L'art de processus est un mouvement artistique où le produit final, l'objet d'art (œuvre d'art/objet trouvé), n'est pas l'objectif principal ; au lieu de cela, le processus créatif lui-même constitue un objectif principal, sinon primordial. Ce processus englobe des activités telles que la collecte, la catégorisation, l'arrangement, la corrélation et la formation de modèles, ainsi que le lancement de diverses actions et procédures. Les partisans du Process Art ont conceptualisé la création artistique comme un engagement collaboratif entre les humains et les qualités expressives inhérentes aux matériaux. Ce mouvement explore fondamentalement la manifestation des forces sur la matière, affirmant que l’acte même de production artistique peut être considéré comme une œuvre d’art à part entière. L'artiste Robert Morris a qualifié cette méthodologie artistique d'« anti-forme », signifiant un détachement de toute relation intrinsèque avec l'objet physique qui en résulte.
Histoire et mouvement
Émergeant au milieu des années 1960 aux États-Unis et en Europe, le Process Art s'est développé comme un mouvement créatif en opposition directe avec le minimalisme. En général, les praticiens du Process Art évitaient le concept d’artefact singulier et complet, donnant plutôt la priorité au processus artistique inhérent. Un précurseur important était la technique de peinture au goutte-à-goutte de Jackson Pollock, caractérisée par l'application vigoureuse de peinture sur une toile horizontale, utilisant tout l'engagement corporel de l'artiste pour couvrir toute la surface. Mettant l'accent sur l'indétermination dans leur exploration du flux et de l'éphémère, les artistes Process se sont également inspirés de l'art de la performance et du mouvement Dada. En 1968, Robert Morris présente une exposition phare au Musée Guggenheim, accompagnée d'un essai élucidant les principes du Process art. Le site officiel du musée explique :
Les artistes du processus s'intéressent à des thèmes liés à la corporéité, aux événements aléatoires, à l'improvisation et au potentiel émancipateur des matériaux non conventionnels, notamment la cire, le feutre et le latex. En utilisant ces médiums, ils ont généré des formes non conventionnelles dans des configurations imprévisibles ou asymétriques, obtenues par des actions telles que couper, suspendre et laisser tomber, ou via des phénomènes naturels tels que la croissance, la condensation, le gel ou la décomposition.
Le mouvement Process Art présente une relation directe avec le mouvement artistique environnemental. Selon le site Art et Culture :
Les artistes des processus donnent la priorité aux systèmes biologiques, employant des matériaux éphémères, peu substantiels et transitoires tels que des carcasses d'animaux, de la vapeur, de la graisse fondue, de la glace, des céréales, de la sciure et de la végétation. Ces matériaux sont fréquemment soumis à des forces naturelles, notamment la gravité, la dégradation temporelle, les conditions météorologiques et les fluctuations de température.
Dans le cadre du Process Art, semblable au mouvement Arte Povera, la nature elle-même est célébrée en tant qu'art, ce qui conduit souvent au rejet de sa simple symbolisation ou représentation.
Connexions interdisciplinaires et mouvements associés
L'art de processus présente des points communs fondamentaux avec plusieurs autres domaines, notamment les thérapies expressives et les arts transformateurs. Ces deux domaines soulignent comment l'engagement créatif dans les efforts artistiques peut favoriser la compréhension personnelle, faciliter la guérison individuelle et catalyser la transformation sociale, quelle que soit la valeur esthétique ou marchande perçue de l'artefact résultant.
De plus, l'art de processus fait partie intégrante de la recherche basée sur les arts, une méthodologie qui utilise des processus créatifs et l'expression artistique pour explorer des sujets qui s'avèrent récalcitrants aux modes d'enquête descriptifs ou représentationnels conventionnels.
Travaux notables
- Expansion étendue, d'Eva Hesse, comprend une étamine recouverte de caoutchouc suspendue à des poteaux en fibre de verre. La largeur variable de ces poteaux à travers différentes installations sert à illustrer le processus inhérent à la construction de l'installation.
- Untitled (Pink Felt), de Robert Morris, présente des morceaux de tissu en feutre rose disposés en tas sur le sol. Cette œuvre intègre la gravité comme partie intégrante du processus artistique, soulignant ainsi le caractère aléatoire inhérent à la composition.
- Splash Piece : Casting, par Richard Serra. Ses premières œuvres utilisaient des matériaux tels que le caoutchouc, le néon, le latex, la fibre de verre et le plomb. Ces compositions explorent la fluidité intrinsèque et les propriétés structurelles des matériaux, en utilisant des techniques telles que le coulage et les éclaboussures pour la formation sculpturale. Les œuvres ultérieures de Serra ont évolué vers des installations monumentales fabriquées à partir de matériaux tels que l'acier forgé et le béton, où la forme et l'échelle sont devenues des médiums principaux.
- Contraband, de Lynda Benglis, impliquait l'application de latex pour former une coulée irrégulière et abstraite directement sur le sol, destinée à symboliser la pollution de l'environnement.
- Mattress Piece, de Gary Kuehn, a exploré l'utilisation de la tension entre des formes distinctes comme moyen de critiquer l'esthétique minimaliste rigide et dure qui prévalait dans les années 1960.
- Accumulated Vision, une collection de Barry Le Va, présente sa production artistique des années 1960 à 2005, incorporant divers matériaux tels que du verre brisé, des couperets à viande, du feutre de laine, de la craie en poudre, de l'huile de lin, une machine à écrire et un pistolet.
- La pièce vidéo de Bruce Nauman, Art Make-Up, montre l'artiste appliquant progressivement diverses couleurs de maquillage sur son visage et son torse, créant finalement l'illusion d'un négatif photographique. Bien qu'initialement conçu pour une projection simultanée sur quatre murs, ce concept n'a pas été réalisé dans l'œuvre originale mais a ensuite été exploré dans des projets ultérieurs.
- La création de Richard Van Buren en 2010, Batambang, composée de thermoplastique, de peinture acrylique et de coquillages, examine de manière critique la trajectoire et les contraintes inhérentes à la sculpture en tant que forme d'art.
Références
Wheeler, D. (1991). L'art depuis le milieu du siècle : 1945 à nos jours.
- Wheeler, D. (1991). L'art depuis le milieu du siècle : 1945 à nos jours.
- Morris, R. (1993). Projet continu modifié quotidiennement : les écrits de Robert Morris.
- Andersen, W.V. (1975). Sculpture américaine en cours : 1930-1970. Boston, MA : Little, Brown & Cie
- Krauss, R.E. (éd.). (1986). Richard Serra / Sculpture. New York : Le Musée d'Art Moderne.
- Rorimer, A. (2004). Le nouvel art dans les années 60 et 70 : redéfinir la réalité. Londres : Tamise et Londres Hudson.