Performance art

L'art de la performance est une discipline artistique ou une exposition caractérisée par des actions réalisées par l'artiste ou d'autres participants. Il peut être vécu en direct ou via une documentation, et peut être conçu spontanément ou méticuleusement scénarisé, généralement présenté à un public dans un cadre artistique, adoptant souvent une approche interdisciplinaire. Également appelée action artistique, elle a évolué au fil du temps pour devenir un genre distinct où l'expression artistique est délivrée en temps réel. Cette forme a joué un rôle crucial et fondateur dans les mouvements artistiques d'avant-garde du XXe siècle.

L'art de la performance est une œuvre d'art ou une exposition d'art créée par des actions exécutées par l'artiste ou d'autres participants. Il peut être observé en direct ou à travers une documentation, développée spontanément ou écrite, et est traditionnellement présenté au public dans un contexte artistique sur un mode interdisciplinaire. Également connu sous le nom d'action artistique, il s'est développé au fil des années comme un genre à part entière dans lequel l'art est présenté en direct. Il a joué un rôle important et fondamental dans l'art d'avant-garde du XXe siècle.

Cette forme d'art englobe cinq composantes fondamentales : le temps, l'espace, le corps, la présence de l'artiste et la dynamique entre l'artiste et le public. Bien que fréquemment mises en scène dans des galeries d’art et des musées, ces performances peuvent se produire dans divers contextes, espaces et contextes temporels. L'objectif principal est de susciter une réponse, souvent facilitée par l'improvisation et une sensibilité esthétique délibérée. Les éléments thématiques communs incluent les expériences personnelles de l'artiste, l'impératif de critique ou de dénonciation sociale et une volonté sous-jacente de changement transformateur.

Bien que la pratique de la performance dans les arts visuels trouve ses origines dans les productions et cabarets futuristes des années 1910, les termes « art de la performance » et « performance » se sont répandus au cours des années 1970. En 1969, le critique d’art et artiste de performance John Perreault attribue l’invention du terme à Marjorie Strider. Les principaux pionniers de l'art de la performance comprennent Carolee Schneemann, Marina Abramović, Ana Mendieta, Chris Burden, Hermann Nitsch, Joseph Beuys, Nam June Paik, Tehching Hsieh, Yves Klein et Vito Acconci. Des représentants éminents plus contemporains incluent Tania Bruguera, Abel Azcona, Regina José Galindo, Marta Minujín, Melati Suryodarmo et Petr Pavlensky. Cette discipline est conceptuellement liée aux happenings et aux « événements » associés au mouvement Fluxus, à l'actionnisme viennois, à l'art corporel et à l'art conceptuel.

Définition

La définition précise et la contextualisation historique et pédagogique de l’art de la performance restent des sujets de débats considérables. Un défi important découle de la nature polysémique du terme, d'autant plus que l'une de ses interprétations concerne les arts du spectacle. Cependant, cette interprétation de la « performance » dans le contexte des arts du spectacle s'écarte fondamentalement du concept d'« art de la performance », né d'une position critique et souvent antagoniste à l'égard des arts scéniques traditionnels. L'art de la performance ne partage des points communs avec les arts du spectacle que sur des aspects spécifiques, tels que la présence d'un public et du corps physique ; de plus, toutes les œuvres d'art de la performance n'intègrent pas ces éléments particuliers.

Dans son sens plus restreint, le terme « art de la performance » est intrinsèquement lié aux traditions postmodernistes prédominantes dans la culture occidentale. Émergeant du milieu des années 1960 jusqu'aux années 1970, et s'appuyant fréquemment sur des concepts d'art visuel, l'art de la performance – influencé par des figures et des mouvements tels qu'Antonin Artaud, Dada, les situationnistes, Fluxus, l'art de l'installation et l'art conceptuel – était souvent conceptualisé comme une antithèse du théâtre traditionnel, remettant ainsi en question les formes d'art établies et les normes culturelles dominantes. Le principe sous-jacent était de créer une expérience éphémère et authentique à la fois pour l'interprète et le public, se manifestant comme un événement incapable de répétition, de capture ou d'acquisition commerciale. La différenciation largement débattue dans l'application des concepts d'art visuel et d'art du spectacle a un impact significatif sur l'interprétation d'une présentation d'art de la performance.

La désignation « art de la performance » est généralement réservée à une forme d'art conceptuel qui communique une signification axée sur le contenu, souvent avec des nuances dramatiques, plutôt que de servir simplement de divertissement ou de performance en soi. Ce genre englobe principalement les performances présentées à un public, mais il évite délibérément de présenter une pièce de théâtre conventionnelle, un récit linéaire formel ou la représentation de personnages fictifs dans des interactions structurées et scénarisées. Par conséquent, il peut incorporer une action ou une parole comme communication directe entre l'artiste et le public, ou même ignorer intentionnellement les attentes du public, plutôt que d'adhérer à un scénario pré-écrit.

Néanmoins, certaines manifestations de l'art de la performance peuvent présenter une proximité avec les arts du spectacle. De telles performances peuvent utiliser un scénario ou établir un contexte dramatique fictif ; cependant, ils restent dans le domaine de l’art de la performance en s’écartant intentionnellement de la norme dramatique conventionnelle consistant à construire un décor fictif avec un scénario linéaire qui adhère à la dynamique typique du monde réel. Au lieu de cela, ils visent délibérément à faire la satire ou à transcender les dynamiques ordinaires du monde réel couramment utilisées dans les productions théâtrales traditionnelles.

Les artistes de spectacle mettent fréquemment le public au défi de s'engager dans des processus de pensée nouveaux et non conventionnels, renversant les conventions artistiques traditionnelles et démantelant les notions établies sur « ce qu'est l'art ». À condition que l’artiste évite les jeux de rôle répétitifs, l’art de la performance peut incorporer des éléments satiriques ; utiliser des robots et des machines comme interprètes, comme en témoignent les pièces des Survival Research Laboratories ; impliquer des éléments ritualisés (par exemple, Shaun Caton) ; ou intégrer des aspects de divers arts du spectacle tels que la danse, la musique et le cirque. L'art de la performance peut également croiser l'architecture et s'entremêler avec la pratique religieuse et la théologie.

Certains artistes, tels que les actionnistes viennois et les néo-dadaïstes, préfèrent des termes alternatifs comme « art vivant », « art d'action », « actions », « intervention » ou « manœuvre » pour caractériser leurs activités performatives. Les genres spécifiques de l'art de la performance incluent l'art corporel, la performance Fluxus, les événements, la poésie d'action et l'intermédia.

Origines

L'art de la performance est né comme une expression artistique alternative, la discipline étant apparue en 1916, parallèlement au dadaïsme, et située dans le cadre plus large de l'art conceptuel. Tristan Tzara, pionnier de Dada, a été le fer de lance de ce mouvement. Les théoriciens de la culture occidentaux situent généralement la genèse de l’art de la performance au début du XXe siècle, aux côtés de mouvements tels que le constructivisme, le futurisme et le dadaïsme. Dada a été une source d'inspiration importante en raison de ses actions poétiques non conventionnelles. En outre, certains artistes futuristes, en particulier ceux associés au futurisme russe, sont également reconnus comme étant à la base de l'émergence de l'art de la performance.

Cabaret Voltaire

Le Cabaret Voltaire a été créé à Zürich, en Suisse, par Hugo Ball et Emmy Hennings avec des objectifs à la fois artistiques et politiques, servant de creuset pour de nouvelles tendances artistiques. Situé à l'étage supérieur d'un théâtre, dont les expositions conventionnelles étaient souvent satirisées dans les représentations du cabaret, le cabaret présentait des œuvres d'avant-garde et expérimentales. Le mouvement Dada aurait pris naissance dans ce lieu de dix mètres carrés. De plus, les surréalistes, dont le mouvement est directement issu du dadaïsme, se réunissaient fréquemment au Cabaret. Au cours de sa brève période opérationnelle – qui ne s’est étendue que sur six mois jusqu’à sa fermeture à l’été 1916 – le Cabaret a accueilli les actions, performances et présentations inaugurales Dada intégrant poésie, arts visuels, musique et actions répétitives, parallèlement à la lecture du Manifeste dadaïste. Des personnalités clés, dont Richard Huelsenbeck, Marcel Janco, Tristan Tzara, Sophie Taeuber-Arp et Jean Arp, se sont engagées dans des événements provocateurs et scandaleux qui ont formé les principes fondateurs du mouvement anarchiste connu sous le nom de Dada.

Le dadaïsme a émergé dans le but explicite de démanteler les systèmes et les normes établis au sein du monde de l'art. Caractérisé comme un mouvement anti-art, anti-littéraire et anti-poésie, il remettait fondamentalement en question l’existence même de l’art, de la littérature et de la poésie. Le dadaïsme a transcendé une simple méthode créative pour évoluer vers une idéologie globale qui a influencé un mode de vie. Il s'opposait à des concepts tels que la beauté éternelle, les principes immuables, les lois logiques, la stase intellectuelle et les vérités universelles. Au lieu de cela, il défendait le changement, la spontanéité, l’immédiateté, la contradiction, le hasard et l’adoption du chaos plutôt que de l’ordre et de l’imperfection plutôt que de la perfection – des principes qui trouvent un écho dans l’art de la performance. Les dadaïstes prônaient la provocation, la protestation anti-art et le scandale, employant souvent des modes d'expression satiriques et ironiques. Leurs actions perturbatrices contre les formes artistiques traditionnelles étaient souvent caractérisées par l'absurdité, le rejet des valeurs inhérentes et l'adhésion au chaos.

Le Cabaret Voltaire a fermé ses portes en 1916 mais a été relancé au 21e siècle.

Futurisme

Le futurisme est apparu en 1909 comme mouvement artistique d'avant-garde. Au départ, il s’est manifesté comme un mouvement littéraire, même si la majorité de ses adeptes étaient des peintres. Ses premières activités englobaient également la sculpture, la photographie, la musique et le cinéma. Même si la Première Guerre mondiale a largement freiné le mouvement, celui-ci persiste en Italie jusque dans les années 1930. La Russie faisait partie des pays où le futurisme exerçait une influence significative. Les manifestes notables publiés incluent le Manifeste de la sculpture futuriste et l'Architecture futuriste en 1912, suivis en 1913 par le Manifeste de la luxure futuriste de la danseuse, écrivaine et artiste française Valentine de Saint-Point. Les futuristes ont diffusé leurs théories à travers des rencontres publiques, des réunions et des conférences, qui ressemblaient à des rassemblements politiques et incorporaient des éléments de poésie et de music-hall, préfigurant ainsi l'art de la performance.

Bauhaus

Le Bauhaus, une école d'art fondée à Weimar en 1919, a intégré des ateliers d'arts du spectacle expérimentaux visant à explorer les relations entre le corps, l'espace, le son et la lumière. Le Black Mountain College, fondé aux États-Unis par des instructeurs du Bauhaus exilés par le parti nazi, a continué à intégrer les arts du spectacle expérimentaux dans l’enseignement des arts scéniques, précédant de deux décennies les développements importants de l’histoire du spectacle au cours des années 1960. Le nom Bauhaus dérive des mots allemands Bau, construction, et Haus, maison ; Ironiquement, malgré son nom et le fait que son fondateur était un architecte, le Bauhaus manquait de département d'architecture au cours de ses premières années.

Peinture d'action

Au cours des années 1940 et 1950, la technique ou le mouvement de l'action painting a permis aux artistes de conceptualiser la toile comme une arène d'action, transformant ainsi les œuvres d'art résultantes en vestiges de la performance en atelier de l'artiste. Selon le critique d’art Harold Rosenberg, elle constitue un processus fondateur de l’art de la performance, aux côtés de l’expressionnisme abstrait. Jackson Pollock, souvent considéré comme le peintre d'action par excellence, exécutait fréquemment ses œuvres sous forme de performances live. En Europe, Yves Klein a créé ses *Anthropométries* en utilisant des corps féminins pour appliquer de la peinture sur des toiles lors de manifestations publiques. Des personnalités notables telles que Willem de Kooning et Franz Kline ont également incorporé des éléments de peinture abstraite et d'action dans leurs œuvres.

Nouveau réalisme

Le Nouveau réalisme est reconnu comme un mouvement artistique majeur dans la genèse de l'art de la performance. Ce mouvement de peinture a été créé en 1960 par le critique d'art Pierre Restany et le peintre Yves Klein, coïncidant avec leur première exposition collective à la galerie Apollinaire de Milan. Le Nouveau réalisme comptait, aux côtés de Fluxus et d'autres groupes, parmi les nombreux courants d'avant-garde des années 1960. Pierre Restany a orchestré plusieurs installations de performance à la Tate Modern et dans d'autres lieux. Yves Klein s'est imposé comme un pionnier de l'art de la performance, avec ses pièces conceptuelles comme Zone de sensibilité picturale immatérielle (1959-1962), Anthropométries (1960) et le photomontage Saut dans le vide. L'ensemble de son œuvre démontre un lien étroit avec l'art de la performance, souvent conçu comme des actions réelles, illustrées par ses célèbres peintures créées avec des modèles féminins. Les membres du groupe percevaient le monde comme une vaste image, dont ils extrayaient des éléments à intégrer dans leur art, s'efforçant ainsi de combler le fossé entre la vie et l'expression artistique.

Gutai

Le mouvement japonais Gutai, connu pour son art d'action et ses événements, a également anticipé de manière significative l'art de la performance. Il est né en 1955 dans la région japonaise du Kansai (englobant Kyōto, Ōsaka et Kōbe). Les principaux participants étaient Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto, Saburō Murakami, Katsuō Shiraga, Seichi Sato, Akira Ganayama et Atsuko Tanaka. Formé au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, le groupe Gutai rejette le consumérisme capitaliste, le manifestant par des actions ironiques empreintes d’agressivité latente, comme la destruction d’objets et les performances basées sur la fumée. Leur influence s'est étendue à des groupes comme Fluxus et à des artistes comme Joseph Beuys et Wolf Vostell.

Land art et performance

À la fin des années 1960, divers artistes du Land Art, dont Robert Smithson et Dennis Oppenheim, ont réalisé des installations environnementales qui anticipaient l'art de la performance des années 1970. Par la suite, les artistes conceptuels du début des années 1980, comme Sol LeWitt, qui transforma le dessin mural en acte performatif, s'inspirèrent d'Yves Klein et d'autres praticiens du Land Art. Le Land Art est un mouvement d'art contemporain caractérisé par un lien intrinsèque entre le paysage et la création artistique. Il utilise des éléments naturels (par exemple, le bois, la terre, les roches, le sable, le vent, le feu, l'eau) comme matériaux pour des interventions spécifiques au site. La genèse de l'œuvre d'art est intrinsèquement liée à son emplacement précis. Les résultats se manifestent souvent par une fusion de sculpture et d’architecture, ou de sculpture et d’aménagement paysager, une forme hybride qui prend de plus en plus d’importance dans les espaces publics contemporains. Lorsque le corps de l'artiste est intégré au processus créatif, le Land Art présente des parallèles avec les étapes naissantes de l'art de la performance.

Années 1960

Au cours des années 1960, un large éventail de nouvelles œuvres et concepts artistiques ainsi qu'un nombre croissant d'artistes ont contribué à l'émergence de nouvelles formes d'art de la performance. Cette évolution visait à élargir la compréhension conventionnelle de l'art, en s'inspirant de principes proches de ceux du Cabaret Voltaire ou du Futurisme. Ces nouveaux mouvements étaient distincts de l'actionnisme viennois, de l'art de la performance d'avant-garde à New York, du process art, de l'évolution du Living Theatre ou des événements, mais ils ont collectivement solidifié les contributions fondamentales des pionniers de l'art de la performance.

Actionnisme viennois

L'actionnisme viennois (Wiener Aktionismus) désigne un mouvement artistique concis mais controversé du XXe siècle, reconnu pour la nature violente, grotesque et viscérale de ses œuvres. Originaire de l'avant-garde autrichienne des années 1960, son objectif était d'intégrer l'art à la performance, établissant des liens avec Fluxus et le Body Art. Parmi les principaux représentants figuraient Günter Brus, Otto Muehl et Hermann Nitsch, qui ont principalement mené leurs activités actionnistes de 1960 à 1971. Nitsch, pionnier de l'art de la performance, a créé son Théâtre des orgies et des mystères (Théâtre Orgien und Mysterien) en 1962. Marina Abramović a ensuite participé en tant qu'interprète à l'une de ses œuvres dans 1975.

New York et performances d'avant-garde

Au début des années 1960, la ville de New York est devenue un centre important pour de nombreux mouvements, événements et intérêts liés à l'art de la performance. Andy Warhol a notamment initié son travail dans la production cinématographique et vidéo. Au milieu de la décennie, il a parrainé le Velvet Underground et a orchestré divers événements performatifs à New York, tels que Exploding Plastic Inevitable (1966), qui présentait de la musique rock live, un éclairage dynamique et des films. Parmi les artistes de performance d'avant-garde de la ville, Joey Skaggs s'est fait connaître dans les années 1960 grâce à des interventions publiques provocatrices critiquant le pouvoir institutionnel et le spectacle médiatique. Ses premières œuvres comprennent La Crucifixion (1966-1969), une sculpture grandeur nature d'un Christ en décomposition exposée dans les parcs publics pour protester contre l'hypocrisie religieuse, et le Hippie Bus Tour to Queens (1968), où des artistes de l'East Village parodiaient des bus touristiques voyeuristes en visitant les quartiers de banlieue.

Le Théâtre Vivant

Les nouvelles formes théâtrales, illustrées par la San Francisco Mime Troupe et le Living Theatre, ont considérablement influencé la performance dans le monde de l'art, en particulier aux États-Unis. Ces productions étaient souvent présentées dans les théâtres Off-Off Broadway de SoHo et à La MaMa à New York. Le Living Theatre, créé à New York en 1947, a la particularité d'être le plus ancien théâtre expérimental des États-Unis. Son leadership a toujours été assuré par ses fondateurs : l'actrice Judith Malina, qui a étudié le théâtre avec Erwin Piscator, en se concentrant sur les théories de Bertolt Brecht et Meyerhold ; et le peintre et poète Julian Beck. Après la mort de Beck en 1985, Hanon Reznikov, membre de la compagnie, a assumé le rôle de codirecteur aux côtés de Malina.

En tant que l'une des troupes de théâtre expérimental les plus anciennes, The Living Theatre a servi de modèle important pour d'autres. Ses membres considéraient le théâtre comme un mode de vie, avec des acteurs vivant en communauté selon des principes libertaires. Les efforts théâtraux de la compagnie visaient à transformer les structures de pouvoir des sociétés autoritaires et hiérarchiques. Le Living Theatre a principalement tourné en Europe de 1963 à 1968, et aux États-Unis en 1968. Une production notable de cette époque, Paradise Now, a acquis une notoriété grâce à la participation massive du public et à une scène où les acteurs récitaient une liste de tabous sociaux, y compris la nudité, tout en se déshabillant.

Fluxus

Fluxus, terme latin signifiant flux, constitue un mouvement d'arts visuels englobant la musique, la littérature et la danse. Sa période de pointe d’activité s’est produite dans les années 1960 et 1970. Les adeptes de Fluxus se sont prononcés contre la marchandisation des objets artistiques traditionnels, positionnant le mouvement comme une forme d'art sociologique. George Maciunas (1931-1978) fonda officieusement Fluxus en 1962. Le mouvement gagna des adhérents en Europe, aux États-Unis et au Japon. Évoluant principalement en Amérique du Nord et en Europe, influencé par John Cage, le mouvement Fluxus s'est éloigné de la vision de l'avant-garde comme d'une simple innovation linguistique. Au lieu de cela, il visait à réorienter les canaux artistiques établis, en les détachant des contraintes linguistiques spécifiques, et en adoptant une approche interdisciplinaire en incorporant divers médiums et matériaux. Dans ce cadre, le langage n’a pas servi d’objectif ultime, mais de mécanisme pour une rénovation plus large de l’art, conçu comme un phénomène mondial. Semblable à Dada, Fluxus résistait à toute définition ou catégorisation précise. Dick Higgins, co-fondateur du mouvement, a expliqué :

Fluxus a commencé par le travail, puis s'est réuni, appliquant le nom Fluxus à un travail qui existait déjà. C'était comme si cela avait commencé au milieu de la situation, plutôt qu'au début.

Robert Filliou a opposé Fluxus à l'art conceptuel, soulignant son engagement direct, immédiat et urgent dans l'existence quotidienne. Il a postulé que tandis que Marcel Duchamp, à travers ses Ready-mades, intégrait les objets du quotidien dans l'art, Fluxus a inversé cette approche en dissolvant l'art dans la vie quotidienne, souvent à travers des actions ou des performances mineures.

John Cage était un éminent compositeur, théoricien de la musique, artiste et philosophe américain. Pionnier de l’indétermination musicale, de la musique électroacoustique et de l’instrumentation non conventionnelle, Cage est devenu une figure centrale de l’avant-garde d’après-guerre. Il a été largement acclamé par la critique comme l’un des compositeurs les plus influents du XXe siècle. De plus, Cage a joué un rôle crucial dans l'évolution de la danse moderne, en grande partie attribuable à sa vaste collaboration avec le chorégraphe Merce Cunningham, qui était également son partenaire romantique de toujours.

Sari Dienes, une proche associée de Cage, est reconnue comme un intermédiaire important reliant les expressionnistes abstraits, les artistes néo-dada tels que Robert Rauschenberg et Ray Johnson, et le mouvement Fluxus. Dienes a notamment influencé ces artistes pour qu'ils intègrent des éléments de la vie, de la philosophie zen, des méthodologies de création artistique performative et des « événements », exécutés à travers des approches à la fois préméditées et spontanées.

Art de processus

L'art de processus désigne un mouvement artistique où le résultat ultime de l'art et de l'artisanat, en particulier l'objet d'art (englobant à la fois les œuvres d'art et les objets trouvés), n'est pas l'accent principal. Au lieu de cela, le processus créatif lui-même – impliquant des activités telles que la collecte, le tri, l’assemblage, l’association, la structuration et le lancement d’actions et de procédures – est considéré comme primordial. Les praticiens de l’art de processus considéraient la création artistique comme une forme pure d’expression humaine. Le mouvement postule que l’acte même de créer une œuvre d’art peut constituer une œuvre d’art à part entière. L'artiste Robert Morris a notamment donné la priorité à « l'anti-forme », au processus et au temps plutôt qu'à un produit fini définitif basé sur des objets.

Événement

Selon Wardrip-Fruin et Montfort dans The New Media Reader, « le terme « Happening » a été utilisé pour décrire de nombreux spectacles et événements organisés par Allan Kaprow et d'autres au cours des années 1950 et 1960, y compris un certain nombre de productions théâtrales traditionnellement scénarisées et n'invitant qu'une interaction limitée du public. » Un happening offre aux artistes une plateforme pour explorer les mouvements corporels, les enregistrements audio, les textes parlés et écrits et les éléments olfactifs. Les premières contributions d'Allan Kaprow incluent Happenings in the New York Scene, publié en 1961. Les événements de Kaprow ont transformé les membres du public en participants actifs ou en interprètes. Souvent, les spectateurs sont devenus, par inadvertance, partie intégrante du spectacle. Parmi les créateurs notables de happenings figuraient Jim Dine, Al Hansen, Claes Oldenburg, Robert Whitman et Wolf Vostell, dont l'œuvre comprend Le théâtre est dans la rue (Paris, 1958).

Artistes principaux

Les arts du spectacle créés après 1968 reflétaient souvent le paysage politique et culturel de cette année-là. Barbara T. Smith, avec son œuvre Ritual Meal de 1969, était une figure d'avant-garde de l'art féministe corporel et scénique des années 1970, un mouvement qui comprenait également Carolee Schneemann et Joan Jonas. Ces artistes, aux côtés de Yoko Ono, Joseph Beuys, Nam June Paik, Wolf Vostell, Allan Kaprow, Vito Acconci, Chris Burden, Dennis Oppenheim et des membres du collectif espagnol Zaj comme Esther Ferrer et Juan Hidalgo, ont été des pionniers dans l'exploration de la relation entre l'art corporel et l'art de la performance.

Barbara Smith est une artiste et activiste américaine, reconnue comme l'une des principales défenseures afro-américaines du féminisme et de l'activisme LGBT aux États-Unis. Au début des années 1970, elle a été éducatrice, écrivaine et défenseure du mouvement féministe noir. Elle a enseigné dans de nombreux collèges et universités au cours des cinq dernières années. Les essais, critiques, articles, nouvelles et critiques littéraires de Smith ont été publiés dans diverses publications, notamment The New York Times, The Guardian, The Village Voice et The Nation.

Carolee Schneemann était une artiste visuelle expérimentale américaine, réputée pour ses œuvres multimédias explorant le corps, la narration, la sexualité et le genre. Ses pièces notables incluent Meat Joy (1964) et Interior Scroll (1975). Schneemann considérait son corps comme une surface fondamentale pour ses efforts artistiques, se décrivant elle-même comme « une peintre qui a quitté la toile pour activer l'espace réel et le temps vécu ».

Joan Jonas (née le 13 juillet 1936) est une artiste visuelle américaine et une pionnière de l'art vidéo et de la performance, reconnue comme l'une des artistes féminines les plus importantes de la fin des années 1960 et du début des années 1970. Ses projets et expériences fondateurs ont servi de base à de nombreuses performances vidéo ultérieures, son influence s'étendant également à l'art conceptuel, au théâtre et à d'autres médias visuels. Jonas vit et travaille actuellement à New York et en Nouvelle-Écosse, au Canada. Immergée dans la scène artistique du centre-ville de New York dans les années 1960, elle étudie avec la chorégraphe Trisha Brown pendant deux ans et collabore également avec les chorégraphes Yvonne Rainer et Steve Paxton.

Yoko Ono était une figure marquante des mouvements d'avant-garde et Fluxus des années 1960. Elle est particulièrement reconnue pour ses performances artistiques de la fin des années 1960, telles que Cut Piece, où les visiteurs étaient invités à interagir avec son corps en coupant ses vêtements. Une autre de ses œuvres remarquables est Pièce murale pour orchestre (1962).

Joseph Beuys était un artiste allemand reconnu pour ses contributions à Fluxus, aux événements, à l'art de la performance, à la peinture, à la sculpture, à la conception de médailles et à l'art des installations. Son engagement dans le mouvement néodadaïste Fluxus a commencé en 1962, dont il est ensuite devenu un membre clé. Un aspect important de son héritage était la socialisation de l'art, visant à améliorer son accessibilité à un public plus large. Dans sa performance de 1965 Comment expliquer les images à un lièvre mort, Beuys s'est couvert le visage de miel et de feuilles d'or tout en expliquant son œuvre à un lièvre décédé bercé dans ses bras. Cette pièce intègre des éléments spatiaux, sculpturaux, linguistiques et sonores à la présence physique et aux gestes de l'artiste, incarnant la conscience d'un communicateur s'adressant à un destinataire animal. Beuys adoptait souvent le personnage d'un chaman, estimant qu'il possédait des pouvoirs de guérison et de salut pour une société qu'il percevait comme moribonde. En 1974, il exécute la performance J'aime l'Amérique et l'Amérique m'aime, qui impliquait Beuys, un coyote, et des matériaux tels que du papier, du feutre et du chaume. Il a cohabité avec le coyote pendant trois jours, durant lesquels il a accumulé des journaux américains, symbolisant le capitalisme. Au fil du temps, un certain degré de tolérance mutuelle s'est développé entre Beuys et le coyote, aboutissant au fait que l'artiste a embrassé l'animal. Beuys incorpore fréquemment des éléments récurrents dans ses œuvres. Ses objets différaient des ready-made de Duchamp non pas par leur nature humble ou éphémère, mais parce qu'ils faisaient partie intégrante de la vie personnelle de Beuys, ayant été imprégnés de ses expériences et de ses marques. Beaucoup de ces éléments, comme le miel ou la graisse associée aux Tartares qui ont survécu à la Seconde Guerre mondiale, avaient une signification autobiographique. En 1970, il crée son Felt Suit. La même année, Beuys enseigne la sculpture à la Kunstakademie Düsseldorf. Une rétrospective de son travail des années 1940 à 1970 a été exposée au musée Solomon R. Guggenheim de New York en 1979.

Nam June Paik, artiste sud-coréenne de la performance, de la composition et de la vidéo, s'est fait connaître au cours de la seconde moitié du XXe siècle. Il a poursuivi des études de musique et d'histoire de l'art à l'Université de Tokyo. En 1956, il s'installe en Allemagne, où il étudie d'abord le solfège à Munich avant de poursuivre ses études au Conservatoire de Fribourg à Cologne. Au cours de ses études d'allemand, Paik a rencontré des personnalités notables telles que les compositeurs Karlheinz Stockhausen et John Cage, aux côtés des artistes conceptuels Sharon Grace, George Maciunas, Joseph Beuys et Wolf Vostell. À partir de 1962, il participe activement à Fluxus, un mouvement artistique expérimental. Paik s'est ensuite engagé dans ce mouvement néo-dada, Fluxus, qui s'est inspiré de l'incorporation par John Cage des sons et bruits quotidiens dans ses compositions musicales. En tant que membre de Fluxus, il a entretenu une association étroite avec Yoko Ono.

Wolf Vostell, un artiste allemand, est devenu une figure très représentative de la seconde moitié du XXe siècle. Sa pratique artistique diversifiée englobait un large éventail de médias et de techniques, notamment la peinture, la sculpture, l'installation, le décollage, l'art vidéo, les événements et Fluxus.

Vito Acconci était un artiste américain influent, réputé pour son travail en matière de performance, de vidéo et d'installation, dont la vaste pratique s'est ensuite étendue à la sculpture, à la conception architecturale et à l'aménagement paysager. Ses performances et son art vidéo fondateurs se distinguaient par les thèmes du « malaise existentiel », de l'exhibitionnisme, de l'inconfort, de la transgression et de la provocation, souvent associés à l'esprit et à l'audace. Ce travail remet fréquemment en question les frontières conventionnelles, telles que celles entre public et privé, consensuel et non consensuel, entre monde réel et monde de l’art. L'œuvre d'Acconci est reconnue pour son influence sur des artistes tels que Laurie Anderson, Karen Finley, Bruce Nauman et Tracey Emin. Initialement attiré par la poésie radicale, Acconci a changé d'orientation à la fin des années 1960 pour créer des performances d'influence situationniste. Ces œuvres, souvent mises en scène dans des espaces publics ou pour des publics intimes, explorent le corps et son interaction avec les environnements publics. Parmi ses œuvres les plus célèbres figurent Following Piece (1969), où il sélectionnait et suivait au hasard des piétons dans les rues de New York pendant de longues périodes, et Seedbed (1972), une installation à la galerie Sonnabend où il se masturbait soi-disant sous un sol temporaire pendant que les visiteurs marchaient dessus et entendaient ses vocalisations.

Chris Burden était un artiste américain dont la pratique englobait la performance, la sculpture et l'art de l'installation. Il s'est fait connaître dans les années 1970 grâce à ses performances artistiques, notamment Shoot (1971), un acte dans lequel il s'est arrangé pour qu'un associé lui tire une balle dans le bras avec un fusil de petit calibre. Burden, un artiste prolifique, a réalisé de nombreuses installations, œuvres d'art publiques et sculptures de renom avant son décès en 2015. Son engagement dans l'art de la performance a commencé au début des années 1970, marqué par une série d'œuvres controversées centrées sur le concept de danger personnel comme forme d'expression artistique. Sa première performance importante, Five Day Locker Piece (1971), conçue pour son mémoire de maîtrise à l'Université de Californie à Irvine, impliquait son confinement dans un casier pendant cinq jours.

Dennis Oppenheim était un artiste américain reconnu pour ses contributions à l'art conceptuel, à l'art de la performance, à l'art de la terre, à la sculpture et à la photographie. Les premiers efforts artistiques d'Oppenheim constituaient une enquête épistémologique sur l'essence, la création et la définition de l'art, se manifestant comme un méta-art. Cette approche est issue d'une expansion des stratégies minimalistes pour intégrer des considérations de site et de contexte. Au-delà de ses objectifs esthétiques, son travail a évolué de l'examen des attributs physiques de l'espace de la galerie à l'approche de contextes sociaux et politiques plus larges. Au cours des deux dernières décennies de sa carrière très prolifique, la production diversifiée d'Oppenheim, qui a parfois défié les critiques, a principalement pris la forme de sculpture publique permanente.

Yayoi Kusama est un artiste japonais dont la vaste carrière a englobé un large éventail de médias, notamment la sculpture, l'installation, la peinture, la performance, le cinéma, la mode, la poésie, la fiction et d'autres formes artistiques. Une partie importante de son travail démontre un profond intérêt pour le psychédélisme, la répétition et les schémas. Kusama est reconnue comme une pionnière des mouvements Pop Art, Minimalisme et Art féministe, et elle a influencé des contemporains tels qu'Andy Warhol et Claes Oldenburg. Elle est largement reconnue comme l'une des artistes vivantes les plus importantes du Japon et une voix très pertinente dans l'art d'avant-garde.

Années 1970

Au cours des années 1970, les artistes dont les pratiques incorporaient auparavant des éléments de l'art de la performance en ont fait de plus en plus leur discipline principale. Cette évolution a conduit à la création d'installations à travers des performances, des performances vidéo ou des actions collectives, fréquemment contextualisées dans des cadres socio-historiques et politiques spécifiques.

Performances vidéo

Au début des années 1970, l’intégration de la vidéo dans l’art de la performance est devenue solidement établie. Les expositions d'artistes tels que Joan Jonas et Vito Acconci, par exemple, présentaient des œuvres entièrement composées de vidéo, souvent activées par des processus performatifs antérieurs. Au cours de cette décennie, plusieurs publications, dont Expanded Cinema de Gene Youngblood, ont exploré l'utilisation par les artistes de la performance des médias de communication, de la vidéo et du cinéma. Un artiste incontournable dans ce domaine est le Sud-Coréen Nam June Paik, célèbre pour ses installations audiovisuelles innovantes. Le parcours artistique de Paik a commencé au début des années 1960 au sein du mouvement Fluxus, menant ensuite à son développement en tant qu'artiste médiatique et à la création de ses installations audiovisuelles emblématiques.

Le travail de vidéo-performance de Carolee Schneemann et Robert Whitman des années 1960 mérite également d'être pris en considération. Les deux artistes ont été des pionniers de l'art de la performance, qui ont joué un rôle déterminant dans son établissement en tant que forme d'art indépendante au début des années 1970.

Joan Jonas a commencé à incorporer la vidéo dans ses performances expérimentales en 1972, en même temps que Bruce Nauman, qui mettait spécifiquement en scène ses actes pour un enregistrement vidéo direct. Nauman, artiste multimédia américain, a considérablement diversifié et fait progresser le discours culturel depuis les années 1960 à travers ses sculptures, vidéos, œuvres graphiques et performances. Ses œuvres, souvent troublantes, soulignent l'essence conceptuelle de l'art et le processus créatif, donnant la priorité au concept sous-jacent et au processus de création plutôt qu'au produit final. Sa pratique artistique utilise une gamme diversifiée de matériaux, incorporant fréquemment son propre corps.

Gilbert & George, composé de l'artiste italien Gilbert Proesch et de l'artiste anglais George Passmore, est réputé pour ses contributions à l'art conceptuel, à l'art de la performance et à l'art corporel. Ils ont acquis une reconnaissance significative pour leurs performances de « sculpture vivante ». L'une des premières œuvres remarquables était The Singing Sculpture, dans laquelle les artistes chantaient et dansaient sur "Underneath the Arches", une chanson des années 1930. Par la suite, elles se sont forgées une solide réputation de « sculptures vivantes », se présentant comme des œuvres d'art exposées devant le public pour des durées variables. Généralement, ils apparaissent en costumes et cravates, adoptant des postures statiques pendant de longues périodes, bien qu'ils incorporent parfois du mouvement, la récitation de textes ou s'intègrent dans des assemblées et des installations plus grandes. Au-delà de leur travail sculptural, Gilbert & George a réalisé des œuvres picturales, des collages et des photomontages. Celles-ci présentent souvent les artistes aux côtés de divers objets de leur environnement immédiat, incorporant des références à la culture urbaine et abordant des thèmes puissants tels que le sexe, la race, la mort et le VIH, la religion et la politique, critiquant fréquemment le gouvernement britannique et les structures de pouvoir établies. Parmi leurs projets les plus prolifiques et les plus ambitieux figurent Jack Freak Pictures, caractérisé par la présence omniprésente des couleurs rouge, blanche et bleue de l'Union Jack. Gilbert & Le travail de George a été exposé dans le monde entier dans des institutions telles que le Stedelijk van Abbemuseum à Eindhoven (1980), la Hayward Gallery à Londres (1987) et la Tate Modern (2007). Ils ont également participé à la Biennale de Venise et ont reçu le prix Turner en 1986.

Art de l'endurance

L'art de la performance d'endurance explore des thèmes tels que les états de transe, la douleur physique, la solitude, la restriction de la liberté, l'isolement social et l'épuisement extrême. Les performances s'étendant sur des durées prolongées sont souvent classées dans la catégorie des œuvres de longue durée. Chris Burden, figure marquante de ce genre artistique, a été le pionnier de cette approche tout au long des années 1970. Parmi ses œuvres remarquables, Five Day Locker Piece (1971) impliquait son confinement dans un casier d'école pendant cinq jours ; dans Shoot (1971), il a été blessé par balle ; et pour Bed Piece (1972), il est resté au lit dans une galerie d'art pendant vingt-deux jours consécutifs. Tehching Hsieh représente un autre artiste d’endurance important. Dans sa performance de 1980-1981, Time Clock Piece, Hsieh s'est documenté toutes les heures pendant une année complète en se photographiant à côté d'une horloge dans son studio. Hsieh est également reconnu pour ses œuvres explorant la privation de liberté, passant notamment une année complète en confinement. Bryan Lewis Saunders est un autre praticien de la performance de longue durée ; son projet en cours, Sous l'influence (depuis 1995), consiste à produire des autoportraits quotidiens tout en expérimentant des états modifiés de perception. De plus, dans 30 jours totalement aveugles (2018), il a enduré un mois de cécité totale auto-imposée, pendant lequel il a maintenu sa pratique quotidienne de l'autoportrait. Marina Abramović, dans La maison avec vue sur l'océan (2003), a vécu douze jours de vie silencieuse, sans nourriture. "Les Neuf Confinements" ou "La Privation de Liberté" constitue une série de performances d'endurance conceptuelles de l'artiste Abel Azcona, exécutées entre 2013 et 2016, chaque pièce examinant la restriction illégitime de la liberté.

Dimensions politiques de l'art de la performance

Au milieu des années 1970, les arts scéniques expérimentaux ont proliféré dans d'importantes villes d'Europe de l'Est situées derrière le rideau de fer, notamment Budapest, Cracovie, Belgrade, Zagreb et Novi Sad. En opposition aux contrôles politiques et sociaux dominants, de nombreux artistes ont développé des performances aux thèmes politiques explicites. Les séries de performances d'Orshi Drozdik, Individual Mythology (1975-1977) et NudeModel (1976-1977), illustrent cette tendance. Ses interventions artistiques critiquaient constamment le discours patriarcal qui prévaut dans l'art et remettaient en question les programmes d'émancipation imposés par l'État, eux-mêmes enracinés dans les structures patriarcales. Le travail de Drozdik démontre une perspective féministe pionnière sur ces questions, faisant d'elle une précurseur importante de l'art critique en Europe de l'Est. La nature éphémère de l'art de la performance a contribué à sa forte présence au sein de l'avant-garde d'Europe de l'Est dans les années 1970, notamment en Pologne et en Yougoslavie, où des dizaines d'artistes se sont engagés dans des explorations conceptuelles et critiques du corps humain.

L'Autre

Au milieu des années 1970, Ulay et Marina Abramović fondent le collectif The Other à Amsterdam. Leur collaboration a principalement étudié les concepts d'ego et d'identité artistique, initiant une décennie d'efforts artistiques communs. Les deux artistes partageaient un intérêt pour leur héritage culturel et le désir humain de pratiques rituelles. Au sein de L'Autre, ils ont adopté une apparence et un comportement unifiés, favorisant une relation de confiance profonde. Leurs œuvres impliquaient souvent leur corps créant des espaces interactifs pour le public. Par exemple, dans Relation in Space, ils couraient dans une pièce, incarnant deux figures planétaires, fusionnant les énergies masculine et féminine en une troisième entité qu'ils appelaient « ce soi ». Dans Relation in Movement (1976), le duo a conduit sa voiture à l'intérieur d'un musée, effectuant 365 tours. Un liquide noir coulait du véhicule, formant une sculpture, chaque rotation symbolisant une année. Par la suite, ils ont créé Breathing In/Breathing Out, une performance dans laquelle ils unissent leurs lèvres, inhalant l'air expiré de l'autre jusqu'à épuisement de l'oxygène. Après exactement 17 minutes de représentation, les deux artistes ont perdu connaissance à cause de l'accumulation de dioxyde de carbone dans leurs poumons. Cette pièce explore la notion de capacité d'un individu à absorber, transformer et potentiellement diminuer la vitalité d'un autre. En 1988, après plusieurs années de relations tendues, Abramović et Ulay décident de conclure leur travail collectif par un voyage spirituel. Ils ont traversé la Grande Muraille de Chine, en commençant par des extrémités opposées et en se rencontrant à mi-chemin. Abramović a imaginé cette promenade dans un rêve, la percevant comme le point culminant approprié et romantique de leur relation, caractérisée par le mysticisme, l'énergie et l'attraction mutuelle. Ulay a commencé son voyage dans le désert de Gobi, tandis qu'Abramović est parti de la mer Jaune. Chaque artiste a parcouru 2 500 kilomètres, a convergé vers le milieu et a fait ses adieux.

Artistes de premier plan

En 1973, Laurie Anderson a interprété Duets on Ice dans les rues de New York. Parallèlement, la performance Rhythm 10 de Marina Abramović aborde conceptuellement la violation corporelle. Trois décennies plus tard, les thèmes du viol, de la honte et de l'exploitation sexuelle ont été réexaminés dans les œuvres d'artistes contemporains, notamment Clifford Owens, Gillian Walsh, Pat Oleszko et Rebecca Patek. Des artistes pionniers, par leurs actions radicales, se sont imposés comme des figures incontournables de l’art de la performance. Les exemples incluent l'œuvre Shoot de Chris Burden en 1971, où un assistant lui a tiré une balle dans le bras à cinq mètres de distance, et Seedbed de Vito Acconci de la même année. Eye Body de Carolee Schneemann (1963) avait déjà été reconnu comme l'un des premiers prototypes de l'art de la performance. En 1975, Schneemann explore davantage les performances solo innovantes, telles que Interior Scroll, qui utilise le corps féminin comme médium artistique.

Gina Pane, une artiste française d'origine italienne, était une figure éminente de l'art de la performance. Elle a poursuivi des études à l'École nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris de 1960 à 1965 et a participé activement au mouvement français des arts de la performance connu sous le nom d'« Art Corporel ». Parallèlement à sa pratique artistique, Pane enseigne à l'École des Beaux-Arts du Mans de 1975 à 1990 et dirige un atelier dédié à l'art de la performance au Centre Pompidou de 1978 à 1979. Parmi ses œuvres les plus reconnues figure Le Conditionnement (1973), dans lequel elle s'allonge sur un sommier en métal placé au-dessus de bougies allumées. Cette pièce a ensuite été réinterprétée en hommage à Marina Abramović, dans le cadre de ses Seven Easy Pieces (2005) au Musée Solomon R. Guggenheim de New York. Une partie importante de l'œuvre de Pane était consacrée à la douleur auto-infligée, ce qui la distinguait de nombreuses autres artistes féminines des années 1970. À travers des actes tels que se couper la peau avec des rasoirs ou éteindre des flammes avec ses mains et ses pieds nus, Pane visait à provoquer une expérience réelle chez le spectateur, suscitant une réponse viscérale à l'inconfort. La nature percutante de ces premières performances, ou « actions » comme elle préférait les appeler, éclipsait souvent son prolifique travail photographique et sculptural. Néanmoins, le corps reste la préoccupation thématique centrale de l'art de Pane, qu'il soit exploré littéralement ou conceptuellement.

Les années 1980

Techniques des arts du spectacle

La caractéristique initiale de l'art de la performance, avant les années 1980, était sa démystification de la virtuosité. Cependant, à partir des années 1980, la discipline a commencé à incorporer des éléments de génie technique. Sally Banes, critique de danse, observe ce changement dans son commentaire sur l'œuvre de Philip Auslander, Présence et résistance. Banes note qu’à la fin des années 1980, l’art de la performance était si largement reconnu qu’une définition explicite devenait inutile. La culture de masse, en particulier la télévision, fournit de plus en plus à la fois des cadres structurels et un contenu thématique à de nombreuses performances artistiques. En outre, plusieurs artistes de la performance, dont Laurie Anderson, Spalding Gray, Eric Bogosian, Willem Dafoe et Ann Magnuson, ont réussi leur transition vers le divertissement grand public. Au cours de cette décennie, les paramètres spécifiques et les méthodologies techniques visant à affiner et perfectionner l'art de la performance ont été établis.

Analyse critique et enquête scientifique sur l'art de la performance

Alors que de nombreuses performances se déroulent dans les limites d'une communauté spécialisée du monde de l'art, Roselee Goldberg souligne dans Performance Art: From Futurism to the Present que "la performance a été un moyen de s'adresser directement à un large public, ainsi que de choquer le public en le poussant à réévaluer ses propres notions de l'art et sa relation avec la culture". À l’inverse, l’engagement du public envers ce médium, en particulier dans les années 1980, semble provenir d’un désir d’accéder au monde de l’art, d’observer ses rituels et sa communauté unique, et de rencontrer les présentations toujours non conventionnelles et surprenantes des artistes. Cette décennie a également vu la prolifération de publications et d'anthologies consacrées à l'art de la performance et à ses praticiens les plus éminents.

L'art de la performance dans un cadre politique

Le climat politique des années 1980 a considérablement influencé le développement artistique, en particulier dans le domaine de l'art de la performance, étant donné que presque toutes les œuvres intégrant un discours critique et politique se situaient dans cette discipline. Avant la dissolution du bloc européen de l’Est à la fin des années 1980, la plupart des gouvernements communistes réprimaient activement les arts de la scène. À l’exception notable de la Pologne et de la Yougoslavie, l’art de la performance était largement interdit dans les pays où les rassemblements publics indépendants étaient considérés avec suspicion. En République démocratique allemande (RDA), en Tchécoslovaquie, en Hongrie et en Lettonie, ces représentations étaient confinées à des appartements privés, à des rassemblements ostensiblement spontanés en studio d'artistes, dans des environnements supervisés par des églises, ou déguisées en d'autres activités, telles que des séances de photos. Détachées des cadres conceptuels occidentaux, ces performances dans divers contextes allaient de protestations ludiques à des critiques poignantes, employant des métaphores subversives pour exprimer leur opposition aux conditions politiques dominantes. Parmi les œuvres d'art de performance politiquement chargées les plus remarquables de cette époque figurait Art/Life: One Year Performance (Rope Piece) de Tehching Hsieh, exécutée entre juillet 1983 et juillet 1984.

Poésie de performance

Les termes « poésie » et « performance » ont été réunis pour la première fois en 1982. La poésie performance est apparue comme une catégorie distincte permettant de différencier les présentations vocales centrées sur le texte de l'art de la performance plus large, en particulier du travail d'artistes de performance scénique et musicale comme Laurie Anderson, qui a incorporé la musique dans sa pratique au cours de cette période. Les poètes de performance mettaient généralement plus l'accent sur l'expression rhétorique et philosophique dans leur poétique que les artistes de performance, qui étaient souvent issus de disciplines des arts visuels telles que la peinture et la sculpture. Depuis le travail pionnier de John Cage, de nombreux artistes ont intégré la performance à une sensibilité poétique fondamentale.

Art de la performance féministe

Le Feminist Studio Workshop, situé dans le Woman's Building à Los Angeles, a influencé de manière significative la vague naissante d'actions artistiques féministes à partir de 1973 ; cependant, une intégration complète du féminisme et de l’art de la performance ne s’est pleinement concrétisée qu’en 1980. La convergence de ces deux domaines a considérablement progressé tout au long de la décennie suivante. Notamment, de nombreuses œuvres créées au cours des deux premières décennies de développement de l'art de la performance, même si elles n'étaient pas initialement conceptualisées comme féministes, sont désormais interprétées rétrospectivement à travers une lentille féministe.

Les artistes ne se sont pas explicitement identifiés comme féministes avant 1980. Des groupes d'artistes de premier plan regroupaient des femmes fortement influencées à la fois par le mouvement étudiant de 1968 et par le mouvement féministe plus large. La recherche historique de l’art contemporain a largement exploré cette relation. Parmi les personnalités clés apportant des contributions innovantes aux représentations et expositions artistiques figuraient Pina Bausch et les Guerrilla Girls, un collectif artistique féministe et antiraciste anonyme formé à New York en 1985. Leur surnom choisi reflétait leur utilisation de tactiques de guérilla dans l'activisme, employant l'art politique et la performance pour dénoncer la discrimination à l'égard des femmes dans le monde de l'art. Les premières performances consistaient à placer des affiches et à organiser des apparitions publiques dans des musées et des galeries de New York, abordant de manière critique la discrimination sexuelle et raciale. Ces actions ont été exécutées de manière anonyme, les membres dissimulant leur identité derrière des masques de gorille, un choix faisant référence à la similitude phonétique entre « gorille » et « guérilla ». Comme pseudonymes, ils ont adopté les noms d’artistes féminines décédées. Entre les années 1970 et 1980, des travaux importants remettant en question les stratégies de représentation conventionnelles étaient souvent centrés sur le corps féminin. Citons par exemple les pièces new-yorkaises d'Ana Mendieta, qui dépeignent le corps comme violé et maltraité, et les représentations artistiques de Louise Bourgeois, caractérisées par un discours minimaliste émergeant à la fin des années 1970 et dans les années 1980. Notamment, des œuvres explorant la corporéité féminine et féministe, comme les actions performatives phalliques de Lynda Benglis, visaient à reconstruire l'image féminine au-delà de la simple fétichisation. L’art de la performance féministe a ainsi transformé le corps en un lieu crucial pour développer de nouveaux discours et interprétations. Eleanor Antin, une artiste active dans les années 1970 et 1980, a exploré les thèmes du genre, de la race et de la classe sociale. Cindy Sherman, depuis ses premières œuvres dans les années 1970 jusqu'à sa maturité artistique dans les années 1980, a maintenu une approche critique visant à renverser le soi imposé, en utilisant le corps comme objet d'enquête privilégié.

Cindy Sherman est une photographe et artiste américaine. Reconnue comme l'une des artistes d'après-guerre les plus influentes, son travail s'étalant sur plus de trois décennies a été exposé au Museum of Modern Art (MoMA). Même si elle figure dans la majorité de ses photographies performatives, elle ne les qualifie pas d’autoportraits. Sherman utilise sa propre image comme canal pour explorer un large éventail de thèmes contemporains, notamment les rôles sociétaux des femmes, leur représentation médiatique et la nature fondamentale de la création artistique. En 2020, elle a reçu le Wolf Prize in Arts.

Judy Chicago est une artiste américaine et une figure pionnière de l'art féministe et de la performance. Chicago est réputée pour ses installations artistiques collaboratives à grande échelle, qui explorent les thèmes de la naissance et de la création afin d'examiner le rôle des femmes dans l'histoire et la culture. Au cours des années 1970, Chicago a créé le premier programme d’art féministe aux États-Unis. Sa pratique artistique intègre diverses compétences, comme la couture, souvent juxtaposées à des techniques à forte intensité de main d'œuvre comme la soudure et la pyrotechnie. L'œuvre la plus célèbre de Chicago est The Dinner Party, installée en permanence au Centre Elizabeth A. Sackler pour l'art féministe du Brooklyn Museum. The Dinner Party commémore les réalisations historiques des femmes et est largement considéré comme la première œuvre d'art féministe épique. D'autres projets notables incluent International Honor Quilt, The Birth Project, Powerplay et The Holocaust Project.

Le collectif d'art lesbien canadien Kiss & Tell, composé de Persimmon Blackbridge (né en 1951), Lizard Jones (né en 1961) et Susan Stewart (née en 1952), intègre le féminisme queer dans sa pratique créative, qui englobe une gamme diversifiée d'art de la performance. Leurs performances comprenaient des monologues, des confessionnaux et des anecdotes humoristiques, présentés à travers un mélange de narration, de photographie, de vidéo et de musique pour engager et se connecter avec le public. Bisou et amp; Tell s'est inspiré de divers artistes de performance, dont Emmy Hennings, Carolee Schneemann, Martha Rosler et les Guerrilla Girls.

Expansion en Amérique latine.

Au cours de cette décennie, l'art de la performance s'est développé en Amérique latine, principalement grâce aux ateliers et aux programmes proposés par les universités et les établissements universitaires. Son développement a été particulièrement notable au Mexique, en Colombie, avec des artistes comme Maria Teresa Hincapié, au Brésil et en Argentine.

Ana Mendieta, une artiste conceptuelle et performante née à Cuba et élevée aux États-Unis, a acquis une reconnaissance significative pour ses installations et performances de land art. Initialement, l'œuvre de Mendieta était principalement reconnue par la critique d'art féministe. Cependant, dans les années qui ont suivi sa mort, en particulier après la rétrospective du Whitney Museum of American Art en 2004 et la rétrospective de la Haywart Gallery à Londres en 2013, elle a été largement reconnue comme une figure pionnière de l'art de la performance, de l'art corporel, du land art, de la sculpture et de la photographie. Mendieta a qualifié sa pratique artistique distinctive de art du corps terrestre.

Tania Bruguera est une artiste cubaine dont la pratique se spécialise dans l'art de la performance et l'art politique, interprétant principalement des thèmes politiques et sociaux. Elle a conceptualisé « l'art de la conduite » pour délimiter les pratiques artistiques qui explorent les limites du langage et du corps en relation avec la réaction et le comportement du public. De plus, Bruguera a introduit le concept d'« art utile », qui vise à susciter des transformations dans des dimensions politiques et juridiques spécifiques de la société. Son travail aborde fréquemment les thèmes du pouvoir et du contrôle, avec une partie substantielle examinant de manière critique les conditions contemporaines dans son Cuba natal. En 2002, elle a créé la Cátedra Arte de Conducta à La Havane.

Regina José Galindo est une artiste de performance guatémaltèque dont le travail se distingue par son contenu politique et critique explicite, utilisant son propre corps comme instrument de confrontation et de transformation sociale. Sa trajectoire artistique a été profondément influencée par la guerre civile guatémaltèque (1960-1996), un conflit qui a abouti au génocide de plus de 200 000 personnes, dont un nombre important d'indigènes, d'agriculteurs, de femmes et d'enfants. À travers son art, Galindo critique la violence, le sexisme (le fémicide étant un thème important), les normes de beauté occidentales, la répression étatique et l'abus de pouvoir, en particulier dans son contexte national, bien que son discours artistique transcende les frontières géographiques. Dans un premier temps, elle utilise exclusivement son corps comme médium, le poussant parfois dans des situations extrêmes, comme dans Himénoplastie (2004), une performance de reconstruction de l'hymen qui lui vaut le Lion d'Or à la Biennale de Venise. Par la suite, elle a commencé à intégrer des bénévoles ou des participants embauchés, abandonnant ainsi le contrôle sur le résultat du spectacle.

Les années 1990

Les années 1990 ont marqué une période de visibilité réduite pour l'art de la performance européen traditionnel, conduisant de nombreux artistes à rester discrets. À l’inverse, l’Europe de l’Est a connu un essor significatif de l’art de la performance. Parallèlement, l’art de la performance latino-américain et l’art de la performance féministe poursuivent leur expansion. La discipline a également connu un apogée dans les pays asiatiques, où ses origines remontent à la danse Butō des années 1950 ; Au cours de cette décennie, cependant, il s'est professionnalisé et les nouveaux artistes chinois ont acquis une reconnaissance substantielle. Cette époque a également vu une professionnalisation plus large de l'art de la performance, comme en témoigne une augmentation des expositions dédiées et l'inclusion de l'art de la performance à la Biennale d'art de Venise, où plusieurs praticiens, dont Anne Imhof, Regina José Galindo et Santiago Sierra, ont reçu le Leone d'Oro.

L'art de la performance dans des contextes politiques

Avec la dissolution du bloc soviétique, des œuvres d'art de performance auparavant interdites ont commencé à circuler plus largement. Les jeunes artistes de l’ancien bloc de l’Est, y compris la Russie, s’engagent de plus en plus dans l’art de la performance. Parallèlement, les arts scéniques, y compris la performance, émergent à Cuba, dans les Caraïbes et en Chine. Comme l'ont noté les chercheurs : « Dans ces contextes, l'art de la performance est devenu une nouvelle voix critique dotée d'une force sociale similaire à celle de l'Europe occidentale, des États-Unis et de l'Amérique du Sud dans les années 60 et au début des années 70. Il faut souligner que la montée de l'art de la performance dans les années 1990 en Europe de l'Est, en Chine, en Afrique du Sud, à Cuba et ailleurs ne doit pas être considérée comme secondaire ou comme une imitation de l'Occident. »

La professionnalisation de l'art de la performance

Au cours des années 1990, l’art de la performance s’est intégré dans le monde occidental. Diverses œuvres d'art de performance, comprenant des présentations en direct, de la documentation photographique et d'autres documents, ont commencé à être intégrées dans des galeries et des musées, qui ont de plus en plus reconnu l'art de la performance comme une discipline artistique distincte. Cependant, une institutionnalisation significative s’est surtout produite au cours de la décennie suivante, lorsque de grands musées tels que la Tate Modern de Londres, le MoMA de New York et le Centre Pompidou de Paris ont commencé à acquérir des œuvres d’art de la performance pour leurs collections et à organiser de vastes expositions et rétrospectives. Parallèlement, à partir des années 1990, un nombre croissant d'artistes de performance reçoivent des invitations à des biennales prestigieuses, notamment la Biennale de Venise, la Biennale de São Paulo et la Biennale de Lyon.

L'art du spectacle en Chine

L'art contemporain et la performance chinois ont acquis une reconnaissance internationale substantielle à la fin des années 1990, notamment avec l'invitation de 19 artistes chinois à la Biennale de Venise. Alors que l’art de la performance s’est développé en Chine depuis les années 1970, motivé par des intérêts culturels pour l’art, le processus et la tradition, sa reconnaissance plus large a émergé à partir des années 1990. Au début des années 1990, l’art de la performance chinois était déjà acclamé au sein de la communauté artistique internationale. Au niveau national, il est désormais intégré aux programmes d'enseignement des beaux-arts et continue de gagner en popularité.

Développements depuis les années 2000

Performances des nouveaux médias

De la fin des années 1990 jusqu'aux années 2000, de nombreux artistes ont intégré les technologies émergentes, notamment le World Wide Web, la vidéo numérique, les webcams et les médias en streaming, dans leurs performances. Des praticiens tels que Coco Fusco, Shu Lea Cheang et Prema Murthy ont créé des œuvres qui examinent l'interaction entre le genre, la race, le colonialisme et le corps dans le contexte d'Internet. Parallèlement, des groupes comme Critical Art Ensemble, Electronic Disturbance Theater et Yes Men ont exploité les technologies numériques associées à l'hacktivisme et à l'interventionnisme pour répondre aux préoccupations politiques liées au capitalisme et au consumérisme contemporains.

Au cours de la seconde moitié des années 2000, des formes d'art de la performance assistées par ordinateur ont émergé, favorisant le développement de l'art algorithmique, de l'art génératif et de l'art robotique. Dans ces formes innovantes, l'ordinateur lui-même ou un robot contrôlé par ordinateur assume le rôle de l'interprète.

Coco Fusco, artiste, écrivaine et commissaire interdisciplinaire cubano-américaine basée aux États-Unis, a débuté sa carrière artistique en 1988. Sa pratique implique principalement la performance, à travers laquelle elle étudie les thèmes de l'identité, de la race, du pouvoir et du genre. De plus, son œuvre comprend des vidéos, des installations interactives et des écrits critiques.

Art de la performance radicale

Tout au long des années 2000 et 2010, plusieurs artistes de performance, dont les Pussy Riot, Tania Bruguera et Petr Pavlensky, ont été poursuivis en justice pour leurs diverses interventions artistiques.

Pussy Riot

Le 21 février 2012, des membres du collectif artistique Pussy Riot ont organisé une manifestation contre la réélection de Vladimir Poutine en entrant dans la cathédrale du Christ-Sauveur de Moscou, une église orthodoxe russe. À l'intérieur, ils ont interprété un chant et une danse, faisant le signe de croix et s'inclinant devant le sanctuaire, sous le slogan "Vierge Marie, éloignez Poutine". Leur détention a eu lieu le 3 mars. Le même jour, Maria Alyokhina et Nadejda Tolokonnikova, identifiées comme membres des Pussy Riot, ont été arrêtées par les autorités russes et accusées de vandalisme. Initialement, tous deux ont nié toute appartenance à un groupe et ont entamé une grève de la faim, pour protester contre leur incarcération et leur séparation d'avec leurs enfants jusqu'au début de leur procès en avril. Le 16 mars, Ekaterina Samutsévitch, qui avait déjà été interrogée comme témoin, a également été arrêtée et inculpée.

Des accusations formelles, accompagnées d'un acte d'accusation de 2 800 pages, ont été déposées contre le groupe le 5 juillet. Parallèlement, ils ont été informés qu'ils avaient jusqu'au 9 juillet pour préparer leur défense. En réponse, ils ont déclaré une grève de la faim, arguant qu'une période de deux jours était insuffisante pour préparer la défense. Le 21 juillet, le tribunal a prolongé leur détention provisoire de six mois supplémentaires. L'Union de solidarité avec les prisonniers politiques a par la suite reconnu les trois membres détenus comme prisonniers politiques. Amnesty International les a également désignés comme prisonniers d'opinion, citant « la sévérité de la réponse des autorités russes ».

Autres instances

Depuis 2012, l'artiste Abel Azcona fait face à des poursuites judiciaires concernant plusieurs de ses créations artistiques. L'action judiciaire la plus médiatisée émane de l'archevêché de Pampelune et Tudela, agissant au nom de l'Église catholique. L'Église a accusé Azcona de profanation, de blasphème, de crime de haine et d'atteinte à la liberté et aux sentiments religieux, en particulier en ce qui concerne son œuvre intitulée Amen ou La Pédérastie. Par la suite, en 2016, Azcona a été accusé de glorification du terrorisme en raison de son exposition Natura Morta. Cette exposition présentait des performances, des sculptures hyperréalistes et des installations décrivant des scénarios de violence, de mémoire historique, de terrorisme et de conflits armés.

En décembre 2014, Tania Bruguera a été appréhendée à La Havane, apparemment pour empêcher l'exécution de nouvelles œuvres d'art orientées vers la protestation. Son art de la performance a toujours suscité de sévères critiques, conduisant à des accusations d'incitation à la résistance et de troubles publics. Entre décembre 2015 et janvier 2016, Bruguera a de nouveau été arrêté pour avoir orchestré une représentation publique sur la Plaza de la Revolución de La Havane. Son arrestation a eu lieu aux côtés d'autres artistes, militants et journalistes cubains impliqués dans la campagne Yo También Exijo, née suite aux annonces de Raúl Castro et Barack Obama concernant le rétablissement des relations diplomatiques. Pour la performance intitulée El Susurro de Tatlin #6, Bruguera a installé des microphones et des haut-parleurs sur la Plaza de la Revolución, permettant aux citoyens cubains d'exprimer leurs points de vue sur l'évolution du paysage politique. Cet événement a attiré l'attention des médias internationaux, y compris une présentation de El Susurro de Tatlin #6 à Times Square. En outre, de nombreux artistes et intellectuels ont plaidé pour la libération de Bruguera en soumettant une lettre ouverte à Raúl Castro, signée par des milliers de personnes dans le monde, exigeant la restitution de son passeport et affirmant que sa détention constituait une injustice criminelle, étant donné que sa seule action était de fournir une plateforme d'expression publique.

Petr Pavlensky a été arrêté en novembre 2015 et de nouveau en octobre 2017 pour avoir exécuté des performances artistiques radicales. Il s'agissait d'incendier l'entrée du bâtiment Loubianka, siège du Service fédéral de sécurité russe, puis d'une succursale de la Banque de France. Dans les deux cas, il a aspergé l’entrée principale d’essence ; lors de la deuxième représentation, il a également aspergé l'intérieur avant de l'allumer avec un briquet. En conséquence, les portes du bâtiment ont été partiellement brûlées. À chaque fois, Pavlensky a été appréhendé sans résistance et accusé de débauche. Quelques heures après ces actions, plusieurs vidéos de protestation politiquement et artistiquement chargées ont été publiées en ligne.

Lia Garcia, une artiste de performance transféministe mexicaine connue sous son nom de scène la Novia Sirena, explore les thèmes du toucher et de la vulnérabilité pour souligner les problèmes de violence sexiste et d'identité transgenre. S'appuyant souvent sur des environnements spécifiques au site, le travail de Garcia Proyecto 10bis (2016-2017) impliquait une performance à El Reclusorio Norte, une prison de Mexico. Habillée en quinceañera, elle dansait avec les détenus, utilisant le contact physique comme moyen de défier les barrières institutionnelles conçues pour isoler les personnes incarcérées de la population en général.

L'institutionnalisation de l'art de la performance et ses processus de collection

Depuis le début des années 2000, les grands musées, institutions culturelles et collections privées ont de plus en plus adopté et soutenu l'art de la performance. Notamment, la Tate Modern de Londres a lancé un programme d'art vivant et de performances en janvier 2003. Ce programme a présenté des expositions d'artistes de premier plan, notamment Tania Bruguera et Anne Imhof. En 2012, la Tate Modern a encore renforcé cet engagement avec l'inauguration de The Tanks, créant les premiers espaces dédiés à la performance, au cinéma et à l'art d'installation au sein d'un important musée d'art moderne et contemporain.

Le Musée d'Art Moderne a accueilli du 14 au 31 mars 2010 une importante rétrospective et une reconstitution de l'œuvre de Marina Abramović, marquant la plus grande exposition d'art de la performance de l'histoire du MoMA, du 14 au 31 mars 2010. Cette exposition présentait plus de vingt œuvres de l'artiste, principalement de la période entre 1960 et 1980. Un aspect notable était la réactivation de nombreuses œuvres d'un groupe diversifié de jeunes artistes internationaux spécifiquement choisis pour l'événement. Parallèlement à l'exposition, Abramović a présenté L'artiste est présente, une performance statique et silencieuse de 726 heures et 30 minutes où elle est restée immobile dans l'atrium du musée, invitant les spectateurs à s'asseoir tour à tour en face d'elle. Cette œuvre constitue une interprétation actualisée d'une œuvre de 1970 incluse dans l'exposition, dans laquelle Abramović avait passé des journées entières aux côtés d'Ulay, son partenaire artistique et romantique. La performance a attiré une attention médiatique considérable et a attiré des célébrités, notamment Björk, Orlando Bloom et James Franco.

Au milieu de l'institutionnalisation croissante de l'art de la performance, l'initiative bruxelloise A Performance Affair, cofondée par Liv Vaisberg et Will Kerr, et le format londonien Performance Exchange, étudient tous deux la possibilité de collectionner les œuvres de performance. En outre, le musée et centre culturel autrichien OÖLKG/OK, à travers son format de festival discursif intitulé The Non-fungible Body ?, a exploré les développements récents dans l'institutionnalisation de la performance, présentés pour la première fois en juin 2022.

Plaidoyer collectif dans l'art de la performance

En 2014, la performance artistique Carry That Weight, également connue sous le nom de « performance sur matelas », a été créée par l'artiste Emma Sulkowicz dans le cadre de son projet de thèse en arts visuels à l'université Columbia de New York. La représentation a débuté en septembre 2014, avec Sulkowicz transportant son matelas à travers le campus de l'Université de Columbia. L'artiste a conçu cette œuvre pour protester contre un viol non résolu dont elle avait été victime des années auparavant dans son dortoir, qu'elle avait signalé mais n'avait reçu aucune résolution de l'université ou des autorités judiciaires. Par conséquent, elle s'est engagée à porter le matelas en continu tout au long du semestre jusqu'à sa cérémonie de remise des diplômes en mai 2015. Bien que l'œuvre ait suscité une controverse importante, elle a également reçu le soutien de nombreux pairs et militants qui se sont périodiquement joints à Sulkowicz pour porter le matelas, transformant l'œuvre en un acte de protestation internationalement reconnu. Le critique d'art Jerry Saltz a identifié cette œuvre comme l'une des plus significatives de 2014.

En 2019, la performance collective A Rapist in Your Path a été développée par Lastesis, un groupe féministe de Valparaíso, au Chili. Ce travail a fonctionné comme une manifestation contre les violations des droits des femmes dans le contexte des manifestations chiliennes de 2019-2020. Sa représentation inaugurale a eu lieu le 18 novembre 2019 devant le deuxième commissariat des Carabineros du Chili à Valparaíso. Un spectacle ultérieur, impliquant 2 000 Chiliennes le 25 novembre 2019, coïncidant avec la Journée internationale pour l'élimination de la violence à l'égard des femmes, a été filmé et est devenu viral sur les réseaux sociaux. L'influence du spectacle s'est étendue à l'échelle mondiale à mesure que les mouvements féministes dans des dizaines de pays l'ont adopté et traduit pour leurs propres protestations et revendications pour la cessation et la punition du féminicide et de la violence sexuelle, entre autres questions.

Références

Références

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Archives d'art en direct, collection de théâtre de l'Université de Bristol.

• Archives d'art en direct de la collection de théâtre de l'Université de Bristol
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• "Performances transgressives et expérimentales". Dans Kiss & Tell: Art lesbien et amp; Activisme, 2025. Toronto : Art Canada Institute.