gothique international désigne une phase de l'art gothique originaire de Bourgogne, de France et du nord de l'Italie à la fin du XIVe et au début du XVe siècle. Par la suite, sa large diffusion dans toute l'Europe occidentale a conduit à sa désignation, terme inventé par l'historien de l'art français Louis Courajod à la fin du XIXe siècle.
La circulation généralisée des concepts artistiques et des œuvres d'art portables, en particulier des manuscrits enluminés, à travers l'Europe a favorisé une convergence stylistique entre les artistes et les mécènes, réduisant ainsi considérablement les variations régionales. Les principales influences émanaient du nord de la France, du duché de Bourgogne, des Flandres, du Brabant, de la cour impériale de Prague et de l'Italie. Les unions dynastiques, illustrées par le mariage de Richard II d'Angleterre et d'Anne de Bohême, ont facilité la diffusion de ce courant artistique.
Initialement caractérisé par un raffinement courtois, des interprétations plus robustes se sont ensuite étendues aux œuvres d'art commandées par les classes marchandes en plein essor et la petite noblesse. En Europe du Nord, les manifestations du « gothique tardif » de ce style, en particulier dans leurs aspects ornementaux, ont persisté jusqu'au début du XVIe siècle, en raison de l'absence d'un lexique décoratif alternatif localisé avant la résurgence du classicisme à la Renaissance.
L'application de cette terminologie parmi les historiens de l'art présente des variations, certains chercheurs employant le terme de manière plus étroite que d'autres. Certains historiens de l'art affirment que le terme est "à bien des égards... peu utile... car il tend à contourner à la fois les différences et les détails de la transmission".
Développement
Une itération bohème significative du style a émergé à la cour de Charles IV, empereur du Saint-Empire romain germanique, à Prague, qui a brièvement servi de centre pivot pour l'avancement de l'art européen. Charles, membre de la dynastie luxembourgeoise, reçut la tutelle du futur pape Clément VI et, durant sa jeunesse, résida sept ans à la cour de France, en plus d'entreprendre deux visites en Italie. Ces expériences et liens familiaux ont établi des liens étroits avec diverses cours françaises, englobant la papauté d'Avignon et, à partir de 1363, le duché distinct de Valois de Bourgogne sous Philippe le Téméraire. Initialement, le style bohème se distinguait des autres centres en ne présentant pas de figures allongées ; cependant, sa représentation de figures féminines d’une richesse et d’une douceur remarquables s’est avérée très influente. Charles possédait au moins un retable italien, apparemment fabriqué en Italie et ensuite transporté à Prague, où il se trouve actuellement dans son important château de Karlštejn. Pour la construction de la cathédrale Saint-Guy de Prague, il fit d'abord appel à un architecte français, puis à l'allemand Peter Parler.
Une partie substantielle de l'évolution du style s'est produite en Italie ; sa diffusion vers le nord à travers les Alpes en France s'est probablement produite en partie via la communauté d'artistes italiens associés à la cour papale d'Avignon et grâce aux œuvres d'art exposées depuis cette résidence dans les années 1330 et 1340 par Simone Martini, un précurseur siennois du style. La Sienne républicaine a influencé de manière significative le développement du style, tout en conservant son esthétique gothique digne et distinctive tout au long et au-delà de cette époque, tandis que l'opulente cour Visconti de Milan, qui entretenait également des liens étroits avec la famille royale française, est devenue la principale plaque tournante italienne du style courtois. À l'inverse, à mesure que le style progressait en Europe du Nord, les artistes italiens absorbèrent par la suite ses influences.
Le mariage en 1384 entre le jeune roi Richard II d'Angleterre et Anne de Bohême, fille de Charles IV, facilita un lien culturel entre Prague et Londres, introduisant ainsi le style en Angleterre, malgré le décès d'Anne en 1394.
Portraits royaux
Plusieurs œuvres phares du corpus gothique international comprennent des portraits votifs représentant des monarques aux côtés de figures sacrées, illustrant parfois leur réception au ciel, comme en témoigne une miniature représentant Jean, duc de Berry, et ses proches accueillis par saint Pierre dans les Très Riches Heures du Duc de Berry. Cette époque produit également les premiers portraits de monarques sur panneaux existants, et les manuscrits royaux de cette époque présentent une incidence considérablement élevée de représentations réalistes de leurs monarques commanditaires.
Enquête
Architecture
Dans le domaine de l'architecture, où ce style a démontré une longévité considérable, ses manifestations régionales sont fréquemment identifiées comme l'architecture perpendiculaire en Angleterre, le Sondergotik en Allemagne et en Europe centrale, le gothique flamboyant en France, et par la suite, le manuélin au Portugal et l'isabelle en Espagne.
Peinture et sculpture
En peinture et en sculpture, ce mouvement artistique est parfois désigné par ses désignations allemandes, « Schöne Stil » ou « Weicher Stil », qui se traduisent par « Beau style » ou « Style doux ». Ses caractéristiques déterminantes incluent une élégance raffinée, qui a remplacé la monumentalité antérieure, complétée par des palettes décoratives opulentes, des formes humaines allongées et des lignes sinueuses. Le style démontre également une application plus sophistiquée de la perspective, de la modélisation et de la composition environnementale. Les personnages se sont vu accorder de plus en plus une plus grande intégration spatiale dans leur décor, parallèlement à un intérêt croissant pour la représentation véridique de la flore et de la faune. Certaines œuvres notamment, notamment les célèbres illustrations de calendrier des Très Riches Heures du Duc de Berry, exposent les étapes naissantes de la peinture paysagère authentique. À mesure que le style évoluait en Europe du Nord, l'ornementation devenait de plus en plus élaborée, tandis qu'en Italie, le raffinement accru de la représentation figurative était assimilé à la tradition picturale naissante du début de la Renaissance.
Des sculpteurs italiens éminents maintenaient largement une affinité pour le classicisme, se montrant moins sensibles à ce courant artistique ; Lorenzo Ghiberti, tout en partageant plusieurs points communs stylistiques, a simultanément fait preuve d'une première infusion du classicisme de la Renaissance. Claus Sluter, le plus grand sculpteur de Bourgogne, a exploité ce style de manière unique pour obtenir un puissant impact monumental. L'identité de la plupart des sculpteurs de cette période reste inconnue et le style a généralement persisté plus longtemps dans la sculpture d'Europe du Nord que dans la peinture, principalement parce que le réalisme complexe caractéristique de la première peinture hollandaise s'est avéré difficile à restituer de manière sculpturale. Les petites figures en bois peintes, représentant fréquemment la Madone, revêtaient une importance considérable et, en raison de leur portabilité, ont probablement facilité la large diffusion de ce style dans toute l'Europe.
Les peintres distingués associés à cette période incluent Maître Théodoric et le Maître du retable de Třeboň en Bohême ; le Maître du Parement, Jacquemart de Hesdin, et les frères flamands flamands en France ; et Gentile da Fabriano, Lorenzo Monaco et Pisanello en Italie, Pisanello reliant notamment le style au début de la Renaissance. En Bourgogne, des artistes tels que Jean Malouel, Melchior Broederlam et Henri Bellechose ont été remplacés par Robert Campin et Jan van Eyck, qui ont propulsé la peinture néerlandaise primitive vers un illusionnisme accru. Maître Bertram et Conrad von Soest sont devenus d'éminents maîtres régionaux en Allemagne, au service principalement de la clientèle urbaine. Les peintures sur panneaux de haute qualité antérieures à 1390 sont extrêmement rares, à quelques exceptions notables près qu'on ne trouve qu'en Italie et à la cour de Prague. Beaucoup de ces artistes ont entrepris de nombreux voyages entre pays ou régions tout au long de leur carrière, facilitant ainsi leur exposition à divers centres artistiques. Plus précisément, Broederlam a résidé en Italie pendant plusieurs années, et des conjectures scientifiques suggèrent que le Maître du Parement pourrait avoir été bohème, étant donné le nombre limité de ses œuvres françaises documentées et leur profonde affinité stylistique avec l'art bohème.
Les manuscrits enluminés ont continué à servir de vecteurs cruciaux pour le style, avec des œuvres telles que le Missel de Sherborne représentant la principale contribution de l'Angleterre, aux côtés des créations de vitraux de John Thornton à York Minster et de Thomas Glazier à Oxford et ailleurs. Les sculptures en albâtre de Nottingham, produites en masse par des ateliers selon des conceptions standardisées, ont été largement exportées dans toute l'Europe occidentale vers des églises paroissiales soucieuses des coûts. Les Heures de Gian Galeazzo Visconti de Milan constituent une œuvre charnière, tout comme la Bible de Venceslas (avec texte allemand), commandée par le fils de Charles IV. Ces deux manuscrits, apparentés au Missel Sherborne, se distinguent par leurs bordures richement ornées. Jean, duc de Berry, fils et frère de monarques français, fut le plus prodigieux mécène des manuscrits, servant de principal employeur aux frères du Limbourg, au maître des initiales de Bruxelles et à Jacquemart de Hesdin, en plus d'engager de nombreux autres artistes. Parmi les autres collectionneurs importants figuraient Venceslas, fils de Charles IV ; Jean de Lancastre, 1er duc de Bedford, fils d'Henri IV d'Angleterre et « régent » de la France occupée par les Anglais ; et les ducs de Bourgogne. Au cours du XVe siècle, les villes flamandes, en particulier Bruges, ont dépassé Paris en tant que centres prééminents pour l'enluminure de manuscrits et la peinture sur panneaux.
Tapisserie
Les centres de tissage de tapisseries d'Arras, Tournai et Paris ont contribué de manière significative à la diffusion du style gothique international, malgré la perturbation de la production de tapisserie causée par l'occupation anglaise de 1418 à 1436. Le mécénat soutenu des ducs de Bourgogne a favorisé une esthétique gothique internationale courtoise caractérisée par des figures allongées, des détails de costumes élaborés et des compositions densément peuplées disposées en gradins. Ce style s'inspire des enlumineurs de manuscrits et directement des peintres ; par exemple, Baudouin de Bailleul, un artiste basé à Arras, a fourni des cartons pour des ateliers de tapisserie à Arras et à Tournai, ce qui rend difficile la différenciation des éléments stylistiques locaux (Weigert, p. 44). Les Chasses de Chatsworth, conservées au Victoria and Albert Museum, tirent leur inspiration thématique du traité de Gaston de Foix sur la chasse et de nombreux récits romantiques contemporains illustrant les cycles de la guerre de Troie.
La tapisserie était également une forme d'art hautement transportable. Des ensembles complets de tapisseries pouvaient accompagner leurs nobles propriétaires dans leurs déplacements entre différents châteaux non chauffés et non meublés. Si les tisserands de tapisseries sont parfois persuadés de délocaliser leurs ateliers, leurs opérations restent dépendantes de la disponibilité de la laine anglaise. Au sein de cette forme d'art à prédominance laïque, les thèmes religieux et profanes rivalisaient pour l'importance.
Les tentures peintes représentent un médium du gothique tardif qui est souvent négligé en raison de sa disparition quasi totale. Ces tentures constituaient une alternative plus économique aux tapisseries tissées et pouvaient être produites rapidement avec un contenu thématique approprié.
Le Zénith du Mouvement
De 1390 à 1420 environ, une cohérence stylistique remarquable a émergé parmi les œuvres d'art créées dans des régions géographiquement disparates d'Europe. Les exemples d'Europe du Nord incluent les miniatures des Très Riches Heures des frères Limbourg, tandis qu'en Italie, l'Adoration des Mages de Lorenzo Monaco, ainsi que des sculptures et des miniatures de diverses nations, exposent des figures allongées et très stylisées, représentant souvent des hommes plus âgés avec de longues barbes imposantes et des postures gracieuses et ondulantes. Les personnages des scènes bibliques sont fréquemment représentés portant des vêtements exotiques, vaguement inspirés des vêtements contemporains du Moyen-Orient ou byzantins ; en effet, de nombreuses figures semblent être incluses principalement pour mettre en valeur ces costumes élaborés. La population au sein de nombreuses scènes religieuses conventionnelles s'est considérablement accrue ; par exemple, les mages sont accompagnés d'une suite nombreuse et la Crucifixion se transforme souvent en un spectacle densément peuplé. Cette innovation particulière a persisté au-delà de la durée de vie du style lui-même.
Le déclin de la période gothique internationale
La présentation de l'Adoration des Mages de Gentile da Fabriano à Florence en 1423, considérée comme « l'œuvre culminante de la peinture gothique internationale », fut rapidement suivie par les fresques de Masolino et Masaccio dans la chapelle Brancacci (1424-1426), reconnues comme pionnières d'un nouveau style artistique. De même, au magnum opus des frères Limbourg, les Très Riches Heures du Duc de Berry, succède en quelques années les Heures Turin-Milan. Ce dernier manuscrit, continuation d'un travail initié des décennies plus tôt par le Maître Parement pour le duc de Berry, introduisit un style de peinture nettement différent, tout en conservant un cadre structurel gothique.
Néanmoins, au-delà de Florence et des principales cours, le style gothique international a maintenu son importance, évoluant progressivement dans des directions qui divergeaient encore considérablement entre l'Italie et l'Europe du Nord. Par la suite, les arts et l'architecture sont passés au début de la Renaissance.
Galerie
Art gothique international en Italie
- L'art gothique international en Italie
- Madone de Nesvačily
Remarques
Références
- Levey, Michael. Peinture à la Cour. Weidenfeld & Nicolson, Londres, 1971.
- Hyman, Timothée. Peinture siennoise. Tamise et amp; Hudson, 2003. ISBN 0-500-20372-5.
- Marks, Richard et Nigel Morgan. L'âge d'or de la peinture manuscrite anglaise, 1200-1400. Chatto et amp; Windus, 1981. ISBN 0-7011-2540-3.
- Syson, Luke et Dillian Gordon. "Pisanello, Peintre de la Cour de la Renaissance." National Gallery Company, Londres, 2001. ISBN 1-85709-946-X.
- Thomas, Marcel. L'âge d'or : la peinture manuscrite au temps de Jean, duc de Berry. Chatto et amp; Windus, 1979. ISBN 0-7011-2472-5.
Boehm, Barbara Drake ; et coll. (2005). Prague : La couronne de Bohême, 1347-1437. New York : Le Metropolitan Museum of Art. ISBN1588391612.
- Boehm, Barbara Drake ; et coll. (2005). Prague : la couronne de Bohême, 1347-1437. New York : Le Metropolitan Museum of Art. ISBN 1588391612.Exposition métropolitaine : Prague, La couronne de Bohême, 1347-1437
- Exposition métropolitaine Prague, La couronne de Bohême, 1347-1437