Dans les contextes artistiques, le réalisme dénote généralement une tentative de représenter des sujets de manière authentique, dépourvue d'artificialité, d'hyperbole ou de tout élément spéculatif ou surnaturel. Bien que fréquemment échangés avec le naturalisme, ces termes ne sont pas intrinsèquement équivalents. Le naturalisme, conceptualisé dans la représentation visuelle occidentale, vise à représenter des objets avec une distorsion minimale, intrinsèquement liée à l'émergence de la perspective linéaire et de l'illusionnisme au cours de la Renaissance européenne. À l’inverse, le réalisme, bien que fondé sur une représentation naturaliste et une divergence par rapport à l’idéalisation répandue dans l’art académique antérieur, désigne fréquemment un mouvement distinct d’histoire de l’art qui a émergé en France après la Révolution française de 1848. Poussé par une focalisation renouvelée sur la population populaire et la montée des idéologies politiques de gauche, le réalisme, illustré par des artistes tels que Gustave Courbet, mettait souvent en valeur l'ordinaire, l'inesthétique ou le sordide. Les peintres réalistes ont consciemment répudié le romantisme, un mouvement devenu dominant dans la littérature et l'art français depuis la fin du XVIIIe siècle.
Dans l'art, le réalisme est généralement la tentative de représenter un sujet de manière fidèle, sans artificialité, exagération ou éléments spéculatifs ou surnaturels. Le terme est souvent utilisé de manière interchangeable avec naturalisme, bien que ces termes ne soient pas nécessairement synonymes. Le naturalisme, en tant qu'idée liée à la représentation visuelle dans l'art occidental, cherche à représenter les objets avec le moins de distorsion possible et est lié au développement de la perspective linéaire et de l'illusionnisme dans l'Europe de la Renaissance. Le réalisme, bien que fondé sur une représentation naturaliste et une rupture avec l'idéalisation de l'art académique antérieur, fait souvent référence à un mouvement spécifique d'histoire de l'art né en France au lendemain de la Révolution française de 1848. Avec des artistes comme Gustave Courbet capitalisant sur le banal, le laid ou le sordide, le réalisme était motivé par le regain d'intérêt pour le roturier et la montée de la politique de gauche. Les peintres réalistes ont rejeté le romantisme, qui en était venu à dominer la littérature et l'art français, avec des racines à la fin du XVIIIe siècle.
Au cours de l'Europe du XIXe siècle, le « naturalisme » ou « l'école naturaliste » a été quelque peu délibérément établi comme une désignation pour un sous-mouvement distinct au sein du réalisme. Ce mouvement a cherché, avec plus ou moins de succès, à se différencier de son style fondateur en évitant délibérément les commentaires politiques et sociaux. Il affirmait également fréquemment un fondement quasi scientifique, tirant parti de la connotation de « naturaliste » en tant que spécialiste de l'histoire naturelle, qui était le terme dominant pour les sciences biologiques à cette époque.
Le réalisme a également influencé divers mouvements dans d'autres disciplines artistiques, notamment le style lyrique du vérisme, le réalisme littéraire, le réalisme théâtral et le cinéma néoréaliste italien.
Arts visuels
En tant qu'adjectif, « réaliste » fait généralement référence à la vraisemblance visuelle, ce qui le différencie de l'art « réaliste », qui aborde principalement un sujet. De la même manière, « illusionniste » peut décrire la représentation précise d’apparences visuelles au sein d’une composition artistique. En peinture, le naturalisme signifie la représentation artistique exacte, méticuleuse et fidèle de scènes et d'objets. Cette approche est également appelée mimesis ou illusionnisme et est devenue particulièrement importante dans la peinture européenne au XVe siècle, notamment dans les premières œuvres hollandaises d'artistes tels que Robert Campin et Jan van Eyck. En revanche, les peintres du mouvement réaliste du XIXe siècle, dont Gustave Courbet, n'étaient pas principalement reconnus pour leur précision absolue et leur rendu méticuleux des apparences visuelles. À l'époque de Courbet, une représentation aussi détaillée était plus caractéristique de la peinture académique, qui représentait fréquemment des scènes historiques artificielles, artificielles ou imaginaires avec une habileté et un soin considérables.
Résistance à l'idéalisation
Le réalisme, ou naturalisme, en tant que style artistique, représente des sujets d'une manière non idéalisée et peut être appliqué à n'importe quel sujet, pas exclusivement au typique ou au banal. Malgré l’idéalisme omniprésent dans l’art classique, cette approche a trouvé des antécédents classiques, ce qui s’est avéré avantageux pour défendre de telles représentations au cours des périodes de la Renaissance et du baroque. Démétrius d'Alopece, un sculpteur du IVe siècle avant notre ère dont les œuvres sont aujourd'hui perdues, était connu pour donner la priorité au réalisme plutôt qu'à la beauté idéalisée. De même, au cours de la République romaine antique, les personnalités politiques favorisaient les représentations véridiques dans leurs portraits, bien que les empereurs ultérieurs se soient tournés vers l’idéalisme grec. Les portraits de Goya de la famille royale espagnole illustrent une représentation honnête et sans fard de personnalités éminentes.
Un thème persistant dans l'art chrétien impliquait une forme de « réalisme » qui soulignait l'aspect humain des personnages religieux, en particulier le Christ et ses souffrances physiques pendant la Passion. Ce développement artistique est apparu à la fin du Moyen Âge, influencé par la littérature dévotionnelle contemporaine. À cette époque, certaines sculptures en bois peint, particulièrement répandues en Allemagne et en Europe centrale, représentaient le Christ avec une intensité presque grotesque, couvert de blessures et de sang. L’objectif était d’inciter les spectateurs à contempler les profondes souffrances endurées par le Christ. Si cette tendance s'est atténuée à la Renaissance, des œuvres analogues ont refait surface à l'époque baroque, notamment dans la sculpture espagnole.
Les théoriciens de la Renaissance ont lancé un débat séculaire sur l'équilibre approprié entre la représentation artistique dérivée de l'observation naturelle et celle basée sur des formes idéalisées. Ces formes idéalisées proviennent généralement de prototypes classiques ou de créations d'autres artistes. Alors que certains reconnaissaient l’importance du naturalisme, beaucoup préconisaient d’idéaliser la nature à des degrés divers, incorporant ainsi uniquement des éléments esthétiques. Léonard de Vinci, par exemple, s'est fait le champion d'une étude méticuleuse de la nature, visant à représenter l'ensemble des variations individuelles des figures humaines et d'autres sujets. À l’inverse, Leon Battista Alberti est apparu comme l’un des premiers partisans de l’idéalisation, mettant l’accent sur les formes typiques. D'autres personnages, comme Michel-Ange, ont soutenu la sélection des plus beaux aspects, refusant notamment de peindre des portraits pour cette raison même.
Le débat a persisté jusqu'au XVIIe siècle, particulièrement en Italie, où il tournait fréquemment autour de la dichotomie entre « l'idéalisme classique » associé aux Carrache et l'approche « naturaliste » des Caravagesques. Ces derniers, adeptes du Caravage, décrivaient les récits religieux comme s'ils se trouvaient dans les ruelles banales des villes italiennes contemporaines et s'identifiaient eux-mêmes sous le terme de « naturaliste ». Des décennies après la disparition prématurée du Caravage, Bellori, un critique peu enclin au style du Caravage, faisait référence à « Ceux qui se glorifient au nom des naturalistes » (naturalisti).
Au XIXe siècle, le naturalisme a émergé comme un mouvement artistique largement défini à travers l'Europe, distinct du réalisme en raison de son absence de motivations politiques explicites. Le critique d'art français Jules-Antoine Castagnary a inventé le terme, déclarant en 1863 : « L'école naturaliste déclare que l'art est l'expression de la vie sous toutes les phases et à tous les niveaux, et que son seul but est de reproduire la nature en la portant à son maximum de puissance et d'intensité : c'est la vérité en équilibre avec la science. » Émile Zola a ensuite adopté ce terme, appliquant une emphase scientifique comparable à ses objectifs littéraires dans le roman. Alors que de nombreuses peintures naturalistes exploraient des thèmes proches de ceux de l'impressionnisme, elles utilisaient généralement des techniques de pinceau plus contraintes et conventionnelles.
Pendant plusieurs décennies, le terme « naturaliste » a « continué à être utilisé sans discernement pour différents types de réalisme », servant fréquemment de descripteur général d'un art qui s'écartait de l'impressionnisme, des mouvements modernistes ultérieurs et de l'art académique. Des mouvements tels que les phases ultérieures de l'école française de Barbizon, l'école de peinture de Düsseldorf (qui a attiré des étudiants internationaux) et le régionalisme américain du XXe siècle sont souvent qualifiés de « naturalistes », bien que cette désignation soit rarement appliquée à la peinture britannique. Plus récemment, certains historiens de l'art ont attribué l'étiquette de « naturaliste » soit à Courbet, soit aux impressionnistes.
Illusionisme
L'évolution de représentations artistiques progressivement précises des phénomènes visuels possède une longue histoire. Cette progression englobe des éléments tels que la représentation précise de l'anatomie humaine et animale, l'application d'effets de perspective et de distance et le rendu méticuleux de la lumière et des couleurs. L’art européen du Paléolithique supérieur, par exemple, a produit des représentations d’animaux remarquablement réalistes. L’art égyptien antique, à l’inverse, établissait des conventions intégrant à la fois stylisation et idéalisation. L’art grec ancien est largement reconnu pour ses progrès significatifs en matière de représentation anatomique. Bien qu'aucune peinture originale sur panneau ou murale réalisée par d'éminents artistes grecs n'ait survécu, les archives littéraires et le corpus existant d'œuvres dérivées (principalement des mosaïques gréco-romaines) suggèrent que l'illusionnisme était hautement estimé dans leur peinture. La célèbre anecdote de Pline l'Ancien datant du 5e siècle avant JC, décrivant des oiseaux tentant de picorer des raisins peints par Zeuxis, est probablement apocryphe.
Au-delà de la précision de la forme, de la lumière et de la couleur, les peintures romaines démontrent une compréhension intuitive mais efficace de la représentation d'objets distants plus petits que d'objets proches et de la représentation de formes géométriques régulières, telles que les toits et les murs des pièces, avec perspective. Ces progrès dans les techniques illusionnistes ne signifiaient cependant pas un rejet de l’idéalisme. Les statues de dieux et de héros grecs visaient à représenter avec précision des formes idéalisées et belles, même si certaines œuvres, comme les têtes de Socrate notoirement peu attrayant, pouvaient s'écarter de ces idéaux esthétiques. Le portrait romain, en particulier lorsqu'il était moins influencé par l'esthétique grecque, montrait un plus grand dévouement à la représentation véridique de ses sujets, une pratique connue sous le nom de vérisme.
L'art de l'Antiquité tardive a notamment abandonné l'illusionnisme au profit du pouvoir expressif, un changement déjà significativement avancé lorsque le christianisme a commencé à influencer les pratiques artistiques des élites. Dans l’art occidental, les références classiques de l’illusionnisme n’ont été retrouvées qu’à la fin du Moyen Âge et au début de la Renaissance. Cette résurgence a été facilitée initialement aux Pays-Bas au début du XVe siècle, puis en Italie vers les années 1470, grâce à l'innovation des techniques de peinture à l'huile. Ces méthodes ont permis de créer des effets d'éclairage très subtils et précis en appliquant plusieurs couches de peinture et de vernis. Parallèlement, des approches scientifiques de la représentation perspective ont émergé en Italie au début du XVe siècle, se diffusant progressivement dans toute l'Europe. La précision anatomique a également été redécouverte, largement influencée par les principes artistiques classiques. L'idéalisme, reflétant les traditions classiques, a persisté comme norme artistique dominante.
La représentation précise des paysages dans la peinture a évolué à travers l'art du début de la Renaissance néerlandaise/du début de la Renaissance du Nord et de la Renaissance italienne, atteignant un zénith sophistiqué dans la peinture hollandaise de l'âge d'or du XVIIe siècle. Cette période a vu le développement de techniques très nuancées pour restituer diverses conditions météorologiques et différentes intensités de lumière naturelle. Le portrait européen vers 1600, également influencé par la peinture des débuts des Pays-Bas, idéalisait fréquemment les sujets en affinant les traits du visage ou en adoptant des poses stylisées. Les compositions de natures mortes, à la fois en tant qu'œuvres autonomes et en tant qu'éléments au sein d'œuvres plus larges, ont contribué de manière significative à l'avancement de la peinture illusionniste. Cependant, dans la tradition néerlandaise de la peinture florale, ces œuvres s'écartent souvent du strict « réalisme ». Cela était évident dans la pratique courante consistant à combiner des fleurs de différentes saisons, soit en raison de méthodes de composition basées sur des études individuelles, soit en tant que convention artistique intentionnelle. De plus, les présentations élaborées de bouquets dans des vases, telles que représentées, n'étaient pas caractéristiques des coutumes du XVIIe siècle, où les fleurs étaient généralement présentées individuellement.
Représentation de sujets du quotidien
La représentation de sujets artistiques banals et quotidiens possède une longue trajectoire historique, même si ces représentations étaient souvent reléguées à la périphérie des compositions ou rendues à une échelle réduite. Cette pratique provenait en partie du coût élevé de l'art et de ses commandes typiques pour des objectifs religieux, politiques ou personnels spécifiques, qui limitaient par conséquent l'attribution d'espace ou d'effort artistique à ces scènes ordinaires. Les drôleries marginales des manuscrits enluminés médiévaux présentent parfois des scènes miniatures de la vie quotidienne, tandis que l'évolution de la perspective a introduit de vastes éléments d'arrière-plan dans de nombreux décors extérieurs. Traditionnellement, l'art médiéval et le début de la Renaissance représentaient des personnages non sacrés dans des tenues contemporaines.
La première peinture néerlandaise étendait le portrait aux couches sociales inférieures, englobant les riches marchands flamands. Plusieurs exemples, notamment le Portrait d'Arnolfini de Jan van Eyck (1434) et, plus fréquemment, des œuvres religieuses comme le Retable de Mérode de Robert Campin et son atelier (vers 1427), présentent des représentations méticuleusement détaillées d'intérieurs bourgeois remplis d'objets soigneusement rendus. Néanmoins, ces objets servaient principalement à véhiculer des niveaux complexes de signification et de symbolisme, diminuant ainsi tout engagement inhérent envers le réalisme comme une fin en soi. Les cycles artistiques de la fin du Moyen Âge représentant les travaux des mois, dont de nombreux exemples sont conservés dans les livres d'heures, se concentrent sur les paysans engagés dans des tâches saisonnières, souvent sur fond de paysage élaboré. Ces cycles ont joué un rôle déterminant dans l'avancement de l'art du paysage et de la représentation des individus ordinaires de la classe ouvrière.
Au XVIe siècle, une tendance artistique prédominante impliquait la création de peintures à grande échelle représentant des individus travaillant, en particulier dans les marchés alimentaires et les cuisines. Dans de nombreux cas, les produits alimentaires ont reçu une attention visuelle comparable à celle des ouvriers eux-mêmes. Parmi les artistes notables de cette période figuraient Pieter Aertsen et son neveu Joachim Beuckelaer aux Pays-Bas, qui employaient un style majoritairement maniériste. Parallèlement, en Italie, dans les années 1580, le jeune Annibale Carracci adopte une esthétique brute, tandis que l'œuvre de Bartolomeo Passerotti occupe une position intermédiaire. Pieter Bruegel l'Ancien a joué un rôle déterminant dans l'établissement de grandes représentations panoramiques de la vie paysanne. Ces premières représentations ont servi de précurseur à la popularité généralisée de la peinture de genre sur le thème du travail dans toute l’Europe du XVIIe siècle. L'âge d'or néerlandais, en particulier, a favorisé plusieurs sous-genres distincts, notamment les Bamboccianti en Italie (bien que principalement composés d'artistes des Pays-Bas) et le genre bodegones en Espagne. Cette époque a également vu l'intégration de figures paysannes non idéalisées dans les peintures historiques d'artistes tels que Jusepe de Ribera et Velázquez. En France, les frères Le Nain, aux côtés de nombreux artistes flamands dont Adriaen Brouwer et David Teniers l'Ancien et le Jeune, représentent fréquemment des paysans, même si les citadins constituent des sujets moins courants. Au XVIIIe siècle, les peintures de petit format représentant des travailleurs ont maintenu leur popularité, s'inspirant principalement des traditions artistiques néerlandaises et mettant souvent en scène des sujets féminins.
Une partie importante de l'art représentant des individus ordinaires, en particulier sous forme imprimée, véhiculait souvent des thèmes comiques ou moralistes. Cependant, la pauvreté des sujets elle-même constitue rarement un élément central du message moral. À partir du milieu du XIXe siècle, les représentations artistiques soulignent de plus en plus les difficultés rencontrées par les pauvres. Malgré cette évolution, qui a coïncidé avec une migration massive des campagnes vers les villes dans une grande partie de l’Europe, les artistes ont largement continué à représenter des populations rurales pauvres. À l'inverse, les paysages urbains animés ont gagné en popularité parmi les peintres impressionnistes et apparentés, les scènes parisiennes étant particulièrement importantes.
Les enlumineurs de manuscrits médiévaux recevaient fréquemment des commandes pour représenter des sujets technologiques. Après la Renaissance, ces images ont persisté dans les illustrations de livres et les estampes, à l’exception notable de la peinture marine, qui a largement disparu des beaux-arts jusqu’à l’avènement du début de la révolution industrielle. Au début de la révolution industrielle, un nombre limité d’artistes, dont Joseph Wright de Derby et Philip James de Loutherbourg, ont rendu des scènes de cette période de transformation. Ces sujets industriels ont probablement connu un succès commercial limité, comme en témoigne la rareté flagrante des représentations industrielles en peinture, à l'exception de scènes ferroviaires occasionnelles, jusqu'à la fin du XIXe siècle. À la fin du XIXe siècle, les commandes d'art industriel sont devenues plus courantes, souvent initiées par des industriels ou pour des institutions situées dans des villes industrielles. Ces œuvres étaient souvent de grande envergure et parfois empreintes d'une qualité quasi-héroïque.
Le réalisme américain, un mouvement artistique du début du XXe siècle, représente l'un des nombreux courants modernes qui ont adopté cette interprétation particulière du réalisme.
Le mouvement réaliste
Émergeant au milieu du XIXe siècle, le mouvement réaliste s'est développé en réaction au romantisme et à la peinture d'histoire. Prônant la représentation de la vie « réelle », les peintres réalistes ont choisi comme sujets principaux de leurs œuvres des ouvriers ordinaires et des individus ordinaires engagés dans des activités quotidiennes dans leur environnement typique. Parmi les figures marquantes de ce mouvement figurent Gustave Courbet, Jean-François Millet, Honoré Daumier et Jean-Baptiste-Camille Corot. Ross Finocchio, anciennement associé au Département des peintures européennes du Metropolitan Museum of Art, note que les réalistes utilisaient des détails sans fioritures pour décrire les réalités de la vie ordinaire contemporaine, une pratique parallèle au mouvement littéraire naturaliste illustré par Émile Zola, Honoré de Balzac et Gustave Flaubert.
Le mouvement réaliste français a trouvé des développements analogues, bien qu'un peu plus tard, dans d'autres pays occidentaux. Notamment, en Russie, les Peredvizhniki, également connus sous le nom de groupe des Wanderers, créés dans les années 1860 et organisant des expositions à partir de 1871, comprenaient de nombreux artistes réalistes tels qu'Ilya Repin, Vasily Perov et Ivan Shishkin, influençant considérablement l'art russe. En Grande-Bretagne, des artistes comme Hubert von Herkomer et Luke Fildes ont été considérablement acclamés pour leurs peintures réalistes abordant des préoccupations sociales.
Littérature
En tant que mouvement littéraire, le réalisme repose fondamentalement sur le concept de « réalité objective », souvent largement caractérisé comme « la représentation fidèle de la réalité ». Il s'efforce de dépeindre les activités et la vie quotidiennes, principalement parmi les classes moyennes ou inférieures, dépourvues d'idéalisation romantique ou d'embellissement dramatique. Selon Kornelije Kvas, « la figuration et la refiguration réalistes de la réalité forment des constructions logiques similaires à notre notion habituelle de réalité, sans violer le principe des trois types de lois – celles des sciences naturelles, psychologiques et sociales ». Cette approche peut être comprise comme un effort général visant à décrire les sujets tels qu'ils sont présumés exister dans une réalité objective à la troisième personne, sans ornement ni interprétation subjective, et « conformément à des règles empiriques séculaires ». Par conséquent, cette méthodologie implique intrinsèquement la conviction qu'une telle réalité est ontologiquement indépendante des cadres conceptuels humains, des pratiques linguistiques et des croyances, étant ainsi accessible à l'artiste pour une représentation fidèle. Ian Watt postule que le réalisme moderne « part de la position selon laquelle la vérité peut être découverte par l'individu à travers les sens », faisant remonter ses origines à Descartes et Locke, et recevant « sa première formulation complète par Thomas Reid au milieu du XVIIIe siècle ».
Alors que l'ère romantique précédente a également émergé comme une réponse aux valeurs de la révolution industrielle, le réalisme, à son tour, s'est développé comme un contre-mouvement au romantisme, conduisant à sa désignation péjorative fréquente de « réalisme bourgeois traditionnel ». Certaines personnalités littéraires victoriennes ont produit des œuvres alignées sur des principes réalistes. Les rigidités, les conventions et les limites inhérentes au « réalisme bourgeois » ont ensuite provoqué la révolte identifiée plus tard comme le modernisme. À partir des années 1900 environ, le principal élan de la littérature moderniste était une critique de l’ordre social et de la vision du monde bourgeois du XIXe siècle, qui étaient remis en question par un programme antirationaliste, antiréaliste et anti-bourgeois.
Théâtre
Il est largement admis que le réalisme théâtral s'est manifesté pour la première fois dans le théâtre européen au XIXe siècle, émergeant comme un sous-produit de la révolution industrielle et de l'ère scientifique. Certains chercheurs attribuent spécifiquement l'invention de la photographie comme un élément fondateur du théâtre réaliste, tandis que d'autres soutiennent que l'association entre le réalisme et le théâtre est considérablement plus ancienne, comme en témoignent des principes dramatiques tels que la présentation d'un monde physique reflétant étroitement la réalité.
La réussite importante du réalisme au théâtre était sa capacité à se concentrer sur les défis sociaux et psychologiques inhérents à la vie ordinaire. Dans ces drames, les personnages sont souvent décrits comme des victimes de forces plus grandes qu’eux-mêmes, des individus confrontés à un monde en rapide accélération. Les dramaturges pionniers de ce mouvement ont décrit leurs personnages comme étant ordinaires, souvent impuissants et incapables de résoudre leurs difficultés. Ce style artistique vise à représenter la réalité telle que perçue par la vision humaine. Anton Tchekhov, par exemple, a utilisé des techniques proches des « travaux photographiques » pour présenter une « tranche de vie » non infléchie. Des chercheurs tels que Thomas Postlewait ont observé un mélange omniprésent de formes et de fonctions mélodramatiques et réalistes tout au long des XIXe et XXe siècles, démontrable par la présence d'éléments mélodramatiques dans des structures réalistes et vice versa.
Aux États-Unis, le réalisme dramatique a précédé le réalisme fictionnel d'environ deux décennies, les historiens du théâtre identifiant son impulsion initiale à la fin des années 1870 et au début des années 1880. Son développement est également attribué à William Dean Howells et Henry James, qui ont été d'éminents défenseurs du réalisme et des articulateurs de ses principes esthétiques.
Après la Seconde Guerre mondiale, l'approche réaliste du théâtre a finalement convergé avec le nihilisme et l'absurde.
Cinéma
Le néoréalisme italien était un mouvement cinématographique incorporant des éléments de réalisme qui s'est développé dans l'Italie de l'après-Seconde Guerre mondiale. Parmi les personnalités éminentes du néoréalisme figuraient Vittorio De Sica, Luchino Visconti et Roberto Rossellini. Généralement, le cinéma réaliste répond à des préoccupations sociétales. Le réalisme cinématographique est globalement classé en deux formes : le réalisme homogène et le réalisme esthétique. Le réalisme fluide utilise des structures narratives et des techniques de réalisation cinématographique pour générer un « effet de réalité », préservant ainsi l'authenticité perçue. À l’inverse, le réalisme esthétique, initialement préconisé par les cinéastes français dans les années 1930, puis soutenu par André Bazin dans les années 1950, postule qu’« un film ne peut pas être figé pour signifier ce qu’il montre », reconnaissant l’existence de divers réalismes. Par conséquent, les praticiens du réalisme esthétique utilisent des tournages en extérieur, l'éclairage naturel et des acteurs non professionnels pour permettre aux spectateurs de former leurs propres interprétations, plutôt que d'être guidés vers une « lecture préférée ». Siegfried Kracauer a également clairement affirmé que le réalisme constitue la fonction primordiale de l'art cinématographique.
Les cinéastes qui emploient le réalisme esthétique utilisent de longs plans, une mise au point profonde et des perspectives à 90 degrés au niveau des yeux pour minimiser la manipulation de la perception du spectateur. Les cinéastes néoréalistes italiens, actifs après la Seconde Guerre mondiale, ont adopté les approches cinématographiques réalistes existantes en France et en Italie pour créer un cinéma à orientation politique. Au cours des années 1960, les cinéastes français ont produit des œuvres réalistes à orientation politique, illustrées par le cinéma vérité et les films documentaires de Jean Rouch. Parallèlement, tout au long des années 1950 et 1960, les mouvements cinématographiques de la Nouvelle Vague britannique, française et allemande ont généré des productions « tranches de vie », y compris les drames d'évier de cuisine répandus au Royaume-Uni.
Opéra
Le vérisme constituait une tradition lyrique post-romantique principalement liée aux compositeurs italiens, notamment Pietro Mascagni, Ruggero Leoncavallo, Umberto Giordano, Francesco Cilea et Giacomo Puccini. Ces compositeurs se sont efforcés d'intégrer le naturalisme caractéristique des auteurs influents de la fin du XIXe siècle, tels qu'Émile Zola, Gustave Flaubert et Henrik Ibsen, dans la forme lyrique. Ce style émergent dépeint des drames réalistes, mettant souvent en vedette des protagonistes sérieux et imparfaits des classes inférieures, bien que certaines interprétations le caractérisent comme une représentation intensifiée d'événements réalistes. Alors que certains récits historiques identifient Luisa Miller et La traviata de Giuseppe Verdi comme les premiers précurseurs du vérisme, d'autres affirment que le mouvement a commencé en 1890 avec la première de Cavalleria rusticana de Mascagni, atteignant son apogée au début des années 1900. Cela a ensuite été suivi par Pagliacci de Leoncavallo, un opéra explorant les thèmes de l'infidélité, de la vengeance et de la violence.
L'influence du Verismo s'est étendue à la Grande-Bretagne, où ses premiers partisans comprenaient la collaboration théâtrale de l'ère victorienne entre le dramaturge W. S. Gilbert et le compositeur Arthur Sullivan (1842-1900). Notamment, leur œuvre Iolanthe est considérée comme une représentation réaliste de la noblesse, malgré l'incorporation d'éléments fantastiques.
Remarques
Remarques
Références
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- Article sur le réalisme littéraire américain sur le site Literary Movements
- Terme artistique : Réalisme sur tate.org.uk