Le romantisme, alternativement appelé mouvement romantique ou ère romantique, constituait un phénomène artistique et intellectuel qui a émergé en Europe à la fin du XVIIIe siècle. Ce mouvement visait à défendre la subjectivité, l'imagination et l'appréciation de la nature dans des contextes sociétaux et culturels, servant de réponse directe au siècle des Lumières et à la révolution industrielle.
Les adeptes du romantisme ont répudié les conventions sociales dominantes, adoptant à la place une perspective éthique caractérisée par l'individualisme. Ils affirmaient que la passion et l’intuition étaient indispensables pour comprendre le monde, affirmant que la beauté transcendait les simples attributs formels pour englober une profonde résonance émotionnelle. Fondés sur ce cadre philosophique, les romantiques défendaient plusieurs principes fondamentaux : un profond respect à la fois pour la nature et le surnaturel, une idéalisation des périodes historiques comme étant intrinsèquement plus nobles, une fascination intense pour l'exotisme et l'énigmatique, et une exaltation de l'héroïque et du sublime.
Le mouvement romantique a montré une prédilection distincte pour le Moyen Âge, le percevant comme une époque définie par la chevalerie, l'héroïsme et un environnement humain plus harmonieux. interaction. Cette perspective idéalisée était en totale opposition avec les valeurs de leur société industrielle contemporaine, qu’ils critiquaient pour son matérialisme économique aliénant et son impact environnemental néfaste. La représentation romantique du Moyen Âge est devenue un point central du discours scientifique, attirant fréquemment des accusations selon lesquelles de telles représentations négligeaient souvent les aspects les moins favorables de l'existence médiévale.
Le consensus scientifique indique que le romantisme a atteint son apogée entre 1800 et 1850. Néanmoins, les discussions universitaires englobent également une période du « romantisme tardif » et des renaissances « néoromantiques » ultérieures. Ces manifestations ultérieures du mouvement se distinguaient par leur opposition aux formes artistiques progressivement expérimentales et abstraites qui caractérisaient l'art moderne, parallèlement à une déconstruction de l'harmonie tonale conventionnelle dans les compositions musicales. Les partisans de ces extensions ont défendu l'éthos romantique, mettant l'accent sur la profondeur émotionnelle de l'expression artistique et musicale tout en démontrant la virtuosité technique au sein d'un idiome romantique développé. Au début de la Première Guerre mondiale, le milieu culturel et artistique dominant avait subi une transformation si importante que le romantisme s'est largement fragmenté en mouvements successeurs. Les dernières personnalités marquantes du Romantisme tardif qui adhéraient à ces idéaux sont décédées dans les années 1940 ; malgré leur estime continue, ils étaient de plus en plus perçus comme anachroniques.
Le romantisme représentait un mouvement aux multiples facettes, englobant diverses perspectives qui se sont répandues dans toute la civilisation occidentale dans le monde. Le mouvement et ses idéologies antithétiques se sont engagés dans un processus de formation réciproque au fil du temps. Après son déclin, la philosophie romantique et les expressions artistiques ont exercé un impact profond et durable sur divers domaines, notamment l'art, la musique, la fiction spéculative, la philosophie, la politique et l'environnementalisme, une influence qui persiste à l'époque contemporaine. Il est important de noter, cependant, que les concepts modernes de « romantisation » et de « romantisation » ont souvent un rapport minime avec le mouvement romantique historique lui-même.
Vue d'ensemble
Chronologie
Dans la majorité du monde occidental, le romantisme a connu son apogée entre 1800 et 1850 environ. Les principes fondateurs du romantisme proviennent d'un courant allemand antérieur des contre-Lumières connu sous le nom de Sturm und Drang (en allemand pour « Tempête et stress »). Ce mouvement précurseur remettait directement en question l'affirmation des Lumières selon laquelle la compréhension humaine du monde pouvait être obtenue uniquement par la rationalité, proposant plutôt l'intuition et l'émotion comme constituants essentiels de la perspicacité et de la compréhension. La publication des Les Souffrances du jeune Werther de Johann Wolfgang von Goethe en 1774 a contribué de manière significative à la formation du mouvement romantique et de ses principes fondamentaux. En outre, les événements et les fondements philosophiques de la Révolution française ont exercé une influence directe, de nombreux premiers romantiques à travers l'Europe exprimant leur solidarité avec les aspirations et les réalisations des révolutionnaires français.
Une convergence de facteurs a précipité le déclin du romantisme au milieu du XIXe siècle. Ceux-ci comprenaient, sans s'y limiter, l'émergence du réalisme et du naturalisme, la publication de Origine des espèces de Charles Darwin, un changement sociétal d'une ferveur révolutionnaire omniprésente en Europe vers un environnement politique plus conservateur et une réorientation de la conscience du public vers les conséquences immédiates du progrès technologique et de l'urbanisation sur les classes ouvrières. Au début de la Première Guerre mondiale, le romantisme avait été largement éclipsé par des mouvements culturels, sociaux et politiques naissants, dont beaucoup étaient antithétiques à ce qu'ils percevaient comme les illusions et les principales préoccupations des romantiques.
Le romantisme a exercé une influence profonde et durable sur la civilisation occidentale, avec de nombreuses créations artistiques, musicales et littéraires incarnant ses idéaux émergeant après la conclusion formelle du mouvement. L'accent mis par le mouvement sur l'appréciation de la nature est fréquemment cité comme un élément fondamental des initiatives contemporaines de conservation. Au cours de l’âge d’or d’Hollywood, la plupart des musiques de films étaient composées dans un langage romantique riche et orchestral, un style qui continue d’être répandu dans la musique cinématographique du XXIe siècle. En outre, les principes philosophiques du romantisme ont façonné de manière significative la pensée politique moderne, impactant à la fois les idéologies libérales et conservatrices.
Objectif
Le romantisme était fondamentalement défini par la priorité accordée à l'émotion et à l'individualisme, parallèlement à une idéalisation du passé et du monde naturel, privilégiant souvent l'esthétique médiévale par rapport aux formes classiques. Ce mouvement est apparu en partie comme une contre-réponse à la révolution industrielle et à l'idéologie dominante des Lumières, en particulier sa rationalisation scientifique de la nature.
Les principes fondamentaux du mouvement romantique ont trouvé leur expression la plus prononcée dans les arts visuels, la musique et la littérature ; cependant, son influence s'est également étendue à l'historiographie, aux pratiques éducatives, aux échecs et aux sciences sociales.
Le romantisme a exercé un impact substantiel et complexe sur la pensée politique, façonnant le conservatisme, le libéralisme, le radicalisme et le nationalisme.
Le romantisme a élevé l'imagination individuelle et distinctive de l'artiste au-dessus des contraintes des conventions formelles classiques. Le mouvement a souligné l'émotion intense en tant que véritable source d'expérience esthétique, imprégnant ainsi les expériences de sympathie, de crainte, d'émerveillement et de terreur d'une signification nouvelle, en partie en décrivant ces émotions comme des réactions naturelles au « beau » et au « sublime ».
Les romantiques ont souligné la valeur inhérente de l'art populaire et des traditions culturelles anciennes, tout en prônant simultanément des positions politiques radicales, une conduite non conventionnelle et une véritable spontanéité. Contrastant avec le rationalisme et le classicisme des Lumières, le romantisme a revitalisé les thèmes médiévaux et présenté une vision pastorale d'un passé européen plus « authentique », juxtaposée à une perspective extrêmement critique sur les transformations sociétales contemporaines, telles que l'urbanisation, précipitées par la révolution industrielle. Le mouvement célébrait les réalisations d'individus « héroïques », en particulier des artistes, qui étaient de plus en plus présentés comme des avant-gardes culturelles. Par exemple, l'éminente figure romantique Percy Bysshe Shelley a qualifié les poètes de « législateurs non reconnus du monde » dans son ouvrage « Défense de la poésie ».
Définir le romantisme
Caractéristiques de base
Le romantisme accordait une importance primordiale à la liberté de l'artiste d'exprimer de manière authentique ses sentiments et ses concepts personnels. D'éminents romantiques, comme le peintre allemand Caspar David Friedrich, affirmaient que l'état émotionnel d'un artiste devait régir sa méthodologie formelle ; Friedrich affirmait que « le sentiment de l’artiste est sa loi ». Faisant écho à cette perspective, le poète romantique William Wordsworth a postulé que la poésie devrait provenir du « débordement spontané de sentiments puissants », dont le poète « se souvient ensuite dans la tranquillité », facilitant ainsi la découverte d'une forme distincte et appropriée pour transmettre ces émotions.
Les romantiques maintenaient la conviction inébranlable que l’art animé par l’émotion découvrirait intrinsèquement des modalités appropriées et harmonieuses pour exprimer son contenu essentiel, à condition que l’artiste évite les conventions stagnantes et les précédents superflus. Samuel Taylor Coleridge et d'autres théoriciens ont proposé que les artistes innés adhéraient instinctivement à certaines lois naturelles de l'imagination lorsqu'ils disposaient d'une autonomie créative. Ces « lois naturelles » étaient perçues comme s'adaptant à un large éventail d'approches formelles, potentiellement aussi diverses que le nombre d'individus produisant des œuvres d'art personnellement significatives. De nombreux romantiques souscrivaient à la croyance selon laquelle les œuvres de génie artistique surgissaient « ex nihilo », ou « à partir de rien », sans s'appuyer sur des modèles préexistants ; ce concept est fréquemment qualifié d'« originalité romantique ». Le traducteur et figure romantique influente August Wilhelm Schlegel a soutenu dans ses Leçons sur les arts dramatiques et les lettres que l'attribut le plus précieux de l'humanité est sa propension à la divergence et à la diversification.
Selon Isaiah Berlin, le romantisme englobait « un esprit nouveau et agité, cherchant violemment à éclater à travers des formes anciennes et exiguës, une préoccupation nerveuse d'états de conscience intérieurs en perpétuel changement, un désir d'illimité et d'indéfinissable, de mouvement et de changement perpétuels, un effort pour revenir aux sources oubliées de la vie, un effort passionné d'affirmation de soi à la fois individuelle et collective, une recherche de moyens d'exprimer un désir insatiable d'inaccessible. objectifs".
Les artistes romantiques avaient tous une profonde conviction concernant l'importance et les attributs inspirants de la nature. Ils nourrissaient un scepticisme à l’égard des environnements urbains et des normes sociétales. En outre, ils ont exprimé leur désapprobation à l’égard des artistes de la Restauration et des Lumières, dont l’objectif principal était de représenter et de critiquer les interactions sociales, négligeant ainsi le lien intrinsèque entre l’humanité et le monde naturel. Un principe romantique dominant postulait qu'une relation intime avec la nature était avantageuse pour le bien-être humain, en particulier pour ceux qui se désengageaient de la société pour découvrir le royaume naturel dans la solitude.
La littérature romantique employait fréquemment une « voix » narrative distinctive et personnalisée. Comme le note le critique M. H. Abrams, « une grande partie de la poésie romantique invite le lecteur à identifier les protagonistes avec les poètes eux-mêmes ». Cette caractéristique des œuvres littéraires romantiques a ensuite eu un impact sur la méthodologie et la réception des créations sur divers supports. Son influence est perceptible dans divers domaines, allant des évaluations critiques de l'expression stylistique individuelle dans la peinture, la mode et la musique, à l'émergence du mouvement d'auteur dans le cinéma contemporain.
Étymologie
Le groupe lexical provenant de la racine « roman » dans diverses langues européennes, englobant des termes tels que « roman » et « roman », possède une trajectoire historique complexe. Au XVIIIe siècle, les traditions linguistiques européennes, en particulier les langues allemande, française et slave, avaient adopté le terme « romain » pour désigner ce qui en anglais est compris comme un « roman », signifiant une œuvre de fiction narrative populaire. Cette application découle de la désignation « langues romanes », qui faisait référence au discours vernaculaire ou populaire, par opposition au latin formel. La majorité de ces premiers romans se manifestaient sous la forme de « romans chevaleresques », des récits caractérisés par l'aventure, la dévotion et l'honneur.
Les ancêtres du romantisme, les critiques et frères et sœurs August Wilhelm Schlegel et Friedrich Schlegel, ont lancé le discours sur la romantische Poesie (« poésie romantique ») dans les années 1790. Ils ont juxtaposé ce concept avec le concept « classique » non seulement basé sur la chronologie mais avant tout sur l'esprit inhérent. Friedrich Schlegel a expliqué dans son essai de 1800 Gespräch über die Poesie ("Dialogue sur la poésie") :
Je cherche et trouve le romantique parmi les modernes plus anciens, dans Shakespeare, dans Cervantes, dans la poésie italienne, dans cette époque de chevalerie, d'amour et de fable, dont dérivent le phénomène et le mot lui-même.
La compréhension contemporaine du terme a gagné en popularité en France grâce à son application cohérente par Germaine de Staël dans son œuvre De l'Allemagne (1813), qui raconte ses voyages à travers l'Allemagne. En Angleterre, Wordsworth a fait référence à la « harpe romantique » et à la « lyre classique » dans la préface de ses poèmes de 1815. Cependant, en 1820, Byron, peut-être avec une certaine malhonnêteté, pouvait encore faire la remarque suivante :
Je constate qu'en Allemagne, ainsi qu'en Italie, il y a une grande lutte entre ce qu'ils appellent « classique » et « romantique », des termes qui n'étaient pas des sujets de classification en Angleterre, du moins lorsque je l'ai quitté il y a quatre ou cinq ans.
Le romantisme ne s'est définitivement reconnu par sa nomenclature désignée qu'à partir des années 1820. Parallèlement, en 1824, l'Académie française entreprend la mesure totalement inefficace de promulguer un décret condamnant sa présence dans la littérature.
Période
La période chronologique conventionnellement identifiée comme la période romantique présente des variations substantielles selon les nations, les disciplines artistiques et les domaines intellectuels. Margaret Drabble a caractérisé sa manifestation littéraire comme se produisant « à peu près entre 1770 et 1848 », avec très peu de dates de début proposées précédant de manière significative 1770. Dans la littérature anglaise, M. H. Abrams a situé cette époque entre 1789 ou 1798 — cette dernière étant une perspective largement acceptée — et environ 1830, s'étendant potentiellement légèrement au-delà de la période suggérée par certains autres chercheurs. Des propositions alternatives suggèrent que la période s'étendait de 1780 à 1830. Dans d'autres sphères et contextes géographiques, la période désignée comme romantique peut diverger considérablement ; par exemple, le romantisme musical est généralement considéré comme ayant persisté en tant que force artistique importante jusqu'en 1910. Cependant, dans une extension extrême, les Quatre dernières chansons de Richard Strauss, composées entre 1946 et 1948, sont stylistiquement classées comme « romantiques tardifs ». Néanmoins, dans la majorité des domaines, on considère généralement que la période romantique s'est terminée vers 1850, voire avant.
La phase initiale de l'ère romantique a été caractérisée par de vastes guerres, commençant avec la Révolution française (1789-1799) et se poursuivant à travers les guerres napoléoniennes jusqu'en 1815. Cette période de conflit, associée aux bouleversements politiques et sociaux qui l'accompagnent, a constitué le contexte fondateur de l'émergence du romantisme. Comme l'explique Alfred de Vigny, une figure éminente d'entre eux, la génération charnière des romantiques français née entre 1795 et 1805 a été « conçue entre les batailles, scolarisée au roulement des tambours ». Jacques Barzun identifie trois générations distinctes d'artistes romantiques : la première apparaissant dans les années 1790 et 1800, la seconde dans les années 1820 et la troisième plus tard dans le siècle.
Contexte historique et positionnement
La caractérisation précise et l'articulation définitive du romantisme ont été largement débattues au sein de l'histoire intellectuelle et littéraire tout au long du XXe siècle, mais un large consensus reste insaisissable. Néanmoins, les études contemporaines acceptent généralement que le romantisme constituait une composante de la Contre-Lumières, représentant une réaction contre les principes du siècle des Lumières. Son lien avec la Révolution française, qui a débuté en 1789 au cours de la phase naissante de la période romantique, est indéniablement significatif, même si ses manifestations varient considérablement en fonction de la situation géographique et des réponses individuelles. Alors que la plupart des romantiques avaient généralement des perspectives progressistes, une minorité importante maintenait ou développait divers points de vue conservateurs. De plus, le nationalisme était fréquemment et fortement lié au romantisme dans de nombreux pays.
Dans la philosophie et l'histoire des idées, Isaiah Berlin a postulé que le romantisme a perturbé les traditions occidentales classiques de rationalité, d'absolu moral et de valeurs partagées pendant plus d'un siècle. Cette perturbation, a-t-il soutenu, a conduit « à quelque chose comme la fonte de la notion même de vérité objective », contribuant ainsi non seulement au nationalisme mais aussi au fascisme et au totalitarisme, avec une reprise progressive seulement observée après la Seconde Guerre mondiale. Berlin affirme en outre que pour les romantiques :
Dans les domaines de l'éthique, de la politique et de l'esthétique, l'authenticité et la sincérité inhérentes à la poursuite d'objectifs internes étaient primordiales ; ce principe s'étendait à la fois aux individus et aux entités collectives telles que les États, les nations et les mouvements. Cet accent est particulièrement manifeste dans l’esthétique romantique, où le concept d’archétypes éternels – un idéal platonicien de beauté que les artistes s’efforcent de restituer imparfaitement sous des formes visuelles ou auditives – est supplanté par une ardente conviction de libération spirituelle et d’action créatrice individuelle. Ainsi, le peintre, le poète et le compositeur ne se contentent pas de refléter la nature, aussi idéalisée soit-elle, mais innovent ; ils ne s’engagent pas dans l’imitation (la doctrine de la mimesis) mais forgent plutôt non seulement les méthodes mais aussi les objectifs mêmes de leurs efforts. Ces objectifs incarnent l'expression de la vision distinctive et intrinsèque de l'artiste, et ignorer cette vision par déférence envers les diktats de toute autorité « externe » – qu'il s'agisse de l'église, de l'État, de l'opinion publique, des cercles sociaux ou des arbitres du goût – constitue un acte de trahison contre la seule justification de l'existence de tout individu créatif.
Arthur Lovejoy s'est efforcé d'illustrer les défis inhérents à la définition du romantisme à travers son article influent, « Sur la discrimination des romantismes », publié dans ses Essais sur l'histoire des idées (1948). Alors que certains chercheurs perçoivent le romantisme comme fondamentalement continu avec la pensée contemporaine, d’autres, comme Robert Hughes, l’identifient comme le moment fondateur de la modernité. À l'inverse, des auteurs du XIXe siècle, dont Chateaubriand, Novalis et Samuel Taylor Coleridge, le considéraient comme la genèse d'une tradition résistant au rationalisme des Lumières – un « contre-Lumières » – la plus étroitement liée au romantisme allemand. Une première définition alternative a été fournie par Charles Baudelaire, qui a déclaré : « Le romantisme ne se situe précisément ni dans le choix du sujet ni dans la vérité exacte, mais dans la manière de ressentir. »
L'ère romantique s'achève dans certains domaines avec l'émergence du réalisme, un nouveau style artistique qui influence la littérature (notamment le roman et le théâtre), la peinture, voire la musique, notamment à travers l'opéra vérisme. La France a été le fer de lance de ce mouvement, illustré par Balzac et Flaubert en littérature et Courbet en peinture, tandis que Stendhal et Goya ont été d'importants précurseurs du réalisme dans leurs disciplines artistiques respectives. Néanmoins, les styles romantiques, qui en sont souvent venus à représenter l’esthétique conventionnelle et acceptée contre laquelle les réalistes réagissaient, ont continué à prospérer dans de nombreux domaines tout au long du reste du siècle et au-delà. En musique, les compositions datant d'environ 1850 sont appelées « romantique tardif », « néoromantique » ou « postromantique » par les érudits, bien que ces désignations ne soient pas couramment appliquées dans d'autres domaines artistiques. Pour la littérature et la peinture anglaises, le descripteur « victorien » caractérise commodément cette période sans nécessiter d'élaboration stylistique supplémentaire.
En Europe du Nord, l'optimisme romantique des débuts et la conviction que le monde subissait une transformation et une amélioration significatives se sont largement dissipés. Par conséquent, certaines expressions artistiques ont adopté une position politique et polémique plus conventionnelle, reflétant l'engagement des créateurs envers les réalités sociétales contemporaines. À l’inverse, dans d’autres régions, notamment aux États-Unis et en Russie, la perception d’un changement profond imminent ou en cours est restée prédominante. Les manifestations émotionnelles intenses ont continué à être une caractéristique importante de l'art, tout comme les décors exotiques et historiques initialement introduits par les romantiques. Cependant, l'expérimentation formelle et technique a généralement diminué, cédant souvent à une exécution méticuleuse, évidente dans la poésie de Tennyson et dans de nombreuses peintures. L’art non réaliste de la fin du XIXe siècle présentait souvent des détails extrêmes, les artistes incorporant méticuleusement des éléments authentiques – une pratique moins mise en avant par les romantiques du début. De nombreux principes romantiques concernant la nature et le but de l'art, en particulier l'importance primordiale de l'originalité, ont perduré en tant qu'influences cruciales pour les générations suivantes et sous-tendent fréquemment les perspectives contemporaines, malgré les contre-arguments théoriques.
Littérature
Dans la littérature, le romantisme explorait fréquemment des thèmes tels que le souvenir ou la critique du passé, la culture de la « sensibilité » en mettant l'accent sur les femmes et les enfants, la solitude de l'artiste ou du narrateur et le respect de la nature. De plus, plusieurs auteurs romantiques, dont Edgar Allan Poe, Charles Maturin et Nathaniel Hawthorne, ont incorporé des éléments de psychologie surnaturelle, occulte et humaine dans leurs œuvres. Le romantisme considérait généralement la satire comme ne méritant pas d'être sérieusement prise en considération, une perspective qui conserve son influence dans la pensée contemporaine. Le mouvement littéraire romantique a suivi le siècle des Lumières et a ensuite été remplacé par le réalisme.
Les antécédents du romantisme dans la poésie anglaise remontent au milieu du XVIIIe siècle, englobant des personnalités telles que Joseph Warton, directeur du Winchester College, et son frère Thomas Warton, qui occupait le poste de professeur de poésie à l'Université d'Oxford. Joseph Warton affirmait que l'invention et l'imagination constituaient les principaux attributs d'un poète. Le poète écossais James Macpherson a contribué de manière significative aux premières évolutions du romantisme grâce à la renommée internationale de son cycle de poèmes Ossian, publié en 1762, qui a inspiré à la fois Goethe et le jeune Walter Scott. Thomas Chatterton est largement considéré comme le premier poète romantique anglais. Les œuvres de Chatterton et de Macpherson contenaient des éléments de fabrication littéraire, car leurs prétendues découvertes ou compilations de littérature antérieure étaient, en réalité, leurs créations originales. Le roman gothique, commençant avec Le Château d'Otrante d'Horace Walpole (1764), a servi de précurseur crucial à une facette particulière du romantisme, caractérisée par une appréciation de l'horreur, de la menace et des environnements exotiques et pittoresques. Cela s'est accompagné de l'implication de Walpole dans la renaissance naissante de l'architecture gothique. Le roman de Laurence Sterne, Tristram Shandy (1759-1767), a introduit une itération fantaisiste du roman sentimental anti-rationnel dans la sphère littéraire anglaise.
Allemagne
Johann Wolfgang von Goethe a exercé une première influence allemande, notamment à travers son roman de 1774, Les Douleurs du jeune Werther, qui a inspiré les jeunes hommes de toute l'Europe à imiter son protagoniste, un jeune artiste sensible et passionné. Durant cette période, l'Allemagne comprenait de nombreux petits États indépendants, et les contributions littéraires de Goethe contribuèrent à favoriser un sentiment de cohésion national. Un autre impact philosophique découle de l'idéalisme allemand épousé par Johann Gottlieb Fichte et Friedrich Schelling, faisant de Iéna - où résidaient Fichte, Schelling, Hegel, Schiller et les frères Schlegel - une plaque tournante du premier romantisme allemand, également connu sous le nom de romantisme de Jena. Les auteurs notables de cette époque comprenaient Ludwig Tieck, Novalis, Heinrich von Kleist, Friedrich Hölderlin et Heinrich Heine. Par la suite, Heidelberg est devenue un autre centre important du romantisme allemand, accueillant régulièrement des rassemblements littéraires auxquels participent des écrivains et des poètes tels que Clemens Brentano, Achim von Arnim et Joseph Freiherr von Eichendorff, auteur de Aus dem Leben eines Taugenichts.
Les motifs clés du romantisme allemand englobaient les voyages, la nature (illustré par la forêt allemande) et les mythes germaniques. Des manifestations ultérieures du romantisme allemand, telles que l'œuvre d'E. T. A. Hoffmann de 1817 Der Sandmann (Le marchand de sable) et le roman de Joseph Freiherr von Eichendorff de 1819 Das Marmorbild (La statue de marbre), ont adopté des thèmes plus sombres et incorporé des éléments gothiques. L’accent romantique mis sur l’innocence de l’enfance, le pouvoir de l’imagination et les théories raciales émergentes ont collectivement élevé l’importance de la littérature populaire, de la mythologie non classique et de la littérature pour enfants, en particulier en Allemagne, à un degré sans précédent. Clemens Brentano et Achim von Arnim étaient des personnalités littéraires éminentes qui ont publié en collaboration Des Knaben Wunderhorn ("La corne magique du garçon" ou corne d'abondance), une compilation de contes populaires versifiés, entre 1806 et 1808. Le recueil initial des Contes de fées de Grimm par les frères Grimm est apparu en 1812. Contrairement aux récits inventés plus tard par Hans Christian Andersen, qui a commencé à publier ses contes danois en 1835, ces œuvres allemandes étaient principalement dérivées de contes populaires collectés. Les Grimm ont largement conservé le style narratif original dans leurs premières éditions, bien que certaines sections aient été révisées par la suite. Jacob Grimm, l'un des frères, a publié Deutsche Mythologie en 1835, un important traité académique sur la mythologie germanique. Un autre aspect distinct du mouvement est illustré par le langage intensément émotionnel de Schiller et la représentation de la violence physique dans sa pièce de 1781, Les voleurs.
Grande-Bretagne
Au sein de la littérature anglaise, les principales figures du mouvement romantique comprennent une cohorte de poètes : William Wordsworth, Samuel Taylor Coleridge, John Keats, Lord Byron, Percy Bysshe Shelley et l'aîné William Blake, rejoints plus tard par le solitaire John Clare. De plus, des romanciers notables tels que les Écossais Walter Scott et Mary Shelley, aux côtés des essayistes William Hazlitt et Charles Lamb, ont apporté une contribution significative. La création du mouvement est souvent attribuée à la publication en 1798 des Lyrical Ballads, qui présentaient plusieurs des poèmes les plus remarquables de Wordsworth et Coleridge. Wordsworth est l'auteur de la majorité des poèmes de Lyrical Ballards, explorant souvent la vie des pauvres dans sa région natale des Lacs ou exprimant son lien profond avec la nature - un thème qu'il a développé davantage dans son vaste poème Le Prélude, resté inédit de son vivant. The Rime of the Ancient Mariner de Coleridge, le plus long poème des Lyrical Ballads, mettait en valeur la dimension gothique du romantisme anglais et ses décors exotiques caractéristiques. Au cours de leur période active, les Lake Poets étaient largement perçus comme un groupe marginal de radicaux, malgré le soutien de personnalités comme le critique et écrivain William Hazlitt.
À l'opposé, Lord Byron et Walter Scott ont acquis une immense renommée et une immense influence à travers l'Europe grâce à des œuvres littéraires qui capitalisaient sur l'intensité dramatique et la violence inhérentes à leurs contextes exotiques et historiques. Johann Wolfgang von Goethe a notamment salué Byron comme « sans aucun doute le plus grand génie de notre siècle ». Scott a obtenu une reconnaissance immédiate avec son vaste poème narratif, The Lay of the Last Minstrel, publié en 1805, qui a ensuite été suivi par le poème épique complet Marmion en 1808. Les deux compositions se situaient dans le passé lointain de l'Écosse, un décor précédemment exploré dans Ossian, établissant ainsi une association profonde et durable entre le romantisme et les thèmes écossais. Byron connut un succès comparable avec le premier volet du Pèlerinage de Childe Harold en 1812. Il fut suivi par quatre « contes turcs », présentés sous forme de longs poèmes, commençant par Le Giaour en 1813. Ces œuvres s'inspirèrent de son Grand Tour, qui s'étendit jusqu'en Europe ottomane, et insufflèrent aux thèmes du roman gothique une sensibilité poétique orientalisée. De tels récits présentaient fréquemment diverses itérations du « héros Byron », un personnage façonné davantage par la propre vie publique de Byron. Parallèlement, Scott fut le pionnier du genre du roman historique, initiant ce développement en 1814 avec Waverley. Ce roman très rentable, qui se déroule pendant le soulèvement jacobite de 1745, a marqué le début de plus de 20 romans de Waverley publiés au cours des 17 années suivantes, présentant des contextes historiques méticuleusement étudiés qui remontaient aussi loin que les Croisades, un niveau d'exactitude historique dans la littérature.
Contrairement à son homologue allemand, le romantisme anglais présentait des liens minimes avec le nationalisme. Les romantiques anglais ont souvent fait l'objet d'un examen minutieux en raison de leur sympathie perçue pour les idéaux de la Révolution française, dont l'effondrement ultérieur et son remplacement par la dictature de Napoléon ont profondément impacté le mouvement à travers l'Europe. Bien que ses romans vantent l'identité écossaise et les récits historiques, Scott maintient une ferme position politique unioniste, malgré ses sympathies jacobites reconnues. Un certain nombre de personnalités romantiques ont résidé beaucoup à l'étranger ; un séjour notable sur le lac Léman en 1816, impliquant Byron et Shelley, a abouti au roman très influent de Mary Shelley Frankenstein et à la nouvelle Le Vampyre du médecin de Byron, John William Polidori. Les compositions lyriques de Robert Burns en Écosse et de Thomas Moore en Irlande articulaient de diverses manières leurs identités nationales respectives et la fascination romantique pour la littérature populaire, sans pour autant adopter pleinement une philosophie romantique globale dans leur vie personnelle ou leurs efforts artistiques.
Bien qu'ils aient attiré des défenseurs critiques contemporains comme György Lukács, les romans de Scott sont maintenant plus fréquemment rencontrés à travers les nombreuses adaptations lyriques que les compositeurs ont continué à créer au cours des décennies suivantes, illustrées par l'œuvre de Donizetti. Lucia di Lammermoor et I puritani de Vincenzo Bellini (tous deux créés en 1835). Byron, à l'inverse, est principalement estimé pour sa poésie lyrique concise et sa prose largement peu romantique, en particulier sa correspondance, aux côtés de son épopée satirique inachevée, Don Juan. À la différence de nombreuses figures romantiques, la vie personnelle largement médiatisée de Byron semblait refléter sa production littéraire. Sa disparition à l'âge de 36 ans en 1824 des suites d'une maladie alors qu'il participait à la guerre d'indépendance grecque fut perçue, à distance historique, comme une conclusion tout à fait romantique, renforçant ainsi son statut légendaire. D’autres romantiques éminents connurent des fins diverses : Keats mourut en 1821 et Shelley en 1822, tous deux en Italie ; Blake est décédé en 1827 à près de 70 ans ; et Coleridge cessa en grande partie sa production littéraire au cours des années 1820. En 1820, Wordsworth avait acquis respectabilité et haute estime, occupant une sinécure gouvernementale, mais sa production devint relativement rare. Dans le discours de la littérature anglaise, la période romantique est souvent considérée comme s'étant terminée vers les années 1820, ou parfois même avant, bien que de nombreux auteurs au cours des décennies suivantes soient restés profondément attachés aux idéaux romantiques.
Au-delà de Walter Scott, Jane Austen est la romancière anglaise la plus éminente à l'apogée de l'ère romantique. Sa vision du monde fondamentalement conservatrice divergeait considérablement de celle de ses contemporains romantiques, car elle maintenait une adhésion inébranlable au décorum et aux conventions sociétales. Néanmoins, des critiques comme Claudia L. Johnson ont identifié de subtils courants sous-jacents de troubles sous la surface de nombre de ses œuvres, notamment Northanger Abbey (1817), Mansfield Park (1814) et Persuasion (1817). Par la suite, vers le milieu du siècle, les romans résolument romantiques de la famille Brontë, basée dans le Yorkshire, ont émergé, notamment Jane Eyre de Charlotte et Les Hauts de Hurlevent d'Emily, tous deux sortis en 1847. Ces œuvres incorporaient également des éléments gothiques plus prononcés. Bien que ces deux romans fondateurs aient été composés et publiés après la conclusion généralement acceptée de la période romantique, ils ont été profondément façonnés par la littérature romantique que les auteurs avaient rencontrée au cours de leur enfance.
Malgré leurs efforts théâtraux, Byron, Keats et Shelley ont obtenu un succès limité sur la scène anglaise. La pièce The Cenci de Shelley se démarque comme étant potentiellement sa contribution dramatique la plus significative, mais elle est restée inédite dans les théâtres publics anglais pendant un siècle après sa disparition. À l’inverse, les œuvres dramatiques de Byron, ainsi que les adaptations de sa poésie et des romans de Scott, ont suscité un succès considérable dans toute l’Europe continentale, notamment en France. Ces adaptations ont souvent conduit à des interprétations d'opéra, dont beaucoup continuent d'être mises en scène actuellement. Alors que les poètes contemporains luttaient sur le plan théâtral, cette époque s'est avérée cruciale pour les performances shakespeariennes, contribuant de manière significative à la restauration de ses textes originaux et à la suppression des modifications augustéennes antérieures. Edmund Kean, l'acteur prééminent de l'époque, a notamment rétabli la conclusion tragique du Roi Lear, incitant Coleridge à remarquer qu'assister à sa performance revenait à « lire Shakespeare à travers des éclairs ».
Écosse
Après l'union de 1707 avec l'Angleterre, l'Écosse a progressivement assimilé la langue anglaise et des conventions culturelles plus larges ; cependant, sa tradition littéraire a cultivé une identité nationale unique et a acquis une reconnaissance internationale. Allan Ramsay (1686-1758) a initié un regain d'intérêt pour la littérature écossaise archaïque, tout en étant pionnier de la poésie pastorale et en contribuant à l'évolution de la strophe Habbie en tant que structure poétique. James Macpherson (1736-1796) est devenu le premier poète écossais à atteindre une renommée mondiale. Affirmant la découverte de la poésie bardique ancienne par Ossian, il a diffusé des traductions qui ont acquis une large popularité internationale, saluées comme la contrepartie celtique des épopées classiques. Son œuvre de 1762, Fingal, fut rapidement traduite dans de nombreuses langues européennes. Sa profonde appréciation de la beauté naturelle et son engagement dans les légendes anciennes sont largement reconnus, plus que toute autre œuvre singulière, pour avoir catalysé le mouvement romantique dans la littérature européenne, en particulier allemande, à travers son impact sur Johann Gottfried von Herder et Johann Wolfgang von Goethe. Des personnalités comme Napoléon ont notamment contribué à sa popularisation en France. En fin de compte, il a été révélé que ces poèmes n'étaient pas des interprétations directes du gaélique écossais mais plutôt des adaptations élaborées conçues pour s'aligner sur les sensibilités esthétiques de son lectorat contemporain.
Le cycle Ossian a influencé de manière significative Robert Burns (1759-1796) et Walter Scott (1771-1832). Burns, poète et parolier né dans l'Ayrshire, est largement reconnu comme le poète national écossais et une figure centrale du mouvement romantique. Son célèbre poème et chanson, "Auld Lang Syne", est habituellement interprété pendant Hogmanay (réveillon du Nouvel An), tandis que "Scots Wha Hae" a fonctionné pendant une période prolongée comme hymne national non officiel. Scott a commencé sa carrière littéraire en tant que poète, compilant et publiant simultanément des ballades écossaises. Son œuvre inaugurale en prose, Waverley (1814), est fréquemment citée comme le premier roman historique. Cette publication a lancé une carrière remarquablement réussie, suivie par d'autres romans historiques notables, notamment Rob Roy (1817), The Heart of Midlothian (1818) et Ivanhoe (1820). Scott a sans doute contribué plus que n’importe quelle figure contemporaine à l’articulation et à la popularisation de l’identité culturelle écossaise tout au long du XIXe siècle. Parmi les autres figures littéraires éminentes associées au romantisme figurent les poètes et romanciers James Hogg (1770-1835), Allan Cunningham (1784-1842) et John Galt (1779-1839).
L'Écosse a également accueilli deux des périodiques littéraires les plus influents de l'époque : The Edinburgh Review (fondé en 1802) et Blackwood's Magazine (fondé en 1817). Ces publications ont eu un impact significatif sur l'évolution de la littérature et du théâtre britanniques à l'époque romantique. Les chercheurs Ian Duncan et Alex Benchimol proposent que des œuvres telles que les romans de Scott et ces magazines faisaient partie intégrante d'un romantisme écossais dynamique. Ce mouvement, au début du XIXe siècle, a positionné Édimbourg comme la capitale culturelle de la Grande-Bretagne et une force centrale dans le développement plus large d'un « nationalisme des îles britanniques ».
L'émergence du « drame national » écossais s'est produite au début des années 1800, caractérisée par des pièces présentant des thèmes typiquement écossais qui dominaient de plus en plus la scène nationale. Historiquement, les productions théâtrales avaient été découragées par l'Église d'Écosse et par les inquiétudes concernant d'éventuels rassemblements jacobites. Au cours de la seconde moitié du XVIIIe siècle, de nombreuses pièces de théâtre furent composées et interprétées par de petites compagnies amateurs ; cependant, la plupart de ces ouvrages n'ont jamais été publiés et ont par conséquent été perdus. Vers la fin du siècle, les « drames de placard » ont pris de l'importance, principalement destinés à la lecture plutôt qu'à la représentation. Parmi les contributeurs notables à ce genre figurent Scott, Hogg, Galt et Joanna Baillie (1762-1851), dont les œuvres s'inspirent fréquemment de la tradition des ballades et du romantisme gothique.
France
Le romantisme s'est développé relativement tard dans la littérature française, un retard plus prononcé que dans les arts visuels. Le précurseur du romantisme au XVIIIe siècle, le culte de la sensibilité, était devenu associé à l'Ancien Régime, et la Révolution française a davantage servi d'inspiration aux auteurs étrangers qu'à ceux qui la vivaient directement. Le premier personnage marquant fut François-René de Chateaubriand, un aristocrate qui maintint sa position royaliste tout au long de la Révolution. Il revient en France après son exil en Angleterre et en Amérique sous Napoléon, avec qui il entretient des relations difficiles. Ses nombreux écrits en prose englobaient une certaine fiction, comme son influent roman d'exil, René (1802), qui préfigurait le héros aliéné de Byron. Cependant, sa production se composait principalement d'histoire et de politique contemporaines, de récits de voyage, d'une défense de la religion et de l'esprit médiéval (Génie du christianisme, 1802) et, dans les années 1830 et 1840, de son autobiographie monumentale, Mémoires d'Outre-Tombe ("Mémoires d'outre-tombe").
Après la Restauration des Bourbons, le romantisme français s'est épanoui au sein de la dynamique scène théâtrale parisienne. Cette période a vu des productions d'œuvres de Shakespeare et de Schiller (un auteur romantique majeur en France), ainsi que des adaptations de Scott et Byron, présentées aux côtés de pièces d'auteurs français, dont beaucoup ont commencé à écrire à la fin des années 1820. Des factions distinctes de pro et d'anti-romantiques ont émergé, et les performances étaient fréquemment accompagnées de vocalisations bruyantes des deux côtés. Un exemple notable s'est produit en 1822 lorsqu'un spectateur de théâtre a affirmé : « Shakespeare, c'est l'aide-de-camp de Wellington » (« Shakespeare est l'aide de camp de Wellington »). Alexandre Dumas débute sa carrière comme dramaturge, remportant une série de succès à partir de Henri III et sa cour (1829), avant de passer au roman. Ces romans étaient principalement des aventures historiques, un peu dans le style de Scott, ses œuvres les plus célèbres étant Les Trois Mousquetaires et Le Comte de Monte-Cristo, tous deux publiés en 1844. Victor Hugo a d'abord publié en tant que poète dans les années 1820 avant d'être acclamé au théâtre avec Hernani, un drame historique dans un style quasi shakespearien qui a provoqué des représentations tumultueuses lors de sa parution initiale en 1830. Semblable à Dumas, Hugo est principalement reconnu pour ses romans, ayant déjà commencé à écrire Le Bossu de Notre-Dame (1831), l'une de ses œuvres les plus célèbres, qui est devenue un exemple par excellence du mouvement romantique français. La préface de sa pièce inédite Cromwell constitue un manifeste crucial pour le romantisme français, déclarant qu'« il n'y a ni règles ni modèles ». Le parcours professionnel de Prosper Mérimée reflète ce schéma ; il est maintenant surtout connu comme l'auteur de l'histoire de Carmen, avec sa nouvelle publiée en 1845. Alfred de Vigny reste principalement reconnu comme un dramaturge, avec sa pièce sur la vie du poète anglais, Chatterton (1835), qui représente sans doute sa plus belle œuvre. George Sand était une figure centrale du paysage littéraire parisien, célèbre à la fois pour ses romans et ses écrits critiques, ainsi que pour ses relations avec Chopin et d'autres. Elle a également trouvé son inspiration dans le théâtre, composant des œuvres destinées à être mises en scène dans son domaine privé.
Les poètes romantiques français éminents des années 1830 aux années 1850 incluent Alfred de Musset, Gérard de Nerval, Alphonse de Lamartine et le flamboyant Théophile Gautier, dont la vaste production littéraire sous diverses formes s'est poursuivie jusqu'à sa mort en 1872.
Stendhal est largement considéré comme le romancier français le plus éminent de son époque, mais sa relation avec le romantisme est complexe. Il se distingue par sa profonde analyse psychologique des personnages et son attachement au réalisme, attributs rarement soulignés dans la littérature romantique. Ayant survécu à la retraite française de Moscou en 1812, Stendhal trouva peu d'attrait pour les fantaisies héroïques ou aventureuses, ce qui conduisit beaucoup à le considérer, tout comme Goya, comme un précurseur du réalisme. Ses œuvres phares incluent Le Rouge et le Noir (Le Rouge et le Noir, 1830) et La Chartreuse de Parme (La Chartreuse de Parme, 1839).
Pologne
On considère généralement que le romantisme polonais a commencé avec la publication des premières œuvres poétiques d'Adam Mickiewicz en 1822 et s'est terminé avec la répression du soulèvement de janvier contre les forces russes en 1863. Ce mouvement a été profondément influencé par un engagement dans l'histoire polonaise, revitalisant spécifiquement les traditions du « sarmatisme » associées à la szlachta, ou noblesse polonaise. Les anciennes coutumes et traditions ont été réévaluées et présentées favorablement au sein du mouvement messianique polonais et dans les contributions littéraires d'éminents poètes polonais tels que Adam Mickiewicz (Pan Tadeusz), Juliusz Slowacki et Zygmunt Krasiński. Ce lien intrinsèque entre le romantisme polonais et l'histoire nationale est apparu comme une caractéristique déterminante de la littérature de cette période, la distinguant des mouvements romantiques d'autres pays qui n'avaient pas connu la perte de leur souveraineté nationale, comme la Pologne. Tout en s'inspirant des principes plus larges du romantisme européen, la littérature romantique polonaise se distingue, comme l'observent de nombreux chercheurs, par son développement important en dehors de la Pologne et par l'accent prononcé mis sur le nationalisme polonais. Au cours de la « Grande émigration » du début des années 1830, une partie importante de l'intelligentsia polonaise et des dirigeants gouvernementaux quittèrent la Pologne pour établir de nouvelles résidences en France, en Allemagne, en Grande-Bretagne, en Turquie et aux États-Unis.
L'art romantique polonais était caractérisé par l'émotivité, l'irrationalité, la fantaisie, l'imagination, le culte de la personnalité, l'appréciation du folklore et de la vie rurale et la diffusion d'idéaux de liberté. Au cours de la phase suivante, de nombreux romantiques polonais ont résidé et travaillé à l'étranger, souvent exilés par les puissances occupantes en raison de leurs perspectives politiquement subversives. Leur production créative était de plus en plus centrée sur la poursuite de la liberté politique et de la souveraineté nationale. Les éléments mystiques ont pris une plus grande importance, conduisant à l'émergence du concept de poeta wieszcz (le prophète). Le wieszcz (barde) a servi de guide spirituel à la nation dans sa lutte pour l'indépendance, Adam Mickiewicz étant le poète le plus célèbre à incarner ce rôle.
Les écrits de Zygmunt Krasiński visaient à insuffler l'espoir politique et religieux à ses compatriotes. S'écartant des personnalités précédentes qui prônaient la victoire à tout prix dans le conflit entre la Pologne et la Russie, Krasiński a souligné l'importance spirituelle de la Pologne dans sa quête d'indépendance, promouvant une domination intellectuelle plutôt que militaire. Ses contributions littéraires incarnent le mouvement messianique en Pologne. Dans ses premiers drames, Nie-boska komedia (1835 ; La Comédie indivine) et Irydion (1836 ; Iridion), et plus tard dans Psalmy przyszłości (1845), il affirmait que la Pologne représentait le Christ de l'Europe, divinement choisi pour porter les fardeaux mondiaux, endurer la souffrance, et finalement parvenir à la résurrection.
Russie
La phase initiale du romantisme russe est liée à des auteurs tels que Konstantin Batyushkov (Une vision sur les rives du Léthé, 1809), Vasily Zhukovsky (Le Barde, 1811 ; Svetlana, 1813) et Nikolaï Karamzine (Pauvre Liza, 1792 ; Julia, 1796 ; Marthe la maire, 1802 ; Le sensible et le froid, 1803). Néanmoins, Alexandre Pouchkine est considéré comme la figure la plus marquante du romantisme russe, avec des œuvres remarquables telles que Le Prisonnier du Caucase (1820-1821), Les frères voleurs (1822), Ruslan et Ludmila (1820) et Eugène Onéguine (1825-1832). Les contributions littéraires de Pouchkine ont eu un impact significatif sur de nombreux écrivains du XIXe siècle, faisant finalement de lui le poète le plus distingué de Russie. D'autres poètes romantiques russes comprennent Mikhaïl Lermontov (connu pour le roman Un héros de notre temps, 1839), Fiodor Tyutchev (Silentium !, 1830), Evgueni Baratynsky (Eda, 1826), Anton Delvig et Wilhelm Küchelbecker.
Fortement influencé par Lord Byron, Lermontov a exploré l'accent romantique mis sur le mécontentement métaphysique à l'égard de la société et de soi-même, tandis que la poésie de Tioutchev dépeint fréquemment des scènes naturelles ou des expressions d'amour. Tioutchev employait souvent des catégories binaires telles que la nuit et le jour, le nord et le sud, le rêve et la réalité, le cosmos et le chaos, et la rigueur de l'hiver contrastait avec le dynamisme du printemps. En revanche, le style de Baratynsky a conservé un caractère largement classique, s'appuyant sur les modèles littéraires du siècle précédent.
Espagne
Le romantisme dans la littérature espagnole a donné naissance à un ensemble important d'œuvres, englobant un large éventail de poètes et de dramaturges. José de Espronceda est devenu le plus grand poète espagnol de cette époque. Parmi d'autres poètes notables figuraient Gustavo Adolfo Bécquer et Mariano José de Larra, aux côtés de dramaturges tels que Ángel de Saavedra et José Zorrilla, ce dernier étant l'auteur de Don Juan Tenorio. Des figures préromantiques comme José Cadalso et Manuel José Quintana méritent également d'être mentionnées. Les œuvres théâtrales d'Antonio García Gutiérrez ont ensuite été adaptées dans les opéras de Giuseppe Verdi, Il trovatore et Simon Boccanegra. Le romantisme espagnol étend également son influence aux littératures régionales. Par exemple, la Catalogne et la Galice ont connu une résurgence littéraire nationale dans leurs langues locales respectives, illustrée par le catalan Jacint Verdaguer et la galicienne Rosalía de Castro, qui étaient des figures centrales des mouvements de renaissance nationale Renaixença et Rexurdimento.
Certains chercheurs classent le romantisme espagnol dans le proto-existentialisme, attribuant cette perspective à son sentiment d'angoisse plus profond par rapport au mouvement dans d'autres pays européens. Foster et al., par exemple, soutiennent que les œuvres d'écrivains espagnols du XIXe siècle, dont Espronceda et Larra, manifestent une « crise métaphysique ». Ces chercheurs soulignent le lien entre les auteurs espagnols du XIXe siècle et le mouvement existentialiste qui a émergé par la suite. Richard Caldwell postule que les écrivains désormais associés au romantisme espagnol étaient en fait les précurseurs de ceux qui ont revigoré le mouvement littéraire des années 1920. Cette interprétation reste un sujet de débat académique, car certains auteurs affirment que le romantisme espagnol représente l'une des premières manifestations de l'Europe, tandis que d'autres soutiennent que l'Espagne n'a pas connu de période distincte de romantisme littéraire. Cette controverse en cours met en évidence une caractéristique unique du romantisme espagnol par rapport à ses homologues européens.
Portugal
Le romantisme a commencé au Portugal avec la publication en 1825 du poème Camões d'Almeida Garrett. Garrett, qui a été éduqué par son oncle D. Alexandre, évêque d'Angra, selon les principes néoclassiques, a d'abord reflété ces influences dans ses premiers travaux. L'auteur lui-même a reconnu dans la préface de Camões' qu'il s'était délibérément écarté des principes de la poésie épique énoncés par Aristote dans sa Poétique, et qu'il avait également ignoré l'Ars Poetica d'Horace. L'implication de Garrett dans la révolution libérale de 1820 conduisit à son exil en Angleterre en 1823, suivi d'un séjour en France après la Vila-Francada. Au cours de sa résidence en Grande-Bretagne, il s'est engagé dans le mouvement romantique, lisant des auteurs tels que Shakespeare, Scott, Ossian, Byron, Hugo, Lamartine et de Staël, tout en visitant des châteaux féodaux et les ruines d'églises et d'abbayes gothiques, expériences qui ont ensuite inspiré ses écrits. En 1838, il créa Um Auto de Gil Vicente ("Une pièce de Gil Vicente"), une tentative visant à établir un nouveau théâtre national libre des influences gréco-romaines et étrangères. Cependant, son œuvre magnum est considérée comme Frei Luís de Sousa (1843), qu'il a lui-même qualifié de « drame romantique » et qui a été saluée comme une œuvre exceptionnelle abordant les thèmes de l'indépendance nationale, de la foi, de la justice et de l'amour. Garrett a également démontré un profond intérêt pour les vers folkloriques portugais, aboutissant à la publication en 1843 de Romanceiro (« Ballades traditionnelles portugaises »). Ce recueil compilait de nombreuses ballades populaires anciennes, connues sous le nom de « romances » ou « rimances », composées sous la forme de vers redondilha maior, qui racontaient des histoires de chevalerie, de vies de saints, de croisades et d'amour courtois. Ses autres romans incluent Viagens na Minha Terra, O Arco de Sant'Ana et Helena.
Alexandre Herculano est considéré, aux côtés d'Almeida Garrett, comme une figure fondatrice du romantisme portugais. Ses convictions libérales le conduisent à un exil forcé en Grande-Bretagne et en France. Contrairement à l'œuvre d'Almeida Garrett, la poésie et la prose d'Herculano sont exclusivement romantiques, évitant la mythologie gréco-romaine et les thèmes historiques. Son inspiration provient de la poésie médiévale portugaise, des chroniques et des textes bibliques. Sa vaste œuvre englobe divers genres, tels que les essais historiques, la poésie, les romans, les opuscules et le théâtre, dans lesquels il a revitalisé les légendes, les traditions et les récits historiques portugais, notamment dans Eurico, o Presbítero (« Eurico, le prêtre ») et Lendas e Narrativas (« Légendes et récits »). Ses efforts littéraires ont été façonnés par les influences de Chateaubriand, Schiller, Klopstock, Walter Scott et les Psaumes de l'Ancien Testament.
António Feliciano de Castilho a défendu l'ultra-romantisme à travers la publication des poèmes A Noite no Castelo ("Nuit au château") et Os Ciúmes do Bardo ("La jalousie du barde"), tous deux en 1836, et le drame Camões. Il s'est imposé comme une autorité incontestée auprès des générations ultra-romantiques successives, dont l'influence est restée incontestée jusqu'à la notable question de Coimbra. Il a également suscité la controverse en traduisant Faust de Goethe malgré son manque de maîtrise de l'allemand, s'appuyant plutôt sur des adaptations françaises de l'œuvre. Parmi les autres figures marquantes du romantisme portugais figurent les romanciers renommés Camilo Castelo Branco et Júlio Dinis, aux côtés de Soares de Passos, Bulhão Pato et Pinheiro Chagas.
Le style romantique a connu une résurgence au début du XXe siècle, particulièrement évident dans les œuvres de poètes associés à la Renaissance portugaise, notamment Teixeira de Pascoais, Jaime Cortesão et Mário Beirão, qui sont souvent classés comme Néo-Romantiques. Des manifestations antérieures du romantisme portugais peuvent être identifiées chez des poètes tels que Manuel Maria Barbosa du Bocage (en particulier dans ses sonnets de la fin du XVIIIe siècle) et Leonor de Almeida Portugal, marquise d'Alorna.
Italie
Au départ, le romantisme constituait un mouvement mineur dans la littérature italienne, mais il a ensuite produit des œuvres significatives. Sa création officielle a eu lieu en 1816 avec l'article de Germaine de Staël, « De la manière et de l'utilité des traductions », publié dans la revue Biblioteca Italiana. Cet article exhortait les Italiens à abandonner le néoclassicisme et à s'engager avec des auteurs contemporains d'autres pays.
Avant cette période, Ugo Foscolo avait déjà publié de la poésie qui préfigurait des thèmes romantiques. Parmi les principaux écrivains romantiques figuraient Ludovico di Breme, Pietro Borsieri et Giovanni Berchet. Des auteurs plus largement reconnus, tels qu'Alessandro Manzoni et Giacomo Leopardi, ont tiré leurs influences des Lumières, du romantisme et du classicisme.
Les auteurs romantiques mineurs comprenaient d'Azeglio, Pellico, Niccolini, Nievo, Guerrazzi, Aleardi, Prati et Botero.
Amérique du Sud
Le romantisme sud-américain hispanophone a été façonné de manière significative par Esteban Echeverría, dont la production littéraire s'étend sur les années 1830 et 1840. Ses œuvres s'inspirent de sa profonde antipathie envers le dictateur argentin Juan Manuel de Rosas et explorent fréquemment les thèmes de l'effusion de sang et de la terreur, employant la métaphore d'un abattoir pour décrire la brutalité du régime dictatorial de Rosas.
Une autre réalisation importante de la littérature romantique argentine est Amalia de José Mármol, un roman d'amour situé dans l'environnement oppressant du régime dictatorial de Rosas.
Domingo Sarmiento, qui par la suite a été président de l'Argentine et a publié Facundo en 1845, une œuvre non-fictionnelle créative présentant d'importantes influences romantiques et positivistes, dans laquelle il a analysé le développement, la modernisation, la dynamique du pouvoir et les aspects culturels de la région. Le critique littéraire Roberto González Echeverría a qualifié cet ouvrage de « le livre le plus important écrit par un Latino-Américain, dans n'importe quelle discipline ou genre ».
Le romantisme brésilien est classé en trois périodes distinctes. La phase initiale s’est concentrée sur l’établissement d’une identité nationale, en utilisant souvent l’archétype de la figure indigène héroïque. Parmi les auteurs éminents de cette époque figurent José de Alencar, connu pour Iracema et O Guarani, et Gonçalves Dias, célèbre pour son poème "Canção do Exílio" (Chanson de l'exil). La période suivante, parfois appelée ultra-romantisme, a montré une adoption significative de motifs et de conventions européennes, explorant fréquemment les thèmes de la mélancolie, du chagrin et du désespoir associés à une affection non partagée. Des personnalités littéraires telles que Goethe et Lord Byron sont fréquemment mentionnées dans les œuvres de cette époque. Les auteurs notables de cette étape comprennent Álvares de Azevedo, Casimiro de Abreu, Fagundes Varela et Junqueira Freire. La dernière période se distingue par l'accent mis sur le commentaire social à travers la poésie, en particulier concernant le mouvement abolitionniste, et met en vedette des écrivains comme Castro Alves, Tobias Barreto et Pedro Luís Pereira de Sousa.
États-Unis
Aux États-Unis, la poésie romantique a commencé à émerger dès 1818, notamment avec « To a Waterfowl » de William Cullen Bryant. Les premières manifestations de la littérature gothique romantique américaine incluent « The Legend of Sleepy Hollow » (1820) et « Rip Van Winkle » (1819) de Washington Irving. Ceux-ci furent suivis à partir de 1823 par les Leatherstocking Tales de James Fenimore Cooper, qui mettaient en valeur la simplicité héroïque et présentaient des descriptions paysagères vivantes d'une frontière mythique et exotique habitée par de « nobles sauvages », faisant écho aux concepts philosophiques de Rousseau, comme l'illustre Uncas dans Le Dernier des Mohicans. Les essais de Washington Irving et en particulier ses récits de voyage contenaient également des éléments évocateurs de « couleur locale ». Alors que les récits macabres et les vers balladiques d'Edgar Allan Poe ont trouvé une plus grande influence en France que dans le pays, le roman romantique américain a pleinement mûri avec la profondeur atmosphérique et l'intensité dramatique de La Lettre écarlate de Nathaniel Hawthorne (1850). Les auteurs transcendantalistes ultérieurs, tels que Henry David Thoreau et Ralph Waldo Emerson, ont continué à montrer des traces de son impact imaginatif, tout comme le réalisme romantique de Walt Whitman. Les œuvres poétiques d'Emily Dickinson, largement méconnues de son vivant, et le roman de Herman Melville Moby-Dick sont considérés comme des exemples par excellence de la littérature romantique américaine. Néanmoins, dans les années 1880, le réalisme psychologique et social commença à remettre en question la domination du romantisme dans le genre romanesque.
Influence du romantisme européen sur les écrivains américains
Le mouvement romantique européen est arrivé en Amérique au début du 19e siècle. Le romantisme américain s'est avéré tout aussi diversifié et individualiste que son homologue européen. À l'image des tendances européennes, les romantiques américains ont fait preuve d'une ferveur morale considérable, d'un dévouement à l'individualisme et à la réalisation de soi, d'une priorité à la compréhension intuitive et de la conviction que l'environnement naturel était intrinsèquement vertueux, contrastant avec une société humaine perçue comme corrompue.
Le romantisme a été largement accepté dans la politique, la philosophie et l'art américains. Le mouvement faisait écho à l'éthos révolutionnaire américain et aux individus cherchant à se libérer des conventions religieuses strictes des premières périodes coloniales. Les romantiques rejetaient explicitement le rationalisme et les doctrines religieuses intellectualisées. Cela a particulièrement attiré ceux qui s'opposaient au calvinisme, un système théologique postulant la prédestination pour chaque individu. Le mouvement romantique a par conséquent favorisé l’émergence du transcendantalisme de la Nouvelle-Angleterre, qui décrivait une relation plus large et moins contrainte entre le divin et le cosmos. Cette nouvelle perspective philosophique offrait aux individus une connexion plus intime avec Dieu. Le transcendantalisme et le romantisme ont tous deux séduit les Américains de la même manière, car ils ont tous deux donné la priorité à l’émotion plutôt qu’à la logique, et à la liberté d’expression individuelle plutôt qu’aux contraintes des traditions et coutumes établies. Cela se manifestait souvent par une appréciation extatique de la nature. Le mouvement plaidait pour l'abandon du calvinisme austère et inflexible et annonçait un épanouissement potentiel de la culture américaine.
Le romantisme américain défendait l'individualisme et remettait en question les contraintes du néoclassicisme et de la tradition religieuse. Ce mouvement en Amérique a établi un genre littéraire distinct qui continue de façonner les écrivains américains. Les romans, les nouvelles et les poèmes ont remplacé la prédominance antérieure des sermons et des manifestes. La littérature romantique se caractérise par sa nature personnelle, intense et émotionnellement expressive, dépassant la retenue émotionnelle typique des œuvres néoclassiques. L'accent américain mis sur la liberté a considérablement motivé les auteurs romantiques, qui ont adopté une expression et une émotion sans entrave, largement libérées des préoccupations de ridicule ou de controverse. De plus, ces écrivains accordaient une plus grande attention à la profondeur psychologique de leurs personnages, décrivant souvent des protagonistes qui faisaient preuve d'une sensibilité accrue et d'états émotionnels intenses.
Les œuvres de l'ère romantique se distinguaient également des productions littéraires antérieures en attirant un lectorat plus large, un phénomène en partie attribuable à une distribution accrue de livres et à des dépenses de publication réduites à cette époque.
Architecture
L'architecture romantique est apparue à la fin du XVIIIe siècle comme contrepoint aux qualités formelles strictes de l'architecture néoclassique. Ce style a atteint son apogée au milieu du XIXe siècle, persistant comme influence stylistique jusqu'à la fin du siècle. Son objectif principal était de susciter des réactions émotionnelles, telles que le respect des traditions historiques ou un désir sentimental d'un passé pastoral idéalisé. Ce style architectural s'inspire fréquemment des formes médiévales, notamment de l'architecture gothique, et est profondément façonné par le romantisme littéraire, notamment les romans historiques de Victor Hugo et de Walter Scott. Parfois, elle incorporait des éléments éclectiques, intégrant des caractéristiques dérivées de diverses périodes historiques et régions du monde.
L'architecture néo-gothique représentait une manifestation importante du style romantique, particulièrement favorisé pour la construction de structures ecclésiastiques et d'institutions universitaires. Un exemple notable est l’achèvement de la cathédrale de Cologne en Allemagne, supervisé par Karl Friedrich Schinkel. La construction de la cathédrale commença en 1248 mais s'arrêta en 1473. Suite à la redécouverte des plans originaux de la façade en 1840, le projet fut relancé. Schinkel a adhéré étroitement à la conception initiale tout en intégrant des techniques de construction contemporaines, comme une charpente en fer pour le toit. L'édifice fut finalement achevé en 1880.
En Grande-Bretagne, des exemples significatifs incluent le Pavillon Royal de Brighton, une interprétation de l'architecture indienne traditionnelle de John Nash (1815-1823) imprégné de sensibilités romantiques, et le Parlement de Londres, construit dans un style néo-gothique par Charles Barry entre 1840 et 1876.
En France, une des premières manifestations de l'architecture romantique est le Hameau de la Reine, un hameau rustique construit au château de Versailles pour la reine Marie. Antoinette entre 1783 et 1785. Ce projet a été exécuté par l'architecte royal Richard Mique, avec la contribution du peintre romantique Hubert Robert. Composé de douze structures, dont dix subsistent, le hameau a été conçu pour imiter l'architecture vernaculaire des villages normands. Destiné à permettre à la reine et à ses compagnons de participer à des jeux de rôle pastoraux, il comprenait une ferme avec une laiterie, un moulin, un boudoir, un pigeonnier, une tour en forme de phare offrant un accès à l'étang pour la pêche, un belvédère, une cascade et une grotte, ainsi qu'un cottage somptueusement aménagé équipé d'une salle de billard à l'usage de la reine.
L'architecture romantique française du XIXe siècle a été façonnée de manière significative par deux figures littéraires : Victor Hugo, dont le roman Le Bossu de Notre-Dame a déclenché une fascination renouvelée pour le Moyen Âge ; et Prosper Mérimée, auteur renommé de romans romantiques et de nouvelles, qui a également été le premier directeur de la Commission française des monuments historiques. À ce titre, Mérimée a joué un rôle déterminant dans la promotion et la restauration (et parfois la romantisation) de nombreuses cathédrales et monuments français profanés ou endommagés après la Révolution française. Ces initiatives ont été exécutées par l'architecte Eugène Viollet-le-Duc, englobant la restauration (impliquant parfois une interprétation créative) de sites tels que la cathédrale Notre-Dame de Paris, la ville fortifiée de Carcassonne et le château médiéval incomplet de Pierrefonds.
Le style romantique a persisté jusque dans la seconde moitié du XIXe siècle. Le Palais Garnier, l'opéra de Paris conçu par Charles Garnier, illustre une synthèse hautement romantique et éclectique de styles artistiques. Un autre exemple marquant du romantisme de la fin du XIXe siècle est la basilique du Sacré-Cœur de Paul Abadie, qui s'est inspirée de modèles architecturaux byzantins pour ses dômes allongés (1875-1914).
Arts visuels
Dans les arts visuels, le romantisme s'est d'abord manifesté dans la peinture de paysages, les artistes britanniques des années 1760 représentant de plus en plus de paysages plus sauvages, de tempêtes et d'éléments architecturaux gothiques. Un tableau important de cette période, *Le Barde* de Thomas Jones, présente le Pays de Galles comme décor. Caspar David Friedrich et J. M. W. Turner, nés respectivement à moins d'un an d'intervalle en 1774 et 1775, élèveront la peinture paysagère allemande et anglaise à son apogée romantique ; cependant, leur sensibilité artistique s'est développée dans un environnement où le romantisme était déjà une force artistique importante. John Constable, né en 1776, a maintenu une adhésion plus étroite à la tradition paysagère anglaise, mais dans ses monumentaux « six pieds », il a affirmé la signification héroïque de la campagne ouvrière de son éducation, remettant ainsi en question la hiérarchie conventionnelle des genres qui attribuait généralement un statut subordonné à la peinture de paysage. Turner a également produit de vastes paysages, et notamment des paysages marins. Alors que certaines de ces toiles substantielles présentaient des décors et des staffages contemporains, d'autres incorporaient de petits personnages, transformant les compositions en peintures historiques rappelant Claude Lorrain. Salvator Rosa, artiste du baroque tardif dont les paysages contenaient des éléments fréquemment revisités par les peintres romantiques, a également influencé cette approche. Friedrich plaçait fréquemment des figures solitaires ou des éléments tels que des croix dans de vastes paysages, créant ainsi « des images du caractère transitoire de la vie humaine et de la prémonition de la mort ».
D'autres groupes d'artistes ont exprimé des sentiments à la limite du mystique, évitant souvent largement le dessin classique et les conventions proportionnelles. Parmi les personnalités notables figuraient William Blake, Samuel Palmer et d'autres membres des Anciens en Angleterre, ainsi que Philipp Otto Runge en Allemagne. Semblables à Friedrich, ces artistes ont exercé une influence posthume limitée pendant le reste du XIXe siècle, et ont connu une redécouverte de l'obscurité au XXe siècle. Cependant, Blake a conservé sa reconnaissance en tant que poète et le plus grand peintre norvégien, Johan Christian Dahl, a été profondément influencé par Friedrich. À l'inverse, le mouvement nazaréen basé à Rome, un collectif d'artistes allemands actifs à partir de 1810, a suivi une trajectoire distincte, en se concentrant sur la médiévalisation des peintures d'histoire imprégnées de motifs religieux et nationalistes.
L'émergence du romantisme dans l'art français a été entravée par la forte emprise du néoclassicisme sur les institutions universitaires ; cependant, il a gagné en popularité à partir de la période napoléonienne. Initialement, cela s'est manifesté sous forme de peintures d'histoire qui ont servi de propagande pour le nouveau régime, avec Ossian recevant les fantômes des héros français de Girodet, commandé pour le château de Malmaison de Napoléon, en étant un des premiers exemples. L'ancien mentor de Girodet, David, exprime son perplexité et sa déception face au parcours artistique de son élève : « Soit Girodet est fou, soit je ne connais plus rien à l'art de peindre. Par la suite, une nouvelle génération au sein de l’école française a cultivé des styles romantiques distinctifs, tout en conservant une concentration sur une peinture d’histoire imprégnée de commentaires politiques. Théodore Géricault (1791-1824) connut un premier succès avec Le Chasseur chargeant, une représentation militaire héroïque influencée par Rubens, exposée au Salon de Paris de 1812 à l'époque de l'Empire. Néanmoins, son œuvre majeure ultérieure, Le Radeau de la Méduse (1818-1819), constitue la réalisation suprême de la peinture d'histoire romantique, véhiculant un puissant message antigouvernemental à son époque.
Eugène Delacroix (1798-1863) connut un premier succès au Salon avec des œuvres marquantes telles que La Barque de Dante (1822), Le Massacre de Chios (1824) et Mort de Sardanapale (1827). La seconde représentait une scène de la guerre d'indépendance grecque, achevée l'année de la mort de Byron en Grèce, tandis que la dernière pièce s'inspirait de l'une des œuvres dramatiques de Byron. Shakespeare et Byron ont par la suite servi de sources thématiques importantes pour de nombreuses autres compositions de Delacroix, qui a également effectué de nombreux séjours en Afrique du Nord, produisant des représentations vibrantes de guerriers arabes à cheval. Son tableau emblématique, La Liberté guidant le peuple (1830), aux côtés de Méduse, est l'un des exemples les plus reconnus de la peinture romantique française. Les deux œuvres s'engagent dans des événements contemporains, illustrant comment la « peinture d'histoire » – un terme originaire de la Renaissance italienne pour désigner des compositions mettant en scène de multiples personnages, traditionnellement considérée comme le genre artistique le plus élevé et le plus stimulant – a progressivement évolué pour représenter de véritables récits historiques plutôt que des sujets religieux ou mythologiques.
Francisco Goya a été caractérisé comme « le dernier grand peintre dans lequel la pensée et l'observation artistiques étaient équilibrées et combinées pour former une unité sans faille ». Cependant, la mesure dans laquelle il peut être classé comme artiste romantique présente une enquête nuancée. En Espagne, les principes des Lumières étaient encore contestés, une lutte à laquelle Goya se considérait comme un participant actif. Les créatures infernales et irrationnelles issues de son imagination n'ont qu'une ressemblance superficielle avec les fantaisies gothiques répandues dans le nord de l'Europe. De plus, Goya adhère largement au classicisme et au réalisme inhérents à sa formation artistique, tout en anticipant le mouvement réaliste de la fin du XIXe siècle. Néanmoins, plus que tout autre artiste contemporain, il incarnait les idéaux romantiques consistant à exprimer les émotions subjectives et l'imaginaire individuel de l'artiste. Il partageait également avec de nombreux peintres romantiques une approche libérée de l'application de la peinture, comme en témoigne la visibilité accrue des coups de pinceau et des empâtements, éléments souvent atténués dans le néoclassicisme par une finition douce et effacée.
La sculpture a largement résisté à l'influence du romantisme, probablement en partie à cause de contraintes techniques, car le marbre, le matériau le plus estimé de l'époque, n'était pas propice à des formes dynamiques et expansives. Les plus grands sculpteurs européens, Antonio Canova et Bertel Thorvaldsen, résidaient tous deux à Rome et étaient de fervents néoclassiques, totalement peu enclins à incorporer des éléments de la sculpture médiévale, qui auraient pu offrir une voie à l'expression romantique. Lorsque la sculpture romantique authentique a finalement émergé, elle était remarquablement absente en Allemagne, à l'exception de quelques artistes comme Rudolf Maison, et se manifestait principalement en France à travers des figures telles que François Rude, célèbre pour son groupe des années 1830 sur l'Arc de Triomphe à Paris, David d'Angers et Auguste Préault. Le relief en plâtre de Préault, Slaughter, qui décrivait les atrocités de la guerre avec une intensité émotionnelle accrue, provoqua une telle controverse au Salon de 1834 qu'il lui fut interdit de participer à cette exposition annuelle officielle pendant près de deux décennies. En Italie, Lorenzo Bartolini était reconnu comme le sculpteur romantique par excellence.
En France, la peinture historique axée sur des sujets idéalisés du Moyen Âge et de la Renaissance est désignée sous le nom de style Troubadour, une nomenclature spécifique à la France, malgré l'émergence de tendances artistiques similaires dans d'autres pays. Des artistes éminents, dont Delacroix, Ingres et Richard Parkes Bonington, se sont engagés dans ce style, aux côtés de praticiens spécialisés tels que Pierre-Henri Révoil (1776-1842) et Fleury-François Richard (1777-1852). Ces œuvres présentaient fréquemment des scènes intimes, privées et anecdotiques, ainsi que des moments de drame profond, souvent à plus petite échelle. Les biographies d'artistes célèbres comme Raphaël étaient honorées avec le même respect que celles des monarques, et des personnages fictifs étaient également fréquemment représentés. Le tableau de Fleury-Richard, Valentine de Milan pleurant la mort de son mari, exposé au Salon de Paris de 1802, marque l'avènement de ce style, qui persiste jusqu'au milieu du XIXe siècle avant d'être absorbé dans la peinture historique de plus en plus académique illustrée par des artistes tels que Paul Delaroche.
Une tendance artistique importante impliquait les peintures d'histoire apocalyptique à grande échelle, qui fusionnaient fréquemment des phénomènes naturels extrêmes ou des châtiments divins avec des catastrophes humaines. Ces œuvres cherchaient souvent à surpasser Le Radeau de la Méduse et sont désormais fréquemment assimilées à des effets spéciaux cinématographiques. John Martin est devenu le principal artiste anglais de ce genre, éclipsant de manière caractéristique de minuscules figures humaines au milieu de tremblements de terre et de tempêtes colossales, et illustrant systématiquement les désastres bibliques et eschatologiques. À l'inverse, d'autres compositions, telles que Mort de Sardanapale de Delacroix, mettaient en vedette des personnages plus importants, s'inspirant souvent de maîtres antérieurs comme Poussin et Rubens, tout en incorporant une intensité émotionnelle accrue et des effets dramatiques.
Dans d'autres régions européennes, des artistes éminents ont adopté l'esthétique romantique. En Russie, on compte notamment les portraitistes Orest Kiprensky et Vasily Tropinin, aux côtés d'Ivan Aivazovsky, spécialisé dans la peinture marine. Parallèlement, Hans Gude représente des paysages de fjords en Norvège. En Pologne, Piotr Michałowski (1800-1855) applique un style romantique à des œuvres illustrant principalement les guerres napoléoniennes. Le principal artiste romantique italien du milieu du XIXe siècle à Milan était Francesco Hayez (1791-1882). Sa carrière longue, prolifique et très réussie a commencé avec la peinture néoclassique, a traversé la période romantique et s'est terminée avec des représentations sentimentales de jeunes femmes. La phase romantique de Hayez comprenait de nombreuses pièces historiques à grande échelle avec des tendances « troubadour », significativement influencées par Gian Battista Tiepolo et d'autres maîtres italiens du baroque tardif.
Le romantisme littéraire a trouvé son parallèle dans les arts visuels américains, particulièrement évident dans la célébration du paysage américain sauvage par l'Hudson River School. Des artistes tels que Thomas Cole, Albert Bierstadt et Frederic Edwin Church ont fréquemment incorporé des thèmes romantiques dans leurs œuvres. Parfois, ils représentaient des ruines antiques de l'Ancien Monde, comme en témoigne Lever du soleil en Syrie de Frederic Edwin Church. Ces compositions transmettaient des sentiments gothiques de mortalité et de décadence, tout en exprimant également l'idéal romantique de la formidable puissance de la nature, destinée à transcender les efforts humains éphémères. Le plus souvent, ces artistes s'efforçaient de se différencier de leurs homologues européens en décrivant des scènes et des paysages typiquement américains. Ce concept d'identité artistique américaine est résumé dans le poème de W. C. Bryant To Cole, the Painter, Departing for Europe, dans lequel Bryant exhorte Cole à se souvenir des panoramas américains distinctifs et puissants.
Certaines peintures américaines, telles que The Rocky Mountains, Lander's Peak d'Albert Bierstadt, ont fait progresser le concept littéraire du « noble sauvage » à travers leurs représentations d'Autochtones idéalisés. Les Américains se sont harmonieusement intégrés à la nature. Les œuvres de Thomas Cole penchaient souvent vers l'allégorie, comme en témoigne explicitement sa série Le Voyage de la vie, peinte au début des années 1840, qui dépeint les étapes de la vie humaine sur fond de vastes paysages naturels impressionnants.
Musique
En musique, le terme « romantisme » désigne généralement la période allant approximativement de 1800 à 1850, ou, alternativement, s'étendant jusqu'à environ 1900. Le romantisme musical est avant tout un phénomène allemand, à tel point qu'un ouvrage de référence français respecté le définit entièrement par « le rôle de la musique dans l'esthétique du romantisme allemand ». Une autre encyclopédie française affirme que le tempérament allemand en général « peut être décrit comme l'action profonde et diversifiée du romantisme sur les musiciens allemands » et qu'il n'existe qu'un seul véritable représentant du romantisme au sein de la musique française, Hector Berlioz. En Italie, la figure prééminente du romantisme musical est Giuseppe Verdi, décrit comme « une sorte de [Victor] Hugo de l'opéra, doué d'un véritable génie de l'effet dramatique ». De même, Henri Lefebvre, dans son analyse du romantisme et de sa recherche de l'harmonie, soutient que « le romantisme allemand était plus étroitement lié à la musique que le romantisme français, c'est donc là qu'il faut chercher l'expression directe de l'harmonie comme idée romantique centrale ». Néanmoins, l'immense popularité de la musique romantique allemande a par conséquent favorisé, par imitation et par réaction, une tendance souvent d'inspiration nationaliste parmi les musiciens polonais, hongrois, russes, tchèques et scandinaves, dont le succès provenait peut-être davantage de ses attributs extramusicaux que du mérite artistique inhérent des compositions des maîtres.
À l'époque romantique, les musiciens entretenaient une carrière publique soutenue par un public de classe moyenne en plein essor, une rupture avec le recours traditionnel au patronage aristocratique. Ce changement a favorisé l'émergence d'une nouvelle génération de virtuoses, qui ont établi leur carrière en tant qu'interprètes solistes, illustrés par les nombreuses tournées de concerts de personnalités telles que Paganini et Liszt. Parallèlement, le chef d'orchestre est devenu une figure cruciale, essentielle pour interpréter les compositions musicales de plus en plus complexes de l'époque.
Le développement terminologique en musicologie
Bien que le terme « romantisme » en musicologie désigne généralement la période allant d'environ 1800 à 1850, ou s'étendant jusqu'aux environs de 1900, son application initiale à la musique ne correspondait pas à ce cadre chronologique ultérieur. Notamment, l'une des premières utilisations soutenues du terme dans un contexte musical est apparue dans les Mémoires d'André Grétry en 1789. Cet exemple est significatif non seulement en tant que source française abordant un sujet principalement exploré par les penseurs allemands, mais aussi pour sa reconnaissance explicite de Jean-Jacques Rousseau (un compositeur, entre autres rôles), établissant ainsi un lien avec une influence fondamentale sur le mouvement romantique plus large. En 1810, E. T. A. Hoffmann identifiait Haydn, Mozart et Beethoven comme « les trois maîtres des compositions instrumentales » qui partageaient « un seul et même esprit romantique ». Hoffmann a étayé cette perspective en soulignant l'expression profondément évocatrice et l'individualité distincte de ces compositeurs. Selon Hoffmann, la musique de Haydn présentait « une disposition enfantine et sereine », tandis que les compositions de Mozart, comme la dernière Symphonie en mi bémol majeur, « nous conduisent dans les profondeurs du monde spirituel », incorporant des éléments de peur, d'amour et de chagrin, et transmettant « un pressentiment de l'infini... dans la danse éternelle des sphères ». La musique de Beethoven, à l'inverse, évoquait « le monstrueux et l'incommensurable », exprimant l'angoisse d'un désir sans fin qui « nous briserait la poitrine dans une concorde pleinement cohérente de toutes les passions ». Cette appréciation accrue de l’émotion pure a élevé la musique de son statut auparavant subordonné par rapport aux arts verbaux et plastiques au siècle des Lumières. Perçue comme libérée des limites de la raison, de l'imagerie ou des cadres conceptuels spécifiques, la musique a ensuite été reconnue — initialement dans les œuvres de Wackenroder et Tieck, et plus tard par des personnalités comme Schelling et Wagner — comme la forme d'art prééminente, unique capable d'articuler les mystères de l'univers, évoquant le domaine spirituel, l'infini et l'absolu.
Cet alignement chronologique entre le romantisme musical et littéraire a persisté jusqu'au milieu du XIXe siècle. siècle, à ce moment-là Richard Wagner qualifia péjorativement la musique de Meyerbeer et de Berlioz de « néoromantique », déclarant : « L'Opéra, sur lequel nous reviendrons maintenant, a englouti lui aussi le néoromantisme de Berlioz, comme une huître dodue et finement parfumée, dont la digestion lui a conféré une apparence vive et aisée. »
Ce n'est que vers la fin du XIXe siècle que la discipline naissante de la Musikwissenschaft (musicologie), elle-même une manifestation de la tendance historicisante de l'époque, s'est efforcée d'établir une périodisation plus scientifique de l'histoire de la musique, proposant une distinction claire entre les périodes classique viennoise et romantique. Guido Adler est apparu comme une figure centrale de ce mouvement, catégorisant Beethoven et Franz Schubert comme des compositeurs de transition mais fondamentalement classiques, et affirmant que le romantisme n'a atteint sa pleine expression qu'avec la génération post-Beethoven, notamment Frédéric Chopin, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Hector Berlioz et Franz Liszt. Le point de vue d'Adler, exprimé dans des œuvres telles que Der Stil in der Musik (1911), postulait que les compositeurs de la nouvelle école allemande et divers compositeurs nationalistes de la fin du XIXe siècle n'étaient pas des romantiques mais plutôt des « modernes » ou des « réalistes » (établissant des parallèles avec la peinture et la littérature) ; ce cadre de classification a persisté tout au long des premières décennies du 20e siècle.
Au cours du deuxième quart du 20e siècle, la reconnaissance de changements importants dans la syntaxe musicale au début des années 1900 a incité à une réévaluation des perspectives historiques, conduisant à la perception que le tournant du siècle représentait une rupture définitive avec les traditions musicales précédentes. Par conséquent, des historiens comme Alfred Einstein ont proposé d’étendre « l’ère romantique » musicale à tout le XIXe siècle et jusqu’à la première décennie du XXe. Bien que cette catégorisation persiste dans certaines références musicales faisant autorité, notamment The Oxford Companion to Music et History of Western Music de Grout, elle a fait l'objet d'un débat scientifique. Par exemple, l'éminent musicologue allemand Friedrich Blume, qui a été rédacteur en chef de la première édition de Die Musik in Geschichte und Gegenwart (1949-1986), a approuvé l'opinion antérieure selon laquelle le classicisme et le romantisme forment collectivement une période singulière commençant au milieu du XVIIIe siècle. Cependant, Blume affirmait simultanément que cette période s'étendait jusqu'au XXe siècle, englobant les mouvements d'avant la Seconde Guerre mondiale tels que l'expressionnisme et le néoclassicisme. Cette dernière interprétation est évidente dans plusieurs ouvrages de référence contemporains importants, tels que le New Grove Dictionary of Music and Musicians et l'édition mise à jour de Musik in Geschichte und Gegenwart.
Au-delà des arts
Disciplines scientifiques
Le mouvement romantique a influencé de manière significative de nombreuses facettes de la vie intellectuelle, établissant un lien solide avec la recherche scientifique, en particulier entre 1800 et 1840. De nombreux scientifiques, tout en défendant des méthodes empiriques, ont été influencés par diverses interprétations de la Naturphilosophie adoptées par des personnalités telles que Johann Gottlieb Fichte, Friedrich Wilhelm Joseph von Schelling et Georg Wilhelm Friedrich Hegel. Ces chercheurs visaient à révéler ce qu’ils percevaient comme un monde naturel unifié et organique. Sir Humphry Davy, éminent scientifique anglais et éminent penseur romantique, affirmait que la compréhension de la nature nécessitait « une attitude d'admiration, d'amour et d'adoration, [...] une réponse personnelle », estimant que la véritable connaissance n'était accessible qu'à ceux qui valorisaient et respectaient profondément l'environnement naturel. Un élément crucial du romantisme était la compréhension de soi, qui mettait l'accent sur la résonance émotionnelle de la connexion avec la nature et de la compréhension par une coexistence harmonieuse, plutôt que de simplement démontrer la capacité intellectuelle de l'humanité à la comprendre et ensuite à la contrôler.
Perspectives historiographiques
Le romantisme a exercé une influence profonde, et sans doute néfaste, sur l’écriture historique. En Angleterre, Thomas Carlyle, un essayiste très influent devenu historien, a à la fois inventé et incarné le concept de « culte du héros », accordant des éloges largement non critiques à des dirigeants puissants tels qu'Oliver Cromwell, Frédéric le Grand et Napoléon. L’historiographie du XIXe siècle a été considérablement altérée par le nationalisme romantique, car les nations individuelles développaient fréquemment leurs propres récits historiques. L’approche critique, voire cynique, des premiers historiens a souvent cédé la place à une propension à construire des récits romancés mettant en scène des héros et des méchants distincts. L’idéologie nationaliste de cette époque mettait fortement l’accent sur la cohérence raciale et les origines anciennes des peuples, exagérant souvent la continuité entre les périodes historiques et le présent, ce qui favorisait le mysticisme national. Par conséquent, une partie importante de la recherche historique du XXe siècle a été consacrée à réfuter les mythes historiques romancés propagés au XIXe siècle.
Développements théologiques
Dans un effort pour protéger la théologie des empiétements du scientisme et du réductionnisme scientifique, les théologiens allemands du XIXe siècle après les Lumières, notamment Friedrich Schleiermacher et Albrecht Ritschl, ont formulé une interprétation moderniste ou « libérale » du christianisme. Cette approche embrassait une perspective romantique, ancrant l'expérience religieuse dans le domaine interne de l'esprit humain, définissant ainsi la religion comme le sentiment ou la sensibilité profonde d'un individu concernant les affaires spirituelles.
Échecs
Les échecs romantiques représentaient un style de jeu qui privilégiait les engagements rapides et tactiques se distinguant par leur attrait esthétique, reléguant la prospective stratégique à long terme à un rôle subordonné. On considère généralement que cette époque de l'histoire des échecs a commencé vers le XVIIIe siècle, malgré une approche essentiellement tactique évidente encore plus tôt, et a atteint son apogée avec Joseph MacDonnell et Pierre LaBourdonnais, qui étaient les joueurs d'échecs les plus éminents des années 1830. La décennie suivante, les années 1840, voit la domination de Howard Staunton, aux côtés d'autres personnalités notables telles qu'Adolf Anderssen, Daniel Harrwitz, Henry Bird, Louis Paulsen et Paul Morphy. Une illustration par excellence des échecs romantiques est la « partie immortelle », disputée entre Anderssen et Lionel Kieseritzky le 21 juin 1851 à Londres. Dans ce match, Anderssen a exécuté des sacrifices audacieux, abandonnant les deux tours, un fou, puis sa reine, avant de faire échec et mat avec ses trois pièces mineures restantes, assurant ainsi une victoire mémorable. La fin de l'ère romantique des échecs est généralement associée au tournoi de Vienne de 1873, où Wilhelm Steinitz a considérablement avancé et popularisé le jeu positionnel et le jeu fermé.
Nationalisme romantique
Un concept fondateur et une contribution durable du romantisme était l'articulation du nationalisme, qui est apparu comme un motif central à la fois dans l'art romantique et dans la pensée politique. Tout au long de la trajectoire du mouvement, depuis l'accent initial mis sur la culture des langues nationales, du folklore et de l'importance des coutumes et traditions autochtones, jusqu'aux mouvements ultérieurs qui ont remodelé le paysage géopolitique européen et plaidé pour l'autodétermination nationale, le nationalisme a servi de canal principal pour l'influence, l'expression et le contenu idéologique du romantisme. Au XIXe siècle, les allusions médiévales servaient fréquemment un objectif nationaliste, la poésie populaire et épique étant le principal moyen de diffusion. Ce phénomène est évident dans des régions comme l'Allemagne et l'Irlande, où les chercheurs ont activement recherché des substrats linguistiques germaniques ou celtiques sous-jacents antérieurs à la romanisation et à la latinisation.
La phase naissante du nationalisme romantique s'est largement inspirée des philosophies de Jean-Jacques Rousseau et de Johann Gottfried von Herder. En 1784, Herder affirmait notamment que l'économie naturelle d'un peuple, ainsi que ses coutumes et sa structure sociétale, étaient fondamentalement façonnées par son environnement géographique.
Néanmoins, la nature du nationalisme a subi une profonde transformation après la Révolution française, en particulier avec l'ascension de Napoléon et les réponses ultérieures des autres nations européennes. Initialement, le nationalisme napoléonien et les idéaux républicains ont servi de source d'inspiration aux mouvements à l'étranger ; les concepts d'autodétermination et un solide sentiment d'unité nationale étaient perçus comme essentiels aux triomphes militaires de la France. Cependant, alors que la République française est devenue l'Empire de Napoléon, Napoléon lui-même est passé du statut d'inspirateur du sentiment nationaliste au centre même de son opposition. En Prusse, des personnalités telles que Johann Gottlieb Fichte, un étudiant de Kant, ont défendu la culture du renouveau spirituel comme stratégie pour résister à Napoléon. Le terme allemand Volkstum, signifiant nationalité, apparaît durant cette période comme un élément de résistance contre l'empereur conquérant. Fichte a articulé le lien intrinsèque entre langue et nation dans son discours de 1806, « À la nation allemande », déclarant :
Les individus qui partagent une langue commune sont intrinsèquement liés par de nombreux liens invisibles, établis par la nature elle-même bien avant toute intervention humaine. Ils possèdent une compréhension mutuelle et une capacité croissante de communication claire, formant une entité naturellement unifiée et indivisible. ...C'est uniquement lorsque chaque population, indépendamment, se cultive et se façonne selon ses caractéristiques distinctes, et lorsque chaque individu au sein de cette population se développe en harmonie à la fois avec le collectif et avec ses qualités uniques, que la manifestation divine reflète véritablement sa forme prévue.
Cette perspective nationaliste a motivé la compilation du folklore par des personnalités telles que les frères Grimm, la réémergence d'épopées anciennes en tant que récits nationaux et la création de nouvelles épopées conçues pour paraître anciennes, illustrées par le Kalevala, qui a été assemblé à partir de récits et de folklore finlandais, et Ossian, dont les prétendues origines anciennes ont été fabriquées. La croyance selon laquelle les contes de fées, s’ils n’étaient pas contaminés par des influences littéraires extérieures, avaient persisté sous une forme inchangée pendant des millénaires n’était pas exclusive aux nationalistes romantiques ; cependant, cela résonnait fortement avec leur conviction que ces récits incarnaient l’essence fondamentale d’un peuple. Par exemple, les frères Grimm ont rejeté de nombreux contes rassemblés en raison de leur ressemblance avec ceux de Charles Perrault, qu'ils ont interprétés comme une preuve de leur origine non germanique ; néanmoins, La Belle au bois dormant a été conservée dans leur compilation, car le récit de Brynhildr les a persuadés que le motif de la princesse endormie possédait une véritable authenticité allemande. Vuk Karadžić a contribué de manière significative à la littérature populaire serbe, faisant de la culture paysanne son élément fondateur. Il considérait les traditions orales de la paysannerie comme une composante indispensable de la culture serbe, les compilant pour les inclure dans ses recueils de chansons folkloriques, de contes et de proverbes, aux côtés du dictionnaire inaugural du serbe vernaculaire. Des initiatives comparables ont été poursuivies par Alexander Afanasyev en Russie, Peter Christen Asbjørnsen et Jørgen Moe en Norvège, et Joseph Jacobs en Angleterre.
Nationalisme polonais et messianisme
Le romantisme a joué un rôle déterminant dans le réveil national de nombreuses populations d'Europe centrale dépourvues d'États indépendants, en particulier en Pologne, qui avait récemment connu une tentative infructueuse de reconquérir sa souveraineté après la répression du soulèvement polonais par l'armée russe sous Nicolas Ier. La revitalisation et la réinterprétation des mythes, coutumes et traditions antiques par les poètes et peintres romantiques ont facilité la différenciation des cultures autochtones de celles des nations dominantes et ont solidifié le mythe du nationalisme romantique. Le patriotisme, le nationalisme, les idéaux révolutionnaires et la lutte armée pour l’indépendance sont également apparus comme des motifs importants dans les arts de cette époque. On peut dire qu'Adam Mickiewicz est le poète romantique le plus éminent de cette région de l'Europe, ayant avancé le concept de la Pologne comme le Messie des nations, destiné à endurer des souffrances semblables à celles de Jésus pour le salut de l'humanité. La perception polonaise d'elle-même en tant que « Christ parmi les nations » ou martyr de l'Europe est historiquement enracinée dans son héritage chrétien et ses expériences de souffrance sous diverses invasions. Tout au long des périodes d'occupation étrangère, l'Église catholique a fonctionné comme un rempart de l'identité nationale et de la langue polonaise, et comme un principal défenseur de la culture polonaise. Les partitions furent ensuite interprétées en Pologne comme un sacrifice national pour la sécurité de la civilisation occidentale. Adam Mickiewicz est l'auteur du drame patriotique Dziady (qui critiquait les Russes), décrivant la Pologne comme le Christ des nations. Il affirma en outre : « En vérité, je vous le dis, ce n'est pas à vous d'apprendre la civilisation des étrangers, mais c'est vous qui devez leur enseigner la civilisation... Vous êtes parmi les étrangers comme les apôtres parmi les idolâtres. Dans Livres de la nation polonaise et du pèlerinage polonais, Mickiewicz a élaboré sa vision de la Pologne comme un Messie et un Christ des Nations destiné à racheter l'humanité. Dziady est reconnu pour ses diverses interprétations. Les interprétations les plus marquantes englobent la dimension morale de la deuxième partie, les thèmes individualistes et romantiques de la quatrième partie et la perspective profondément patriotique, messianique et chrétienne présentée dans la troisième partie du poème. Zdzisław Kępiński centre cependant son interprétation sur les éléments slaves païens et occultes présents dans le drame. Dans son ouvrage Mickiewicz hermetyczny, il discute des philosophies hermétique, théosophique et alchimique, ainsi que du symbolisme maçonnique, trouvés dans le drame.
Galerie
- Le romantisme émergent au XVIIIe siècle
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- Autre
Écrivains romantiques
Érudits du romantisme
Références
Références
Citations
Sources
Romantiques & L'époque victorienne explorée sur le site Web Discovering Literature de la British Library
- Romantiques et amp; Victoriens Archivé 01/07/2016 sur la Wayback Machine exploré sur le site Web Discovering Literature de la British Library
- Les poètes romantiques
- Les grands romantiques
- "Romantisme", Dictionnaire de l'histoire des idées
- "Le romantisme dans la pensée politique", Dictionnaire de l'histoire des idées
- Cercles romantiques : propose des éditions électroniques, des analyses historiques et des articles scientifiques relatifs à l'ère romantique.
- Rébellion romantique
- Le romantisme mondial dans la littérature, l'art, la musique, la philosophie et l'architecture