exclusion d'images spécifiques, les femmes ont également été exclues des discussions cruciales qui se déroulaient dans de tels lieux. Ces rassemblements ont servi de forums cruciaux permettant aux impressionnistes masculins de développer et de diffuser leurs concepts artistiques. Dans les cercles universitaires, les femmes étaient perçues comme incapables d'aborder des thèmes complexes, ce qui a incité les instructeurs à limiter la portée des programmes d'études destinés à leurs étudiantes. De plus, l'excellence artistique était considérée comme non féminine, car les principales aptitudes des femmes étaient alors largement considérées comme résidant dans les rôles domestiques et maternels.

Néanmoins, plusieurs femmes ont été reconnues au cours de leur vie, bien que leur carrière ait été influencée par des circonstances personnelles ; par exemple, le mari de Marie Bracquemond était mécontent de ses activités artistiques, ce qui l'a finalement amenée à abandonner la peinture. Les quatre figures les plus marquantes – Mary Cassatt, Eva Gonzalès, Marie Bracquemond et Berthe Morisot – sont, et ont été historiquement, fréquemment désignées comme les « Femmes impressionnistes ». Leur implication dans les huit expositions impressionnistes organisées à Paris entre 1874 et 1886 est différente : Morisot expose dans sept, Cassatt dans quatre, Bracquemond dans trois, tandis que Gonzalès n'y participe pas.

Les critiques contemporains ont souvent regroupé ces quatre artistes collectivement, sans tenir compte de leurs styles, techniques ou préoccupations thématiques individuels. Les critiques de leurs expositions cherchaient fréquemment à saluer les capacités des artistes féminines, tout en les confinant dans une conceptualisation restrictive de la féminité. Plaidant pour la congruence de la technique impressionniste avec les modes de perception féminins, la critique parisienne S.C. de Soissons a expliqué :

On peut comprendre que les femmes n'ont aucune originalité de pensée, et que la littérature et la musique n'ont aucun caractère féminin ; mais sûrement les femmes savent observer, et ce qu'elles voient est tout différent de ce que voient les hommes, et l'art qu'elles mettent dans leurs gestes, dans leur toilette, dans la décoration de leur environnement suffit à donner l'idée d'un instinct, d'un génie particulier qui réside en chacune d'elles.

Bien que l'impressionnisme ait validé la vie sociale domestique comme un sujet légitime, une sphère avec laquelle les femmes possédaient une familiarité intime, il avait en même temps tendance à les confiner à ce domaine thématique. Les expositions mettaient en évidence des représentations de modèles fréquemment identifiables dans des environnements domestiques, un genre qui pourrait obtenir des commandes. Les sujets représentés étaient souvent des femmes en interaction avec leur environnement, soit par leur regard, soit par leurs actions. Cassatt, notamment, a fait preuve d'une approche délibérée du placement des sujets : elle a protégé ses figures à prédominance féminine de l'objectivation et de la représentation stéréotypée ; lorsqu'ils ne sont pas occupés à lire, on les montre en train de converser, de coudre ou de boire du thé ; lorsqu'elles sont inactives, elles semblent absorbées dans la contemplation.

Les femmes impressionnistes, semblables à leurs pairs masculins, recherchaient la « vérité » à travers de nouvelles approches perceptuelles et des méthodologies de peinture innovantes ; chaque artiste cultive un style pictural distinctif. Les femmes impressionnistes, en particulier Morisot et Cassatt, ont montré une conscience de la dynamique de pouvoir entre les femmes et les objets au sein de leurs compositions : les femmes bourgeoises représentées ne sont pas simplement définies par des éléments décoratifs ; au contraire, ils s’engagent et affirment leur capacité d’agir sur leur environnement domestique. De nombreux parallèles existent dans leurs représentations de femmes, qui apparaissent à la fois confortables et subtilement contraintes. La Box à l'Opéra italien de Gonzalès illustre une femme regardant au loin, apparemment à l'aise dans un cadre social mais limitée par la loge de l'opéra et la figure masculine adjacente. La Jeune fille à la fenêtre de Cassatt, bien que sa palette soit plus lumineuse, transmet également un sentiment d'enfermement, avec la silhouette contrainte par le bord de la toile alors qu'elle observe l'extérieur.

Malgré leurs réalisations professionnelles et la caractérisation de l'impressionnisme comme étant intrinsèquement féminin - en raison de sa sensualité perçue, de sa dépendance à la sensation, au physique et à la fluidité - les quatre artistes féminines de premier plan, aux côtés d'autres femmes impressionnistes moins reconnues, ont été largement exclues des récits d'histoire de l'art concernant les artistes impressionnistes. Cette omission a persisté jusqu'à la publication des Femmes impressionnistes de Tamar Garb en 1986. Par exemple, l'œuvre de Jean Leymarie de 1955, Impressionnisme, ne contenait aucune information sur les femmes peintres impressionnistes.

Le peintre Androniqi Zengo Antoniu est conjointement reconnu pour avoir introduit l'impressionnisme en Albanie.

Imminents impressionnistes

Les principales figures qui ont contribué au développement de l'impressionnisme en France sont classées ci-dessous par ordre alphabétique :

• Frédéric Bazille (1841-1870), dont la participation aux expositions impressionnistes a eu lieu à titre posthume.
• Gustave Caillebotte (1848-1894), qui, étant plus jeune que ses contemporains, rejoignit le groupe au milieu des années 1870.
• Mary Cassatt (1844-1926), une artiste d'origine américaine qui a résidé à Paris et a exposé dans quatre expositions impressionnistes.
• Paul Cézanne (1839-1906), qui s'est ensuite éloigné du mouvement impressionniste.
• Edgar Degas (1834-1917), qui a exprimé son mépris pour l'appellation impressionniste.
• Armand Guillaumin (1841-1927).
• Édouard Manet (1832-1883), qui n'a participé à aucune des expositions impressionnistes.
• Claude Monet (1840-1926), reconnu comme le plus prolifique des impressionnistes et l'artiste qui incarnait le plus clairement leurs principes esthétiques.
• Berthe Morisot (1841-1895), qui a participé à toutes les expositions impressionnistes à l'exception de celle de 1879.
• Camille Pissarro (1830-1903), connu pour être le seul artiste à avoir exposé dans les huit expositions impressionnistes.
• Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), qui a exposé dans des expositions impressionnistes en 1874, 1876, 1877 et 1882.
• Alfred Sisley (1839-1899).

Chronologie de la vie des artistes impressionnistes

Galerie

Associés et artistes influencés

Parmi les proches collaborateurs des impressionnistes, Victor Vignon est le seul artiste en dehors du noyau des noms éminents à participer à la septième exposition exclusive des impressionnistes de Paris en 1882. Cette exposition particulière représentait un rejet délibéré des expositions précédentes, moins restrictives, principalement organisées par Degas. Vignon, originaire de l'école Corot, entretenait une amitié avec Camille Pissarro, dont l'influence est perceptible dans le style impressionniste de Vignon après la fin des années 1870, et était également un ami du postimpressionniste Vincent van Gogh.

Plusieurs autres proches collaborateurs des impressionnistes ont adopté leurs méthodologies à des degrés divers. Il s'agit notamment de Jean-Louis Forain, qui expose dans des expositions impressionnistes en 1879, 1880, 1881 et 1886, et de Giuseppe De Nittis, un artiste italien résidant à Paris. De Nittis a participé à l'exposition inaugurale des impressionnistes sur invitation de Degas, malgré d'autres impressionnistes exprimant leur désapprobation de son travail. Federico Zandomeneghi, autre ami italien de Degas, expose également avec les impressionnistes. Eva Gonzalès, une adepte de Manet, n'a pas exposé avec le groupe.

James Abbott McNeill Whistler, peintre d'origine américaine, a contribué à l'impressionnisme, bien qu'il n'ait pas officiellement rejoint le groupe et ait privilégié les palettes de couleurs sourdes. Walter Sickert, un artiste anglais, a d'abord suivi Whistler avant de devenir un disciple important de Degas. Il n'a pas exposé avec les impressionnistes. En 1904, l'artiste et écrivain Wynford Dewhurst est l'auteur de la première étude substantielle sur les peintres français publiée en anglais, La peinture impressionniste : sa genèse et son développement, qui a contribué de manière significative à la popularisation de l'impressionnisme en Grande-Bretagne.

Au début des années 1880, les techniques impressionnistes ont commencé à influencer, au moins superficiellement, l'art exposé au Salon. Des peintres à la mode tels que Jean Béraud et Henri Gervex ont obtenu un succès critique et financier en égayant leurs palettes tout en préservant la finition lisse caractéristique de l'art de Salon. Les œuvres de ces artistes sont parfois classées de manière informelle dans la catégorie impressionnisme, malgré leur divergence considérable avec les pratiques impressionnistes fondamentales.

L'impact des impressionnistes français s'est étendu longtemps après la disparition de la plupart des membres originaux. Des artistes comme J.D. Kirszenbaum ont continué à incorporer des techniques impressionnistes tout au long du XXe siècle.

Au-delà de la France

À mesure que l'influence de l'impressionnisme s'étendait au-delà de la France, de nombreux artistes, trop nombreux pour être énumérés de manière exhaustive, ont été identifiés comme praticiens de ce style en évolution. Certains des exemples les plus notables incluent :

• Les impressionnistes américains de premier plan comprenaient Mary Cassatt, William Merritt Chase, Frederick Carl Frieseke, Childe Hassam, Willard Metcalf, Lilla Cabot Perry, Theodore Robinson, Edmund Charles Tarbell, John Henry Twachtman, Catherine Wiley et J. Alden Weir.
• Les impressionnistes australiens comprenaient des artistes tels que Tom Roberts, Arthur Streeton, Walter Withers, Charles Conder, Frederick McCubbin et E. Phillips Fox, tous des membres notables de l'école de Heidelberg, aux côtés de John Russell, qui entretenait des amitiés avec Van Gogh, Rodin, Monet et Matisse.
• Aux Pays-Bas, les impressionnistes d'Amsterdam comprenaient George Hendrik Breitner, Isaac Israëls, Willem Bastiaan Tholen, Willem de Zwart, Willem Witsen, Marie Henry Mackenzie et Jan Toorop.
• Le mouvement impressionniste californien comprenait des artistes tels que William Wendt, Guy Rose, Alson Clark, Donna N. Schuster et Sam Hyde Harris.
• Les peintres impressionnistes belges comprenaient Anna Boch, Eugène Boch (un ami de Vincent van Gogh), Georges Lemmen et Théo van Rysselberghe.
• Les impressionnistes slovènes, dont Ivan Grohar, Rihard Jakopič, Matija Jama et Matej Sternen, sont originaires de l'école d'Anton Ažbe à Munich et ont été fortement influencés par Jurij Šubic et Ivana Kobilca, peintres slovènes actifs à Paris.
• Wynford Dewhurst, Walter Richard Sickert et Philip Wilson Steer étaient des peintres impressionnistes notables du Royaume-Uni. De plus, Pierre Adolphe Valette, un artiste d'origine française qui a travaillé à Manchester, a été le tuteur de L. S. Lowry.
• Les impressionnistes allemands comprenaient Max Liebermann, Lovis Corinth, Ernst Oppler, Max Slevogt et August von Brandis.
• En Hongrie, László Mednyánszky et Pál Szinyei-Merse étaient d'éminents impressionnistes.
• Theodor von Ehrmanns et Hugo Charlemont représentaient une présence impressionniste moins courante parmi les peintres sécessionnistes à prédominance viennoise en Autriche.
• Les impressionnistes irlandais comprenaient William John Leech, Roderic O'Conor et Walter Osborne.
• En Russie, Konstantin Korovin et Valentin Serov étaient des artistes impressionnistes notables.
• Francisco Oller y Cestero, originaire de Porto Rico, était connu pour ses amitiés avec Pissarro et Cézanne.
• James Nairn était un artiste impressionniste néo-zélandais.
• William McTaggart était un impressionniste écossais.
• Les artistes canadiens Maurice Cullen, Laura Muntz Lyall et Helen McNicoll étaient associés à l'impressionnisme.
• Władysław Podkowiński était un artiste polonais reconnu pour ses œuvres impressionnistes et symbolistes.
• Nicolae Grigorescu était un peintre impressionniste en Roumanie.
• On attribue à Nazmi Ziya Güran l'introduction de l'impressionnisme en Turquie.
• Chafik Charobim était un artiste impressionniste égyptien.
• Eliseu Visconti était un impressionniste brésilien.
• En Espagne, Joaquín Sorolla et Fermín Arango étaient des impressionnistes notables.
• Les impressionnistes argentins comprenaient Faustino Brughetti, Fernando Fader, Candido Lopez, Martín Malharro, Walter de Navazio et Ramón Silva.
• Les peintres de Skagen constituaient un groupe d'artistes scandinaves qui travaillaient dans un petit village de pêcheurs danois.
• Les impressionnistes serbes comprenaient Nadežda Petrović, Milo Milunović, Kosta Miličević, Milan Milovanović et Mališa Glišić.
• Ásgrímur Jónsson était un artiste impressionniste islandais.
• Fujishima Takeji était un peintre impressionniste au Japon.
• Frits Thaulow était un artiste impressionniste actif en Norvège puis en France.

L'impressionnisme a étendu son influence à divers autres médias artistiques.

Sculpture

Bien qu'Edgar Degas ait été principalement reconnu comme peintre de son vivant, il s'est aventuré dans la sculpture dans les années 1880, produisant environ 150 œuvres. Il privilégie la cire comme support pour sa malléabilité, ce qui facilite les altérations, les redémarrages et une exploration plus approfondie du processus de modelage. Une seule de ses sculptures, Petite danseuse de quatorze ans, a été exposée publiquement au cours de sa vie, apparaissant à la sixième exposition impressionniste en 1881. Cette pièce, Petite danseuse, a suscité un débat critique considérable ; certains y voient un défi révolutionnaire aux conventions sculpturales, semblable à l'impact de l'impressionnisme sur la peinture, tandis que d'autres le jugent esthétiquement désagréable. Après la mort de Degas en 1917, sa succession a autorisé la création de moulages en bronze à partir de 73 de ses œuvres sculpturales.

Le sculpteur Auguste Rodin est parfois classé parmi les impressionnistes en raison de sa technique consistant à utiliser des surfaces grossièrement modelées pour évoquer des effets de lumière éphémères. Medardo Rosso, un autre sculpteur, a également été décrit comme un impressionniste.

Certains artistes russes ont produit des sculptures animalières impressionnistes, dans le but de s'écarter des conventions artistiques traditionnelles. Ces œuvres se caractérisent par l'attribution de nouvelles qualités spirituelles aux oiseaux et à d'autres créatures.

Photographie et cinéma

Edgar Degas, bien que principalement reconnu pour ses peintures et sculptures, s'est également engagé dans la photographie au cours de sa vie. Ses œuvres photographiques n'ont été ni exposées de son vivant ni largement reconnues à titre posthume ; l'intérêt des chercheurs pour eux ne s'est matérialisé qu'à la fin du 20e siècle.

Les photographes associés au pictorialisme, un mouvement défini par son utilisation du flou artistique et des effets atmosphériques, ont également été classés dans la catégorie des impressionnistes. Ces photographes ont utilisé diverses méthodes, notamment la défocalisation délibérée des sujets, l'utilisation de lentilles à focale douce ou à sténopé et la manipulation du processus de gomme bichromate, pour générer des images évocatrices de peintures impressionnistes.

Le « cinéma impressionniste français » désigne un mouvement cinématographique vaguement défini englobant des films et des cinéastes en France, principalement actifs de 1919 à 1929, bien que la portée chronologique exacte reste un sujet de discussion scientifique. Parmi les cinéastes impressionnistes français de premier plan figurent Abel Gance, Jean Epstein, Germaine Dulac, Marcel L'Herbier, Louis Delluc et Dmitry Kirsanoff.

Musique

L'impressionnisme musical fait référence à un mouvement au sein de la musique classique européenne qui a émergé à la fin du 19e siècle et s'est étendu jusqu'au milieu du 20e siècle. Originaire de France, ce style se caractérise par l'accent mis sur la suggestion et l'atmosphère, évitant délibérément l'émotivité manifeste qui prévalait à l'époque romantique. Les compositeurs impressionnistes préféraient souvent des formes plus courtes, telles que le nocturne, l'arabesque et le prélude, et incorporaient souvent des gammes non conventionnelles, y compris la gamme de tons entière. Parmi leurs innovations les plus significatives figurent l'introduction des accords de septième majeure et l'expansion des structures d'accords tertiaires pour englober les harmonies à cinq et six voix.

L'influence précise de l'impressionnisme visuel sur son homologue musical reste un sujet de discussion scientifique. Claude Debussy et Maurice Ravel sont généralement reconnus comme les compositeurs impressionnistes les plus éminents ; cependant, Debussy lui-même a répudié le terme, le considérant comme une invention critique. Erik Satie était également classé dans ce mouvement, même si sa méthodologie de composition était souvent perçue comme moins sérieuse, tendant davantage vers la nouveauté musicale.

Paul Dukas, un autre compositeur français, est parfois classé comme impressionniste, mais son approche stylistique peut être plus précisément associée au romantisme tardif. En revanche, les compositions de Lili Boulanger présentent clairement des sonorités debussiennes et sont également considérées comme impressionnistes. Au-delà de ses origines françaises, l'impressionnisme musical s'étend aux œuvres de compositeurs tels que Ottorino Respighi (Italie), Ralph Vaughan Williams, Cyril Scott et John Ireland (Angleterre), Alexander Scriabin (Russie), Manuel De Falla et Isaac Albeniz (Espagne) et Charles Griffes (Amérique).

La musique impressionniste américaine présente des caractéristiques distinctes de la musique impressionniste européenne, ces différences étant notamment articulées dans l'œuvre de Charles Tomlinson Griffes. "Poème pour flûte et orchestre." Griffes est également reconnu comme le compositeur impressionniste le plus prolifique des États-Unis.

Littérature

Le terme « impressionnisme » a également été étendu aux œuvres littéraires caractérisées par la transmission d'impressions sensorielles d'un incident ou d'une scène à travers une sélection de détails saillants. La littérature impressionniste présente une relation étroite avec le symbolisme, avec des figures marquantes telles que Baudelaire, Mallarmé, Rimbaud et Verlaine. Des auteurs tels que Virginia Woolf, D.H. Lawrence, Henry James et Joseph Conrad ont composé des œuvres impressionnistes dans leur méthode de description, plutôt que d'interprétation, des impressions, des sensations et des émotions qui constituent l'expérience interne d'un personnage. Certains spécialistes de la littérature, notamment John G. Peters, proposent que l'impressionnisme littéraire soit défini plus précisément par son orientation philosophique que par un prétendu lien avec la peinture impressionniste.

Post-Impressionnisme

Au cours des années 1880, plusieurs artistes, dont Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Georges Seurat et Henri de Toulouse-Lautrec, ont commencé à articuler des principes distincts pour l'application de la couleur, du motif, de la forme et de la ligne, en s'inspirant des pratiques impressionnistes. Ces artistes, légèrement plus jeunes que les impressionnistes, ont développé une œuvre appelée par la suite post-impressionnisme. Les artistes postimpressionnistes ont consciemment réagi contre la préoccupation des impressionnistes pour la reproduction réaliste des sensations optiques de lumière et de couleur, se tournant plutôt vers le contenu symbolique et l'expression manifeste de l'émotion.

Le postimpressionnisme a anticipé les caractéristiques déterminantes du futurisme et du cubisme, reflétant ainsi un changement significatif dans les perspectives sociétales européennes sur l'art. Plusieurs artistes impressionnistes fondateurs ont également exploré ces domaines artistiques émergents ; par exemple, Camille Pissarro a brièvement adopté une technique pointilliste, et Claude Monet a finalement dépassé la rigoureuse peinture plein air. Paul Cézanne, participant aux premières et troisièmes expositions impressionnistes, a cultivé une perspective artistique distinctive qui donnait la priorité à la structure picturale, ce qui lui a valu d'être fréquemment classé comme postimpressionniste. Bien que de tels exemples mettent en évidence les défis inhérents à l'attribution catégorielle, l'œuvre des premiers peintres impressionnistes reste, par définition, dans la classification impressionniste.

L'école de peinture cantonaise, qui présentait des influences de l'impressionnisme.

• École de peinture cantonaise, influencée par l'impressionnisme
• La trajectoire historique de la peinture.
• Les XX
• Le luminisme, en ce qui concerne les principes impressionnistes.
• Divisions chronologiques au sein de l'histoire de l'art occidental.

Remarques

Citations

Œuvres citées

Manifestations contemporaines de l'impressionnisme au sein du médium photographique.

• L'impressionnisme contemporain en photographie
• Musée Hecht
• Les impressionnistes français (1860-1900)
• Les impressionnistes français (1860-1900) au Projet Gutenberg
• Musée sportif du Schleswig-Holstein
• Impressionnisme : une exposition du centenaire, présentée au Metropolitan Museum of Art du 12 décembre 1974 au 10 février 1975
• Suburban Pastoral, publié dans The Guardian le 24 février 2007.
• Définition de l'impressionnisme.
• Impressionnisme : peintures collectées par les musées européens (1999) constituait une exposition d'art organisée en collaboration par le High Museum of Art d'Atlanta, le Seattle Art Museum et le Denver Art Museum, qui a tourné de mai à décembre 1999.
• Les années de Monet à Giverny : au-delà de l'impressionnisme, un catalogue d'exposition de 1978 du Metropolitan Museum of Art, qui examine la contribution de Monet à ce mouvement artistique.
• Degas : The Artist's Mind, un catalogue d'exposition de 1976 du Metropolitan Museum of Art, qui analyse l'implication de Degas dans ce mouvement artistique.
• L'exposition "Paris 1874 : inventer l'impressionnisme" s'est tenue au musée d'Orsay du 26 mars au 14 juillet 2024.
• L'exposition "Paris 1874 : le moment impressionniste" est prévue à la National Gallery of Art du 8 septembre 2024 au 19 janvier 2025.