Le régionalisme américain représente un mouvement artistique réaliste américain moderne comprenant des peintures, des peintures murales, des lithographies et des illustrations représentant des scènes authentiques de l'Amérique rurale et des petites villes, principalement dans le Midwest. Né dans les années 1930 en réponse directe à la Grande Dépression, le mouvement s'est terminé dans les années 1940, principalement en raison de la fin de la Seconde Guerre mondiale et de l'absence d'évolution artistique ultérieure. Il a atteint son apogée entre 1930 et 1935, devenant largement acclamé pour ses représentations rassurantes du cœur de l'Amérique pendant une période de crise nationale.
Le régionalisme américain est un mouvement d'art moderne réaliste américain qui comprenait des peintures, des peintures murales, des lithographies et des illustrations représentant des scènes réalistes de l'Amérique rurale et des petites villes, principalement dans le Midwest. Il est apparu dans les années 1930 en réponse à la Grande Dépression et a pris fin dans les années 1940 en raison de la fin de la Seconde Guerre mondiale et du manque de développement au sein du mouvement. Il a atteint son apogée de popularité entre 1930 et 1935, car il était largement apprécié pour ses images rassurantes du cœur de l'Amérique pendant la Grande Dépression.
Malgré des variations stylistiques notables entre les artistes individuels, l'art régionaliste a généralement adopté une esthétique relativement conservatrice et traditionaliste. Cette approche a trouvé un écho auprès des sensibilités populaires américaines tout en rejetant explicitement la domination perçue des tendances artistiques françaises.
Émergence
Avant la Seconde Guerre mondiale, le concept de modernisme manquait de définition claire dans le contexte de l'art américain, ce qui coïncidait avec les efforts visant à établir une identité artistique typiquement américaine. Dans cette quête, certains artistes américains ont délibérément évité les tendances modernes issues de l’Armory Show et les influences européennes, notamment celles de l’École de Paris. En rejetant les styles abstraits européens, les artistes américains optent pour un réalisme académique, en se concentrant sur les représentations des environnements urbains et ruraux américains. En partie propulsé par la Grande Dépression, le régionalisme est devenu l’un des deux mouvements artistiques prédominants en Amérique dans les années 1930, aux côtés du réalisme social. À cette époque, les États-Unis restaient une nation essentiellement agricole, avec une proportion nettement plus faible de sa population résidant dans des centres industriels tels que New York ou Chicago.
Peinture de scène américaine
La peinture de scène américaine sert de désignation globale à la fois au régionalisme américain et au réalisme social, ce dernier également connu sous le nom de réalisme urbain. Une caractéristique importante de la peinture de scène américaine est sa transmission du nationalisme et du romantisme à travers des représentations de la vie quotidienne américaine. Ce sentiment nationaliste est né du rejet par les artistes des tendances de l'art moderne après la Première Guerre mondiale et l'Armory Show. Tout au long des années 1930, ces artistes ont méticuleusement documenté et représenté les villes, les petites villes et les paysages ruraux américains. Certains ont poursuivi cela comme un moyen d'évoquer une époque plus simple, distincte de l'industrialisation, tandis que d'autres visaient à articuler des déclarations politiques, alignant leur art sur des causes révolutionnaires et radicales. Les œuvres mettant l'accent sur des thèmes locaux et de petites villes sont souvent classées dans la catégorie du « régionalisme américain », tandis que celles représentant des scènes urbaines empreintes d'une conscience politique et sociale sont appelées « réalisme social ». La variante spécifique développée en Californie est reconnue sous le nom de California Scene Painting.
Triumvirat régionaliste
Le régionalisme américain est surtout reconnu à travers son « triumvirat régionaliste », composé des trois artistes les plus estimés de l'époque de la Grande Dépression américaine : Grant Wood, Thomas Hart Benton et John Steuart Curry. Bien que tous trois aient poursuivi des études d’art à Paris, ils ont consacré leur carrière à cultiver une expression artistique véritablement américaine. Ils partageaient la conviction que la résolution des défis urbains de la société américaine et de la Grande Dépression résidait dans le retour des États-Unis à leurs fondations agricoles et rurales.
Accorder du bois
Wood, originaire d'Anamosa, Iowa, est principalement célèbre pour sa peinture American Gothic. Il est également l'auteur d'un pamphlet remarquable intitulé Revolt Against the City, publié dans Iowa City en 1935, dans lequel il affirmait que les artistes et mécènes américains ne recherchaient plus la culture parisienne pour leurs sujets et leur style artistiques. Wood a expliqué que les artistes régionaux interprètent la physiographie, l'industrie et la psychologie de leurs communautés locales et que l'interaction de ces éléments façonne la culture américaine. Il a affirmé que l'attrait de la ville avait diminué et a exprimé l'espoir qu'un « peuple entier » largement dispersé finirait par l'emporter. Il a notamment cité la caractérisation par Thomas Jefferson des villes comme des « ulcères du corps politique ».
Thomas Hart Benton
Thomas Hart Benton, peintre, illustrateur et lithographe originaire de Neosho, Missouri, a acquis une large reconnaissance pour ses peintures murales distinctives. Son orientation artistique était principalement centrée sur la classe ouvrière américaine, intégrant fréquemment des éléments de critique sociale. Bien qu’il soit catégorisé comme moderniste et abstractionniste, Benton a critiqué avec véhémence l’art moderne européen. Suite au déclin de l'importance du régionalisme en Amérique, Benton a obtenu un poste d'enseignant au Kansas City Art Institute, où il a été à la fois instructeur et mentor de Jackson Pollock. Benton est l'auteur de deux autobiographies : la première, intitulée Un artiste en Amérique, raconte ses nombreux voyages à travers les États-Unis, tandis que la seconde, Un Américain dans l'art, détaille son évolution artistique et technique. En plus de sa carrière de peintre, il était un musicien folk accompli, sortant un album intitulé Saturday Night at Tom Benton's.
Curry John Steuart
John Steuart Curry, originaire de Dunavant, au Kansas, a d'abord travaillé comme illustrateur spécialisé dans les récits du « Far West » ; cependant, une formation ultérieure l'a conduit à peindre des peintures murales pour le ministère de la Justice et le ministère de l'Intérieur dans le cadre du mécénat fédéral des arts à l'époque du New Deal. Sa démarche artistique se caractérise par un style dramatique et anecdotique, soutenu par la conviction que l'art doit naître d'expériences quotidiennes et que les artistes doivent représenter des sujets d'affection personnelle. Pour Curry, cela se traduit par des représentations de sa chère patrie du Midwest. Wood a commenté le style artistique et les choix thématiques de Curry, observant : "C'était l'action qu'il aimait le plus interpréter : la fente dans l'espace, la fraction de seconde avant la mise à mort, le moment suspendu avant que la tempête ne frappe."
Modernisme américain
Le discours sur la définition du modernisme américain a commencé avec l'Armory Show de 1913 à New York, polarisant entre abstraction et réalisme. Dans les années 1930, ce débat s'était diversifié en trois mouvements distincts : le régionalisme, le réalisme social et l'art abstrait. Dans les années 1940, le régionalisme et le réalisme social furent regroupés sous l’égide de la peinture de scène américaine, réduisant ainsi le débat à deux factions principales, distinctes par des alignements géographiques et politiques. La peinture de scène américaine a recueilli le soutien de critiques conservateurs et anti-modernistes, dont Thomas Craven, qui la percevait comme une stratégie visant à contrecarrer l'influence naissante de l'abstraction européenne. Les artistes associés à la peinture de scène américaine résidaient principalement dans les régions rurales, produisant des œuvres réalistes abordant des thèmes sociaux, économiques et politiques. À l'inverse, les artistes abstraits, en grande partie basés à New York, étaient défendus par des critiques, des écrivains et des artistes pro-modernistes comme Alfred Stieglitz.
Refuser
La fin de la Seconde Guerre mondiale a marqué un déclin significatif de la position du régionalisme et du réalisme social au sein du monde de l'art. La période d’après-guerre a marqué le début d’une ère de paix et de croissance économique, tandis que le début de la guerre froide a remodelé les perspectives politiques américaines, renforçant ainsi les critiques modernistes. De plus, le régionalisme et le réalisme social ont connu une diminution de l'attrait du public auprès du public américain, en grande partie attribuable à l'évolution thématique limitée des mouvements et à leur adhésion rigide aux sujets agraires. Par conséquent, l'expressionnisme abstrait a finalement prévalu, revendiquant le manteau du modernisme américain et émergeant comme le mouvement artistique dominant et largement favorisé.
Importance
Le régionalisme a effectivement contenu la prolifération de l'art abstrait, principalement sur la côte Est, favorisant ainsi un sentiment de confiance en soi au sein de l'art américain, plutôt que sa dépendance continue à l'égard des traditions esthétiques européennes. Une fois que l’art américain a acquis une identité distincte, le régionalisme a servi d’intermédiaire crucial entre l’art abstrait et le réalisme académique, parallèlement au rôle des impressionnistes en ouvrant la voie aux postimpressionnistes tels que Paul Cézanne, Vincent van Gogh et Paul Gauguin en France une génération auparavant. Paradoxalement, malgré son objectif fondamental de supplanter l'abstraction européenne par un authentique réalisme américain, le régionalisme a finalement fonctionné comme un précurseur de l'expressionnisme abstrait américain, notamment illustré par l'étudiant de Benton, Jackson Pollock. L'impact artistique significatif de Pollock a été largement attribué au mentorat et à la profonde influence de Thomas Hart Benton.
Influence
Norman Rockwell et Andrew Wyeth sont apparus comme les principaux héritiers du réalisme naturaliste du régionalisme. Rockwell a acquis une grande popularité grâce à ses illustrations de magazines illustrant la vie de famille américaine idéalisée. À l'inverse, l'œuvre emblématique de Wyeth, Christina's World, est souvent considérée comme un prétendant aux côtés de American Gothic de Wood pour la distinction de la peinture la plus appréciée des États-Unis.
Le régionalisme a exercé une influence profonde et durable sur la culture populaire, en particulier aux États-Unis. Il a contribué à certaines des créations artistiques les plus emblématiques des États-Unis, qui servent de symboles nationaux. L'esthétique régionaliste a notamment façonné de nombreux illustrateurs américains de livres pour enfants, tels que Holling Clancy Holling, et continue d'apparaître dans les publicités, les films et la littérature contemporaines. Des œuvres comme American Gothic sont fréquemment parodiées dans le monde entier. Même la fresque murale de John Steuart Curry, Tragic Prelude, située dans le Capitole de l'État du Kansas, figurait sur la couverture du premier album, Kansas, du groupe de rock progressif américain Kansas.
Freedom from Want de Norman Rockwell, peint en 1943, a été créé pendant l'implication des États-Unis dans la Seconde Guerre mondiale. Ce tableau évoque le traditionnel dîner américain de Thanksgiving. Durant cette période, les familles américaines étaient confrontées au rationnement alimentaire, leurs fils étaient déployés à l’étranger et le Département du Trésor américain encourageait activement la vente d’obligations de guerre. S'inspirant du discours sur l'état de l'Union des « Quatre libertés » du président Franklin D. Roosevelt en janvier 1941, Rockwell a produit cette œuvre, qui a ensuite été utilisée comme propagande. Il a été diffusé sous forme imprimée et présenté dans quatre numéros du Saturday Evening Post tout au long de 1943, servant également les efforts du Département du Trésor des États-Unis pour encourager les ventes d'obligations de guerre. Grâce à cette large diffusion, Rockwell a atteint une audience nettement plus large que nombre de ses contemporains régionalistes.
Peintures remarquables
- American Gothic, peint par Grant Wood en 1930, est actuellement exposé à l'Art Institute of Chicago. Wood s'est inspiré d'une ferme de style gothique charpentier à Eldon, Iowa, et a employé son dentiste et sa sœur comme modèles pour les personnages.
- Baptême au Kansas, peint par John Steuart Curry en 1926, fait partie de la collection du Whitney Museum of American Art depuis 1931. L'œuvre est basée sur une scène observée par Curry en 1915, lorsque des ruisseaux asséchés nécessitaient l'utilisation d'un réservoir d'eau pour les baptêmes.
- La Chevauchée de minuit de Paul Revere, peinte par Grant Wood en 1931, a ensuite été acquise par le Metropolitan Museum of Art de New York, bien qu'elle n'ait plus été exposée au public depuis 2017. L'inspiration de Wood pour cette œuvre est venue du poème d'Henry Wadsworth Longfellow « La chevauchée de Paul Revere ».
- Freedom from Want, peint par Norman Rockwell en 1943, fait désormais partie de la collection permanente du Norman Rockwell Museum à Stockbridge, Massachusetts. Rockwell s'est inspiré pour créer ce tableau, l'un des quatre de la « Série des quatre libertés », du discours sur l'état de l'Union prononcé par le président américain Franklin D. Roosevelt en 1941, connu sous le nom de « Quatre libertés ».
Artistes notables
- George Ames Aldrich (1872-1941)
- Thomas Hart Benton (1889-1975)
- John Rogers Cox (1915-1990)
- John Steuart Curry (1897-1946)
- Margot Peet (1903-1995)
- Edna Reindel (1894-1990)
- Norman Rockwell (1894-1978)
- Clyde Singer (1908-1999)
- Grant Wood (1891-1942)
- Andrew Wyeth (1917-2009)