Rococo

Rococo, parfois orthographié Roccoco ( rə-KOH-koh, américain également ROH-kə-KOH ; français : [ʁɔkɔko] ou [ʁokoko] ), également identifié comme baroque tardif, représente un style d'architecture, d'art et de design d'intérieur très orné et théâtral. Cette esthétique distinctive intègre asymétrie, courbes sinueuses, dorures, palette de teintes blanches et pastel, moulures sculptées complexes et fresques en trompe-l'œil, le tout conçu pour évoquer l'étonnement et la perception du mouvement et de la théâtralité. Il est souvent caractérisé comme la manifestation ultime de l'ère baroque.

Rococo, moins communément Roccoco ( rə-KOH-koh, US également ROH-kə-KOH; Français : [ʁɔkɔko] ou [ʁokoko] ), également connu sous le nom de Baroque tardif, est un style d'architecture, d'art et de décoration exceptionnellement ornemental et dramatique qui combine asymétrie, courbes défilantes, dorures, couleurs blanches et pastel, moulures sculptées et fresques en trompe-l'œil pour créer la surprise et l'illusion de mouvement et de drame. Il est souvent décrit comme l'expression finale du mouvement baroque.

Initialement appelé « style Rocaille », le rococo est apparu en France dans les années 1730 comme contrepoint stylistique à l'esthétique plus rigide et géométrique de Louis XIV. Son influence s’est rapidement étendue à travers l’Europe, atteignant notamment le nord de l’Italie, l’Autriche, le sud de l’Allemagne, l’Europe centrale et la Russie. En outre, le rococo a imprégné diverses disciplines artistiques, notamment la sculpture, le design de meubles, l'argenterie, la verrerie, la peinture, la musique, le théâtre et la littérature. Bien qu'essentiellement conçu comme un style laïque pour les intérieurs résidentiels privés, le rococo possédait également une dimension spirituelle, conduisant à son adoption généralisée dans l'architecture ecclésiastique, notamment en Europe centrale, au Portugal et en Amérique du Sud.

Étymologie

Le terme rococo est initialement apparu comme une adaptation ludique du mot rocaille, inventé par Pierre-Maurice Quays (1777-1803). Historiquement, la rocaille faisait référence à une technique décorative utilisant des galets, des coquillages et du ciment, fréquemment utilisée depuis la Renaissance pour orner les grottes et les fontaines. À la fin du XVIIe et au début du XVIIIe siècle, la rocaille évolue vers un motif décoratif spécifique de la fin du style Louis XIV, caractérisé par un coquillage entrelacé de feuilles d'acanthe. En 1736, le designer et joaillier Jean Mondon publie le Premier Livre de forme rocquaille et cartel, un recueil de dessins de meubles et d'ornementations intérieures. Cette publication a marqué la première utilisation imprimée du terme rocaille pour désigner le style naissant. Le motif distinctif de coquillages sculptés ou moulés était souvent intégré à des feuilles de palmier ou des vignes sinueuses pour embellir les portes, les meubles, les panneaux muraux et divers autres éléments architecturaux.

Le mot rococo est apparu pour la première fois sous forme imprimée en 1825, utilisé pour caractériser une ornementation jugée « démodée et démodée ». Dès 1828, il est appliqué à des décors « qui appartiennent au style du XVIIIe siècle, surchargés d'ornements torsadés ». Par la suite, en 1829, l'auteur Stendhal définit le rococo comme « le style rocaille du XVIIIe siècle ».

Tout au long du XIXe siècle, le terme était fréquemment appliqué à l'architecture ou à la musique perçue comme excessivement ornementale. Cependant, depuis le milieu du XIXe siècle, les historiens de l’art ont largement adopté cette appellation. Bien que le débat scientifique se poursuive sur la signification historique précise de ce style, le rococo est actuellement reconnu comme une période distincte et influente dans la trajectoire de l'art européen.

Caractéristiques

Le rococo se distingue par sa somptueuse ornementation, caractérisée par une profusion de courbes, contre-courbes, ondulations et motifs inspirés de formes naturelles. Alors que l'extérieur des structures rococo fait souvent preuve de simplicité, leurs intérieurs sont extrêmement ornés. Le style possédait une qualité profondément théâtrale, méticuleusement conçu pour évoquer l'étonnement, le respect et l'émerveillement dès la première observation. Les plans d'étage ecclésiastiques présentaient souvent des conceptions complexes, incorporant des configurations ovales imbriquées. Dans les décors somptueux, les grands escaliers servaient de points focaux, offrant diverses perspectives sur le décor élaboré. Les principaux éléments ornementaux rococo comprennent des coquilles asymétriques, des acanthes et d'autres feuillages, des oiseaux, des compositions florales, des fruits, des instruments de musique, des putti et des chinoiseries, qui comprennent des pagodes, des dragons, des singes, une flore exotique et des représentations de personnages chinois.

Cette esthétique incorporait fréquemment du stuc moulé, des sculptures sur bois complexes et des quadratura - peintures de plafond illusionnistes - méticuleusement conçues pour créer la perception des observateurs dans le salle où l'on regarde vers le ciel, avec des chérubins et autres figures célestes semblant descendre. Les matériaux couramment utilisés comprenaient le stuc, peint ou laissé dans son état blanc naturel ; diverses combinaisons de bois, généralement du chêne, du hêtre ou du noyer ; Bois laqué de style japonais ; bronze doré ; et du marbre.

Différences entre baroque et rococo

Le rococo présente les caractéristiques suivantes, qui sont généralement absentes du baroque :

• Une rupture partielle avec la symétrie stricte, avec des compositions présentant principalement des lignes et des courbes gracieuses, rappelant l'Art nouveau.
• Courbes asymétriques et volutes distinctives en forme de C.
• De nombreux motifs floraux ornementaux, tels que des festons floraux élaborés.
• Le style incorporait parfois des motifs d'Asie de l'Est, tels que la chinoiserie et le japonisme.
• Une palette de couleurs pastel chaudes, comprenant du jaune blanchâtre, du crème, des gris perle et des bleus très clairs, était caractéristique.

France

Originaire de Paris sous le règne de Louis XV, le style Rocaille, également connu sous le nom de rococo français, a connu son apogée entre 1723 et 1759 environ. Le rococo français se distingue par son talent artistique exceptionnel et ses motifs complexes mettant en vedette des formes végétales entrelacées comme des vignes, des feuilles et des fleurs. Cette esthétique était notamment appliquée dans les salons, qui étaient des espaces innovants conçus pour le divertissement et l'impression des invités. Une illustration parfaite est le salon de la princesse de l'Hôtel de Soubise à Paris, une création de Germain Boffrand et Charles-Joseph Natoire entre 1735 et 1740.

Les meubles de cette période présentaient également les courbes sinueuses et les motifs végétaux caractéristiques du style, particulièrement évidents dans les cadres élaborés des miroirs et des peintures, sculptés dans du plâtre et souvent dorés. Parmi les principaux créateurs de meubles et artisans de ce style figuraient Juste-Aurèle Meissonier, Charles Cressent et Nicolas Pineau.

Le rococo français n'a pas atteint le même niveau d'extravagance que ses homologues de Bavière, d'Autriche ou d'Italie. Sa prévalence a diminué au milieu du XVIIIe siècle, alors que la découverte d'antiquités romaines à Herculanum en 1738 et à Pompéi en 1748 a redirigé les tendances architecturales françaises vers un néoclassicisme plus symétrique et plus sobre.

Italie

Les artistes italiens, notamment ceux de Venise, ont développé une interprétation distincte du style rococo. Les commodes vénitiennes, par exemple, imitaient les formes curvilignes et les ornements sculptés de la rocaille française, tout en incorporant une caractéristique vénitienne unique : elles étaient fréquemment peintes de paysages, de motifs floraux, de scènes de Guardi ou d'autres artistes, ou de chinoiseries, sur fond bleu ou vert. Ces palettes de couleurs s'harmonisaient avec la palette de l'école de peintres vénitienne, dont les œuvres ornaient les salons locaux.

Parmi les peintres décorateurs éminents figuraient Giovanni Battista Crosato, connu pour son plafond quadraturo dans la salle de bal Ca' Rezzonico, et Giovanni Battista Tiepolo, qui a exécuté des plafonds et des peintures murales dans des contextes ecclésiastiques et somptueux. Tiepolo, accompagné de son fils, voyage en Allemagne de 1750 à 1753, où il décore les plafonds de la résidence de Würzburg, un exemple significatif du rococo bavarois. Giovanni Battista Piazzetta, un autre peintre vénitien estimé, a créé plusieurs plafonds d'églises remarquables.

Le rococo vénitien présentait également des verreries exceptionnelles, notamment le verre de Murano, fréquemment gravé, coloré et largement exporté dans toute l'Europe. Cela comprenait des lustres et des miroirs multicolores encadrés dans des cadres très ornés.

Allemagne du Sud

Le style décoratif rococo a atteint son apogée dans le sud de l'Allemagne et en Autriche entre les années 1730 et 1770, où il continue d'influencer profondément le paysage architectural ecclésiastique et reste profondément ancré dans la culture populaire. Son introduction initiale depuis la France s'est produite grâce aux publications et aux créations d'architectes et décorateurs français, tels que le sculpteur Claude III Audran, l'architecte d'intérieur Gilles-Marie Oppenordt, l'architecte Germain Boffrand, le sculpteur Jean Mondon et le dessinateur et graveur Pierre Lepautre. Même si leurs contributions ont façonné de manière significative le rococo allemand, elles n'ont pas atteint le même niveau d'extravagance que les structures trouvées dans le sud de l'Allemagne.

Les architectes allemands ont réinterprété le style rococo, le rendant considérablement plus asymétrique et élaboré que son précurseur français. L'itération allemande se distinguait par une profusion de formes qui semblaient tomber en cascade le long des murs, incorporant des moulures façonnées en courbes et contre-courbes, des motifs torsadés complexes et des feuillages en stuc qui montaient apparemment sur les murs et traversaient les plafonds. Les décorations étaient souvent dorées ou argentées, offrant un contraste saisissant avec les murs blancs ou pastel pâles.

Parmi les premières structures rococo d'Allemagne se trouve le pavillon Amalienburg à Munich (1734-1739), conçu par l'architecte et designer d'origine belge François de Cuvilliés, qui s'est inspiré des pavillons du Grand Trianon et du Château de Marly en France. Construit comme pavillon de chasse, il comportait une plate-forme sur le toit pour le tir au faisan. Sa galerie intérieure des Glaces, conçue par le peintre et sculpteur en stuc Johann Baptist Zimmermann, présente un niveau d'élaboration dépassant largement tout exemple rococo français.

La résidence de Würzburg (1720-1744), commandée par le prince-évêque Johann Philipp Franz von Schönborn, illustre le début du rococo allemand. Lors de sa construction initiale, l'architecte de la cour Balthasar Neumann a consulté les artistes décoratifs rocaille français Germain Boffrand et Robert de Cotte à Paris. Alors que l'extérieur du palais conserve une esthétique baroque plus sobre, son intérieur, en particulier les escaliers et les plafonds, fait preuve d'une extravagance bien plus grande. Neumann a qualifié l'intérieur de la résidence de « théâtre de lumière ». De 1750 à 1753, le peintre rococo italien Giovanni Battista Tiepolo fut engagé pour réaliser une peinture murale au-dessus de l'escalier d'apparat à trois niveaux. Neumann a également conçu le célèbre escalier rococo du château d'Augustusburg à Brühl (1725-1768), qui guide les visiteurs à travers une composition élaborée de peinture, de sculpture et de ferronnerie, offrant des vues inattendues à chaque tournant.

Au cours des années 1740 et 1750, de nombreuses églises de pèlerinage furent érigées en Bavière, présentant des intérieurs décorés dans un style rococo distinct. La Wieskirche (1745-1754), conçue par Dominikus Zimmermann, en est un exemple marquant. Conformément à la plupart des églises de pèlerinage bavaroises, son extérieur est remarquablement sobre, caractérisé par des murs pastel et une ornementation minimale. En entrant, les visiteurs découvrent une extraordinaire synthèse d’éléments artistiques et de formes architecturales. Le sanctuaire de forme ovale, précédé à l'ouest d'une antichambre semi-circulaire, baigne l'église de lumière venant de toutes les directions. Les murs blancs sont juxtaposés aux colonnes en stuc bleu et rose du chœur, et le plafond en forme de dôme est peint pour évoquer un ciel ouvert traversé par des anges. Parmi les autres églises de pèlerinage bavaroises notables figurent la basilique des quatorze saints auxiliaires de Balthasar Neumann (1743-1772) et l'abbaye d'Ottobeuren (1748-1766) de Johann Michael Fischer, qui, comme une grande partie de l'architecture rococo allemande, démontre un contraste saisissant entre la régularité de sa façade et la décoration abondante de son intérieur.

Angleterre

En Grande-Bretagne, le rococo a exercé moins d'influence sur le design et les arts décoratifs qu'en Europe continentale, même si son impact était perceptible dans des domaines tels que l'argenterie, la porcelaine et le mobilier.

Tout au long du début du XVIIIe siècle, le design de mobilier anglais a adhéré au paradigme palladien néoclassique, défendu par le designer William Kent, qui a créé des pièces pour Lord Burlington et d'autres mécènes importants. Par conséquent, l'adoption du rococo en Angleterre a été progressive, apparaissant pour la première fois dans les années 1730 grâce aux contributions d'artistes immigrés et de réfugiés huguenots de France, dont l'orfèvre Paul de Lamerie. La St Martin's Lane Academy, fondée par William Hogarth en 1735, a également joué un rôle crucial dans l'introduction du style rococo aux designers et artistes anglais.

Le style rococo a prospéré en Angleterre entre 1740 et 1770. Pour concurrencer les produits français importés, les créateurs de meubles ont développé un style rococo britannique distinctif, principalement exprimé à travers la sculpture sur bois. Thomas Chippendale est apparu comme le plus influent de ces designers ; sa publication de 1754, The Gentleman and Cabinet Maker's Director, un recueil de dessins de meubles rococo, chinoiserie et gothique, a été largement saluée. Contrairement à ses homologues français, Chippendale évite la marqueterie ou les marqueteries dans ses meubles. Les principaux représentants des meubles marquetés étaient Vile et Cob, qui furent ébénistes du roi George III. Une autre figure importante du mobilier britannique était Thomas Johnson, qui a publié un catalogue de meubles rococo en 1761. Cette collection présentait des meubles basés sur des motifs chinois et indiens imaginatifs, notamment un lit à baldaquin surmonté d'une pagode chinoise, aujourd'hui conservé au Victoria and Albert Museum.

L'orfèvre Charles Friedrich Kandler représente une autre figure notable de la période rococo britannique.

Russie

Le style rococo russe a été largement introduit au XVIIIe siècle par les impératrices Elisabeth et Catherine la Grande, facilitées par des architectes de cour tels que Francesco Bartolomeo Rastrelli.

Les efforts architecturaux de Rastrelli, illustrés par des structures comme le Palais d'Hiver à Saint-Pétersbourg et le Palais Catherine à Tsarskoïe Selo, ont intégré de nombreuses caractéristiques du design rococo d'Europe occidentale. Les intérieurs présentaient fréquemment des pièces opulentes ornées de feuilles d’or, de miroirs et de grandes fenêtres conçues pour maximiser l’éclairage naturel. Les extérieurs se distinguaient par des teintes pastel douces, encadrées par d'importantes fenêtres à capuchon et corniches, incorporant souvent des motifs rocaille tels que des coquilles asymétriques et des formations rocheuses. Les plafonds (plafonds) présentaient généralement des volutes rococo encerclant des représentations allégoriques de divinités grecques et romaines classiques. Les revêtements de sol étaient souvent constitués de parquets complexes, fabriqués à partir de divers types de bois pour former des motifs élaborés.

Au cours du XVIIIe siècle, l'architecture des églises orthodoxes russes a également subi une influence significative de l'esthétique rococo. Cela se manifestait souvent par un plan carré en croix grecque, caractérisé par quatre ailes également proportionnées. Les extérieurs étaient généralement rendus dans des tons pastel clairs, notamment des bleus et des roses, et les clochers culminaient souvent dans des dômes en oignon dorés.

Rococo frédéricien

Le rococo frédéricien représente une manifestation distincte du style rococo qui a émergé en Prusse sous le règne de Frédéric le Grand. Il synthétise les influences artistiques de la France, de diverses régions allemandes (en particulier de la Saxe) et des Pays-Bas. L'architecte Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff est reconnu comme son promoteur le plus éminent. De plus, le peintre Antoine Pesne et le roi Frédéric lui-même ont contribué à façonner les concepts architecturaux de Knobelsdorff. Les structures remarquables illustrant le style frédéricien comprennent le palais de Sanssouci, le palais municipal de Potsdam et des sections spécifiques du château de Charlottenburg.

Refus et conclusion

La production artistique de François Boucher et de ses contemporains, caractérisée par son accent sur la mythologie décorative et la galanterie courtoise, a rapidement provoqué un contre-mouvement prônant un contenu thématique plus « noble ». Bien que le rococo persiste en Allemagne et en Autriche, l'Académie française de Rome initie l'enseignement dans le style classique. Ce changement fut souligné par la nomination de Jean François de Troy comme directeur de l'académie en 1738, suivi de Charles-Joseph Natoire en 1751.

Madame de Pompadour, l'influente maîtresse de Louis XV, joua un rôle dans le déclin du style rococo. En 1750, elle envoie son frère, Abel-François Poisson de Vandières, dans une expédition de deux ans en Italie pour enquêter sur les progrès artistiques et archéologiques. Il était accompagné de plusieurs artistes notables, dont le graveur Charles-Nicolas Cochin et l'architecte Soufflot. De retour à Paris, ils manifestent un profond enthousiasme pour l'art classique. Vandières devient par la suite marquis de Marigny et est nommé directeur général des Bâtiments du Roi. Il a réorienté les tendances architecturales officielles françaises vers le néoclassicisme. Cochin est devenu un critique d'art important, condamnant le petit style de Boucher et plaidant pour une esthétique plus grandiose, mettant l'accent sur l'antiquité et la noblesse au sein des académies de peinture et d'architecture.

Le déclin du rococo a commencé au début des années 1760, lorsque des personnalités telles que Voltaire et Jacques-François Blondel ont commencé à exprimer des critiques concernant la superficialité et la décadence perçues du style. Blondel a spécifiquement dénoncé le « fouillis ridicule de coquillages, de dragons, de roseaux, de palmiers et de plantes » que l'on retrouve dans les intérieurs contemporains.

En 1785, le rococo était tombé en disgrâce en France, remplacé par la gravité structurée défendue par des artistes néoclassiques comme Jacques-Louis David. En Allemagne, le rococo de la fin du XVIIIe siècle était ridiculisé sous le nom de Zopf und Perücke ("queue de cochon et perruque"), une phase parfois appelée Zopfstil. Cependant, le rococo est resté populaire dans certains États provinciaux allemands et en Italie jusqu'à l'avènement de la deuxième phase du néoclassicisme, connue sous le nom de « style Empire », qui a émergé avec les gouvernements napoléoniens et a finalement supplanté le rococo.

Meubles et Arts Décoratifs

L'esthétique ornementale connue sous le nom de rocaille s'est développée en France entre 1710 et 1750, coïncidant principalement avec la Régence et le règne de Louis XV. Ce style était également appelé Louis Quinze. Ses attributs déterminants comprenaient des détails pittoresques, une profusion de courbes et de contre-courbes, une asymétrie inhérente et une opulence théâtrale. Dans les salons parisiens nouvellement construits, des motifs complexes de torsion et d'enroulement, généralement exécutés en stuc doré ou peint, enveloppaient les portes et les miroirs, ressemblant à des formes organiques ressemblant à des vignes. L'une des premières illustrations de ce style est l'Hôtel Soubise à Paris (1704-1705), avec notamment son célèbre salon ovale orné de peintures de Boucher et Charles-Joseph Natoire.

Juste-Aurèle Meissonnier (1695-1750) est la créatrice de meubles française la plus renommée de l'époque, également distinguée en tant que sculpteur, peintre et orfèvre pour la cour royale. Il occupa le poste estimé de dessinateur officiel de la Chambre et du Cabinet de Louis XV. Son héritage durable est en grande partie dû aux nombreuses gravures de ses créations, qui ont largement diffusé le style rococo à travers l'Europe. Meissonnier a également réalisé des commandes de design pour les familles royales de Saxe et du Portugal.

L'Italie est devenue un autre centre important du style rococo, connaissant son épanouissement à la fois à ses débuts et à ses étapes ultérieures. Les artisans de villes importantes telles que Rome, Milan et Venise étaient prolifiques dans la production de meubles et d'objets décoratifs somptueusement ornés.

L'ornementation sculptée incorporait fréquemment des motifs tels que des fleurettes, des palmettes, des coquillages et des feuillages, méticuleusement sculptés dans le bois. Les formes rocaille les plus élaborées étaient généralement appliquées aux consoles, qui sont des tables conçues pour être placées contre les murs. Les commodes, ou coffres, initialement introduites sous le règne de Louis XIV, étaient richement ornées de motifs rocailles en bronze doré. Des maîtres artisans, dont Jean-Pierre Latz, ont réalisé ces pièces, qui présentaient souvent des marqueteries composées de bois de différentes couleurs, parfois disposés en motifs cubiques en damier utilisant des tons clairs et foncés contrastés. Cette période marque également l'avènement de la Chinoiserie, fréquemment manifestée dans des commodes laquées et dorées, connues sous le nom de faucon de Chine ou Vernis Martin, du nom de l'ébéniste pionnier de cette technique en France. Le bronze doré, ou bronze doré, était un matériau largement utilisé par des maîtres artisans tels que Jean-Pierre Latz. Latz a notamment créé une horloge exceptionnellement ornée, montée au sommet d'un cartonnier, pour le palais de Frédéric le Grand à Potsdam. Les pièces de porcelaine chinoise importées étaient souvent placées dans des montures rococo en bronze doré (bronze doré) pour être exposées sur des tables ou des consoles dans les salons. De plus, d'autres artisans ont imité les meubles laqués japonais, fabriquant des commodes ornées de motifs japonais.

Le rococo britannique présentait généralement un caractère plus sobre. Les créations de meubles de Thomas Chippendale ont conservé les courbes et l'esthétique caractéristiques, mais ont évité l'extrême fantaisie des exemples français. Thomas Johnson, sculpteur et designer de meubles hautement qualifié, actif à Londres au milieu du XVIIIe siècle, est largement considéré comme le partisan le plus prospère du rococo britannique.

Peinture

Des éléments du style Rocaille imprègnent les œuvres de certains peintres français, caractérisés par un penchant pour les détails pittoresques, le jeu de courbes et de contre-courbes et une asymétrie distincte qui imprègne le mouvement baroque d'exubérance. Cependant, le rocaille français n'a jamais atteint l'extravagance du rococo germanique. Antoine Watteau en fut le principal représentant, particulièrement évident dans son chef-d'œuvre L'Embarquement pour Cythère (1717), conservé au Louvre. Cette œuvre illustre le genre de la Fête galante, qui représentait des scènes de jeunes aristocrates célébrant dans un cadre pastoral idyllique. Bien que Watteau soit décédé en 1721 à l'âge de trente-sept ans, ses contributions artistiques ont continué à influencer la peinture pendant le reste du siècle. Une variante du tableau de Watteau, intitulée Pèlerinage à Cythère, fut acquise par Frédéric le Grand de Prusse en 1752 ou 1765 pour orner son palais de Charlottenburg à Berlin.

François Boucher (1703-1770), le peintre préféré de Madame de Pompadour, succéda à Watteau en tant que figure de proue de la peinture décorative et du style de la Fête Galante. Son œuvre comprend la sensuelle Toilette de Vénus (1746), qui est devenue une représentation emblématique du style. La polyvalence de Boucher s'étend à diverses disciplines artistiques de l'époque; il dessine des tapisseries, crée des modèles de sculptures en porcelaine, conçoit des décors pour l'Opéra de Paris et l'Opéra-Comique et réalise des décors pour la Foire de Saint-Laurent. Parmi les autres peintres notables contribuant au style Fête Galante figuraient Nicolas Lancret et Jean-Baptiste Pater. Le style a considérablement influencé François Lemoyne, qui a achevé la somptueuse décoration du plafond du Salon d'Hercule au château de Versailles en 1735. Des peintures représentant des fêtes galantes et des thèmes mythologiques de Boucher, Pierre-Charles Trémolières et Charles-Joseph Natoire ornaient le célèbre salon de l'Hôtel Soubise à Paris (1735-1740). Parmi les autres peintres rococo remarquables figurent Jean François de Troy (1679-1752), Jean-Baptiste van Loo (1685-1745), ses deux fils Louis-Michel van Loo (1707-1771) et Charles-Amédée-Philippe van Loo (1719-1795), son jeune frère Charles-André van Loo (1705-1765), Nicolas Lancret. (1690-1743) et Jean Honoré Fragonard (1732-1806).

La peinture italienne a exercé une profonde influence sur le style rococo répandu en Autriche et dans le sud de l'Allemagne. L'artiste vénitien Giovanni Battista Tiepolo, aidé par son fils Giovanni Domenico Tiepolo, reçut une commande pour exécuter des fresques pour la résidence de Würzburg entre 1720 et 1744. Parallèlement, Johann Baptist Zimmermann se distingua comme le peintre prééminent des églises rococo bavaroises, complétant notamment le plafond de l'église de Wieskirche de 1745 à 1754.

Sculpture

La sculpture rococo se caractérisait par ses qualités théâtrales, sensuelles et dynamiques, conférant une sensation de mouvement omniprésente. Il était principalement intégré aux intérieurs d’églises, souvent étroitement lié à la peinture et à l’architecture. Les œuvres sculpturales religieuses adoptaient généralement le style baroque italien, comme en témoigne le retable dramatique de l'église Karlskirche de Vienne.

Les premiers rococos, ou rocailles, de la sculpture en France présentaient une qualité plus légère et un mouvement amélioré par rapport au style classique de Louis XIV. Cette direction artistique fut notamment encouragée par Madame de Pompadour, maîtresse de Louis XV, qui commanda de nombreuses œuvres pour ses châteaux et jardins. Le sculpteur Edmé Bouchardon, par exemple, a représenté Cupidon taillant ses fléchettes d'amour dans la massue d'Hercule. Des figures rococo ont également peuplé les fontaines ultérieures de Versailles, comme la Fontaine de Neptune de Lambert-Sigisbert Adam et Nicolas-Sébastien Adam (1740). Leur succès à Versailles a conduit à une invitation de Frédéric le Grand en Prusse, où ils ont créé des sculptures de fontaines pour le parc de Sanssouci dans les années 1740.

Étienne-Maurice Falconet (1716-1791) est devenu un autre sculpteur français de premier plan au cours de cette période. Bien que principalement célèbre pour sa statue « Cavalier de bronze » de Pierre le Grand à Saint-Pétersbourg, Falconet a également produit une série d'œuvres plus petites pour de riches collectionneurs, reproductibles en terre cuite ou coulées en bronze. D'autres sculpteurs français, dont Jean-Louis Lemoyne, Jean-Baptiste Lemoyne, Louis-Simon Boizot, Michel Clodion, Lambert-Sigisbert Adam et Jean-Baptiste Pigalle, ont également créé des sculptures en série pour le marché des collectionneurs.

En Italie, Antonio Corradini s'est distingué comme l'un des principaux sculpteurs du style rococo. Vénitien de naissance, il voyagea beaucoup à travers l'Europe, réalisant des commandes pour Pierre le Grand à Saint-Pétersbourg et pour les tribunaux d'Autriche et de Naples. Corradini favorisait les thèmes sentimentaux, produisant plusieurs œuvres hautement qualifiées représentant des femmes aux visages voilés, dont un exemple notable se trouve aujourd'hui au Louvre.

Les manifestations les plus élaborées de la sculpture rococo étaient concentrées en Espagne, en Autriche et dans le sud de l'Allemagne, principalement dans l'ornementation des palais et des églises. Cette œuvre sculpturale était si intimement intégrée à l’architecture que leurs limites individuelles devenaient indiscernables. Par exemple, au palais du Belvédère à Vienne (1721-1722), le plafond voûté de la salle des Atlantes est soutenu par des figures musclées conçues par Johann Lukas von Hildebrandt. Parallèlement, le portail du Palais du Marqués de Dos Aguas à Valence (1715-1776) était entièrement orné de sculptures en marbre, basées sur les dessins d'Hipolito Rovira Brocandel.

L'autel El Transparente, situé dans la chapelle majeure de la cathédrale de Tolède, représente une œuvre sculpturale monumentale composée de marbre polychrome et de stuc doré, intégrée à des peintures, des statues et des symboles. Créé par Narciso Tomé entre 1721 et 1732, son design facilite le passage de la lumière, conférant une illusion de mouvement sous un éclairage changeant.

Porcelaine

La période rococo voit l'avènement d'une nouvelle forme de sculpture à petite échelle : la figure en porcelaine ou petit groupe de personnages. Initialement servant de substitut aux sculptures en sucre sur les grandes tables à manger, ces objets sont rapidement devenus populaires pour être exposés sur les cheminées et les meubles. Le nombre d’usines européennes a augmenté régulièrement tout au long du siècle, certaines produisant de la porcelaine abordable pour les classes moyennes en expansion. Parallèlement, le volume de décorations colorées sur glaçure appliquées à ces pièces a également augmenté. Ils étaient généralement modelés par des artistes formés à la sculpture, avec des sujets communs comprenant des personnages de la commedia dell'arte, des vendeurs ambulants de la ville, des amoureux, des individus en tenue à la mode et des couples d'oiseaux.

Johann Joachim Kändler, une figure centrale, a été le principal modeleur de porcelaine de Meissen, la première usine de porcelaine d'Europe, qui a maintenu sa prééminence jusqu'en 1760 environ. Parallèlement, le sculpteur allemand d'origine suisse Franz Anton Bustelli a créé diverses figures aux couleurs vives pour la manufacture de porcelaine de Nymphenburg en Bavière, les distribuant dans toute l'Europe. Étienne-Maurice Falconet (1716-1791), sculpteur français, a adopté une démarche artistique similaire. Au-delà de ses créations monumentales, Falconet dirigea la Manufacture de Porcelaine de Sèvres, où il supervisa la production en série de pièces plus petites, représentant fréquemment des thèmes d'amour et de joie.

Musique

Bien que moins reconnue que son prédécesseur baroque ou son successeur classique, une période rococo distincte a émergé dans l'histoire de la musique. Ce style musical a évolué à partir des traditions baroques en France, où il était appelé style galant (signifiant une esthétique « galante » ou « élégante »), et en Allemagne, où il était connu sous le nom de empfindsamer Stil (désignant un « style sensible »). Ses caractéristiques déterminantes incluent une qualité légère et intime, comportant souvent une ornementation très élaborée et sophistiquée.

Au cours de la seconde moitié du XVIIIe siècle, un contre-mouvement important est apparu contre le style rococo, en grande partie en réponse à son ornementation et à ses éléments décoratifs perçus comme excessifs. Cette réaction, menée par Christoph Willibald Gluck, marque l'avènement de l'ère classique. Au début du XIXe siècle, l'Église catholique avait jugé le style rococo inapproprié pour les contextes ecclésiastiques, affirmant qu'il n'était « en aucun cas propice aux sentiments de dévotion ».

Piotr Ilitch Tchaïkovski, un éminent compositeur russe de l'époque romantique, a composé Les Variations sur un thème rococo, op. 33, pour violoncelle et orchestre en 1877. Malgré son origine thématique non rococo, la composition elle-même adhère aux principes stylistiques rococo.

Mode

La mode rococo se caractérisait par son extravagance, son élégance, son raffinement et sa décoration élaborée. Un contraste notable existait entre les vêtements féminins du XVIIe siècle et les styles plus ornés et sophistiqués du XVIIIe siècle, qui incarnaient l'esthétique rococo. Ces tendances vestimentaires s'étendaient au-delà de la cour royale, imprégnant les salons et les cafés fréquentés par la bourgeoisie naissante. Le style décoratif et design exubérant, ludique et élégant désormais identifié sous le nom de « Rococo » était à l'époque appelé le style rocaille, le style moderne, le gout.

Une innovation de mode du début du XVIIIe siècle était la robe volante, une robe fluide qui a pris de l'importance vers la fin du règne du roi Louis XIV. Ce vêtement comportait un corsage avec des plis importants tombant en cascade du dos jusqu'au sol, porté sur un jupon arrondi. Sa palette de couleurs initiale comprenait des tissus riches et sombres complétés par des éléments de design complexes et lourds. Après la disparition de Louis XIV, les styles vestimentaires ont subi une transformation, évoluant vers une esthétique plus légère et plus fantaisiste, passant ainsi du baroque à la période rococo distinctive. La dernière époque rococo est devenue célèbre pour ses teintes pastel, ses robes plus révélatrices et son abondance de volants, de volants, de nœuds et de garnitures en dentelle. Peu de temps après l'émergence de la robe rococo caractéristique, la robe à la Française a été introduite, se distinguant par un corsage ajusté, un décolleté souvent orné de grands nœuds en ruban sur le devant central, de larges paniers et de somptueux ornements de dentelle, de ruban et de fleurs.

Parallèlement, les plis Watteau gagnaient en popularité, nommés en hommage au peintre Jean-Antoine Watteau, dont les représentations méticuleuses capturaient les détails complexes des robes, y compris les coutures en dentelle et autres embellissements. Par la suite, vers 1718, les 'pannier' et 'mantua' devinrent à la mode. Ces larges anneaux, portés sous les robes pour étendre latéralement les hanches, sont rapidement devenus un élément fondamental de la tenue vestimentaire formelle. Cette innovation a contribué à la silhouette emblématique de la période rococo, caractérisée par des hanches larges et de nombreuses ornementations vestimentaires. Alors que les sacoches larges, atteignant parfois jusqu'à 4,9 mètres de diamètre, étaient réservées aux occasions spéciales, des cerceaux plus petits ont été adoptés pour un usage quotidien. Ces éléments stylistiques proviennent de la mode espagnole du XVIIe siècle, en particulier de la guardainfante, initialement conçue pour dissimuler la grossesse, mais réinterprétée plus tard sous le nom de sacoche. L'année 1745 marque « l'âge d'or » du rococo avec l'assimilation d'une influence culturelle orientale plus exotique en France, appelée à la turque. Cette tendance a notamment été popularisée par la maîtresse de Louis XV, Madame de Pompadour, qui a chargé l'artiste Charles-André van Loo de la représenter en sultane turque.

Dans les années 1760, des styles vestimentaires plus décontractés ont pris de l'importance, parmi lesquels la polonaise, un vêtement influencé par la mode polonaise. Se distinguant par sa longueur plus courte par rapport à la robe traditionnelle française, la polonaise révélait le jupon et les chevilles, facilitant ainsi une plus grande mobilité. Parallèlement, la robe à l'anglais gagnait en popularité, incorporant des éléments dérivés de la tenue vestimentaire masculine, comme une veste courte, de larges revers et des manches longues. Ce vêtement comportait un corsage ajusté, une jupe ample dépourvue de sacoches, mais conservant un léger allongement dans le dos pour former une traîne modeste, et était fréquemment accessoirisé d'un foulard en dentelle autour du cou. De plus, la « redingote » est apparue, fonctionnant comme un vêtement intermédiaire entre une cape et un pardessus.

Les accessoires avaient une importance significative pour les femmes au cours de cette période, contribuant à l'opulence générale et à la parure corporelle qui complétaient leurs robes élaborées. Lors des cérémonies formelles, les femmes étaient tenues de porter des gants couvrant leurs mains et leurs bras, en particulier lorsque leur tenue comportait des modèles sans manches.

Littérature

Dans le discours littéraire, le terme « rococo » est souvent considéré comme « inutilement vague », mais il évoque généralement une légèreté joyeuse, un ton intime et un côté ludique et élégant. Les genres littéraires rococo prédominants englobaient des formes plus courtes, y compris la poésie légère érotique (français : poésie légère ou poésie fugitive), les sonnets, les madrigaux et autres compositions lyriques, les pastorales, les contes de fées et les nouvelles. Cependant, cette période a également produit de nombreux poèmes narratifs, illustrés par le chef-d'œuvre allemand de Christoph Martin Wieland, Obéron.

Essentiellement un style littéraire français du XVIIIe siècle, largement façonné par l'école des Précieuses du XVIIe siècle, la littérature rococo est illustrée par des auteurs tels que Anne Claude de Caylus, connue pour L'Art d'aimer ; P.J. Bernard ; Alexandre Masson de Pezay, auteur du poème narratif Le Bain de Zélis ; L'abbé de Favre, auteur du poème Les quatre heures de la toilette des dames ; Évariste de Parny; et Jean-Baptiste Louvet de Couvray, entre autres. Le style rococo a également trouvé des adeptes en Italie, notamment Paolo Rolli et Pietro Metastasio, et en Allemagne, avec des personnalités telles que Friedrich von Hagedorn, Johann Wilhelm Ludwig Gleim, Johann Uz et Johann Nikolaus Götz. Son influence s'étendit, quoique dans une moindre mesure, à la littérature anglaise et russe, notamment à travers Ippolit Bogdanovitch.

Galerie

Architecture

Gravures

Peinture

Peinture de l'époque rococo

• Art rococo italien
• Le rococo au Portugal
• Mouvement culturel
• Histoire de la peinture
• Peinture de plafond illusionniste
• Meubles Louis XV
• Notes et citations

Notes et citations

Bibliographie

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