Op art, abréviation de art optique, désigne un style d'art visuel caractérisé par l'utilisation de motifs géométriques déformés ou manipulés, fréquemment utilisés pour générer des illusions d'optique. Né au début du XXe siècle, ce mouvement a gagné en popularité à partir des années 1960, le terme « Op art » lui-même étant inventé en 1964.
Les œuvres d'art Op sont principalement abstraites, avec plusieurs exemples marquants exécutés dans des palettes monochromes. Ces pièces évoquent de manière caractéristique chez l'observateur des perceptions de mouvement, des images cachées, des motifs pulsés et oscillants, ou une expansion et une distorsion volumétriques. À l'inverse, la technique du trompe-l'œil, beaucoup plus ancienne, représente systématiquement des sujets figuratifs, rendus avec une illusion de profondeur tridimensionnelle.
Contexte historique
L'illusionnisme, qui se concentre sur la perception d'un espace expansif dans un plan bidimensionnel, est présent depuis les débuts de l'histoire de l'art. Néanmoins, les précurseurs de l'Op art, notamment en ce qui concerne les effets graphiques et l'intérêt pour les phénomènes optiques inhabituels, sont discernables dans des mouvements tels que le néo-impressionnisme, le cubisme, le futurisme, le constructivisme et Dada. Les Divisionnistes, un collectif d'artistes néo-impressionnistes, se sont efforcés d'augmenter la luminosité perçue de leurs toiles en employant des principes optiques et des illusions. László Moholy-Nagy a été un pionnier de l'Op art photographique et a enseigné sur le sujet au Bauhaus ; un exercice pédagogique notable impliquait que les élèves créaient des perforations dans des cartes et les photographiaient ensuite.
Le magazine Time a officiellement introduit le terme op art en 1964, spécifiquement en réaction à l'exposition de Julian Stanczak, Peintures optiques à la galerie Martha Jackson. Cette désignation faisait référence à un genre d'art abstrait (en particulier l'art non objectif) qui intègre des illusions d'optique. Cependant, les créations artistiques désormais classées dans la catégorie « Op art » avaient été développées plusieurs années avant la publication de Time en 1964. Par exemple, le tableau de Victor Vasarely de 1938, Zèbres, se compose exclusivement de rayures curvilignes noires et blanches dépourvues de lignes de contour définies. En conséquence, ces rayures génèrent l’effet visuel de fusion et de projection simultanées avec l’arrière-plan environnant. De plus, les premiers panneaux « éblouissants » en noir et blanc de John McHale, présentés lors de l'exposition This Is Tomorrow en 1956, et sa série Pandora, présentée à l'Institut des arts contemporains en 1962, illustrent les premières caractéristiques de l'art proto-op. Martin Gardner a exploré l'Op art et ses fondements mathématiques dans sa rubrique "Mathematical Games", publiée dans Scientific American en juillet 1965. En Italie, Franco Grignani, initialement formé comme architecte, est devenu une figure éminente du design graphique, l'Op art et l'art cinétique constituant le cœur de sa pratique. Son logo Woolmark, introduit en Grande-Bretagne en 1964, est sans doute son design le plus célèbre.
L'Op Art présente probablement une dérivation plus étroite des méthodologies constructivistes répandues au Bauhaus. Cette institution allemande, fondée par Walter Gropius, mettait l'accent sur le lien intrinsèque entre forme et fonction, opérant dans un cadre analytique et rationnel. Il a été demandé aux étudiants de donner la priorité à la conception holistique ou à la structure compositionnelle complète pour obtenir des productions artistiques cohérentes. De plus, l'Op art provient du trompe-l'œil et de l'anamorphose. Des liens avec l'enquête psychologique ont également été établis, notamment avec la théorie de la Gestalt et la psychophysiologie. Suite à la fermeture forcée du Bauhaus en 1933, de nombreux instructeurs émigrent aux États-Unis. Par la suite, le mouvement s'est établi à Chicago et plus tard au Black Mountain College à Asheville, en Caroline du Nord, où Anni et Josef Albers ont finalement occupé des postes d'enseignants.
Frank Popper affirme que "Les artistes Op ont ainsi réussi à exploiter divers phénomènes", détaillant davantage "l'image rémanente et le mouvement consécutif ; l'interférence des lignes ; l'effet d'éblouissement ; les figures ambiguës et la perspective réversible ; les contrastes de couleurs successifs et les vibrations chromatiques ; et dans les œuvres tridimensionnelles, différents points de vue et la superposition d'éléments dans l'espace."
En 1955, Victor Vasarely et Pontus Hulten introduisent de nouvelles expressions cinétiques, fondées sur des phénomènes optiques et lumineux aux côtés de l'illusionnisme pictural, à travers leur « Manifeste jaune » pour l'exposition Mouvements à la galerie Denise René à Paris. La manifestation contemporaine de l'art cinétique est apparue initialement au Museum für Gestaltung de Zürich en 1960, et a ensuite connu une évolution significative tout au long des années 1960. Dans la plupart des pays européens, cette catégorie artistique englobe généralement l'art optique, qui utilise principalement des illusions visuelles telles que l'op art et l'art basé sur le mouvement, illustré par des artistes comme Yacov Agam, Carlos Cruz-Diez, Jesús Rafael Soto, Gregorio Vardanega et Nicolas Schöffer. Entre 1961 et 1968, le Groupe de Recherche d'Art Visuel (GRAV), créé par François Morellet, Julio Le Parc, Francisco Sobrino, Horacio Garcia Rossi, Yvaral, Joël Stein et Vera Molnár, a fonctionné comme une assemblée collaborative d'artistes opto-cinétiques. Comme l'explique son manifeste de 1963, GRAV prône un engagement direct du public, visant à influencer le comportement du spectateur, notamment à travers des installations labyrinthiques interactives.
Plusieurs artistes européens associés au groupe Nouvelle tendance (1961-1965), dont Almir Mavignier et Gerhard von Graevenitz, ont également exploré l'op art, principalement à travers leurs œuvres sérigraphiques. Leurs recherches artistiques se sont concentrées sur les illusions d'optique. La désignation « op » s'est avérée controversée pour de nombreux artistes classés sous cette catégorie, notamment Albers et Stanczak, qui avaient précédemment proposé « art perceptuel » comme descripteur plus approprié lors de la création du terme. À partir de 1964, Arnold Schmidt (Arnold Alfred Schmidt) a présenté plusieurs expositions personnelles à la Terrain Gallery de New York, présentant ses vastes peintures optiques en forme de noir et blanc.
L'œil réactif
Du 23 février au 25 avril 1965, le Museum of Modern Art de New York a accueilli The Responsive Eye, une exposition organisée par William C. Seitz, qui a ensuite voyagé à St. Louis, Seattle, Pasadena et Baltimore. La collection diversifiée d'œuvres d'art comprenait des pièces minimalistes de Frank Stella et Ellsworth Kelly, les formes sculpturales fluides d'Alexander Liberman, des projets collaboratifs du groupe Anonima et des contributions d'artistes de premier plan tels que Wojciech Fangor, Victor Vasarely, Julian Stanczak, Richard Anuszkiewicz, Wen-Ying Tsai, Bridget Riley et Getulio Alviani. Cette exposition a spécifiquement mis en lumière les dimensions perceptuelles de l'art, découlant à la fois de l'illusion du mouvement et de l'interaction des relations chromatiques.
Bien que l'exposition ait reçu un accueil favorable du public, attirant plus de 180 000 visiteurs, elle a reçu un accueil moins favorable de la part des critiques d'art. Les critiques ont largement rejeté l'op art comme étant un simple trompe-l'œil, le qualifiant de supercherie visuelle. Néanmoins, l'acceptation du style par le public s'est accrue, conduisant à l'application généralisée de l'imagerie op art dans diverses applications commerciales. Notamment, un premier film documentaire de Brian de Palma a relaté cette exposition.
Méthodologie opérationnelle
Dichotomie du noir et du blanc : dynamique figure-sol
L'Op art constitue un phénomène perceptuel intrinsèquement lié aux mécanismes de la vision humaine. Cette forme d’art visuel dynamique naît d’une relation dissonante figure-fond, établissant une juxtaposition tendue et paradoxale entre les plans du premier plan et de l’arrière-plan. Les artistes emploient principalement deux méthodes pour produire de l’op art. L'approche la plus reconnue consiste à générer des effets grâce à la manipulation de motifs et de lignes. Ces œuvres d'art utilisent fréquemment le noir et le blanc, ou des nuances de gris (grisaille), comme en témoignent les premières œuvres de Bridget Riley comme Current (1964), qui figurait sur la couverture du catalogue The Responsive Eye. Dans de telles pièces, des lignes ondulées noires et blanches rapprochées sur la surface de la toile engendrent une interaction volatile entre la figure et le fond. Getulio Alviani, à l'inverse, a utilisé des surfaces en aluminium traité pour générer des motifs lumineux qui se transforment avec le mouvement du spectateur, créant ainsi des surfaces texturées vibrantes. Un autre effet visuel observé est la génération d’images rémanentes de couleurs spécifiques, conséquence de la façon dont la rétine traite et interprète la lumière. Comme l'explique Goethe dans son ouvrage fondateur Théorie des couleurs, la couleur émerge à l'interface de la lumière et de l'obscurité, étant donné que la clarté et l'obscurité sont des propriétés fondamentales dans la génération chromatique.
Éléments chromatiques
Bridget Riley a lancé la production d'Op Art basé sur la couleur en 1965 ; cependant, d’autres artistes, dont Julian Stanczak et Richard Anuszkiewicz, ont toujours donné la priorité à la couleur comme élément central de leurs efforts artistiques. Josef Albers a instruit ces deux éminents représentants de l'école « Color Function » à Yale dans les années 1950. Les œuvres coloristes abordent fréquemment les mêmes principes de dynamique figure-fond, mais elles intègrent la dimension supplémentaire des teintes contrastées, qui génèrent des effets visuels distincts. Par exemple, les peintures de « temple » d'Anuszkiewicz utilisent la juxtaposition de deux couleurs très contrastées pour évoquer une illusion de profondeur dans un espace tridimensionnel, créant la perception que la forme architecturale se projette dans l'environnement immédiat du spectateur.
Expositions
- L'Œil moteur : Art optique et cinétique 1960–1975, Musée d'art moderne et contemporain, Strasbourg, France, 13 mai-25 septembre 2005.
- Op Art, Schirn Kunsthalle, Francfort, Allemagne, du 17 février au 20 mai 2007.
- The Optical Edge, The Pratt Institute of Art, New York, du 8 mars au 14 avril 2007.
- Optic Nerve : Perceptual Art of the 1960s, Columbus Museum of Art, Columbus, Ohio, du 16 février au 17 juin 2007.
- CLE OP : Cleveland Op Art Pioneers, Cleveland Museum of Art, Cleveland, Ohio, du 9 avril 2011 au 26 février 2012.
- Bridget Riley a été présentée dans de nombreuses expositions internationales, notamment celles du Dia Center de New York (2000) ; Tate Britain, Londres (2003) ; et le Musée d'Art Contemporain de Sydney (2004).
Références
Références
Bibliographie
- Popper, Frank. Origines et développement de l'art cinétique. Société graphique de New York/Studio Vista, 1968.
- Popper, Frank. De l'art technologique à l'art virtuel. Leonardo Books, MIT Press, 2007.
- Seitz, William C. (1965). L'œil réactif (PDF). New York : Musée d'Art Moderne. Catalogue d'exposition.{{cite book}} : maintenance CS1 : postscript (lien)
- Opartica - outil de création d'art op en ligne