L'art roman désigne la production artistique de l'Europe s'étendant d'environ 1000 après JC jusqu'à l'émergence du style gothique au XIIe siècle, avec des variations régionales dans sa durée. L'époque qui la précède immédiatement est identifiée comme la période préromane. Cette nomenclature a été inventée par les historiens de l'art du XIXe siècle, principalement pour décrire l'architecture romane. Ce style architectural a conservé des éléments fondamentaux de la conception romaine, tels que les arcs en plein cintre, les voûtes en berceau, les absides et l'ornementation de feuilles d'acanthe, tout en développant simultanément de nouvelles caractéristiques distinctes.
Alors que la continuité architecturale avec la période de l'Antiquité tardive persistait dans le sud de la France, en Espagne et en Italie, le style roman a marqué le mouvement artistique inaugural qui s'est répandu dans toute l'Europe catholique, s'étendant de la Sicile à la Scandinavie. L'art roman s'est également fortement inspiré de l'art byzantin, notamment dans ses formes picturales, et de la vigueur décorative dynamique et anticlassique caractéristique de l'art insulaire des îles britanniques. La synthèse de ces diverses influences a abouti à la formation d'un style artistique remarquablement innovant et cohérent.
Caractéristiques stylistiques
Au-delà de ses manifestations architecturales, l'art de la période romane présente un style robuste et énergique tant en sculpture qu'en peinture. La peinture romane adhérait largement aux conventions iconographiques byzantines pour les thèmes ecclésiastiques dominants, notamment le Christ en majesté, le Jugement dernier et les récits de la vie du Christ. À l’inverse, les manuscrits enluminés faisaient preuve d’une plus grande innovation, rendue nécessaire par la représentation de sujets nouveaux. Les Bibles et les psautiers représentent les manuscrits les plus somptueusement ornés de cette époque. Une originalité similaire caractérisait les chapiteaux de colonnes, souvent agrémentés de scènes complexes à plusieurs figures. L'introduction du grand crucifix en bois, aux côtés des statues autoportantes de la Madone intronisée, est originaire d'Allemagne au début de cette période. Le haut relief est devenu la technique sculpturale prédominante à cette époque.
La palette utilisée était particulièrement frappante, comportant principalement des couleurs primaires. Aujourd’hui, le dynamisme original de ces teintes n’est généralement perceptible que dans les exemples existants de vitraux et de manuscrits méticuleusement conservés. Le vitrail a été largement adopté, même si peu d’exemples complets perdurent. Une innovation importante de l'époque impliquait la sculpture monumentale des tympans sur les principaux portails des églises. Celles-ci représentaient souvent des thèmes tels que Le Christ en Majesté ou le Jugement dernier, mais elles présentaient une plus grande liberté artistique par rapport aux interprétations peintes, en raison de l'absence de précédents byzantins comparables.
Les compositions manquaient généralement de profondeur spatiale significative et nécessitaient une adaptabilité pour se conformer aux contours irréguliers des initiales historiées, des chapiteaux de colonnes et des tympans d'église. Un motif récurrent dans l'art roman est l'interaction dynamique entre un cadre restrictif et la composition, qui transcende parfois ses frontières. Les chiffres étaient fréquemment mis à l'échelle en fonction de leur signification hiérarchique. Les éléments du paysage, lorsqu'ils étaient présents, tendaient vers une ornementation abstraite plutôt que vers une représentation réaliste, comme en témoignent les arbres de la « Feuille de Morgan ». Le portrait était largement absent de cette période artistique.
Contexte historique
À l'époque romane, l'Europe a connu une prospérité croissante, conduisant à une diffusion plus large d'art de haute qualité au-delà des limites des cours royales et des communautés monastiques sélectionnées, contrairement aux périodes carolingienne et ottonienne précédentes. Les monastères conservèrent une immense importance, en particulier les nouveaux ordres naissants tels que les cisterciens, les clunisiens et les chartreux, qui se développèrent dans toute l'Europe. Parallèlement, les églises urbaines, les lieux de pèlerinage et de nombreuses églises dans les petites villes et villages recevaient une décoration élaborée et sophistiquée. Ces structures plus petites représentent souvent les exemples survivants, car de nombreuses cathédrales et grandes églises urbaines ont ensuite été reconstruites. Notamment, aucun palais royal roman n'a été conservé.
Le rôle de l'artiste profane a pris de plus en plus d'importance ; par exemple, Nicolas de Verdun semble avoir acquis une reconnaissance continentale. À cette époque, la majorité des maçons et des orfèvres étaient des praticiens laïcs. En outre, les peintres laïcs, illustrés par Maître Hugo, constituaient le groupe prédominant, en particulier parmi ceux qui exécutaient les commandes les plus distinguées, à la fin de l'époque. Les programmes iconographiques de leurs œuvres ecclésiastiques ont sans aucun doute été élaborés en consultation avec les autorités cléricales.
Sculpture
Ferronnerie, émaux et ivoires
À cette époque, les objets précieux fabriqués à partir de ces matériaux jouissaient d'un statut exceptionnellement élevé, dépassant probablement celui des peintures. En effet, les identités de plus d’artisans qui ont créé ces objets sont documentées que celles des peintres, enlumineurs ou architectes-maçons contemporains. Le travail du métal, en particulier les pièces ornées d'émail, atteint une sophistication remarquable. De nombreux sanctuaires magnifiques conçus pour abriter des reliques ont perduré, le plus célèbre étant le sanctuaire des Trois Rois de la cathédrale de Cologne, une création attribuée à Nicolas de Verdun et à ses collaborateurs (c. 1180-1225). D'autres exemples notables d'émail mosan comprennent le triptyque de Stavelot et le reliquaire de Saint-Maure. Alors que d'importants reliquaires et façades d'autel étaient construits autour de charpentes en bois, les cercueils plus petits étaient entièrement composés de métal et d'émail. Bien qu'un nombre limité d'objets profanes, tels que des boîtiers de miroirs, des bijoux et des fermoirs, aient survécu, ceux-ci offrent sans aucun doute une représentation incomplète de l'importante ferronnerie fine possédée par l'aristocratie.
Le chandelier de Gloucester en bronze et le bénitier en laiton, datant de 1108-1117 et actuellement situés à Liège, représentent des exemples remarquables, bien que stylistiquement distincts, de fonte de métal. Le chandelier présente des qualités complexes et dynamiques, influencées par l'enluminure du manuscrit, tandis que la police illustre le style mosan dans sa manifestation la plus classique et la plus imposante. Parmi les autres pièces de ferronnerie importantes survivantes figurent les portes en bronze, une colonne triomphale et diverses installations de la cathédrale d'Hildesheim, les portes de Gniezno et les portes de la basilique de San Zeno à Vérone. L'aquamanile, un récipient utilisé pour les ablutions, aurait fait ses débuts en Europe au XIe siècle. Les artisans dotaient fréquemment ces objets de formes zoomorphes fantastiques ; les spécimens existants sont principalement fabriqués à partir de laiton. De nombreuses impressions de cire provenant de sceaux élaborés persistent sur les chartes et les documents, bien que la monnaie romane manque généralement d'attrait esthétique significatif.
La Croix du Cloître se présente comme un crucifix en ivoire d'une taille exceptionnelle, présentant des sculptures complexes qui représentent de nombreux prophètes et autres personnages, et est attribuée à Maître Hugo, l'un des rares artistes nommés de l'époque qui a également enluminé des manuscrits. Conformément à de nombreux artefacts de son époque, cette pièce était à l’origine partiellement polychrome. Les pièces d'échecs de Lewis représentent des exemples remarquablement conservés de petites sculptures en ivoire, avec de nombreux autres fragments et pièces complètes survivant de crosses, de plaques, de croix pectorales et d'objets analogues.
Sculpture architecturale
Après l'effondrement de l'Empire romain d'Occident, la pratique de la sculpture d'œuvres monumentales en pierre et de figures en bronze a largement cessé, une tendance qui se reflète (pour des raisons théologiques) dans l'Empire byzantin (romain d'Orient). Même si certaines sculptures grandeur nature ont manifestement été exécutées en stuc ou en plâtre, les exemples existants sont, comme on pouvait s'y attendre, rares. L'œuvre sculpturale à grande échelle la plus importante de l'Europe proto-romane est le Crucifix en bois grandeur nature, commandé par l'archevêque Gero de Cologne vers 960-965, qui semble avoir servi de prototype à une forme artistique largement adoptée. Ces crucifix furent ensuite placés sur une poutre sous l'arc du chœur, appelé en anglais jubé, et à partir du XIIe siècle, ils furent souvent flanqués des figures de la Vierge Marie et de Jean l'Évangéliste. Tout au long des XIe et XIIe siècles, la sculpture figurative a connu une résurgence significative, les reliefs architecturaux devenant une caractéristique déterminante de la fin de l'ère romane.
Sources et caractéristiques stylistiques
La sculpture figurative puisait principalement à deux sources distinctes : les enluminures de manuscrits et les œuvres à petite échelle en ivoire et en métal. De plus, les frises élaborées ornant les églises arméniennes et syriaques ont été considérées comme une influence probable. Collectivement, ces influences ont favorisé un style distinctif reconnaissable dans toute l'Europe, même si les œuvres sculpturales les plus impressionnantes se sont principalement situées dans le sud-ouest de la France, le nord de l'Espagne et l'Italie.
Les images fréquemment utilisées dans le travail du métal étaient généralement en relief, ce qui donnait une surface caractérisée par deux plans principaux et comportant généralement des détails incisés. Cette technique a ensuite été adaptée à la taille de la pierre, notamment observée dans le tympan au-dessus des portails, où l'iconographie du Christ en majesté, accompagnée des symboles des quatre évangélistes, dérive directement des couvertures dorées des livres d'Évangile médiévaux. Ce style distinctif de porte était très répandu et a persisté jusqu'à la période gothique. Un rare exemple survivant en Angleterre est la « Porte du Prieur » de la cathédrale d'Ely. Dans le sud-ouest de la France, il en reste de nombreux exemples impressionnants, notamment ceux de Saint-Pierre, Moissac ; Souillac; et La Madeleine, Vézelay, toutes les maisons filles de Cluny, avec de vastes sculptures supplémentaires conservées dans les cloîtres et autres structures. À proximité, la cathédrale d'Autun présente un Jugement dernier d'une rareté exceptionnelle, signé de manière unique par son créateur, Giselbertus.
Un trait caractéristique des figures en enluminure manuscrite est leur représentation fréquente dans des espaces confinés, nécessitant une contorsion pour s'adapter à l'espace disponible. Cette convention artistique, où les figures étaient conçues pour se conformer aux contraintes spatiales, facilitait leur adaptation pour orner des éléments architecturaux tels que des montants de porte, des linteaux et d'autres surfaces. Les draperies des personnages peints étaient généralement rendues dans un style plat et décoratif qui ressemblait peu au poids et à la chute naturels du tissu réel. Cet élément stylistique a également été adopté en sculpture. Parmi les nombreux exemples existants, l'un des plus remarquables est la figure du prophète Jérémie provenant du pilier du portail de l'abbaye de Saint-Pierre, Moissac, France, datant d'environ 1130.
La spirale constitue l'un des motifs les plus importants de la conception romane, se manifestant à la fois dans la sculpture figurative et non figurative. Les antécédents potentiels incluent les majuscules ioniques. Les vignes à volutes, motif omniprésent dans la conception byzantine et romaine, sont visibles dans les mosaïques ornant les voûtes de l'église Santa Costanza du IVe siècle à Rome. Les manuscrits et les sculptures architecturales du XIIe siècle présentent des motifs de vigne à volutes analogues.
Une autre source évidente du motif en spirale réside dans les manuscrits enluminés du VIIe au IXe siècle, en particulier les manuscrits irlandais tels que l'Évangile de Saint-Gall, qui ont été diffusés à travers l'Europe par la mission hiberno-écossaise. Dans ces illuminations, l'application de la spirale est entièrement indépendante des vignes ou d'autres formes botaniques ; le motif est nettement abstrait et géométrique. Ce style fut ensuite assimilé à l'art carolingien, où il reçut un caractère plus botanique. C'est par une adaptation de cette forme que la spirale apparaît dans les draperies des sculptures et des vitraux. Parmi les nombreux exemples trouvés sur les portails romans, l'un des plus remarquables est celui de la figure centrale du Christ à La Madeleine, à Vézelay.
Une autre influence de l'art insulaire est évidente dans la représentation d'animaux engagés et enlacés, souvent utilisés avec un superbe effet dans les chapiteaux (comme à Silos) et occasionnellement sur la colonne elle-même (comme à Moissac). Une grande partie du traitement des animaux appariés, confrontés et enlacés dans la décoration romane, ainsi que des animaux dont les corps se dissolvent dans des formes purement décoratives, est attribuable à des origines insulaires similaires. Malgré l'assimilation des traditions hiberno-saxonnes dans les styles romans en Angleterre et sur le continent, l'influence était principalement unidirectionnelle. L'art irlandais au cours de cette période est resté largement insulaire, développant une synthèse distinctive des styles irlandais et viking, qui sera progressivement supplanté et remplacé par le style roman traditionnel au début du XIIIe siècle après l'invasion anglo-normande de l'Irlande.
Sujet
La sculpture romane est principalement picturale et scripturale dans son contenu thématique. Un large éventail de motifs se retrouve sur les chapiteaux, englobant des scènes de la création et de la chute de l'homme, des épisodes de la vie du Christ et des récits de l'Ancien Testament qui préfigurent sa mort et sa résurrection, comme Jonas et la baleine et Daniel dans la fosse aux lions. De nombreuses scènes de la Nativité sont présentes, le thème des Trois Rois étant particulièrement populaire. Les cloîtres de l'abbaye de Santo Domingo de Silos dans le nord de l'Espagne et de Moissac constituent des exemples exemplaires qui existent dans leur intégralité, tout comme les sculptures en relief sur les nombreux fonts baptismaux de Tournai découverts dans les églises du sud de l'Angleterre, de la France et de la Belgique.
Une caractéristique déterminante de certaines églises romanes est le vaste programme sculptural qui orne la zone entourant le portail et, occasionnellement, une partie importante de la façade. Par exemple, la cathédrale d'Angoulême en France présente un arrangement sculptural complexe intégré dans les vastes niches formées par les arcades de la façade. De même, dans la région catalane d'Espagne, l'entrée de l'église de Santa Maria à Ripoll présente un schéma pictural élaboré en bas-relief.
Ces programmes sculpturaux ont été conçus pour transmettre un message théologique, exhortant les adeptes chrétiens à reconnaître les transgressions, à rechercher la repentance et à atteindre la rédemption. La représentation du Jugement dernier a été un puissant rappel aux croyants de se repentir. De plus, le Crucifix sculpté ou peint bien en vue dans l'espace ecclésiastique symbolisait la rédemption pour le pénitent.
Souvent, les éléments sculpturaux présentent des formes et un contenu thématique troublants. De telles sculptures ornent généralement les chapiteaux, les corbeaux et les bossages, ou sont entrelacées de feuillage sur les moulures des portes. Ces représentations représentent souvent des formes dont les significations originales ne sont plus facilement discernables. Les motifs récurrents incluent des personnages comme Sheela na Gig, de redoutables démons, des ouroboros (des dragons se dévorant la queue) et de nombreux autres êtres mythiques dont le symbolisme reste énigmatique. Les spirales et les motifs appariés, autrefois dotés d'une signification particulière dans les traditions orales, ont été soit perdus dans l'histoire, soit rejetés par l'érudition contemporaine.
Les sept péchés capitaux, dont la luxure, la gourmandise et l'avarice, constituent également des sujets iconographiques fréquents. La représentation de personnages aux organes génitaux exagérés symbolise souvent le péché charnel, un thème également véhiculé par de nombreux personnages à la langue tirée, notamment observés sur l'entrée de la cathédrale de Lincoln. Historiquement, le fait de se tirer la barbe signifiait la masturbation, tandis qu'une bouche largement ouverte était interprétée comme une marque d'obscénité. Un motif répandu sur les chapiteaux de cette époque représente des individus engagés dans des « coups de langue » ou des « caresses de barbe » étant réprimandés par leurs épouses ou appréhendés par des entités démoniaques. Un autre sujet courant concerne les démons qui se disputent l'âme d'un transgresseur, comme un avare.
Sculpture romane tardive
L'architecture gothique est généralement considérée comme née du projet de l'abbé Suger pour le chœur de l'abbaye de Saint-Denis, située au nord de Paris, consacrée en 1144. L'émergence de la sculpture gothique se situe généralement un peu plus tard, marquée par la sculpture de figures entourant le portail royal de la cathédrale de Chartres, en France, entre 1150 et 1155. Ce style sculptural s'est rapidement diffusé depuis Chartres, dépassant même le mouvement architectural gothique naissant. En effet, de nombreuses églises de la période romane tardive furent construites après l'abbaye de Saint-Denis. Une esthétique sculpturale privilégiant l’observation et le naturalisme plutôt que la conception formalisée a connu une évolution rapide. Une explication proposée pour cette progression rapide vers des formes naturalistes est une appréciation croissante des vestiges classiques dans les régions où ils étaient abondants, associée à une émulation consciente de leurs conventions artistiques. Par conséquent, certaines portes présentent une forme structurelle romane tout en affichant simultanément un naturalisme caractéristique de la sculpture gothique primitive.
Un exemple exemplaire est le Pórtico da Gloria à Saint-Jacques-de-Compostelle, datant de 1180. Ce portail intérieur est remarquablement bien conservé, conservant notamment la polychromie de ses figures, ce qui suggère l'apparence originale vibrante, souvent perçue comme « criarde », d'une grande partie de l'ornementation architecturale maintenant largement considérée comme monochrome. Les personnages entourant la porte sont intégrés aux colonnettes formant les moulures de la porte. Ces figures possèdent une qualité tridimensionnelle, quoique subtilement aplaties. Ils présentent une individualisation significative tant dans leur apparence que dans leur expression, ressemblant notablement aux sculptures du porche nord de l'abbaye de Saint-Denis, qui datent de 1170. Sous le tympan, une frise sculptée de manière réaliste représente des personnages jouant d'un large éventail d'instruments de musique facilement identifiables.
Peinture
Enluminure de manuscrit
Le début de la période romane a vu la convergence de plusieurs écoles régionales d'enluminure de manuscrits. L'« école de la Manche » englobant l'Angleterre et le nord de la France a démontré une influence significative de l'art anglo-saxon tardif, tandis que les styles du sud de la France reposaient davantage sur les traditions artistiques ibériques. Parallèlement, les styles ottoniens persistaient en Allemagne et aux Pays-Bas, impactant également l'Italie aux côtés des influences byzantines. Au XIIe siècle, ces diverses traditions s'étaient exercées dans des influences réciproques, même si des caractéristiques régionales distinctes persistaient naturellement.
Les principaux foyers de l'enluminure romane étaient la Bible, commençant souvent par une initiale historiée substantielle pour chaque livre, et le Psautier, qui était également orné d'enluminures majeures. Dans les deux cas, des exemples plus élaborés présentaient des cycles narratifs sur des enluminures pleine page, parfois compartimentés avec plusieurs scènes par page. Les Bibles, en particulier, étaient souvent volumineuses et pouvaient s'étendre sur plusieurs volumes. Des exemples notables incluent le Psautier de Saint-Albans, le Psautier Hunterian, la Bible de Winchester (avec la « Feuille de Morgan »), la Bible de Fécamp, la Bible de Stavelot et la Bible de Parc Abbey. Vers la fin de cette époque, l'émergence d'ateliers commerciaux laïcs pour artistes et scribes a pris de l'importance, conduisant à une plus grande accessibilité des manuscrits et des livres enluminés pour les populations laïques et ecclésiastiques.
Peinture murale
Les vastes surfaces murales et les voûtes courbes et sans ornements caractéristiques de la période romane étaient très propices à la décoration murale. Malheureusement, un nombre important de ces premières peintures murales ont succombé aux dommages causés par l'humidité ou ont été obscurcies par les travaux de replâtrage et de repeinture ultérieurs. Pendant les périodes d'iconoclasme de la Réforme, notamment en Angleterre, en France et aux Pays-Bas, ces œuvres d'art étaient systématiquement effacées ou blanchies à la chaux. À l’inverse, de nombreuses peintures murales au Danemark, en Suède et dans d’autres régions ont ensuite été restaurées. En Catalogne, en Espagne, une initiative du début du XXe siècle, lancée vers 1907, visait à préserver ces peintures murales en les détachant et en les déplaçant dans un stockage sécurisé à Barcelone, établissant ainsi la remarquable collection hébergée au Musée national d'art de Catalogne. Ailleurs, ces œuvres d'art ont été affectées par les conflits, la négligence et l'évolution des préférences esthétiques.
Un schéma conventionnel pour une décoration murale complète d'église, influencé par les traditions de mosaïque précédentes, représentait généralement le Christ en majesté ou le Christ Rédempteur trônant dans une mandorle et entouré par les quatre bêtes ailées symbolisant les quatre évangélistes, positionnées comme l'élément central dans le demi-dôme de l'abside. Cet arrangement est directement parallèle aux représentations trouvées sur les couvertures dorées contemporaines des livres d'Évangile ou dans leurs enluminures. Si l'église était dédiée à la Vierge Marie, elle pourrait occuper cette position centrale. En dessous, les murs de l'abside exposent généralement des saints et des apôtres, incorporant potentiellement des séquences narratives pertinentes au saint patron de l'église. L'arc du sanctuaire représentait souvent des figures d'apôtres, de prophètes ou des vingt-quatre « anciens de l'Apocalypse », regardant vers un buste du Christ ou de son agneau symbolique situé au sommet de l'arc. Le mur nord de la nef présentait généralement des récits de l'Ancien Testament, tandis que le mur sud présentait des scènes du Nouveau Testament. Le mur arrière ouest était généralement réservé à une représentation du Jugement dernier, couronné par un Christ intronisé et jugeant.
Parmi les schémas décoratifs les mieux conservés figure celui trouvé à Saint-Savin-sur-Gartempe en France. La vaste voûte en berceau de la nef offre une surface idéale pour les fresques, ornées de récits de l'Ancien Testament tels que la Création, la Chute de l'Homme et d'autres récits. Notamment, une représentation vibrante de l'Arche de Noé présente une formidable figure de proue et de multiples fenêtres révélant Noé et sa famille sur le pont supérieur, des oiseaux sur le pont intermédiaire et des paires d'animaux au niveau inférieur. Un autre panneau illustre avec force l'engloutissement de l'armée de Pharaon par la mer Rouge. Ce vaste projet se poursuit dans d'autres sections de l'église, y compris des représentations du martyre des saints locaux dans la crypte, de l'Apocalypse dans le narthex et du Christ en majesté. La palette utilisée se limite au bleu-vert clair, à l'ocre jaune, au brun rougeâtre et au noir. Des œuvres d'art mural comparables sont également présentes en Serbie, en Espagne, en Allemagne, en Italie et dans d'autres pays français.
Les peintures murales actuellement dispersées provenant d'Arlanza dans la province de Burgos, en Espagne, malgré leur provenance monastique, présentent des thèmes profanes, mettant en vedette des créatures mythiques colossales et dynamiques positionnées au-dessus d'une frise en noir et blanc peuplée de divers autres êtres. Ces œuvres d'art offrent un aperçu unique des éléments décoratifs qui auraient orné les palais romans.
Arts visuels supplémentaires
Mode
À l'époque romane en Angleterre et en France, l'émergence des pigaches, des chaussures distinctives en « queue de scorpion » ou en « corne de bélier », ont provoqué une condamnation considérable de la part du clergé contemporain. Orderic Vitalis, notamment, a attribué à ces chaussures une augmentation perçue de la sodomie et de l'homosexualité au cours de cette période. Aujourd'hui, ces chaussures sont principalement reconnues comme les ancêtres des poulaines beaucoup plus élaborées, qui ont gagné en popularité après la peste noire.
Broderie
La broderie romane est illustrée de manière frappante par la Tapisserie de Bayeux à Bayeux, en France, et la Tapisserie de la Création à Gérone, en Espagne. De plus, de nombreuses pièces complexes de l'Opus Anglicanum (« œuvre anglaise »), largement considérées comme les plus belles du monde occidental, aux côtés d'autres exemples stylistiques, ont perduré, principalement sous la forme de vêtements ecclésiastiques.
Vitrail
On pense que les premiers fragments connus de vitraux picturaux médiévaux proviennent du 10e siècle. Les figures complètes les plus anciennes se trouvent dans cinq fenêtres de prophètes à Augsbourg, datant de la fin du XIe siècle. Malgré leur apparence rigide et stylisée, ces figures témoignent d'une grande expertise en matière de conception, tant dans leur représentation picturale que dans l'application pratique du verre, suggérant la profonde familiarité de l'artisan avec le médium. Plusieurs panneaux du XIIe siècle ont été conservés dans les cathédrales du Mans, de Canterbury et de Chartres, ainsi qu'à Saint-Denis. Parmi ceux de Canterbury se trouvent une représentation d'Adam en train de creuser et une autre de son fils Seth, tous deux issus d'une série illustrant les ancêtres du Christ. La représentation d'Adam est particulièrement naturaliste et dynamique, tandis que la figure de Seth présente des robes utilisées pour un impact décoratif considérable, reflétant les plus belles sculptures sur pierre de cette époque. Les artisans verriers ont adopté les changements stylistiques plus progressivement que les architectes, ce qui a conduit à classer une grande partie des vitraux du début du XIIIe siècle au moins comme fondamentalement romans. Des exemples particulièrement remarquables incluent de grandes figures de 1200 à la cathédrale de Strasbourg (certaines maintenant transférées dans un musée) et celles d'environ 1220 à l'église Saint-Kunibert de Cologne.
Alors que la majorité des splendides vitraux de France, y compris les célèbres fenêtres de Chartres, datent du XIIIe siècle, beaucoup moins de grandes fenêtres du XIIe siècle ont survécu intactes. Un exemple notable est la Crucifixion de Poitiers, une extraordinaire composition à trois niveaux. Sa section la plus basse présente un quadrilobe illustrant le martyre de Saint-Pierre, le vaste niveau central est dominé par la crucifixion et l'étage supérieur représente l'Ascension du Christ dans une mandorle. La figure du Christ crucifié présente déjà des caractéristiques de la courbe gothique. George Seddon a qualifié cette fenêtre de « beauté inoubliable ». De nombreux fragments individuels sont conservés dans des musées et une fenêtre de l'église de Twycross en Angleterre incorpore d'importants panneaux français récupérés de la Révolution française. Compte tenu de son coût et de sa capacité d'adaptation (permettant des ajouts ou des réaménagements), le verre semble avoir été fréquemment réutilisé lors de la reconstruction gothique des églises. Le premier verre anglais datable, un panneau de la cathédrale d'York représentant un arbre de Jessé, probablement antérieur à 1154, illustre cette pratique de recyclage.
- Liste des artistes romans
- Remarques
Remarques
Références
- Essai sur la chronologie du Metropolitan Museum
- Corpus de sculpture romane en Grande-Bretagne et en Irlande
- Círculo Románico : l'art wisigoth, mozarabe et roman dans toute l'Europe
- Groupe de sculpture romane sur Flickr