L'art postmoderne englobe divers mouvements artistiques apparus en opposition à certains principes du modernisme ou à ses développements ultérieurs. En règle générale, des catégories telles que l'intermédia, l'art de l'installation, l'art conceptuel et le multimédia, en particulier ceux intégrant la vidéo, sont qualifiées de postmodernes.
Plusieurs caractéristiques déterminantes distinguent l'art postmoderne. Celles-ci englobent la recontextualisation de styles et de thèmes historiques dans des cadres contemporains, le bricolage, l'intégration proéminente du texte comme composante artistique principale, le collage, la simplification, l'appropriation et l'art de la performance. De plus, une caractéristique importante est la dissolution des distinctions traditionnelles entre les beaux-arts, le grand art, le bas art et la culture populaire.
Utilisation du terme
Depuis les années 1950, l’appellation dominante de la production artistique est « l’art contemporain ». Cependant, tout l’art classé comme contemporain n’est pas postmoderne ; cette classification plus large inclut les artistes qui maintiennent des pratiques modernistes et modernistes tardives, aux côtés de ceux qui désavouent le postmodernisme pour des raisons alternatives. Arthur Danto postule que « contemporain » est le descripteur le plus large, les œuvres postmodernes constituant un « sous-secteur » au sein du mouvement contemporain plus large. Bien que certains artistes postmodernes se soient nettement éloignés des principes modernistes, un consensus définitif distinguant le « moderne tardif » du « post-moderne » reste insaisissable. Des concepts auparavant rejetés par l’esthétique moderne ont été réintégrés. En peinture plus précisément, le postmodernisme a marqué la réintroduction des formes de représentation. Certains critiques soutiennent qu'une partie substantielle de l'art contemporain « postmoderne », en particulier les expressions d'avant-garde récentes, devrait être classée dans la catégorie de l'art moderne.
Au-delà de caractériser des tendances spécifiques de l'art contemporain, le terme « postmoderne » a également été appliqué pour désigner une phase particulière de l'art moderne. Cette perspective a été adoptée à la fois par les partisans du modernisme, dont Clement Greenberg, et par ses critiques radicaux, comme Félix Guattari, qui l'a qualifié de « dernier souffle » du modernisme. Le critique néo-conservateur Hilton Kramer a qualifié le postmodernisme de « une création du modernisme à bout de souffle ». Selon l'interprétation de Fredric Jameson, Jean-François Lyotard n'a pas revendiqué une étape postmoderne fondamentalement distincte du grand modernisme ; Lyotard considérait plutôt l'insatisfaction postmoderne à l'égard de styles spécifiques du haut modernisme comme une composante intégrante de la nature expérimentale du haut modernisme, favorisant ainsi de nouveaux modernismes. Dans les domaines de l'esthétique et de l'art, Jean-François Lyotard est un philosophe majeur du postmodernisme.
Un point de vue critique répandu postule que l'art postmoderne a évolué à partir de l'art moderne. Les délais proposés pour cette transition vont de 1914 en Europe à 1962 ou 1968 en Amérique. James Elkins, réfléchissant aux débats autour du début précis du passage du modernisme au postmodernisme, établit un parallèle avec le discours des années 1960 concernant la durée exacte du maniérisme et son point d’initiation – que ce soit immédiatement après la Haute Renaissance ou plus tard dans le siècle. Il souligne que de tels débats sont éternels concernant les mouvements et les périodes artistiques, sans pour autant en diminuer l'importance. La conclusion de l'ère de l'art postmoderne se situe souvent à la fin des années 1980, une période où le terme « postmodernisme » a connu un déclin de sa pertinence critique et où les pratiques artistiques se sont de plus en plus engagées dans les implications de la mondialisation et des médias émergents.
Jean Baudrillard a exercé une influence considérable sur l'art d'inspiration postmoderne, soulignant le potentiel d'expressions créatives nouvelles. L'artiste Peter Halley, par exemple, a caractérisé son utilisation des couleurs day-glo comme une « hyperréalisation de la vraie couleur », attribuant Baudrillard comme une influence clé. À l’inverse, Baudrillard a constamment soutenu, à partir de 1984, que l’art contemporain – en particulier l’art postmoderne – était inférieur à l’art moderniste produit après la Seconde Guerre mondiale, tandis que Jean-François Lyotard louait la peinture contemporaine et notait son développement à partir de l’art moderne. De nombreuses femmes artistes éminentes du XXe siècle sont liées à l'art postmoderne, étant donné qu'une grande partie du cadre théorique de leur travail provient de la psychanalyse française et de la théorie féministe, toutes deux profondément liées à la philosophie postmoderne.
L'application du terme « postmoderne » fait l'objet de critiques, ce qui est courant avec de telles désignations. Par exemple, Kirk Varnedoe a affirmé que le postmodernisme n'existe pas et que son potentiel reste inexploité. Bien que le terme soit devenu un raccourci conventionnel depuis le début jusqu'au milieu des années 1980 pour identifier les œuvres de mouvements artistiques spécifiques d'après-guerre qui utilisent des matériaux distincts et des techniques génériques, les fondements théoriques du postmodernisme en tant que démarcation d'époque ou épistémique continuent d'être très controversés.
Caractéristiques
Le postmodernisme englobe des mouvements artistiques qui à la fois proviennent des tendances modernistes établies et s'y opposent ou les rejettent activement. Les caractéristiques clés souvent attribuées au modernisme comprennent la pureté formelle, la spécificité du médium, le concept de l'art pour l'art, l'authenticité, l'universalité, l'originalité et les tendances révolutionnaires ou réactionnaires, illustrées par l'avant-garde. Néanmoins, le paradoxe apparaît sans doute comme le concept moderniste le plus significatif que le postmodernisme remet en question. Le paradoxe était fondamental dans le projet moderniste, notamment introduit par Manet. Les diverses subversions de Manet de l'art figuratif ont souligné l'exclusivité mutuelle perçue entre réalité et représentation, design et représentation, et abstraction et réalité, entre autres dichotomies. Cette intégration du paradoxe s'est avérée profondément influente pour des artistes allant de Manet aux conceptualistes.
La position de l'avant-garde au sein de l'art contemporain reste controversée. De nombreuses institutions soutiennent que les qualités visionnaires, avant-gardistes, avant-gardistes et progressistes sont indispensables à la mission contemporaine de l'art, suggérant que l'art postmoderne est intrinsèquement en conflit avec l'éthos de « l'art de notre temps ». Le postmodernisme rejette fondamentalement le concept d'avancement ou de progrès inhérent à l'art, cherchant ainsi à démanteler le « mythe de l'avant-garde ». Rosalind Krauss était une éminente partisane de la perspective que l'avant-gardisme avait conclue, ouvrant la voie à une nouvelle époque artistique caractérisée comme post-libérale et post-progrès. Griselda Pollock a mené des recherches approfondies et s'est engagée de manière critique dans l'art d'avant-garde et moderne à travers une série de publications phares, réévaluant simultanément l'art moderne et reconceptualisant l'art postmoderne.
Une caractéristique déterminante de l'art postmoderne est son amalgame de haute et basse culture, réalisé grâce à l'incorporation de matériaux industriels et d'images de la culture populaire. Bien que l'expérimentation moderniste inclue également l'utilisation de formes d'art « basses », comme en témoigne l'exposition de Kirk Varnedoe et Adam Gopnik en 1990-1991 High and Low : Popular Culture and Modern Art au Museum of Modern Art de New York – une exposition largement critiquée à l'époque pour avoir uni des personnalités comme Douglas sertissage et Hilton Kramer dans un dédain collectif – l'art postmoderne est particulièrement reconnu pour son brouillage délibéré des frontières entre ce qui est considéré comme du beau ou du grand art et ce qui est typiquement catégorisé comme art low ou kitsch. Alors que le concept de « flou » ou de « fusion » de l’art haut et bas a été exploré pendant le modernisme, il n’a été pleinement approuvé qu’avec l’émergence de l’ère postmoderne. Le postmodernisme a intégré des éléments de commercialisme, de kitsch et une esthétique de camp plus large dans son cadre artistique. De plus, il s’approprie et combine des styles de diverses périodes historiques, telles que le gothique, la Renaissance et le baroque, sans tenir compte souvent de leurs fonctions contextuelles d’origine au sein de leurs mouvements artistiques respectifs. Ces éléments constituent collectivement des caractéristiques communes qui définissent l’art postmoderne. Art Spiegelman, en discutant de ses choix stylistiques pour Maus, a articulé la capacité de l'artiste postmoderne à cultiver une vaste « palette » de styles variés, dans laquelle ils peuvent puiser librement, contrairement à leurs prédécesseurs qui se concentraient généralement sur le raffinement et le maintien d'un style « de marque » singulier.
Fredric Jameson postule que les œuvres postmodernes renoncent à toute affirmation de spontanéité et de franchise dans l'expression, employant plutôt le pastiche et la discontinuité. En opposition à cette définition, Charles Harrison et Paul Wood de Art and Language ont soutenu que le pastiche et la discontinuité sont intrinsèques à l'art moderniste, ayant été utilisés efficacement par des artistes modernes tels que Manet et Picasso.
Une définition concise du postmodernisme postule son rejet des récits artistiques globaux du modernisme, démantelant simultanément les distinctions entre les formes d'art supérieures et inférieures et renversant les genres conventionnels grâce à des techniques telles que la collision, le collage et la fragmentation. Dans l’art postmoderne, toutes les perspectives sont considérées comme intrinsèquement instables et fallacieuses ; par conséquent, l’ironie, la parodie et l’humour apparaissent comme les seules positions critiques ou révisionnistes insensibles à la subversion. Les caractéristiques supplémentaires incluent le pluralisme et la diversité.
Précurseurs d'Avant-Garde
Des mouvements et tendances radicaux influents, considérés comme des précurseurs potentiels du postmodernisme, sont apparus pendant et immédiatement après la Première Guerre mondiale. L'incorporation d'objets industriels dans l'art et l'adoption de techniques comme le collage par des mouvements d'avant-garde tels que le cubisme, Dada et le surréalisme ont fondamentalement remis en question les notions établies sur la nature et la valeur de l'art. Les formes d’art émergentes, notamment le cinéma et la prévalence croissante de la reproduction, ont également façonné ces mouvements en tant que nouvelles voies de création artistique. L'essai fondateur de Clement Greenberg, Avant-Garde and Kitsch, initialement publié dans Partisan Review en 1939, a servi de texte fondateur pour définir le modernisme, prônant l'avant-garde sur fond de culture populaire. Par la suite, Peter Bürger a fait la différence entre l’avant-garde historique et le modernisme, une distinction qui a conduit des critiques comme Krauss, Huyssen et Douglas sertissage à identifier l’avant-garde historique comme un précurseur du postmodernisme. Par exemple, Krauss interprète l'application du collage par Pablo Picasso comme une technique d'avant-garde qui préfigurait la priorité donnée par l'art postmoderne aux éléments linguistiques sur l'expression autobiographique. À l’inverse, une perspective alternative suggère que les artistes d’avant-garde et modernistes ont employé des stratégies comparables, le postmodernisme ayant finalement répudié les deux.
Papa
Au début du XXe siècle, Marcel Duchamp présentait un urinoir comme une pièce sculpturale. Son intention était d’obliger les spectateurs à percevoir l’urinoir comme une œuvre d’art uniquement en vertu de sa déclaration. Il a qualifié ces créations de « Readymades ». L'emblématique Fontaine, un urinoir signé du pseudonyme de R. Mutt, a provoqué une controverse considérable dans le monde de l'art en 1917. Cette œuvre, ainsi que d'autres œuvres similaires de Duchamp, est largement classée dans la catégorie Dada. Duchamp est souvent considéré comme l’ancêtre de l’art conceptuel. Cependant, certains critiques contestent la classification de Duchamp – réputé pour sa préoccupation pour le paradoxe – comme postmoderniste, arguant que son rejet de la spécificité du médium (étant donné que le paradoxe transcende tout médium particulier, malgré son émergence initiale dans les peintures de Manet) complique une telle catégorisation. Chronologiquement, Dada se situe fermement dans le modernisme ; néanmoins, plusieurs critiques affirment qu'il préfigure le postmodernisme, tandis que d'autres, dont Ihab Hassan et Steven Connor, proposent qu'il représente une phase de transition potentielle entre le modernisme et le postmodernisme. Par exemple, McEvilly postule que le postmodernisme commence par la reconnaissance que le mythe du progrès n'est plus crédible, une prise de conscience que Duchamp aurait saisie en 1914 lorsqu'il est passé d'une pratique moderniste à une pratique postmoderniste, « abjurant ainsi la délectation esthétique, l'ambition transcendante et les tours de force des démonstrations d'agilité formelle en faveur de l'indifférence esthétique, de la reconnaissance du monde ordinaire et de l'objet trouvé ou du ready-made ».
Mouvements radicaux dans l'art moderne
Au départ, le Pop Art et le Minimalisme sont apparus comme des mouvements modernistes ; cependant, un changement de paradigme important et une divergence philosophique entre formalisme et anti-formalisme au début des années 1970 ont conduit certains à réévaluer ces mouvements en tant que précurseurs ou formes de transition de l'art postmoderne. D'autres mouvements modernes considérés comme influents sur l'art postmoderne comprennent l'art conceptuel et l'application de techniques telles que l'assemblage, le montage, le bricolage et l'appropriation.
Jackson Pollock et l'expressionnisme abstrait
À la fin des années 1940 et au début des années 1950, l'approche radicale de Pollock en matière de peinture a révolutionné la trajectoire de l'art contemporain ultérieur. Pollock a postulé que le processus artistique avait une importance équivalente à l'œuvre d'art finale elle-même. Semblable aux réinventions révolutionnaires de la peinture et de la sculpture par Pablo Picasso au tournant du siècle à travers le cubisme et la sculpture construite, Pollock a fondamentalement redéfini la création artistique au milieu du XXe siècle. Son départ de la peinture traditionnelle sur chevalet et des méthodes conventionnelles a émancipé à la fois ses contemporains et les générations d'artistes suivantes. Les artistes ont reconnu que la méthodologie de Pollock – qui impliquait de travailler sur le sol, d'utiliser une toile brute non étirée des quatre côtés, d'incorporer des matériaux artistiques et industriels, d'employer des images et des non-images, et d'appliquer de la peinture à travers des écheveaux linéaires, des gouttes, des dessins, des teintures et des pinceaux – élargissait les paramètres de la création artistique au-delà des limites précédentes. L'expressionnisme abstrait a par conséquent élargi et avancé les définitions et les possibilités créatives dont disposent les artistes pour produire de nouvelles œuvres. Les innovations introduites par des personnalités telles que Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyff Still, Barnett Newman et Ad Reinhardt, entre autres, ont effectivement ouvert la voie à la diversité et à la portée des efforts artistiques ultérieurs.
Expressionnisme post-abstrait
Au cours des années 1950 et 1960, la peinture abstraite a vu l'émergence de plusieurs nouveaux mouvements, notamment la peinture Hard-Edge et d'autres formes d'abstraction géométrique, illustrées par le travail de Frank Stella. Ces développements sont apparus dans les ateliers d'artistes et les cercles d'avant-garde en réaction contre le subjectivisme perçu de l'expressionnisme abstrait. Clement Greenberg a défendu l'abstraction post-picturale, articulant ses principes à travers une exposition influente de nouvelles peintures qui a fait le tour des principaux musées d'art des États-Unis en 1964. La peinture Color Field, la peinture Hard-edge et l'abstraction lyrique se sont ensuite matérialisées comme de nouvelles trajectoires artistiques importantes.
À la fin des années 1960, le postminimalisme, le Process Art et l'Arte Povera se sont également matérialisés en tant que concepts et mouvements révolutionnaires, influençant à la fois la peinture et la sculpture. Ces développements étaient étroitement liés à l’abstraction lyrique, au mouvement postminimaliste et aux premiers arts conceptuels. Inspiré par Pollock, le Process Art a permis aux artistes d'explorer et d'utiliser une gamme variée de styles, de contenus, de matériaux, de placements, de perceptions temporelles et d'espaces plastiques et réels. Parmi les jeunes artistes éminents qui ont émergé à la fin de cette ère moderniste, contribuant à l'épanouissement artistique de la fin des années 1960, citons Nancy Graves, Ronald Davis, Howard Hodgkin, Larry Poons, Jannis Kounellis, Brice Marden, Bruce Nauman, Richard Tuttle, Alan Saret, Walter Darby Bannard, Lynda Benglis, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield, Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra, Sam Gilliam, Mario. Merz, Peter Reginato et Lee Lozano.
Mouvements artistiques
Art de la performance et événements
Tout au long des années 1950 et 1960, des artistes d'horizons divers ont activement élargi les paramètres de l'art contemporain. Parmi les pionniers de l'art basé sur la performance figurent Yves Klein en France et Carolee Schneemann, Yayoi Kusama, Charlotte Moorman et Yoko Ono à New York. Des ensembles tels que The Living Theatre, dirigés par Julian Beck et Judith Malina, ont collaboré avec des sculpteurs et des peintres pour construire des environnements immersifs, modifiant fondamentalement la dynamique entre le public et l'interprète, en particulier dans leur œuvre Paradise Now. Le Judson Dance Theatre, situé à la Judson Memorial Church à New York, présentait des danseurs tels que Yvonne Rainer, Trisha Brown, Elaine Summers, Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay, Lucinda Childs et Steve Paxton, qui ont collaboré avec des artistes Robert Morris, Robert Whitman, John Cage, Robert Rauschenberg et des ingénieurs comme Billy Klüver. Ces performances visaient souvent à forger une nouvelle forme d'art, intégrant la sculpture, la danse et la musique ou le son, impliquant souvent la participation du public. Les œuvres étaient caractérisées par les philosophies réductrices du minimalisme, l'improvisation spontanée et l'expressivité inhérente à l'expressionnisme abstrait.
Parallèlement, de la fin des années 1950 au milieu des années 1960, divers artistes d'avant-garde créent des Happenings. Ces événements étaient souvent des rassemblements spontanés, improvisés et énigmatiques d'artistes, de leurs amis et de leurs parents, organisés dans divers lieux désignés. Les événements intégraient fréquemment des éléments tels que des exercices absurdes, des activités physiques, des costumes, de la nudité impromptue et une gamme d'actions apparemment sans rapport et aléatoires. Parmi les personnalités éminentes de la création de Happenings figuraient Allan Kaprow, Joseph Beuys, Nam June Paik, Wolf Vostell, Claes Oldenburg, Jim Dine, Red Grooms et Robert Whitman.
Art de l'assemblage
Émergeant en conjonction avec l'expressionnisme abstrait, l'art d'assemblage impliquait l'intégration d'objets manufacturés avec des matériaux artistiques traditionnels, s'éloignant ainsi des conventions établies de la peinture et de la sculpture. Les « moissonneuses-batteuses » de Robert Rauschenberg des années 1950, qui incorporaient de grands objets physiques tels que des animaux empaillés, des oiseaux et des photographies commerciales, ont servi d'illustration parfaite de cette trajectoire artistique et préfiguraient à la fois le Pop Art et l'art de l'installation.
En 1969, Leo Steinberg a employé le terme « postmodernisme » pour caractériser le plan d'image « à plat » de Rauschenberg, qui intégrait un large éventail d'images et d'artefacts culturels auparavant considérés comme incompatibles avec le domaines picturaux de la peinture prémoderniste et moderniste. Craig Owens a développé cette interprétation, affirmant que l'importance de l'œuvre de Rauschenberg ne réside pas dans la représentation, comme le suggérait Steinberg, « du passage de la nature à la culture », mais plutôt dans l'illustration de l'impossibilité inhérente de maintenir une telle opposition binaire.
Steven Best et Douglas Kellner positionnent Rauschenberg et Jasper Johns dans une phase de transition, influencée par Marcel Duchamp, reliant le modernisme et le postmodernisme. Leur pratique artistique incorporait des images d'objets quotidiens, ou des objets eux-mêmes, tout en préservant simultanément l'abstraction et la gestuelle au pinceau caractéristiques du grand modernisme.
Anselm Kiefer incorpore de la même manière des éléments d'assemblage dans ses créations, mettant notamment en scène la proue d'un bateau de pêche dans l'une de ses peintures.
Pop Art
Lawrence Alloway a inventé le terme « Pop Art » pour caractériser les œuvres d'art célébrant le consumérisme qui prévalait après la Seconde Guerre mondiale. Ce mouvement artistique s'écartait de l'accent mis par l'expressionnisme abstrait sur l'introspection herméneutique et psychologique, privilégiant plutôt un art qui dépeint, et fréquemment loué, la culture de consommation matérielle, la publicité et l'iconographie de l'ère de la production de masse. Parmi les exemples marquants du mouvement figurent les premières œuvres de David Hockney, ainsi que les créations de Richard Hamilton, John McHale et Eduardo Paolozzi. Les manifestations américaines ultérieures englobent la longue carrière d’artistes tels qu’Andy Warhol et Roy Lichtenstein, ce dernier employant notamment les points Benday, une technique dérivée de la reproduction commerciale. Une lignée distincte relie les œuvres radicales et empreintes d'humour du dadaïste rebelle Marcel Duchamp avec des artistes pop tels que Claes Oldenburg, Andy Warhol et Roy Lichtenstein.
Thomas McEvilly, en accord avec Dave Hickey, postule que le postmodernisme américain dans les arts visuels est né avec les expositions inaugurales de Pop Art en 1962, bien qu'il ait fallu environ deux décennies pour que le postmodernisme s'impose comme un sensibilité prédominante au sein des arts visuels. Fredric Jameson classe également le Pop Art comme postmoderne.
Le caractère postmoderne du Pop Art est en partie attribuable à son démantèlement de ce qu'Andreas Huyssen a appelé le « Grand fossé » entre le grand art et la culture populaire. Le postmodernisme lui-même est considéré comme issu d'un « refus générationnel des certitudes catégoriques du grand modernisme ».
Fluxus
Le mouvement Fluxus a été nommé et vaguement structuré en 1962 par George Maciunas (1931-1978), un artiste américain d'origine lituanienne. Ses origines remontent aux cours de composition expérimentale de John Cage, dispensés de 1957 à 1959 à la New School for Social Research de New York. Un nombre important d'étudiants de Cage étaient des artistes engagés dans divers médias, possédant souvent une formation musicale formelle minimale, voire inexistante. Parmi les étudiants de Cage se trouvaient plusieurs membres fondateurs de Fluxus, dont Jackson Mac Low, Al Hansen, George Brecht et Dick Higgins. En Allemagne, Fluxus a débuté en 1962 avec le FLUXUS Internationale Festspiele Neuester Musik à Wiesbaden, avec George Maciunas, Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June Paik et d'autres. Cela a été suivi en 1963 par le Festum Fluxorum Fluxus à Düsseldorf, qui comprenait entre autres George Maciunas, Wolf Vostell, Joseph Beuys, Dick Higgins, Nam June Paik, Ben Patterson et Emmett Williams.
Fluxus défendait une philosophie d'autoproduction et privilégiait la simplicité plutôt que la conception complexe. Semblable à son prédécesseur, Dada, Fluxus a affiché une position anti-commerciale et anti-art prononcée, critiquant l'establishment artistique conventionnel et axé sur le marché en faveur d'une méthodologie créative centrée sur l'artiste. Les artistes de Fluxus préféraient utiliser des matériaux facilement disponibles, soit en produisant leurs œuvres de manière indépendante, soit en s'engageant dans une création collaborative avec leurs pairs.
Fluxus est souvent classé dans la phase initiale du postmodernisme, aux côtés de personnalités telles que Rauschenberg, Johns, Warhol et l'Internationale situationniste. Andreas Huyssen, cependant, critique les efforts visant à aligner Fluxus sur le postmodernisme, qualifiant ces tentatives de le présenter comme « soit le code maître du postmodernisme, soit le mouvement artistique finalement irreprésentable – pour ainsi dire, le sublime du postmodernisme ». À l’inverse, Huyssen considère Fluxus comme une manifestation néo-dadaïste significative au sein de la lignée d’avant-garde. Même si cela ne signifie pas une progression substantielle dans les méthodologies artistiques, cela exprime néanmoins un défi à l'égard de « la culture administrée des années 1950, dans laquelle un modernisme modéré et domestiqué servait de soutien idéologique à la guerre froide ».
Minimalisme
Au début des années 1960, le minimalisme s'est matérialisé comme un mouvement d'art abstrait, faisant remonter ses origines à l'abstraction géométrique à travers Malevitch, le Bauhaus et Mondrian. Ce mouvement rejetait la peinture relationnelle et subjective, les surfaces complexes de l'expressionnisme abstrait, ainsi que la teneur émotionnelle et les polémiques caractéristiques de l'Action Painting. Les partisans du minimalisme affirmaient qu’une profonde simplicité pouvait permettre d’obtenir la représentation sublime inhérente à l’art. En peinture, le minimalisme, illustré par des artistes comme Frank Stella, constitue un mouvement moderniste qui, selon son interprétation contextuelle, peut être considéré comme un précurseur du postmodernisme.
Dans son essai The Crux of Minimalism, Hal Foster analyse comment Donald Judd et Robert Morris, à travers leurs définitions publiées du minimalisme, reconnaissent et transcendent simultanément le modernisme greenbergien. Foster soutient que le minimalisme ne représente pas une « impasse » du modernisme, mais plutôt un « changement de paradigme vers des pratiques postmodernes qui continuent d'être élaborées aujourd'hui ».
Land art
Connu sous diverses appellations telles que Land art, Earth art, art environnemental et Earthworks, ce mouvement artistique est né dans les années 1960 et 1970. Bien que principalement lié à la Grande-Bretagne et aux États-Unis, il englobe des exemples provenant de nombreux autres pays. En tant que phénomène artistique, le « land art » a élargi la portée de la production artistique conventionnelle grâce au choix des matériaux et à l'emplacement de ses installations. Les matériaux constitutifs comprennent fréquemment des éléments naturels tels que le sol, les roches, la végétation et l'eau provenant directement du site, souvent situé à distance des zones urbaines. Malgré l'inaccessibilité occasionnelle de ces sites, la documentation photographique est régulièrement présentée dans les galeries d'art urbaines.
Les principes fondamentaux de ce mouvement artistique tournent autour du rejet de la commercialisation de l’art et de l’adhésion au mouvement écologique naissant. Sa création a coïncidé avec un désaveu généralisé des modes de vie urbains et une appréciation correspondante des environnements ruraux. Ces tendances englobaient également des aspirations spirituelles concernant le rôle de la Terre en tant que demeure de l'humanité.
Postminimalisme
En 1977, Robert Pincus-Witten a introduit le terme post-minimalisme pour caractériser l'art dérivé du minimalisme mais incorporant un contenu et des nuances contextuelles que le minimalisme lui-même évitait. Son application du terme s'étend sur la période de 1966 à 1976, englobant des œuvres d'artistes tels que Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra, ainsi que de nouvelles créations d'anciens minimalistes dont Robert Smithson, Robert Morris, Sol LeWitt et Barry Le Va, entre autres. Cet ensemble d'œuvres est également décrit par des termes comme Process art et art anti-forme, ses caractéristiques étant définies par l'espace occupé et sa méthodologie de production.
Rosalind Krauss postule qu'en 1968, des artistes comme Morris, LeWitt, Smithson et Serra étaient « entrés dans une situation dont les conditions logiques ne peuvent plus être décrites comme modernistes ». Elle affirme en outre que l'élargissement de la catégorie de la sculpture pour incorporer le land art et l'architecture "a provoqué le passage au postmodernisme".
Le sculpteur américain Christopher Wilmarth est souvent classé comme post-minimaliste, s'alignant sur des figures telles qu'Eva Hesse et Bruce Nauman. L'œuvre de Wilmarth s'est délibérément éloignée de l'esthétique immaculée et fabriquée à la machine favorisée par les minimalistes, tout en évitant simultanément l'exubérance axée sur le processus qui prévaut dans une grande partie de la sculpture post-minimaliste des années 1970.
Des artistes minimalistes de premier plan, dont Donald Judd, Dan Flavin, Carl Andre, Agnes Martin et John McCracken, ont maintenu leur production de peintures et de sculptures modernistes tardives tout au long de leur vie professionnelle.
Art conceptuel
L'art conceptuel est souvent classé comme postmoderne en raison de son engagement explicite dans la déconstruction des définitions artistiques. Ce genre suscite souvent d'importantes controverses, car ses créations sont souvent destinées à remettre en question, provoquer ou critiquer les perceptions dominantes de son public.
Les premières influences sur l'art conceptuel incluent les contributions de Duchamp, "4' 33" de John Cage - une pièce où le contenu musical est défini par les sons ambiants perçus par le public lors de sa représentation - et le Erased De Kooning Drawing de Rauschenberg. Un principe fondamental de nombreuses œuvres d'art conceptuelles est que l'art est constitué par la perception qu'a le spectateur d'un objet ou d'une action comme étant artistique, plutôt que par les qualités inhérentes à l'œuvre elle-même. Par conséquent, l'exposition de Fontaine en a fait une sculpture.
Peinture figurative
Certaines tendances de la peinture figurative d'après-guerre ont été interprétées à travers une lentille postmoderne. Les critiques américains, par exemple, ont identifié l’artiste italien Carlo Maria Mariani comme un postmoderniste. Charles Jencks a noté que le portrait de groupe de Mariani, La Constellation du Lion (1980-1981), qui représente des personnages de la scène artistique italienne aux côtés d'allusions mythologiques et historiques de l'art, illustre une caractéristique clé de l'art postmoderne : « un commentaire ironique sur un commentaire sur un commentaire qui signale la distance ; un nouveau mythe trois fois éloigné de son rituel d'origine. »
Art de l'installation
Une trajectoire importante dans l'art systématiquement catégorisée comme postmoderne englobe l'art de l'installation et la production d'artefacts conceptuels. Les panneaux de Jenny Holzer, par exemple, utilisent des mécanismes artistiques pour communiquer des messages précis, tels que « Protégez-moi de ce que je veux ». L'art de l'installation a joué un rôle crucial dans l'élaboration des exigences architecturales des musées d'art contemporain, nécessitant des espaces capables d'accueillir de vastes œuvres comprenant de vastes collages de matériaux fabriqués et découverts. Ces installations et collages intègrent fréquemment des composants électriques, des éléments cinétiques et un éclairage.
De tels travaux sont fréquemment conçus pour générer des impacts environnementaux, comme en témoigne le Rideau de fer, mur de 240 barils de pétrole, bloquant la rue Visconti, Paris, juin 1962 de Christo et Jeanne-Claude, qui a servi de commentaire symbolique au mur de Berlin érigé en 1961.
Art Lowbrow
L'art Lowbrow représente un mouvement populiste omniprésent issu de la bande dessinée underground, de la musique punk, de la culture de rue hot rod et de diverses sous-cultures californiennes. Également fréquemment appelé surréalisme pop, l'art Lowbrow souligne un principe fondamental du postmodernisme : la dissolution des distinctions traditionnelles entre les formes d'art « élevées » et « basses ».
Art de la performance
Art numérique
L'art numérique sert de descripteur global pour diverses créations et méthodologies artistiques qui intègrent la technologie numérique comme élément fondamental de leurs processus de génération ou d'exposition. L'influence de la technologie numérique a révolutionné les pratiques établies comme la peinture, le dessin, la sculpture et l'art musical/sonore, favorisant simultanément l'émergence et la reconnaissance de nouvelles formes artistiques telles que le net art, l'art des installations numériques et la réalité virtuelle.
Parmi les théoriciens et historiens de l'art éminents spécialisés dans ce domaine figurent Christiane Paul, Frank Popper, Christine Buci-Glucksmann, Dominique Moulon, Robert C. Morgan, Roy Ascott, Catherine Perret, Margot Lovejoy, Edmond Couchot, Fred Forest et Edward A. Shanken.
Intermédia et multimédia
Une tendance notable dans l'art associée au postmodernisme est l'intégration de divers médias, souvent appelés « intermédia ». Inventé par Dick Higgins, l'intermédia fait référence à de nouvelles formes d'art englobant des mouvements tels que Fluxus, la poésie concrète, les objets trouvés, l'art de la performance et l'art informatique. Higgins, poète concret, éditeur de Something Else Press et admirateur de Marcel Duchamp, était marié à l'artiste Alison Knowles. Ihab Hassan inclut « l'intermédia, la fusion des formes, la confusion des domaines » parmi ses caractéristiques déterminantes de l'art postmoderne. L'art vidéo, utilisant des bandes vidéo et des moniteurs CRT, représente l'une des formes les plus répandues d'« art multimédia ». Bien que le concept théorique de combinaison de plusieurs disciplines artistiques soit ancien et ait connu des renaissances périodiques, sa manifestation postmoderne se confond fréquemment avec l'art de la performance, souvent dépourvu de sous-texte dramatique, se concentrant plutôt sur les déclarations spécifiques de l'artiste ou sur l'essence conceptuelle de ses actions. La vision de Higgins de l'Intermédia est intrinsèquement liée à l'évolution des pratiques numériques multimédia, notamment la réalité virtuelle immersive, l'art numérique et l'art informatique.
Art télématique
L'art télématique décrit les efforts artistiques qui utilisent les réseaux de télécommunications informatiques comme support principal. Cette forme d'art remet en question la dynamique conventionnelle entre les sujets de visualisation actifs et les objets d'art passifs en établissant des contextes comportementaux interactifs pour des rencontres esthétiques à distance. Roy Ascott considère l'art télématique comme transformant le spectateur en un participant actif à la création de l'œuvre d'art, qui reste en processus perpétuel tout au long de sa durée. Ascott est un pionnier dans la théorie et la pratique de l'art télématique depuis 1978, date à laquelle il s'est engagé pour la première fois en ligne pour organiser divers projets numériques collaboratifs.
Art d'appropriation et art néo-conceptuel
Dans son essai de 1980 L'impulsion allégorique : vers une théorie du postmodernisme, Craig Owens identifie la résurgence d'une impulsion allégorique comme une caractéristique de l'art postmoderne. Cette impulsion est évidente dans l'art d'appropriation de personnages comme Sherrie Levine et Robert Longo, étant donné que « l'imagerie allégorique est une imagerie appropriée ». L'art d'appropriation critique les idéaux modernistes de génie artistique et d'originalité, présentant une plus grande ambivalence et contradiction que l'art moderne en établissant et en renversant simultanément des idéologies, étant ainsi « à la fois critique et complice ».
Néo-expressionnisme et peinture
La résurgence de formes d'art traditionnelles comme la sculpture et la peinture à la fin des années 1970 et au début des années 1980, illustrée par des artistes néo-expressionnistes tels que Georg Baselitz et Julian Schnabel, a été caractérisée comme une tendance postmoderne et l'un des premiers mouvements cohésifs à émerger dans l'ère postmoderne. Cependant, ses liens étroits avec le marché commercial de l’art ont suscité des questions quant à son statut de mouvement postmoderne et à la définition même du postmodernisme. Hal Foster soutient que le néo-expressionnisme était complice de la politique culturelle conservatrice qui prévalait sous l'ère Reagan-Bush aux États-Unis. Félix Guattari rejette les « grandes opérations promotionnelles qualifiées de « néo-expressionnisme » en Allemagne » (le citant comme exemple d'une « mode qui se maintient grâce à la publicité ») comme un moyen trop simpliste pour lui « de démontrer que le postmodernisme n'est rien d'autre que le dernier souffle du modernisme ». Ces critiques du néo-expressionnisme soulignent à quel point le soutien financier et les relations publiques ont considérablement renforcé la crédibilité du monde de l’art contemporain en Amérique à une époque où les artistes conceptuels et les pratiques des femmes artistes, notamment des peintres et des théoriciennes féministes comme Griselda Pollock, réévaluaient systématiquement l’art moderne. Brian Massumi affirme que Deleuze et Guattari élargissent la portée de nouvelles définitions de la beauté au sein de l'art postmoderne. Pour Jean-François Lyotard, les peintures d'artistes tels que Valerio Adami, Daniel Buren, Marcel Duchamp, Bracha Ettinger et Barnett Newman, à la suite de l'ère d'avant-garde et les œuvres de Paul Cézanne et Wassily Kandinsky, ont servi de canal à de nouveaux concepts du sublime dans l'art contemporain.
Critique institutionnelle
Les critiques des institutions artistiques, principalement des musées et des galeries, sont au cœur du travail d'Andrea Fraser, Michael Asher, Marcel Broodthaers, Daniel Buren et Hans Haacke.
Sources
Sources
- Le triomphe du modernisme : le monde de l'art, 1985-2005. Par Hilton Kramer. 2006. ISBN 978-0-15-666370-0.
- Images de rien : l'art abstrait depuis Pollock (Conférences A.W. Mellon sur les beaux-arts). Par Kirk Varnedoe. 2003.
- L'art de l'ère postmoderne : de la fin des années 1960 au début des années 1990. Par Irving Sandler.
- Postmodernisme (Mouvements dans l'art moderne). Par Eleanor Heartney.
- La sculpture à l'ère du doute. Par Thomas McEvilley. 1999.
Références
- Médias liés à l'art postmoderne sur Wikimedia Commons