Pop art

Le pop art est un mouvement artistique influent qui a émergé au Royaume-Uni et aux États-Unis entre le milieu et la fin des années 1950. Ce mouvement a remis en question les traditions établies des beaux-arts en intégrant des images de la culture populaire et de masse, notamment la publicité, les bandes dessinées, les emballages de produits, les personnages célèbres et les articles de consommation courante, dans la peinture, la sculpture et la gravure. En élevant le lieu commun, le kitsch et la production de masse au rang de grand art, le pop art a effectivement brouillé les distinctions entre la haute et la basse culture. Elle se caractérise également par l'adoption par les artistes de méthodes de reproduction mécanique ou de techniques de rendu. Dans le pop art, le sujet est parfois visuellement disloqué de son contexte familier, isolé ou juxtaposé à des éléments sans rapport.

Pop art est un mouvement artistique apparu au Royaume-Uni et aux États-Unis entre le milieu et la fin des années 1950. Le mouvement représentait un défi pour les traditions des beaux-arts en incluant des images de la culture populaire et de masse – notamment la publicité, les bandes dessinées, les emballages de produits, les célébrités et les biens de consommation courante – dans la peinture, la sculpture et la gravure. En élevant le banal, le kitsch et le produit de masse au rang de grand art, le pop art a brouillé les frontières entre la haute et la basse culture. Elle est également associée à l'utilisation par les artistes de moyens mécaniques de reproduction ou de techniques de rendu. Dans le pop art, le matériau est parfois visuellement retiré de son contexte connu, isolé ou combiné avec du matériel sans rapport.

Le mouvement s'est initialement développé en Grande-Bretagne grâce à des artistes tels que Eduardo Paolozzi et Richard Hamilton, qui ont étudié l'imagerie du consommateur américain et la culture médiatique d'après-guerre à travers le collage et la peinture. Aux États-Unis, des artistes comme Larry Rivers, Ray Johnson, Robert Rauschenberg et Jasper Johns ont réalisé un travail fondamental crucial en incorporant des objets quotidiens et des symboles commerciaux dans leur pratique artistique. Au début des années 1960, des personnalités telles qu'Andy Warhol, Roy Lichtenstein et Tom Wesselmann ont propulsé le mouvement vers une reconnaissance internationale.

Le pop art est intrinsèquement lié à l'ironie, à l'ambiguïté et à un engagement critique envers la culture de consommation. Alors que certaines œuvres semblent célébrer l’esthétique raffinée et l’abondance matérielle du capitalisme d’après-guerre, d’autres examinent de manière critique les effets homogénéisants de la production de masse et de la saturation des médias. Largement considéré à la fois comme une réaction contre l’expressionnisme abstrait et comme une évolution de celui-ci, le pop art a réorienté l’attention artistique vers l’imagerie quotidienne et le design commercial. Grâce à son appropriation d’images trouvées et d’esthétique commerciale, le pop art s’est inspiré des précédents du dadaïsme tout en préfigurant les développements ultérieurs de l’art postmoderne. En dissolvant les frontières entre élite et culture populaire, originalité et reproduction, entre art et marchandise, elle a fondamentalement remodelé le lexique visuel de l'art contemporain.

Origines

La genèse du pop art en Amérique du Nord a divergé de son développement en Grande-Bretagne. Aux États-Unis, le pop art est né comme une réaction artistique, signalant un retour à une composition précise et à un art figuratif. Les artistes ont délibérément utilisé la réalité impersonnelle et banale, l'ironie et la parodie pour neutraliser le symbolisme personnel et le « relâchement pictural » caractéristiques de l'expressionnisme abstrait. Aux États-Unis, certaines œuvres de Larry Rivers, Alex Katz et Man Ray sont considérées comme des précurseurs du pop art.

À l'inverse, les origines du pop art dans la Grande-Bretagne d'après-guerre, tout en utilisant également l'ironie et la parodie, présentaient une orientation plus académique. Les artistes britanniques se sont concentrés sur l’imagerie dynamique et paradoxale de la culture populaire américaine, la percevant comme des appareils symboliques puissants et manipulateurs influençant les modèles sociétaux tout en améliorant simultanément la prospérité. Les premiers pop art britanniques étaient avant tout conceptuels, alimentés par la culture populaire américaine vu de loin. De la même manière, le pop art fonctionnait à la fois comme une extension et un rejet du dadaïsme. Bien que les deux mouvements explorent des thèmes comparables, le pop art a remplacé les impulsions destructrices, satiriques et anarchiques de Dada par une affirmation détachée des artefacts de la culture de masse. Parmi les artistes européens dont le travail est considéré comme ayant conduit au pop art figurent Pablo Picasso, Marcel Duchamp et Kurt Schwitters.

Proto-pop

Bien que le pop art britannique et américain ait émergé dans les années 1950, des personnalités telles que Marcel Duchamp et d'autres artistes européens comme Francis Picabia et Man Ray ont précédé le mouvement. De plus, les origines américaines antérieures de la proto-pop impliquaient l'utilisation d'objets culturels « tels que trouvés ». Au cours des années 1920, les artistes américains Patrick Henry Bruce, Gerald Murphy, Charles Demuth et Stuart Davis ont produit des peintures incorporant des images de la culture pop, en particulier des objets banals dérivés de produits commerciaux et de designs publicitaires américains, préfigurant ainsi presque le mouvement pop art.

Royaume-Uni : Le Groupe indépendant

L'Independent Group (IG), créé à Londres en 1952, est largement reconnu comme l'ancêtre du mouvement pop art. Ce collectif était composé de jeunes peintres, sculpteurs, architectes, écrivains et critiques qui remettaient activement en question les paradigmes culturels modernistes dominants et les perspectives conventionnelles sur les beaux-arts. Leurs discussions ont principalement exploré les implications de la culture populaire, en s'appuyant sur des éléments tels que la publicité de masse, le cinéma, la conception de produits, les bandes dessinées, la science-fiction et la technologie. Lors de la première réunion du Groupe indépendant en 1952, le co-fondateur, artiste et sculpteur Eduardo Paolozzi a donné une conférence présentant une série de collages intitulés Bunk !, qu'il avait compilés à Paris entre 1947 et 1949. Ces « objets trouvés », y compris des publicités, des personnages de bandes dessinées, des couvertures de magazines et divers graphiques produits en série, représentaient principalement la culture populaire américaine. Notamment, le collage de Paolozzi de 1947, J'étais le jouet d'un homme riche, présenté lors de cette conférence, contient la première instance connue du mot « pop », représenté dans un nuage de fumée émanant d'un revolver. À la suite de la présentation influente de Paolozzi en 1952, l'IG s'est principalement concentré sur l'imagerie de la culture populaire américaine, avec un accent particulier sur la publicité de masse.

Le fils de John McHale affirme que son père a créé le terme « pop art » en 1954 lors d'une discussion avec Frank Cordell ; cependant, d'autres récits attribuent sa création au critique britannique Lawrence Alloway. (Les deux récits s'accordent sur le fait que le terme a été activement utilisé dans les discussions du Groupe indépendant au milieu de l'année 1955.)

La désignation « Pop art » a ensuite gagné en popularité parmi les membres de l'IG au cours de la deuxième session de l'IG en 1955. L'expression précise « pop art » est apparue pour la première fois sous forme imprimée en 1956, dans l'article « Mais aujourd'hui, nous collectons des publicités » par les membres de l'IG Alison et Peter Smithson, publié dans le magazine Ark. Néanmoins, le terme est fréquemment attribué au critique d'art et conservateur britannique Lawrence Alloway, en particulier pour son essai de 1958, Les arts et les médias de masse, bien que son expression réelle soit « culture de masse populaire ». Alloway lui-même a précisé : « De plus, ce que je voulais dire par là à l'époque n'est pas ce qu'il signifie aujourd'hui. J'ai utilisé le terme, ainsi que « culture pop », pour désigner les produits des médias de masse, et non les œuvres d'art qui s'inspirent de la culture populaire. Alloway a fourni des précisions supplémentaires sur ces termes en 1966, date à laquelle le pop art avait déjà évolué depuis ses origines dans les écoles d'art et les petites galeries pour devenir une force importante dans le monde de l'art. Cependant, son premier succès ne s’est pas concrétisé en Angleterre. Parallèlement et indépendamment, la ville de New York s'est imposée comme une plaque tournante du pop art.

À Londres, en 1960, l'exposition annuelle des jeunes talents organisée par la Royal Society of British Artists (RBA) a pour la première fois présenté les influences pop américaines. L'exposition très influente RBA-Young Contemporaries de janvier 1961 a apporté une reconnaissance significative à des artistes tels que David Hockney, l'Américain R. B. Kitaj, le Néo-Zélandais Billy Apple, Allen Jones, Derek Boshier, Joe Tilson, Patrick Caulfield, Peter Phillips, Pauline Boty et Peter Blake. Apple était responsable de la conception des affiches et des invitations pour les expositions Jeunes Contemporains de 1961 et 1962. Hockney, Kitaj et Blake ont ensuite reçu des prix à l'exposition John Moores à Liverpool la même année. Pendant les vacances d'été du Collège royal en 1961, Apple et Hockney se sont rendus à New York, où Apple a rencontré pour la première fois Andy Warhol ; les deux artistes ont ensuite déménagé aux États-Unis, Apple s'impliquant profondément dans la scène pop art new-yorkaise.

États-Unis

Bien que le pop art soit né au début des années 1950, il a connu son essor le plus important en Amérique dans les années 1960. Une revue d'août 1962 dans le The New York Times, couvrant une exposition au Wadsworth Atheneum à Hartford, observait la montée de ce qui était alors appelé « Pop » ou « environnemental » dans le cadre d'une enquête sur des œuvres américaines contemporaines provenant d'importantes collections du Connecticut. La revue présentait spécifiquement les images de bandes dessinées de Roy Lichtenstein, les peintures inspirées des panneaux d'affichage de James Rosenquist et les emblématiques boîtes de soupe Campbell's répétées d'Andy Warhol. Ces développements ont été qualifiés non pas de provocations passagères mais de « grands pas vers un art socialement pertinent », indiquant une première reconnaissance critique du défi du pop art à l'expressionnisme abstrait et de son adhésion à la culture de masse.

La désignation « pop art » a été officiellement créée en décembre 1962 lors d'un « Symposium sur le Pop Art » organisé par le Musée d'Art Moderne. Parallèlement, la publicité américaine avait intégré de nombreuses composantes de l’art moderne, fonctionnant à un niveau très avancé. Cela a obligé les artistes américains à explorer des approches stylistiques plus profondes et plus dramatiques pour distinguer les beaux-arts des créations commerciales sophistiquées. La perspective britannique sur l’imagerie de la culture populaire américaine, quelque peu détachée, imprègne fréquemment ses interprétations de nuances romantiques, sentimentales et humoristiques. À l'inverse, les artistes américains, constamment exposés à une vaste gamme de visuels produits en série, ont généralement généré des œuvres plus audacieuses et plus fortes.

L'historien, conservateur et critique Henry Geldzahler a affirmé que les collages de Ray Johnson, en particulier Elvis Presley No. 1 et James Dean, représentent le moment fondateur du mouvement Pop. L'auteur Lucy Lippard a en outre noté que les collages de Johnson mettant en vedette Elvis et Marilyn Monroe préfiguraient le pop art warholien. Johnson, initialement graphiste, a ensuite été reconnu comme l'ancêtre du mail art grâce à sa « New York Correspondence School », privilégiant les œuvres à petite échelle impliquant des coupures et des dessins dans des enveloppes par rapport aux formats plus grands adoptés par ses pairs. Un article de janvier 1958 dans Art News, commentant l'image de couverture, plaçait l'exposition personnelle inaugurale de Jasper Johns aux côtés des œuvres de personnalités établies telles que Rauschenberg, Twombly, Kaprow et Ray Johnson.

Jasper Johns et Robert Rauschenberg ont également joué un rôle déterminant dans l'élaboration du lexique du Pop Art américain. Rauschenberg s'est inspiré de Kurt Schwitters et d'autres artistes Dada, et sa conviction que « la peinture est liée à la fois à l'art et à la vie » a directement remis en question les paradigmes modernistes dominants de son époque. Son incorporation d'objets prêts à l'emploi mis au rebut dans ses « Combines » et d'images de la culture populaire dans ses peintures liaient ses créations à la vie américaine contemporaine. Plus précisément, ses peintures de 1962 à 1964 fusionnaient un travail au pinceau expressif avec des extraits sérigraphiés de magazines tels que Life, Newsweek et National Geographic. La production artistique de Johns, y compris ses représentations de drapeaux, de cibles, de chiffres, de cartes américaines et de représentations tridimensionnelles de canettes de bière, a suscité une enquête critique sur la nature de la représentation dans l'art. Les œuvres produites par Johns et Rauschenberg au cours des années 1950 sont souvent classées comme néo-dada, présentant un caractère visuel distinct de la quintessence du Pop Art américain qui a émergé au début des années 1960.

Roy Lichtenstein revêt une importance comparable au sein du Pop Art américain, avec son œuvre, en particulier ses éléments parodiques, qui résume sans doute le plus efficacement les principes fondamentaux du mouvement. En adoptant les bandes dessinées vintage comme sujet principal, Lichtenstein a créé des compositions caractérisées par leurs arêtes vives et leur précision méticuleuse, documentant et satirisant subtilement la culture populaire. Il a utilisé de la peinture à l'huile et de la peinture Magna dans ses œuvres les plus célèbres, telles que Drowning Girl (1963), dérivée du récit principal du Secret Hearts #83 de DC Comics. Son style distinctif intègre des contours proéminents, des couleurs vives et des points Ben-Day pour simuler des teintes spécifiques, imitant l'esthétique de la reproduction mécanique. Lichtenstein a expliqué son processus en déclarant : « [les expressionnistes abstraits] déposent des choses sur la toile et réagissent à ce qu'ils ont fait, aux positions et aux tailles des couleurs. Mon style est complètement différent, mais la nature de la pose des lignes est à peu près la même ; le mien n'a tout simplement pas l'air calligraphique, comme celui de Pollock ou de Kline. »

En 1964, The Observer a reconnu Andy Warhol comme « l'innovateur du pop art », une désignation reflétant son rôle central dans le mouvement, et il est largement reconnu comme sa figure marquante. Le critique d'art Arthur Danto l'a notamment caractérisé comme « ce qui se rapproche le plus d'un génie philosophique que l'histoire de l'art ait produit ». Warhol a transcendé le pop art d'une simple esthétique visuelle à un phénomène culturel profond, intégrant habilement l'art, la célébrité et le commerce via son studio Factory et son identité publique. Avant son incursion dans les peintures pop art et les films underground dans les années 1960, Warhol s'est imposé comme un illustrateur commercial à succès, créant des publicités, des couvertures de livres et des pochettes de disques. Ses portraits sérigraphiés emblématiques, mettant en vedette des personnages comme Marilyn Monroe et Elvis Presley, ont transformé l'imagerie des médias de masse en œuvres d'art saisissantes et sérialisées qui exploraient de manière critique les thèmes de la célébrité et du consumérisme. Même les éléments banals, tels que l'étiquetage sur une boîte d'expédition de vente au détail, sont devenus un sujet artistique, illustré par sa Campbell's Tomato Juice Box, qui mettait en évidence l'assimilation par le pop art des visuels commerciaux quotidiens. Dans les années 1980, Warhol a encore étendu son influence en encadrant une nouvelle cohorte d'artistes pop, dont Keith Haring et Kenny Scharf.

Expositions pionnières aux États-Unis

La genèse du pop art à la fin des années 1950 et au début des années 1960 a été façonnée de manière significative par une séquence d'expositions cruciales et de vitrines dans des galeries, signalant une rupture définitive avec l'expressionnisme abstrait. Entre 1959 et 1960, les artistes Claes Oldenburg, Jim Dine et Tom Wesselmann tiennent leurs premières expositions à la Judson Gallery de New York. Parallèlement, la Martha Jackson Gallery présentait des assemblages expérimentaux et des installations dans son exposition de 1960, Nouveaux médias – Nouvelles formes, qui comprenait des œuvres de Hans Arp, Kurt Schwitters, Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Oldenburg et Dine. En 1961, Jackson a promu les pratiques artistiques immersives et basées sur les objets en organisant Environnements, Situations, Espaces, une exposition qui a contribué à préparer le terrain pour l'adoption par le pop art des matériaux quotidiens et de l'iconographie de consommation.

En décembre 1961, Oldenburg a inauguré The Store dans le Lower East Side de Manhattan, présentant une installation d'un mois comprenant des sculptures faites à la main qui imitent des produits de consommation. Ses événements associés au "Ray Gun Theatre", qui mettaient en vedette des artistes tels que Lucas Samaras, Tom Wesselmann, Carolee Schneemann, Öyvind Fahlström et Richard Artschwager, remettaient activement en question les frontières traditionnelles séparant l'art de la vie quotidienne. Ces progrès artistiques ont indiqué une rupture avec la nature introspective de l'action painting, pour s'orienter vers un engagement plus externe avec la culture de masse.

En juillet 1962, Andy Warhol a présenté sa première exposition personnelle à la Ferus Gallery d'Irving Blum à Los Angeles, présentant 32 boîtes de soupe Campbell. Au cours du même mois, le Wadsworth Atheneum de Hartford a présenté l'exposition Peinture et sculpture américaines des collections du Connecticut, qui incorporait des pièces d'artistes pop dont Warhol et Oldenburg. Par la suite, Walter Hopps a organisé la Nouvelle peinture d'objets communs au Pasadena Art Museum ; cette exposition est largement reconnue comme la première présentation muséale consacrée au pop art américain, mettant en lumière des artistes tels que Roy Lichtenstein, Warhol, Jim Dine, Wayne Thiebaud et Ed Ruscha. Toujours en 1962, la galerie Sidney Janis de New York a orchestré l'Exposition internationale des nouveaux réalistes, qui a réuni des artistes pop américains et des nouveaux réalistes européens. Cette exposition a solidifié l'importance croissante du pop art, conduisant même plusieurs expressionnistes abstraits, notamment Mark Rothko et Robert Motherwell, à se retirer de la galerie.

En 1963, d’importantes institutions new-yorkaises avaient pleinement adopté le mouvement pop art. Le musée Guggenheim, par exemple, a présenté Six peintres et l'objet, une exposition organisée par Lawrence Alloway qui comprenait des œuvres de Dine, Johns, Lichtenstein, Rauschenberg, Rosenquist et Warhol. Les galeries commerciales ont progressivement élargi leur représentation d'artistes pop : la Green Gallery a exposé Rosenquist, George Segal, Oldenburg et Wesselmann ; Leo Castelli défendait Rauschenberg, Johns et Lichtenstein ; et la Ferus Gallery a maintenu sa promotion de Warhol et Ruscha sur la côte ouest.

La galerie Bianchini a accueilli The American Supermarket en 1964, transformant son espace d'exposition en une épicerie opérationnelle remplie de produits de consommation fabriqués par des artistes tels que Warhol, Lichtenstein, Oldenburg et Wesselmann. Cette installation illustre de manière vivante l'intégration de l'expression artistique et du commercialisme dans le pop art. Au milieu des années 1960, les artistes pop bénéficiaient d'un soutien commercial et institutionnel constant, et l'exposition de 1968 à São Paulo, Environment U.S.A. : 1957-1967, offrait un aperçu détaillé des figures marquantes du mouvement, confirmant ainsi son statut d'influence majeure dans l'art contemporain.

France

Nouveau réalisme désigne un mouvement artistique créé en 1960 par le critique d'art Pierre Restany et l'artiste Yves Klein lors de leur exposition collective inaugurale à la galerie Apollinaire de Milan. Pierre Restany est l'auteur du manifeste initial du groupe, « Déclaration constitutive du nouveau réalisme », en avril 1960, affirmant : « Nouveau réalisme – nouvelles façons de percevoir le réel ». Cette déclaration collaborative a été formellement signée le 27 octobre 1960, à l'atelier d'Yves Klein, par neuf personnes : Yves Klein, Arman, Martial Raysse, Pierre Restany, Daniel Spoerri, Jean Tinguely et les ultra-lettristes — François Dufrêne, Raymond Hains et Jacques de la Villeglé. En 1961, César, Mimmo Rotella, Niki de Saint Phalle et Gérard Deschamps rejoignent ensuite le groupe. L'artiste Christo expose également aux côtés du collectif, qui se dissout finalement en 1970.

Souvent considéré comme le pendant français du Pop Art américain, le Nouveau Réalisme constitue, aux côtés de Fluxus et d'autres collectifs, l'un des nombreux mouvements d'avant-garde des années 1960. Le groupe a initialement établi sa base à Nice, sur la Côte d'Azur, étant donné que Klein et Arman étaient tous deux originaires de la région ; par conséquent, les historiens considèrent souvent rétrospectivement le Nouveau Réalisme comme une des premières manifestations du mouvement de l'École de Nice. Malgré la nature variée de leurs expressions artistiques, les membres ont identifié un fondement commun à leur pratique : une appropriation directe de la réalité, que Restany a qualifiée de « recyclage poétique de la réalité urbaine, industrielle et publicitaire ».

Espagne

En Espagne, l'exploration du Pop Art est liée au mouvement des « nouveaux figuratifs », né de la crise de l'informalisme. Eduardo Arroyo peut être classé dans la tendance Pop Art en raison de son engagement dans les thèmes environnementaux, de sa critique de la culture médiatique (intégrant des icônes de la communication de masse et de l'histoire de l'art) et de son mépris pour les styles artistiques les plus conventionnels. Néanmoins, Alfredo Alcaín est sans doute l'artiste espagnol le plus véritablement aligné sur le Pop Art, se distinguant par son incorporation d'images populaires et d'espaces négatifs dans ses compositions.

L'équipe Chronique (El Equipo Crónica), composée des artistes Manolo Valdés et Rafael Solbes, relève également du Pop Art espagnol ; ce collectif a fonctionné à Valence de 1964 à 1981. Leur approche artistique est identifiable comme « pop » en raison de son incorporation de l'esthétique de la bande dessinée, de l'imagerie publicitaire et de la simplification des éléments visuels et photographiques. Le cinéaste Pedro Almodóvar, originaire de la sous-culture madrilène « La Movida » des années 1970, a produit des films Super 8 Pop Art à petit budget et a ensuite été surnommé « l'Andy Warhol de l'Espagne » par les médias contemporains. Dans Almodovar sur Almodovar, il déclare que le film "Funny Face" des années 1950 a été la principale source d'inspiration pour ses efforts cinématographiques. Une caractéristique distinctive du Pop Art dans les films d'Almodóvar est sa création cohérente d'une publicité fabriquée à insérer dans une scène.

Nouvelle-Zélande

En Nouvelle-Zélande, le Pop Art a prospéré principalement depuis les années 1990, s'alignant fréquemment sur le Kiwiana. Kiwiana représente une représentation idéalisée et pop-centrique des icônes néo-zélandaises par excellence, notamment les tourtes à la viande, les kiwis, les tracteurs, les jandals et les supermarchés Four Square ; le kitsch inhérent à ces éléments est souvent recontextualisé pour véhiculer des significations culturelles plus larges. Dick Frizzell, un artiste pop néo-zélandais renommé, est reconnu pour avoir utilisé les symboles traditionnels Kiwiana pour faire la satire de la culture contemporaine. Par exemple, Frizzell réinterprète fréquemment les œuvres d’artistes internationaux, en leur imprégnant une perspective ou une influence néo-zélandaise distincte. Cette pratique sert à mettre en évidence l'impact mondial historiquement discret de la Nouvelle-Zélande, reliant ainsi l'art naïf au Pop Art d'Aotearoan.

Cette esthétique peut également se manifester par une approche abrasive et pince-sans-rire, illustrée par la célèbre pièce de Michel Tuffery Pisupo Lua Afe (Corned Beef 2000). Tuffery, d'origine samoane, a façonné cette sculpture de taureau à partir de boîtes de conserve d'aliments transformés, en particulier celles contenant du pisupo. Cette œuvre d'art se distingue au sein du pop art occidental en incorporant les thèmes du néocolonialisme et du racisme dirigés contre les cultures non occidentales. Les boîtes de conserve, qui font partie intégrante de la sculpture, symbolisent la dépendance économique imposée aux Samoans par les influences occidentales. Sa perspective autochtone distincte le différencie des créations pop art non autochtones répandues. Les artistes maoris Michael Parekōwhai et Reuben Paterson sont d'autres artistes pop néo-zélandais notables qui explorent un contenu thématique comparable.

Billy Apple, un des premiers artistes pop néo-zélandais de premier plan, était notamment l'un des rares membres non britanniques de la Royal Society of British Artists. Son inclusion aux côtés d'artistes tels que David Hockney, l'Américain R.B. Kitaj et Peter Blake dans l'exposition RBA Young Contemporaries de janvier 1961 a rapidement fait d'Apple un artiste international emblématique des années 1960. Avant d'adopter le surnom de « Billy Apple », ses créations étaient exposées sous son nom de naissance, Barrie Bates. Pour se différencier davantage, non seulement par son nom mais aussi par son apparence, il a décoloré ses cheveux et ses sourcils à l'aide de Lady Clairol Instant Creme Whip. Par la suite, Apple s'est affilié au mouvement de l'art conceptuel des années 1970.

Japon

Le pop art japonais est issu du célèbre mouvement d'avant-garde du pays. Les peintures de style photomontage de Harue Koga de la fin des années 1920 et du début des années 1930, qui incorporaient des images du monde moderne provenant de magazines, anticipaient des éléments clés du pop art. Le mouvement japonais Gutai a culminé avec une exposition en 1958 à la galerie new-yorkaise de Martha Jackson, précédant de deux ans son influente exposition « New Forms New Media », un événement largement reconnu pour avoir établi l'importance du pop art. Les contributions artistiques de Yayoi Kusama ont joué un rôle déterminant dans l'évolution du pop art et ont eu un impact significatif sur de nombreux artistes, dont Andy Warhol. Au milieu des années 1960, le graphiste Tadanori Yokoo était devenu l'un des artistes pop les plus réussis, servant d'emblème international du pop art japonais. Yokoo est réputé pour son travail publicitaire et pour sa production artistique pour les icônes de la culture pop, notamment des commandes pour les Beatles, Marilyn Monroe et Elizabeth Taylor. Keiichi Tanaami était un autre artiste pop de premier plan durant cette période. De plus, des personnages emblématiques des mangas et anime japonais, tels que Speed ​​Racer et Astro Boy, ont également été adoptés comme symboles du pop art. Les mangas et anime japonais ont ensuite influencé les artistes pop ultérieurs, notamment Takashi Murakami et son mouvement Superflat.

Italie

En 1964, le pop art était devenu reconnu en Italie, se manifestant sous diverses formes, notamment la « Scuola di Piazza del Popolo » à Rome. Ce mouvement mettait en vedette des artistes pop tels que Mario Schifano, Franco Angeli, Giosetta Fioroni, Tano Festa et Claudio Cintoli, aux côtés des contributions de Piero Manzoni, Lucio Del Pezzo, Mimmo Rotella et Valerio Adami.

Le pop art italien trouve ses origines dans la culture des années 1950, en particulier à travers les œuvres d'Enrico Baj et Mimmo Rotella, qui sont considérés à juste titre comme des pionniers de ce mouvement artistique. En effet, entre 1958 et 1959, Baj et Rotella ont abandonné leurs efforts artistiques antérieurs – qui pourraient largement être classés comme un genre non figuratif, malgré leurs fortes tendances post-dadaïstes – pour s'immerger dans la culture visuelle naissante et le discours critique qui y est associé. Les décollages de Rotella, ou affiches déchirées, manifestaient de plus en plus une sensibilité figurative, faisant fréquemment des références explicites et intentionnelles aux icônes marquantes de l'époque. Les compositions artistiques de Baj étaient profondément imprégnées de kitsch contemporain, qui s'est avéré être une riche source d'images et un catalyseur important pour toute une génération d'artistes.

L'émergence d'un nouveau panorama visuel, englobant à la fois les intérieurs domestiques et les environnements extérieurs, a caractérisé ce changement artistique. Des éléments du « nouveau monde », tels que les automobiles, la signalisation routière et la télévision, sont devenus des sujets légitimes dans ce domaine artistique en évolution. Le Pop Art italien s’aligne ainsi idéologiquement sur ses homologues internationaux. Les distinctions sont apparues principalement dans l’iconographie et, parfois, grâce à un engagement plus critique envers le sujet. Les précurseurs de cette approche sont évidents dans les travaux de Rotella et Baj, tous deux connus pour leurs commentaires sociétaux non neutres. Cependant, cette perspective n’était pas exclusive ; de nombreux artistes, dont Gianni Ruffi, Roberto Barni, Silvio Pasotti, Umberto Bignardi et Claudio Cintoli, ont abordé la réalité comme un réservoir d'images ludique. Ils ont extrait le matériel avec un sentiment de détachement et de légèreté, remettant en question les paradigmes linguistiques conventionnels avec un esprit qui rappelle le « laissez-moi m'amuser » d'Aldo Palazzeschi. Le Pop Art a maintenu une présence continue dans le paysage artistique italien, évoluant à travers diverses itérations de forme et de contenu au fil du temps. Par exemple, au début des années 2000, l’artiste sicilien Arrigo Musti a développé « l’art impopulaire ». Plus récemment, un sous-genre appelé Pop Symbolisme, à prédominance d'art numérique, a gagné du terrain, en particulier dans le nord de l'Italie.

Belgique

Le Pop Art belge a été représenté par des artistes tels que Paul Van Hoeydonck, dont la sculpture Fallen Astronaut a été déposée sur la Lune lors d'une mission Apollo, aux côtés d'autres artistes pop importants. Des personnalités de renommée internationale comme Marcel Broodthaers (" 'vous êtes poupée ? " ), Evelyne Axell et Panamarenko ont été considérablement influencées par le mouvement Pop Art ; Broodthaers, en particulier, a été grandement influencé par George Segal. Roger Raveel, un autre artiste de premier plan, a incorporé une cage à oiseaux contenant un pigeon vivant dans l'une de ses peintures. Vers la fin des années 1960 et au début des années 1970, les allusions au Pop Art se sont retirées des œuvres. de certains artistes qui ont adopté une position plus critique envers l'Amérique, influencée par la brutalité croissante de la guerre du Vietnam. À l'inverse, Panamarenko a toujours maintenu l'ironie intrinsèque du mouvement Pop Art. Evelyne Axell, une artiste pop prolifique originaire de Namur active entre 1964 et 1972, a été parmi les pionnières du genre. Son œuvre la plus reconnue est Ice. Crème.

Pays-Bas

Bien qu'il n'y ait pas eu de mouvement Pop Art formel aux Pays-Bas, une cohorte d'artistes qui ont passé du temps à New York pendant la période naissante du Pop Art s'est largement inspirée du mouvement international. Les figures notables associées au Pop Art néerlandais incluent Daan van Golden, Gustave Asselbergs, Jacques Frenken, Jan Cremer, Wim T. Schippers et Woody van Amen. Ces artistes ont défié la mentalité petite-bourgeoise néerlandaise en créant des œuvres humoristiques empreintes de sérieux. Des exemples illustratifs incluent Sex O'Clock de Woody van Amen et Crucifix / Target de Jacques Frenken.

Russie

L'engagement de la Russie dans le mouvement Pop Art s'est produit plus tard, avec l'apparition d'œuvres pop dans les années 1970. Ce retard était probablement dû à l'environnement politique russe d'après-guerre, qui réglementait strictement l'expression artistique. L'itération russe du Pop Art, connue sous le nom de Sots Art, a adopté des thèmes soviétiques. Contrairement au Pop Art occidental, le Sots Art a servi de réponse contre-culturelle aux mouvements artistiques sanctionnés par l'État. Après la chute du mur de Berlin, le pop art russe a évolué vers une forme distincte, illustrée par le tableau de Dmitri Vrubel Mon Dieu, aide-moi à survivre à cet amour mortel.

Artistes notables

Références

Références

Bloch, Marc. Le chemin de fer de Brooklyn. « Gutaï : 1953 – 1959 », juin 2018.

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• Expositions du musée de Brooklyn : Subversion séduisante : artistes pop féminines, 1958-1968, octobre 2010-janvier. 2011
• Terme du glossaire Tate pour le pop art