Japonisme est un terme français désignant l'attrait généralisé et l'impact artistique de l'art et du design japonais parmi divers artistes d'Europe occidentale au XIXe siècle, à la suite du réengagement forcé du Japon dans le commerce international en 1858. Le concept de japonisme a été initialement formulé en 1872 par le critique d'art et collectionneur français Philippe Burty.
Bien que ses manifestations aient sans doute été les plus importantes dans les arts visuels, son influence imprégné l'architecture, l'aménagement paysager, l'horticulture et la mode. Les arts du spectacle ont également connu cet impact, avec Le Mikado de Gilbert et Sullivan comme une illustration notable.
Depuis les années 1860, l'ukiyo-e, un genre de gravures sur bois japonaises, est devenu une source d'inspiration importante pour de nombreux artistes occidentaux. Ces tirages ont été initialement produits pour le marché commercial intérieur du Japon. Alors que certaines estampes avaient déjà atteint l'Occident via les réseaux commerciaux néerlandais, la popularité européenne généralisée des estampes ukiyo-e ne s'est matérialisée que dans les années 1860. Les artistes occidentaux étaient particulièrement captivés par leur application innovante de couleurs et leurs structures de composition distinctives. Les traits caractéristiques des estampes ukiyo-e comprenaient des raccourcis prononcés et des arrangements asymétriques.
Les arts décoratifs japonais, englobant la céramique, les émaux, la ferronnerie et la laque, ont exercé en Occident une influence comparable à celle de ses arts graphiques. Tout au long de l’ère Meiji (1868-1912), la poterie japonaise s’est exportée à l’échelle mondiale. S'appuyant sur un riche héritage de fabrication d'armes de samouraï, les métallurgistes japonais ont développé une vaste palette de couleurs grâce à des techniques sophistiquées d'alliage et de finition des métaux. La période de 1890 à 1910 a marqué « l’âge d’or » de l’émail cloisonné japonais, au cours duquel des progrès sans précédent dans la production ont été réalisés. Ces objets sont devenus très visibles dans toute l'Europe du XIXe siècle, exposés à des millions de personnes lors des expositions mondiales successives et ensuite acquis par des galeries et des détaillants haut de gamme. Les écrits contemporains de critiques, de collectionneurs et d’artistes expriment un enthousiasme considérable pour cette forme d’art émergente. D'éminents collectionneurs tels que Siegfried Bing et Christopher Dresser ont exposé et documenté ces créations. Par conséquent, les principes esthétiques et les éléments thématiques japonais ont été réinterprétés et intégrés dans les créations d'artistes et artisans occidentaux.
Historique
Isolement (1639-1858)
Pendant la majeure partie de la période Edo (1603-1867), le Japon a maintenu une politique d'isolement national, avec un seul port international restant opérationnel. Tokugawa Iemitsu a ordonné la construction de Dejima, une île artificielle située au large de Nagasaki, pour servir de point d'entrée exclusif au Japon pour les importations. Les Néerlandais étaient les seuls Occidentaux autorisés à faire du commerce avec le Japon ; néanmoins, cette interaction limitée a facilité la transmission des influences artistiques japonaises vers l’Occident. Chaque année, les flottes néerlandaises arrivaient au Japon chargées de produits occidentaux à échanger. Leur cargaison comprenait notamment de nombreux traités hollandais de peinture et diverses estampes hollandaises. Shiba Kōkan (1747-1818) faisait partie des artistes japonais qui s’intéressaient à ces matériaux importés. Kōkan a réalisé l'une des premières gravures du Japon, une technique qu'il a acquise grâce à un traité importé. Il a ensuite intégré la technique de la perspective linéaire, également dérivée d'un traité, dans ses peintures distinctives de style ukiyo-e.
Premières exportations
Au départ, les principales exportations du Japon étaient l'argent, interdit après 1668, et l'or, principalement sous forme de pièces ovales, interdites après 1763, suivis du cuivre sous forme de barres. Par la suite, les exportations japonaises ont diminué et se sont orientées vers des produits artisanaux, notamment des céramiques, des éventails, du papier, des meubles, des épées, des armures, des articles en nacre, des paravents et des laques, qui étaient tous déjà des produits d'exportation établis.
Même pendant la période d'isolement du Japon, les produits japonais étaient des articles de luxe très convoités par l'aristocratie européenne. La fabrication de porcelaine japonaise s'est considérablement développée au XVIIe siècle, suite à la relocalisation des potiers coréens dans la région de Kyushu. Ces immigrants, ainsi que leurs descendants et artisans japonais, ont découvert des gisements d'argile kaolin et ont initié la production de céramiques de qualité supérieure. Cette fusion de diverses traditions a donné naissance à une industrie japonaise unique, donnant naissance à des styles distinctifs comme les articles Imari et Kakiemon. Ces styles ont ensuite eu un impact sur les céramistes européens et chinois. Les exportations de porcelaine ont reçu un élan supplémentaire de la transition Ming-Qing, qui a perturbé la production de porcelaine chinoise à Jingdezhen pendant plusieurs décennies. Par conséquent, les potiers japonais ont répondu à la demande en produisant de la porcelaine adaptée aux préférences européennes. La porcelaine et les objets laqués sont devenus les principales exportations du Japon vers l'Europe. Alors qu’une méthode opulente de présentation de la porcelaine impliquait de consacrer une pièce entière dotée de vastes étagères à des pièces exotiques, l’acquisition de quelques objets devenait de plus en plus accessible à un segment plus large de la classe moyenne. Parmi les collectionneurs remarquables de laques japonaises figurent Marie-Antoinette et Marie-Thérèse, dont les collections sont fréquemment exposées au Louvre et au château de Versailles. L'émulation européenne des techniques de laque asiatiques est appelée Japanning.
Réouverture (19e siècle)
Pendant l'ère Kaei (1848-1854), après plus de deux siècles d'isolement, le Japon a commencé à recevoir la visite de navires marchands étrangers d'origines diverses. Après la restauration Meiji en 1868, le Japon a mis fin à son isolement national prolongé, ouvrant ses frontières aux importations occidentales telles que la photographie et les technologies d'impression. Cette accessibilité commerciale renouvelée a conduit à l’émergence d’art et d’objets japonais dans les boutiques de curiosités parisiennes et londoniennes. Le japonisme est né d'un enthousiasme généralisé pour la collection d'art japonais, en particulier les estampes ukiyo-e. Parmi les premiers exemples d'ukiyo-e ont été observés à Paris.
Parallèlement, les artistes européens cherchaient activement des alternatives aux méthodologies académiques rigides prévalant en Europe. Vers 1856, l'artiste français Félix Bracquemond découvre un exemplaire du carnet de croquis Hokusai Manga dans l'atelier d'imprimerie d'Auguste Delâtre. Les années qui suivirent cette découverte furent marquées par un regain d'intérêt pour les estampes japonaises. Ces estampes étaient vendues au détail dans des boutiques de curiosités, des entrepôts de thé et des établissements commerciaux plus étendus. Des détaillants comme La Porte Chinoise se sont concentrés sur la distribution de produits importés du Japon et de Chine. Notamment, La Porte Chinoise est devenue un pôle d'attraction pour des artistes tels que James Abbott McNeill Whistler, Édouard Manet et Edgar Degas, qui ont tiré leur inspiration artistique de ces estampes. Cet établissement, entre autres, accueillait des rassemblements favorisant la diffusion des connaissances sur les pratiques et techniques artistiques japonaises.
Artistes et Japonisme
Les estampes Ukiyo-e ont constitué une des principales influences japonaises sur l'expression artistique occidentale. Les artistes occidentaux ont trouvé leur inspiration dans l'utilisation distinctive de l'espace de composition, l'aplatissement planaire et les méthodologies abstraites appliquées à la couleur. Un accent prononcé sur les diagonales, l'asymétrie et l'espace négatif est perceptible dans les créations des artistes occidentaux qui ont adopté des éléments de cette esthétique.
Vincent van Gogh
La fascination de Vincent van Gogh pour les estampes japonaises a commencé lors de sa découverte des illustrations de Félix Régamey, publiées dans The Illustrated London News et Le Monde illustré. Régamey a produit des estampes sur bois, imitant les techniques japonaises, et a fréquemment représenté des vignettes de la vie quotidienne japonaise. Van Gogh considérait Régamey comme une référence faisant autorité pour comprendre les conventions artistiques japonaises et la vie quotidienne. À partir de 1885, Van Gogh passe de l’accumulation d’illustrations de magazines, notamment celles de Régamey, à l’acquisition de tirages ukiyo-e disponibles dans de modestes établissements parisiens. Il partagea ensuite ces estampes avec ses pairs artistes et organisa une exposition d'estampes japonaises à Paris en 1887.
Le Portrait du Père Tanguy de Van Gogh (1887) représente son marchand de peintures, Julien Tanguy. Van Gogh a réalisé deux itérations distinctes de ce portrait. Les deux versions intègrent des fonds ornés d'estampes japonaises réalisées par des artistes reconnus tels que Hiroshige et Kunisada. S'inspirant des gravures sur bois japonaises et de leurs couleurs vives, Van Gogh a intégré une intensité chromatique comparable dans sa production artistique. Il a imprégné le portrait de Tanguy de teintes brillantes, agissant avec la conviction que les clients avaient perdu tout intérêt pour les peintures hollandaises monochromes et que les œuvres d'art multicolores seraient perçues comme contemporaines et attrayantes.
Alfred Stevens
Alfred Stevens, un peintre belge, est devenu un collectionneur pionnier et un admirateur de l'art japonais à Paris. Les possessions de son atelier démontraient clairement son profond intérêt pour les objets de décoration et les meubles japonais et exotiques. Stevens entretient des relations étroites avec Manet et James McNeill Whistler, partageant avec eux cette fascination précoce. Un nombre important de ses contemporains ont développé un enthousiasme similaire, en particulier après l'Exposition internationale de 1862 à Londres et l'Exposition internationale de 1867 à Paris, événements qui ont marqué la première exposition publique de l'art et des artefacts japonais.
À partir du milieu des années 1860, le japonisme est devenu une partie intégrante de nombreuses peintures de Stevens. Parmi ses œuvres les plus renommées influencées par le japonisme figure La parisienne japonaise (1872). Il a réalisé plusieurs portraits représentant des jeunes femmes ornées de kimonos, et les motifs japonais sont évidents dans plusieurs de ses autres toiles. Les exemples incluent le premier La Dame en Rose (1866), qui juxtapose une femme élégamment vêtue dans un décor intérieur avec une représentation méticuleuse d'objets japonais, et La Psyché (1871), où des estampes japonaises sont exposées bien en évidence sur une chaise, signifiant son dévouement artistique.
Edgar Degas
Au cours des années 1860, Edgar Degas a commencé à acquérir des estampes japonaises auprès d'établissements tels que La Porte Chinoise et de diverses petites imprimeries parisiennes. Les activités de collecte simultanées de ses pairs lui ont fourni une vaste gamme de matériaux d'inspiration. Notamment, un exemplaire du Manga de Hokusai, que Bracquemond avait obtenu après l'avoir rencontré dans l'atelier de Delâtre, figurait parmi les estampes présentées à Degas. On estime que Degas a incorporé le japonisme dans ses gravures vers 1875, comme en témoigne sa stratégie de composition distinctive consistant à segmenter les scènes individuelles avec des divisions verticales, diagonales et horizontales.
Reflétant les intérêts thématiques de nombreux artistes japonais, les estampes de Degas représentent fréquemment des femmes et leurs activités quotidiennes. Le placement non conventionnel de ses sujets féminins et son attachement au réalisme dans la gravure ont établi un lien entre son travail et celui de maîtres japonais comme Hokusai, Utamaro et Sukenobu. Par exemple, dans l'estampe de Degas Mary Cassatt au Louvre : La Galerie étrusque (1879-1880), il emploie une composition à deux personnages : une assise, une debout, une disposition courante dans les estampes japonaises. Degas a systématiquement utilisé des lignes pour générer de la profondeur et délimiter les zones spatiales au sein de ses compositions. Son emprunt le plus explicite est la représentation d'une femme appuyée sur un parapluie fermé, motif directement adapté du Manga de Hokusai.
James McNeill Whistler
L'art japonais est apparu pour la première fois dans des expositions britanniques au début des années 1850. Ces expositions présentaient un large éventail d'objets japonais, comprenant des cartes, de la correspondance, des textiles et des objets de la vie quotidienne. De telles expositions ont favorisé un sentiment de fierté nationale au sein de la Grande-Bretagne et ont contribué à établir une identité culturelle japonaise distincte, différenciée de la classification plus large et généralisée de « l'Orient ».
James Abbott McNeill Whistler, un artiste américain, a principalement exercé en Grande-Bretagne. À la fin du XIXe siècle, Whistler s’écarte progressivement du style de peinture réaliste favorisé par ses contemporains. Il découvre plutôt la simplicité et la précision technique de l’esthétique japonaise. Plutôt que de reproduire directement des artistes ou des œuvres d'art particuliers, Whistler s'est inspiré des principes japonais fondamentaux d'articulation et de structure de composition, qu'il a ensuite incorporés dans ses propres créations.
Artistes influencés par l'art et la culture japonaise
Théâtre
Les premières productions théâtrales très acclamées dépeignant l'Asie sont originaires d'Angleterre et se sont concentrées sur le Japon. L'opéra comique Kosiki, initialement intitulé Le Mikado mais rebaptisé suite aux objections du Japon, a été composé en 1876. En 1885, Gilbert et Sullivan, apparemment moins inquiets de la sensibilité japonaise, ont lancé leur propre Mikado. Cet opéra-comique a acquis une popularité extraordinaire dans toute l'Europe, dix-sept compagnies l'ayant joué 9 000 fois dans les deux ans suivant sa création. Lors de sa traduction allemande en 1887, Le Mikado a conservé son statut d'œuvre dramatique la plus populaire d'Allemagne tout au long des années 1890. Suite à ce succès généralisé, une prolifération rapide de comédies se déroulant en Asie et mettant en vedette des personnages asiatiques humoristiques a émergé à la fois sous forme d'opéra-comique et de formes dramatiques.
L'opéra La Geisha de Sidney Jones (1896) a succédé au Mikado en tant que drame à thème japonais le plus populaire d'Europe, présentant la geisha comme un personnage de premier plan représentant le Japon. Cette figure est devenue l’un des « objets » qui symbolisaient intrinsèquement le Japon en Allemagne et dans le monde occidental. Une augmentation significative des drames de geisha s'est produite en Europe entre 1904 et 1918, l'opéra Madama Butterfly de Puccini devenant le plus célèbre. Puccini, qui aurait été profondément ému jusqu'aux larmes par une mise en scène en 1900 de la pièce du même titre de David Belasco, s'en est inspiré pour son opéra. L'immense popularité de Madama Butterfly a ensuite engendré de nombreuses imitations, telles que Madames Cherry, Esprit, Flott, Flirt, Wig-Wag, Leichtsinn et Tip Top, toutes apparues vers 1904 mais perdant rapidement de l'importance. Néanmoins, leur impact collectif fut durable, renforçant le statut de la geisha aux côtés des parchemins, du jade et des images du mont Fuji en tant que représentations emblématiques du Japon en Occident. Tout comme cette figure humaine de la geisha était souvent réduite au niveau d’autres objets symboliques dans le théâtre, les artistes japonais en tournée en Allemagne ont également servi les dramaturges allemands dans leurs efforts pour revitaliser le théâtre allemand. De manière analogue à l'utilité de l'ukiyo-e en France, détachée de toute compréhension profonde du Japon, les troupes de théâtre et de danse japonaises en tournée en Europe ont fourni le matériau d'une « nouvelle façon de dramatiser » sur scène. Ironiquement, l'attrait et l'influence généralisés de ces drames japonais ont contribué de manière significative à l'occidentalisation du théâtre japonais en général, et en particulier des pièces jouées en Europe.
La scène tournante, une innovation du théâtre Kabuki japonais du XVIIIe siècle, a été introduite sur les scènes occidentales au Théâtre Residenz de Munich en 1896, influencée par le japonisme dominant. Cela marque le premier impact japonais sur la scénographie allemande. Karl Lautenschlager a adopté la scène tournante Kabuki en 1896, et une décennie plus tard, Max Reinhardt l'a utilisée pour la première de Frühlings Erwachen de Frank Wedekind. La scène tournante est rapidement devenue une tendance à Berlin. Une autre adaptation scénique du Kabuki privilégiée par les réalisateurs allemands était le Blumensteg, une extension scénique se projetant dans le public. La familiarité des Européens avec le Kabuki découle de voyages au Japon, de sources textuelles et de tournées de troupes japonaises. En 1893, Kawakami Otojiro et sa compagnie d'acteurs arrivent à Paris, reviennent en 1900 et se produisent à Berlin en 1902. La troupe de Kawakami présente deux pièces occidentalisées, Kesa et Shogun, toutes deux interprétées sans musique et avec des dialogues considérablement réduits, penchant ainsi vers la pantomime et la danse. Les dramaturges et les critiques ont rapidement reconnu ces représentations comme une « re-théâtralisation du théâtre ». Parmi les acteurs figuraient Sada Yacco, la première star japonaise d'Europe, qui a influencé les pionniers de la danse moderne comme Loie Fuller et Isadora Duncan ; elle a joué pour la reine Victoria en 1900 et a atteint une célébrité européenne considérable.
Jardins japonais
Les principes esthétiques des jardins japonais ont été introduits dans le monde anglophone grâce à l'ouvrage fondateur de Josiah Conder, Landscape Gardening in Japan (publié par Kelly & Walsh, 1893), qui a ensuite inspiré la création des premiers jardins japonais en Occident. Une deuxième édition de ce texte influent a été publiée en 1912. Les principes énoncés par Conder se sont parfois révélés difficiles à mettre en œuvre :
Dépourvue de ses costumes et manières locales, la méthode japonaise révèle des principes esthétiques applicables aux jardins de n'importe quel pays, enseignant, comme elle le fait, comment transformer en poème ou en image une composition qui, avec toute sa variété de détails, manque autrement d'unité et d'intention.
Tassa (Saburo) Eida a conçu plusieurs jardins influents, dont deux pour l'exposition nippo-britannique de Londres en 1910. et un méticuleusement construit sur quatre ans pour William Walker, 1er baron Wavertree. Ce dernier jardin reste accessible au public à l'Irish National Stud.
La publication de Samuel Newsom de 1939, Japanese Garden Construction, proposait les principes esthétiques japonais comme remède à la conception des rocailles occidentales, qui avaient émergé indépendamment au milieu du XIXe siècle de l'ambition de cultiver des plantes alpines dans des environnements d'éboulis simulés. La Garden History Society rapporte que l'architecte paysagiste japonais Seyemon Kusumoto a contribué à la création d'environ 200 jardins à travers le Royaume-Uni. Ses projets notables comprenaient l'exposition d'un jardin de rocaille au Chelsea Flower Show de 1937, la conception d'un jardin japonais au Burngreave Estate à Bognor Regis et Cottered dans le Hertfordshire et l'aménagement de cours à Du Cane Court à Londres.
L'artiste impressionniste Claude Monet a incorporé des éléments de design japonais dans son jardin de Giverny, notamment le pont enjambant l'étang aux nénuphars, un sujet qu'il a représenté à plusieurs reprises. Dans cette série de peintures, l'accent mis sur des détails spécifiques comme le pont ou les lys reflète une influence des techniques visuelles japonaises traditionnelles prédominantes dans les estampes ukiyo-e, dont il possédait une vaste collection. De plus, il a cultivé de nombreuses espèces de plantes indigènes japonaises pour rehausser l'ambiance exotique du jardin.
Musées
Aux États-Unis, l'attrait de l'art japonais a conduit à la création d'importantes collections tant par des collectionneurs privés que par des musées, qui persistent aujourd'hui et ont profondément marqué les générations successives d'artistes. Boston est devenue une plaque tournante principale de cet intérêt, probablement stimulé par Isabella Stewart Gardner, une des premières collectionneuses d'art asiatique. Par conséquent, le Musée des Beaux-Arts de Boston revendique la possession de la collection d’art japonais la plus prestigieuse au monde, en dehors du Japon. De plus, la Freer Gallery of Art et la Arthur M. Sackler Gallery gèrent collectivement la plus grande bibliothèque de recherche sur l'art asiatique aux États-Unis, conservant l'art japonais aux côtés d'œuvres de Whistler qui démontrent l'influence japonaise.
Galerie
Style anglo-japonais
- Style anglo-japonais
- Animation influencée par l'anime
- Arabe – style "arabe"
- Chinoiserie : influence chinoise similaire sur l'art et le design occidentaux
- Maison David B. Gamble
- Japonophile
- Occidentalisme – pour une vision orientale de l'Occident
- Orientalisme : représentations romancées occidentales de sujets asiatiques (le plus souvent du Proche-Orient)
- Turquerie
- Weeb
- L'impression sur bois au Japon
- Gravure sur bois
- Quartier historique de Yamashiro
Notes explicatives
Références
Citations
Références générales et citées
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- Widar, Halen (1990). Christopher Dresser.
- "Japonisme" du Metropolitan Museum of Art Chronologie de l'histoire de l'art
- "Japonisme : exploration et célébration"
- La Collection privée d'Edgar Degas, texte entièrement numérisé provenant des bibliothèques du Metropolitan Museum of Art ; contient l'essai « Degas, les estampes japonaises et le japonisme » (pp. 247-260)