Modernismo

Il modernismo, un movimento influente dell'inizio del XX secolo, comprendeva letteratura, arti visive, arti dello spettacolo e musica, dando priorità alla sperimentazione, all'astrazione e all'esperienza soggettiva. Il suo campo di applicazione si estendeva alla filosofia, alla politica, all'architettura e a varie questioni sociali. Uno dei principi fondamentali del Modernismo era la percezione di una "crescente alienazione" dalla "moralità, dall'ottimismo e dalle convenzioni" consolidate, unita all'aspirazione a trasformare le interazioni sociali e la vita comunitaria.

Modernismo è stato un movimento dell'inizio del XX secolo nel campo della letteratura, delle arti visive, delle arti dello spettacolo e della musica che enfatizzava la sperimentazione, l'astrazione e l'esperienza soggettiva. Filosofia, politica, architettura e questioni sociali erano tutti aspetti di questo movimento. Il modernismo era incentrato sulla credenza in una "crescente alienazione" dalla "moralità, dall'ottimismo e dalle convenzioni" prevalenti e sul desiderio di cambiare il modo in cui "gli esseri umani in una società interagiscono e vivono insieme".

Originato alla fine del XIX secolo, il movimento modernista è nato come reazione alle profonde trasformazioni all'interno della cultura occidentale, in particolare la secolarizzazione e il crescente impatto dei progressi scientifici. È definito da un deliberato ripudio delle norme tradizionali e da una ricerca di nuove forme di articolazione culturale. Lo sviluppo del Modernismo è stato modellato da un'ampia innovazione tecnologica, dall'industrializzazione, dall'urbanizzazione e dai significativi sconvolgimenti culturali e geopolitici successivi alla prima guerra mondiale. I principali movimenti artistici e le tecniche legate al Modernismo includono l'arte astratta, il flusso di coscienza nella letteratura, il montaggio cinematografico, l'atonalità musicale e le tecniche dodecafoniche, la danza moderna, l'architettura modernista e la pianificazione urbana.

Il modernismo ha adottato una prospettiva critica sull'enfasi dell'Illuminismo sul razionalismo. Inoltre, il movimento rinnegava la nozione di originalità assoluta, in particolare il concetto di "Creatio ex nihilo" (creazione dal nulla) del XIX secolo sostenuto sia dal realismo che dal romanticismo. Invece, il Modernismo ha abbracciato tecniche come il collage, la ripresa, l’incorporazione, la riscrittura, la ricapitolazione, la revisione e la parodia. Una caratteristica distintiva del Modernismo era la sua riflessività riguardo alle convenzioni artistiche e sociali, favorendo la sperimentazione che sottolineava sia la costruzione delle opere d’arte che i materiali che le costituiscono. La cronologia precisa del Modernismo rimane oggetto di dibattito accademico, con alcuni accademici che ipotizzano la sua evoluzione nel tardo modernismo o nell'alto modernismo. Al contrario, il postmodernismo sfida fondamentalmente numerosi principi modernisti.

Panoramica e definizione

Il modernismo costituì un movimento culturale che influenzò sia le arti che lo Zeitgeist più ampio. È spesso caratterizzato come una struttura di pensiero e di condotta caratterizzata dall'autocoscienza o dall'autoreferenzialità, particolarmente prominente all'interno dell'avanguardia in diversi campi artistici e accademici. Soprattutto nei contesti occidentali, è spesso visto come un movimento socialmente progressista che afferma la capacità dell’umanità di creare, migliorare e riconfigurare l’ambiente circostante attraverso la sperimentazione pratica, la comprensione scientifica o l’applicazione tecnologica. Da questo punto di vista, il Modernismo sostiene una rivalutazione globale di tutti gli aspetti dell’esistenza. I modernisti esaminano criticamente i soggetti per identificare gli ostacoli percepiti al progresso, proponendo successivamente metodologie alternative per ottenere i risultati desiderati.

Lo storico Roger Griffin definisce il Modernismo come un vasto sforzo culturale, sociale o politico sostenuto dall'etica della "temporalità del nuovo". Griffin ipotizzò che il Modernismo cercasse di ripristinare un "senso di ordine e scopo sublime per il mondo contemporaneo", mitigando così "l'erosione percepita di un 'nomos' generale, o 'tettoia sacra'", causata dalle forze frammentarie e secolarizzanti della modernità. Di conseguenza, fenomeni apparentemente disparati - tra cui "espressionismo, futurismo, vitalismo, teosofia, psicoanalisi, nudismo, eugenetica, urbanistica e architettura utopica, danza moderna, bolscevismo, nazionalismo organico - e persino il culto del sacrificio di sé che sostenne l'ecatombe della prima guerra mondiale" - rivelano un'origine e una struttura psicologica condivise nella loro opposizione alla "decadenza percepita". Queste diverse manifestazioni rappresentano collettivamente tentativi di raggiungere una "esperienza sovrapersonale della realtà", attraverso la quale gli individui credevano di poter trascendere la propria mortalità e, infine, passare dall'essere soggetti della storia a suoi creatori attivi.

La religione ha anche sperimentato l'impatto dei progressi scientifici, filosofici e politici emergenti durante la fine del XIX e l'inizio del XX secolo, culminati nell'emergere del Modernismo cattolico. T. S. Eliot, ad esempio, fu notevolmente influenzato dal Modernismo cattolico.

Nel 1911, scrivendo per la Catholic Encyclopedia, il gesuita Arthur Vermeersch fornì una definizione di modernismo dal punto di vista dell'eresiologia cattolica contemporanea:

Il modernismo generalmente cerca una trasformazione fondamentale del pensiero umano riguardo alla divinità, all'umanità, al mondo e all'esistenza, sia temporale che eterna. Questo cambiamento intellettuale fu avviato dall'Umanesimo e dalla filosofia del XVIII secolo e dichiarato formalmente durante la Rivoluzione francese.

Questa sezione esplora le interconnessioni tra Modernismo, Romanticismo, Filosofia e Simbolismo.

Il modernismo letterario è spesso sintetizzato dalla frase di W. B. Yeats tratta da "The Second Coming": "Le cose cadono a pezzi; il centro non può reggere". Sebbene i modernisti cercassero spesso un “centro” metafisico, invariabilmente andavano incontro alla sua disintegrazione. Al contrario, il postmodernismo abbraccia questo collasso, rivelando i limiti intrinseci dei costrutti metafisici, esemplificati dagli sforzi di Jacques Derrida per decostruire tali affermazioni.

Da una prospettiva filosofica, il declino della metafisica può essere attribuito al filosofo scozzese David Hume (1711–1776). Hume sosteneva che la percezione diretta di un evento che ne causa un altro è impossibile. Ha inoltre affermato che il sé viene percepito solo come soggetto, mai come oggetto, oscurando così la nostra essenza fondamentale. Di conseguenza, se la conoscenza deriva esclusivamente da esperienze sensoriali – come la visione, il tatto e l'emozione – allora sia la conoscenza stessa che le asserzioni metafisiche diventano irraggiungibili.

Di conseguenza, il modernismo può essere spinto emotivamente da un desiderio di verità metafisiche, anche se riconosce la loro intrinseca irraggiungibilità. Ad esempio, alcuni romanzi modernisti presentano personaggi, come Marlow in Cuore di tenebra o Nick Carraway in Il grande Gatsby, che percepiscono verità profonde sulla natura o sul carattere umano. Tuttavia, queste narrazioni spesso trattano tali percezioni in modo ironico, fornendo invece spiegazioni più prosaiche. Analogamente, numerose poesie di Wallace Stevens esplorano la lotta per accertare il significato della natura, manifestandosi tipicamente in due forme: quelle in cui chi parla inizialmente nega il significato della natura, solo per far sì che la sua presenza si affermi nella conclusione della poesia; e quelli in cui chi parla presuppone un significato nella natura, solo per poi dissiparlo alla fine della poesia.

Il modernismo spesso ripudia il realismo del diciannovesimo secolo, in particolare se il realismo è definito dalla sua enfasi sull'incorporamento di significato all'interno delle rappresentazioni naturalistiche. Allo stesso tempo, alcuni modernisti perseguirono una forma di realismo più autentica e "non centrata". Ad esempio, l'opera protocubista di Picasso, *Les Demoiselles d'Avignon* (1907), si discosta dal presentare i soggetti da un punto di vista singolare, offrendo invece un piano pittorico piatto e bidimensionale. Allo stesso modo, "Il Poeta" (1911) mostra una prospettiva decentrata, ritraendo il corpo da varie angolazioni. La Collezione Peggy Guggenheim descrive questo approccio, affermando che "Picasso presenta molteplici visioni di ciascun oggetto, come se si fosse mosso attorno ad esso, e le sintetizza in un'unica immagine composta".

Il modernismo, caratterizzato dalla sua percezione che "le cose vanno in pezzi", può essere interpretato come il culmine del romanticismo, soprattutto se il romanticismo è inteso come la ricerca spesso insoddisfatta di verità metafisiche riguardanti il ​​carattere, la natura, un potere trascendente e un significato globale. Il modernismo spesso aspira a un nucleo romantico o metafisico, solo per poi testimoniare la sua disintegrazione.

La divergenza tra modernismo e romanticismo è evidente anche nei loro approcci al "simbolo". I romantici a volte postulavano una connessione intrinseca (il "fondamento") tra il simbolo (o "veicolo", nella terminologia di I.A. Richards) e il suo "tenore" (il suo significato). Un esempio di ciò è la rappresentazione della natura di Coleridge come "quel linguaggio eterno che il tuo Dio / pronuncia". Tuttavia, mentre alcuni romantici consideravano la natura e i suoi simboli come linguaggio divino, altri teorici romantici li consideravano imperscrutabili. Goethe, pur non essendo un romantico, lo espresse affermando che “l’idea [o il significato] rimane eternamente e infinitamente attiva e inaccessibile nell’immagine”. Questa prospettiva è stata ulteriormente sviluppata nella teoria modernista che, influenzata dai suoi antecedenti simbolisti, spesso evidenzia l’inscrutabilità e l’inadeguatezza intrinseche di simboli e metafore. Ad esempio, Wallace Stevens si sforza, ma alla fine fallisce, di discernere il significato della natura, anche quando sembra cogliere momentaneamente tale significato. Di conseguenza, sia i simbolisti che i modernisti utilizzano occasionalmente una metodologia mistica per trasmettere una comprensione non razionale del significato.

Di conseguenza, le metafore moderniste spesso si manifestano come innaturali, esemplificate da T.S. La rappresentazione di Eliot di una serata "distesa contro il cielo / Come un paziente eterizzato su un tavolo". Allo stesso modo, i poeti modernisti successivi spesso descrivono la natura come denaturalizzata e occasionalmente meccanizzata, come nell'immagine di Stephen Oliver della luna che si "solleva" attivamente alla coscienza.

Origini e storia antica

Romanticismo e Realismo

Il modernismo è emerso dalla ribellione del romanticismo contro gli effetti della rivoluzione industriale e dei valori sociali borghesi. Come afferma lo studioso di letteratura Gerald Graff, "Il motivo fondamentale del modernismo era la critica all'ordine sociale borghese del XIX secolo e alla sua visione del mondo; i modernisti, portavano la fiaccola del Romanticismo."

Mentre J. M. W. Turner (1775–1851), un importante pittore paesaggista del XIX secolo, era un membro del movimento romantico, le sue esplorazioni rivoluzionarie di luce, colore e atmosfera "anticiparono gli impressionisti francesi" e, di conseguenza, il modernismo "nell'abbattere le formule convenzionali di rappresentazione". Se ne discostò, tuttavia, nella convinzione che la sua arte dovesse articolare in modo coerente temi storici, mitologici, letterari o altri temi narrativi profondi. Al contrario, i modernisti criticarono la convinzione romantica secondo cui l’arte funzionava come un canale diretto verso l’essenza della realtà. Sostenevano che, data l'interpretazione soggettiva inerente all'impegno di ogni spettatore con l'arte, questa non poteva trasmettere le verità metafisiche ultime perseguite dai romantici. Tuttavia, i modernisti non hanno del tutto liquidato l’arte come meccanismo per comprendere il mondo. Lo hanno invece percepito come uno strumento per sfidare e inquietare la prospettiva dello spettatore, piuttosto che come un percorso diretto verso una realtà trascendente.

Il modernismo ripudia spesso il realismo del XIX secolo, in particolare quando quest'ultimo è caratterizzato dall'enfasi sull'inclusione del significato all'interno delle rappresentazioni naturalistiche. Al contrario, alcuni modernisti cercavano un realismo più “autentico”, privo di un punto focale unico. Ad esempio, l'opera proto-cubista di Picasso del 1907, Les Demoiselles d'Avignon, si discosta da una prospettiva singolare, rappresentando invece i suoi soggetti su un piano pittorico piatto e bidimensionale. Allo stesso modo, Il Poeta (1911) mostra un approccio decentrato, raffigurando il corpo da vari punti di vista. Come osservato dalla Collezione Peggy Guggenheim, "Picasso presenta molteplici vedute di ciascun oggetto, come se si fosse mosso attorno ad esso, e le sintetizza in un'unica immagine composta."

Il modernismo, caratterizzato dalla sua percezione che "le cose vanno in pezzi", è spesso considerato il culmine del Romanticismo. Come articolato da August Wilhelm Schlegel, uno dei primi romantici tedeschi, mentre il Romanticismo si sforza di scoprire le verità metafisiche riguardanti il carattere, la natura, il potere superiore e il significato mondano, il modernismo, nonostante il suo desiderio di un tale nucleo metafisico, alla fine affronta solo la sua disintegrazione.

L'inizio del XIX secolo

Durante il periodo della rivoluzione industriale (circa 1760-1840), innovazioni significative comprendevano l'industrializzazione alimentata a vapore, in particolare l'emergere delle ferrovie in Gran Bretagna a partire dal 1830 e il conseguente progresso in fisica, ingegneria e architettura. Un notevole risultato ingegneristico del XIX secolo fu il Crystal Palace, un'immensa sala espositiva costruita in ghisa e vetro per la Grande Esposizione del 1851 a Londra. Questi materiali, vetro e ferro, furono impiegati in modo simile in modo monumentale per la costruzione di importanti terminal ferroviari in tutta la città, come la stazione di King's Cross (1852) e la stazione di Paddington (1854). Tali progressi tecnologici si diffusero a livello internazionale, culminando in strutture successive come il Ponte di Brooklyn (1883) e la Torre Eiffel (1889), con quest’ultima che superò tutti i precedenti vincoli di altezza per le costruzioni artificiali. Mentre queste meraviglie ingegneristiche trasformarono radicalmente il paesaggio urbano e l'esistenza quotidiana del XIX secolo, la percezione umana stessa del tempo subì modifiche con l'invenzione del telegrafo elettrico nel 1837, insieme all'implementazione del "tempo standard" da parte delle compagnie ferroviarie britanniche a partire dal 1845, un concetto successivamente adottato a livello globale nei successivi cinquant'anni.

Contemporaneamente, Søren Kierkegaard (1813–1855) e Nietzsche ripudiarono in modo indipendente il concetto secondo cui la realtà poteva essere compresa esclusivamente attraverso un quadro oggettivo, una posizione che segnò profondamente l'evoluzione dell'esistenzialismo e del nichilismo.

Il critico d'arte Clement Greenberg definì la Confraternita dei preraffaelliti come proto-modernisti, affermando: "Là i proto-modernisti erano, tra tutti, i preraffaelliti (e anche prima di loro, come proto-proto-modernisti, i nazareni tedeschi). I preraffaelliti prefigurarono Manet (1832–1883), con il quale iniziò sicuramente la pittura modernista. Agirono secondo un insoddisfazione per la pittura così come veniva praticata ai loro tempi, ritenendo che il suo realismo non fosse sufficientemente veritiero."

Contemporaneamente, le affermazioni di Marx riguardo alle contraddizioni intrinseche all'interno della struttura capitalista e all'azione limitata dei lavoratori culminarono nello sviluppo della teoria marxista.

L'arte africana influenzò in modo significativo l'arte modernista, ispirando i suoi praticanti attraverso la sua enfasi sulla rappresentazione astratta.

La fine del XIX secolo

L'influente saggio di Baudelaire "Il pittore della vita moderna" (1863) incoraggiava gli artisti emergenti ad allontanarsi dalle pratiche convenzionali e a ideare nuovi metodi per la rappresentazione artistica del mondo contemporaneo.

Dal 1860 in poi, in Francia emersero indipendentemente due movimenti artistici e letterari distinti. L'impressionismo, il primo di questi, era una scuola di pittura nota principalmente per la sua enfasi iniziale sul lavoro all'aperto, o en plein air, piuttosto che sulla creazione in studio. L'arte impressionista cercava di rappresentare la luce stessa, piuttosto che semplicemente rappresentare oggetti. Nonostante i disaccordi interni tra i suoi artisti di spicco, il movimento ottenne un seguito sostanziale e aumentò la sua influenza. Sebbene inizialmente esclusi dal prestigioso Salon di Parigi sponsorizzato dal governo, gli impressionisti organizzarono mostre collettive annuali in spazi commerciali nel corso degli anni 1870 e 1880, programmandole strategicamente in concomitanza con il Salon ufficiale. Nel 1863, l'imperatore Napoleone III istituì il Salon des Refusés per esporre tutti i dipinti rifiutati dal Salon di Parigi. Mentre la maggior parte delle opere esposte aderivano agli stili convenzionali di artisti meno esperti, i contributi di Édouard Manet attirarono un'attenzione significativa, creando così opportunità commerciali per il movimento nascente. La seconda scuola francese era il simbolismo, che gli storici della letteratura fanno risalire a Charles Baudelaire e successivamente includono poeti come Arthur Rimbaud (1854–1891), noto per Una stagione all'inferno (1873), Paul Verlaine (1844–1896), Stéphane Mallarmé (1842–1898) e Paul Valéry (1871–1945). I simbolisti davano priorità "alla priorità della suggestione e dell'evocazione rispetto alla descrizione diretta e all'analogia esplicita" e dimostravano un particolare interesse per "le proprietà musicali del linguaggio".

Si ritiene generalmente che il cabaret, un importante progenitore di numerose forme d'arte moderniste, compresi gli antecedenti diretti del cinema, abbia avuto origine in Francia nel 1881 con la fondazione della Società delle Arti Incoerenti e del Gatto Nero a Montmartre.

I quadri teorici sviluppati da Sigmund Freud (1856-1939), Krafft-Ebing e altri sessuologi esercitarono una notevole influenza durante il periodo nascente del modernismo. La pubblicazione fondamentale di Freud, scritta in collaborazione con Josef Breuer, fu Studi sull'isteria (1895). Una pietra angolare del pensiero freudiano postula "il primato della mente inconscia nella vita mentale", suggerendo che tutta la realtà soggettiva è costruita attraverso l'interazione di pulsioni e istinti fondamentali, che mediano la percezione del mondo esterno. La concettualizzazione degli stati soggettivi di Freud comprendeva un regno inconscio pieno di impulsi primordiali, bilanciati da vincoli autoimposti derivanti dai valori sociali.

I contributi filosofici di Friedrich Nietzsche (1844-1900) furono anche un significativo precursore del modernismo, in particolare la sua enfasi sulle pulsioni psicologiche, in particolare la "volontà di potenza" (Wille zur macht). Nietzsche ha spesso equiparato la vita stessa a questa "volontà di potenza", definendola come un istinto innato di crescita e resilienza. Al contrario, Henri Bergson (1859-1941) distingueva tra tempo oggettivo, cronologico, e esperienza umana immediata e soggettiva della temporalità. Le sue indagini sul tempo e sulla coscienza "influenzarono profondamente i romanzieri del XX secolo", in particolare autori modernisti come Dorothy Richardson, James Joyce e Virginia Woolf (1882-1941), che impiegarono la tecnica narrativa del "flusso di coscienza". Un altro concetto fondamentale nella filosofia di Bergson era élan vital, o forza vitale, che secondo lui "porta all'evoluzione creativa di ogni cosa". Il suo quadro filosofico attribuiva inoltre un alto valore all'intuizione, senza trascurare l'importanza dei processi intellettuali.

Diverse figure letterarie illustri sono riconosciute come precursori cruciali del modernismo. Questi includono Fëdor Dostoevskij (1821–1881), i cui romanzi importanti comprendono Delitto e castigo (1866) e I fratelli Karamazov (1880); Walt Whitman (1819–1892), autore della raccolta di poesie Foglie d'erba (1855–1891); e August Strindberg (1849–1912), in particolare per le sue opere drammatiche successive come la trilogia To Damascus (1898–1901), A Dream Play (1902) e The Ghost Sonata (1907). Henry James è stato anche identificato come un importante precursore del modernismo, con i primi lavori come Il ritratto di signora (1881) che dimostrano tendenze moderniste.

L'emergere del Modernismo

1901-1930

L'ondata iniziale di opere moderniste è emersa all'inizio del decennio del XX secolo, derivante da una confluenza di ideali derivati ​​dal Romanticismo e da una ricerca di conoscenza per chiarire fenomeni precedentemente inspiegabili. Sebbene i loro creatori vedessero spesso queste opere come continuazioni di tendenze artistiche consolidate, esse sconvolsero radicalmente la comprensione implicita dell'arte da parte del pubblico, che tradizionalmente posizionava gli artisti come interpreti e rappresentanti della cultura e del pensiero borghese. I successi "modernisti" fondamentali di questo periodo comprendono l'atonale Secondo Quartetto d'archi di Arnold Schönberg (1908), i dipinti espressionisti di Wassily Kandinsky (a partire dal 1903) culminati nella sua opera astratta inaugurale e la fondazione del gruppo Blue Rider a Monaco (1911), e l'ascesa del Fauvismo e le innovazioni del Cubismo dagli studi di Henri Matisse, Pablo Picasso, Georges Braque e altri artisti tra il 1900. e il 1910.

Una caratteristica significativa del modernismo riguarda il suo impegno con la tradizione, manifestato attraverso l'adattamento e la ricontestualizzazione di tecniche come la ripresa, l'incorporazione, la riscrittura, la ricapitolazione, la revisione e la parodia in nuove forme artistiche.

T. S. Eliot ha offerto notevoli osservazioni riguardo al rapporto tra un artista e la tradizione, affermando:

[Spesso scopriremo che non solo le parti migliori, ma anche le parti più individuali dell'opera [di un poeta], possono essere quelle in cui i poeti morti, i suoi antenati, affermano la loro immortalità più vigorosamente.

Tuttavia, l'interazione del modernismo con la tradizione si è rivelata intricata, come articolato dallo studioso di letteratura Peter Child: "C'erano tendenze paradossali se non opposte verso posizioni rivoluzionarie e reazionarie, paura del nuovo e gioia per la scomparsa del vecchio, nichilismo ed entusiasmo fanatico, creatività e disperazione."

Le composizioni musicali di Arnold Schönberg servono come esempio illustrativo di come l'arte modernista integri tradizioni consolidate con tecniche innovative. Schoenberg si discostò notevolmente dalla tradizionale armonia tonale, un sistema gerarchico che aveva strutturato la composizione musicale per oltre 150 anni. Ha ipotizzato la scoperta di un metodo del tutto nuovo per organizzare il suono, basato sull'utilizzo di file di dodici note. Nonostante la sua natura innovativa, la genesi di questa tecnica può essere fatta risalire ai contributi di compositori precedenti, tra cui Franz Liszt, Richard Wagner, Gustav Mahler, Richard Strauss e Max Reger.

Durante il primo decennio del XX secolo, giovani pittori di spicco come Pablo Picasso e Henri Matisse generarono notevoli controversie e critiche abbandonando la prospettiva tradizionale come elemento strutturale fondamentale nella pittura, nonostante le prime innovazioni impressioniste di Claude Monet in prospettiva. Contemporaneamente, nel 1907, mentre Picasso creava Les Demoiselles d'Avignon, Oskar Kokoschka scriveva Mörder, Hoffnung der Frauen (L'assassino, la speranza delle donne), riconosciuta come la prima opera espressionista (presentata in modo controverso nel 1909), e Arnold Schönberg stava componendo il suo Quartetto per archi n.2 in fa diesis minore (1908), segnando la sua composizione inaugurale priva di un centro tonale.

Le ultime opere di Paul Cézanne, in particolare la sua rappresentazione della forma tridimensionale, influenzarono in modo significativo lo sviluppo del cubismo. Queste opere furono presentate in una retrospettiva al Salon d'Automne del 1907. L'arte cubista prevede l'analisi, la decostruzione e il riassemblaggio astratto di oggetti. Invece di presentare un unico punto di vista, gli artisti ritraggono soggetti da molteplici prospettive per trasmettere un contesto più completo. Il cubismo ottenne il riconoscimento pubblico per la prima volta nel 1911 al Salon des Indépendants di Parigi, che si tenne dal 21 aprile al 13 giugno. La mostra collettiva di opere di Jean Metzinger, Albert Gleizes, Henri Le Fauconnier, Robert Delaunay, Fernand Léger e Roger de La Fresnaye nella Sala 41 scatenò uno "scandalo" che spinse il cubismo alla ribalta, portando alla sua diffusione a Parigi e a livello internazionale. Sempre nel 1911, Kandinsky creò Bild mit Kreis (Quadro con un cerchio), un'opera che successivamente identificò come il dipinto astratto inaugurale. Nel 1912, Metzinger e Gleizes furono coautori del fondamentale manifesto cubista, Du "Cubisme", che fu pubblicato in concomitanza con il Salon de la Sezione d'Or, allora la più ampia mostra cubista. Nello stesso anno, Metzinger dipinse ed espose le sue opere più importanti, La Femme au Cheval (Donna con cavallo) e Danseuse au Café (Danzatrice in un caffè). Albert Gleizes dipinse ed espose anche Les Baigneuses (Le bagnanti) e la sua opera monumentale, Le Dépiquage des Moissons (La trebbiatura del raccolto). Questa particolare opera, insieme a La Ville de Paris (Città di Parigi) di Robert Delaunay, rappresentava i dipinti cubisti più grandi e ambiziosi creati durante l'era cubista prebellica.

Nel 1905, un quartetto di artisti tedeschi, guidati da Ernst Ludwig Kirchner, fondarono Die Brücke (Il ponte) a Dresda. Questo collettivo è ampiamente considerato l'organizzazione fondatrice del movimento espressionista tedesco, nonostante non adotti esplicitamente il termine "espressionismo". Diversi anni dopo, nel 1911, un gruppo simile di giovani artisti formò Der Blaue Reiter (Il cavaliere azzurro) a Monaco. Il nome del gruppo deriva dal dipinto di Wassily Kandinsky del 1903, Der Blaue Reiter. I membri chiave includevano Kandinsky, Franz Marc, Paul Klee e August Macke. Tuttavia, il termine "espressionismo" non si affermò saldamente fino al 1913. Sebbene fosse principalmente un movimento artistico tedesco, più importante nella pittura, nella poesia e nel teatro tra il 1910 e il 1930, molti dei suoi precursori non erano tedeschi. Inoltre, emersero scrittori di narrativa in prosa espressionisti e autori espressionisti di lingua non tedesca. Sebbene il movimento subì un declino in Germania dopo l'ascesa al potere di Adolf Hitler negli anni '30, le successive opere espressioniste continuarono a essere prodotte.

L'espressionismo presenta sfide significative in termini di definizione, in parte a causa della sua ampia sovrapposizione con altri importanti movimenti modernisti come futurismo, vorticismo, cubismo, surrealismo e dadaismo. Richard Murphy nota inoltre la difficoltà di una definizione onnicomprensiva, osservando che alcuni degli espressionisti più influenti, tra cui i romanzieri Franz Kafka e Alfred Döblin, e il poeta Gottfried Benn, erano contemporaneamente oppositori vocali del movimento. Tuttavia, l’espressionismo è emerso principalmente nella Germania dell’inizio del XX secolo come risposta agli impatti disumanizzanti dell’industrializzazione e dell’espansione urbana. Un aspetto chiave che distingueva l’Espressionismo come movimento d’avanguardia, e che segnava la sua divergenza dalle istituzioni culturali tradizionali, era la sua posizione critica nei confronti del realismo e delle convenzioni rappresentative consolidate. Fondamentalmente, gli espressionisti ripudiavano i principi del realismo. L'inizio del XX secolo fu testimone di un movimento espressionista concentrato all'interno del teatro tedesco, con Georg Kaiser ed Ernst Toller riconosciuti come i suoi drammaturghi più celebri. Altri importanti drammaturghi espressionisti includevano Reinhard Sorge, Walter Hasenclever, Hans Henny Jahnn e Arnolt Bronnen. Questi artisti hanno tratto ispirazione dal drammaturgo svedese August Strindberg e dall'attore-drammaturgo tedesco Frank Wedekind, considerandoli precursori dei loro approcci drammaturgici sperimentali. L'assassino, la speranza delle donne di Oskar Kokoschka, presentato per la prima volta a Vienna il 4 luglio 1909, è considerato l'opera teatrale inaugurale pienamente espressionista. I suoi tratti caratteristici, come la radicale semplificazione dei personaggi in archetipi mitici, l'incorporazione di elementi corali, il dialogo declamatorio e l'accresciuta intensità emotiva, divennero successivamente i tratti distintivi delle successive opere espressioniste. The Son di Walter Hasenclever, pubblicato nel 1914 e messo in scena per la prima volta nel 1916, detiene il primato di essere la prima opera espressionista a figura intera.

Il futurismo rappresenta un altro movimento modernista significativo. La sua genesi risale al 1909, quando il quotidiano parigino Le Figaro pubblicò il manifesto iniziale di F. T. Marinetti. Poco dopo, un collettivo di pittori, tra cui Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo e Gino Severini, approvarono congiuntamente il Manifesto futurista. Questi manifesti, ispirandosi al famoso "Manifesto comunista" (1848) di Marx ed Engels, miravano a incitare il dibattito e ad attirare aderenti. Tuttavia, durante questo periodo, le discussioni a favore della pittura geometrica o puramente astratta erano prevalentemente limitate a "piccole riviste" specializzate con un pubblico estremamente limitato. Tendenze moderniste come il primitivismo e il pessimismo generarono notevoli controversie, poiché il sentimento prevalente nel primo decennio dell'inizio del XX secolo favoriva ampiamente la fede nel progresso e nell'ottimismo liberale.

Gli artisti astratti, traendo ispirazione dagli impressionisti, insieme a figure come Paul Cézanne (1839–1906) e Edvard Munch (1863–1944), postulavano fondamentalmente che il colore e la forma, piuttosto che la rappresentazione letterale del mondo naturale, costituissero le qualità intrinseche dell'arte. Storicamente, l’arte occidentale dal Rinascimento fino alla metà del XIX secolo si è basata sui principi della prospettiva e sul tentativo di replicare un’illusione della realtà visibile. Allo stesso tempo, l’esposizione alle tradizioni artistiche non europee ha fornito agli artisti quadri alternativi per rappresentare l’esperienza visiva. Verso la fine del XIX secolo, numerosi artisti percepirono la necessità di creare nuove espressioni artistiche che riflettessero le profonde trasformazioni avvenute nella tecnologia, nella scienza e nella filosofia. Le basi teoriche adottate dai singoli artisti erano varie, rispecchiando le preoccupazioni sociali e intellettuali prevalenti nella cultura occidentale in quell’epoca. Figure di spicco come Wassily Kandinsky, Piet Mondrian e Kazimir Malevich sostenevano uniformemente la ridefinizione dell’arte come disposizione sistematica del colore puro. Questa enfasi modernista è stata significativamente influenzata dall'avvento della fotografia, che aveva in gran parte reso obsoleta la funzione rappresentativa tradizionalmente svolta dall'arte visiva.

Eminenti architetti e designer modernisti, tra cui Frank Lloyd Wright e Le Corbusier, sostenevano che le tecnologie emergenti rendessero antiquati gli stili architettonici tradizionali. Le Corbusier notoriamente ipotizzò che le strutture dovessero funzionare come "macchine per vivere", tracciando un parallelo con le automobili, che considerava macchine per la locomozione. Sosteneva che proprio come i veicoli avevano sostituito i cavalli, il design modernista avrebbe dovuto allo stesso modo scartare stili e forme storici derivati ​​dall’antica Grecia o dal Medioevo. Aderendo a questa estetica della macchina, i professionisti modernisti generalmente evitavano i motivi ornamentali, dando invece priorità alle qualità intrinseche dei materiali e alle configurazioni geometriche disadorne. Il grattacielo esemplifica la quintessenza dell'edificio modernista, con il Wainwright Building, una struttura per uffici di dieci piani completata a St. Louis, Missouri, Stati Uniti, nel 1891, riconosciuto come uno dei primi grattacieli del mondo. Il Seagram Building di Ludwig Mies van der Rohe, costruito a New York tra il 1956 e il 1958, è spesso considerato l'apice di questo movimento architettonico modernista di grattacieli. Sebbene molti elementi del design modernista permangano nella pratica architettonica contemporanea, il suo precedente rigido dogmatismo si è evoluto in un approccio più adattabile che incorpora elementi decorativi, allusioni storiche e drammatiche disposizioni spaziali.

L'anno 1913 segnò un periodo di significativi sviluppi culturali e scientifici, tra cui la pubblicazione delle Idee del filosofo Edmund Husserl, l'articolazione dell'atomo quantizzato da parte del fisico Niels Bohr, l'affermazione dell'imagismo da parte di Ezra Pound, l'Armory Show di New York e la prima della "prima opera futurista" di Mikhail Matyushin, Vittoria sul Sole, a Saint Pietroburgo. Allo stesso tempo, il compositore russo Igor Stravinsky ha presentato in anteprima il suo balletto La sagra della primavera, un'opera raffigurante il sacrificio umano caratterizzata da una partitura musicale dissonante e ritmicamente primitiva, che ha provocato notevoli polemiche alla sua prima rappresentazione a Parigi. Durante quest'epoca, mentre il modernismo abbracciava ancora una posizione "progressista", percepiva sempre più le forme tradizionali e le strutture sociali come ostacoli al progresso, ridefinendo così il ruolo dell'artista come figura rivoluzionaria intenta alla trasformazione sociale piuttosto che alla mera illuminazione. Sempre nel 1913, la Francia assistette alla pubblicazione meno conflittuale del volume inaugurale della sequenza fondamentale del romanzo di Marcel Proust, À la recherche du temps perdu (1913-1927), tradotto come Alla ricerca del tempo perduto. Sebbene spesso citato come uno dei primi esempi di uno scrittore che utilizza la tecnica del flusso di coscienza, Robert Humphrey osserva che Proust "si preoccupa solo dell'aspetto rievocativo della coscienza" e "stava deliberatamente riconquistando il passato allo scopo di comunicare; quindi non ha scritto un romanzo sul flusso di coscienza."

La tecnica del flusso di coscienza ha costituito una significativa innovazione letteraria modernista. Ad Arthur Schnitzler (1862-1931) viene spesso attribuita la sua pionieristica applicazione completa nel suo racconto del 1900, "Leutnant Gustl" ("Nessuno tranne i coraggiosi"). Dorothy Richardson divenne la prima autrice inglese a utilizzare questo metodo, in particolare nei volumi iniziali della sequenza del suo romanzo Pilgrimage (1915–1967). Altri importanti romanzieri modernisti riconosciuti per aver adottato questo approccio narrativo includono James Joyce in Ulisse (1922) e Italo Svevo in La coscienza di Zeno (1923).

L'inizio della Grande Guerra (1914-1918) e la Rivoluzione russa del 1917 trasformarono profondamente il panorama globale, istigando un diffuso scetticismo nei confronti delle credenze e delle istituzioni storiche consolidate. L’inadeguatezza dello status quo prebellico divenne innegabile per una generazione che aveva visto milioni di persone morire in conflitti territoriali, soprattutto alla luce delle precedenti affermazioni secondo cui una guerra così costosa era inconcepibile prima del 1914. L’avvento dell’era delle macchine, che aveva significativamente rimodellato la vita quotidiana nel 19° secolo, ora alterava radicalmente il carattere della guerra. Il profondo trauma di queste recenti esperienze ha messo in discussione i presupposti fondamentali, rendendo le rappresentazioni artistiche realistiche della vita insufficienti di fronte agli orrori surreali della guerra di trincea. L'idea prevalente del continuo progresso morale dell'umanità appariva assurda alla luce del massacro indiscriminato, vividamente rappresentato in opere come il romanzo Tutto tranquillo sul fronte occidentale (1929) di Erich Maria Remarque. Di conseguenza, il quadro interpretativo della realtà del modernismo, in precedenza una prospettiva di nicchia, ottenne un consenso più ampio nel corso degli anni '20.

Nella letteratura e nelle arti visive, alcuni modernisti sfidarono deliberatamente le aspettative convenzionali, principalmente per aumentare la vividezza delle loro creazioni o per costringere il pubblico a esaminare criticamente le proprie nozioni preconcette. Questa caratteristica del modernismo è spesso emersa come risposta alla fiorente cultura del consumo che si è sviluppata in Europa e Nord America durante la fine del XIX secolo. Mentre la maggior parte dei produttori si sforza di produrre beni commerciabili soddisfacendo le preferenze e i pregiudizi esistenti, gli alti modernisti hanno deliberatamente evitato tali approcci consumistici per sovvertire il pensiero convenzionale. Il critico d'arte Clement Greenberg ha articolato questa teoria modernista nel suo saggio Avant-Garde and Kitsch. Greenberg ha definito i prodotti della cultura del consumo "kitsch", sostenendo che il loro design dava priorità al massimo appeal eliminando qualsiasi elemento impegnativo. Di conseguenza, Greenberg considerava il modernismo come un contromovimento contro la proliferazione delle manifestazioni contemporanee della cultura del consumo, tra cui la musica popolare commerciale, Hollywood e la pubblicità. Collegò ulteriormente questa posizione al rifiuto rivoluzionario del capitalismo.

Un segmento di modernisti si percepiva come parte integrante di una cultura rivoluzionaria che comprendeva sconvolgimenti politici. Dopo la rivoluzione del 1917 in Russia, si materializzò infatti un primo impulso di attività culturale d’avanguardia, compreso il futurismo russo. Al contrario, altri modernisti ripudiavano sia la politica convenzionale che le norme artistiche, sostenendo che una trasformazione della coscienza politica aveva un significato maggiore rispetto a semplici alterazioni delle strutture politiche. Tuttavia, un numero considerevole di modernisti si considerava apolitico. Figure di spicco come T. S. Eliot, ad esempio, rifiutavano la cultura popolare di massa da un punto di vista conservatore. Alcuni studiosi sostengono addirittura che il modernismo nella letteratura e nell'arte sia servito a perpetuare una cultura d'élite, escludendo così la popolazione più ampia.

Il surrealismo, emerso all'inizio degli anni '20, ottenne il riconoscimento pubblico come la manifestazione più radicale del modernismo, spesso definita "l'avanguardia del modernismo". Il termine "surrealista" è stato coniato da Guillaume Apollinaire, apparendo per la prima volta nella prefazione della sua opera Les Mamelles de Tirésias, scritta nel 1903 e rappresentata per la prima volta nel 1917. Tra gli artisti surrealisti più importanti figurano Paul Éluard, Robert Desnos, Max Ernst, Hans Arp, Antonin Artaud, Raymond Queneau, Joan Miró e Marcel Duchamp.

Nel 1930, il modernismo si era assicurato la sua posizione sia all'interno dell'establishment politico che artistico, nonostante le trasformazioni interne di quel periodo.

L'evoluzione del modernismo: 1930-1945

Il modernismo conobbe un continuo sviluppo nel corso degli anni '30. Tra il 1930 e il 1932, il compositore Arnold Schönberg sviluppò Moses und Aron, una delle prime opere che utilizzava la tecnica dei dodici toni. Nel 1937 Pablo Picasso creò Guernica, un'opera cubista che condanna il fascismo. Allo stesso tempo, James Joyce ampliò ulteriormente i parametri del romanzo moderno con la sua pubblicazione del 1939, Finnegans Wake. Nel 1930, anche il modernismo iniziò a permeare la cultura tradizionale; ad esempio, la rivista The New Yorker iniziò a pubblicare opere influenzate dal modernismo di scrittori e umoristi emergenti come Dorothy Parker, Robert Benchley, E. B. White, S. J. Perelman e James Thurber. Perelman è particolarmente apprezzato per i suoi racconti umoristici, spesso pubblicati su riviste come The New Yorker negli anni '30 e '40, riconosciuti come esempi pionieristici di umorismo surrealista in America. Inoltre, concetti artistici moderni apparivano sempre più spesso nelle pubblicità commerciali e nei loghi, esemplificati dal famoso logo della metropolitana di Londra di Edward Johnston del 1916.

Una trasformazione importante durante quest'epoca comportò l'integrazione di nuove tecnologie nella routine quotidiana dei comuni cittadini dell'Europa occidentale e del Nord America. L’adozione diffusa dell’elettricità, dei telefoni, delle radio e delle automobili, insieme alla necessità di operare, mantenere e coesistere con queste innovazioni, ha accelerato un significativo cambiamento sociale. Il tipo di esperienza dirompente precedentemente limitata a pochi eletti nel 1880 divenne un evento comune. Ad esempio, le capacità di comunicazione rapida, un tempo esclusive degli agenti di cambio del 1890, divennero un aspetto integrante della vita familiare, in particolare all’interno della classe media nordamericana. In concomitanza con l'urbanizzazione e l'evoluzione delle norme sociali si sono verificate tendenze verso nuclei familiari più piccoli e dinamiche alterate nelle relazioni genitore-figlio.

Il marxismo emerse come un'altra influenza significativa durante questo periodo. Il modernismo prebellico, caratterizzato da primitivismo e irrazionalismo, spesso evitava soluzioni puramente politiche, una posizione ripresa dal neoclassicismo degli anni ’20, esemplificato da T. S. Eliot e Igor Stravinsky, che allo stesso modo rifiutavano gli approcci popolari alle questioni contemporanee. Tuttavia, la successiva ascesa del fascismo, la Grande Depressione e l’imminente conflitto globale radicalizzarono profondamente una generazione. Figure di spicco che incarnano questa forma modernista di marxismo includono Bertolt Brecht, W. H. Auden, André Breton, Louis Aragon e i filosofi Antonio Gramsci e Walter Benjamin. Al contrario, esisteva anche un gruppo distinto di modernisti allineati con la destra politica, comprendente artisti come Salvador Dalí, Wyndham Lewis, T. S. Eliot, Ezra Pound e l'autore olandese Menno ter Braak, tra gli altri.

Gli anni '20 e '30 furono testimoni della continua creazione di sostanziali opere letterarie moderniste, tra cui ulteriori romanzi di Marcel Proust, Virginia Woolf, Robert Musil e Dorothy Richardson. Eugene O'Neill, un drammaturgo modernista americano, iniziò la sua carriera nel 1914, con le sue opere più significative apparse negli anni '20, '30 e all'inizio degli anni '40. Bertolt Brecht e Federico García Lorca furono altri due importanti drammaturghi modernisti attivi in ​​questi decenni. L'amante di Lady Chatterley di D. H. Lawrence fu pubblicato privatamente nel 1928, mentre L'urlo e il furore di William Faulkner, pubblicato nel 1929, segnò un altro momento cruciale nell'evoluzione del romanzo moderno. Gli anni '30 videro ulteriori importanti contributi da parte di Faulkner e Samuel Beckett pubblicò la sua opera inaugurale, il romanzo Murphy, nel 1938. Successivamente, nel 1939 apparve Finnegans Wake di James Joyce, caratterizzato dal suo linguaggio in gran parte peculiare, che fonde il lessico inglese standard con giochi di parole neologistici multilingue e parole portmanteau per evocare l'esperienza del sonno e dei sogni. Nella poesia, T. S. Eliot, E. E. Cummings e Wallace Stevens furono attivi dagli anni '20 agli anni '50. Mentre la poesia modernista inglese è spesso associata a esponenti americani come Ezra Pound, T. S. Eliot, Marianne Moore, William Carlos Williams, H.D. e Louis Zukofsky, importanti poeti modernisti britannici includevano David Jones, Hugh MacDiarmid, Basil Bunting e W. H. Auden. Tra i poeti modernisti europei degni di nota figurano Federico García Lorca, Anna Akhmatova, Constantine Cavafy e Paul Valéry.

In quest'epoca il movimento modernista persistette anche nella Russia sovietica. Nel 1930, Dimitri Shostakovich (1906–1975) presentò in anteprima la sua opera The Nose, che utilizzava in modo innovativo un montaggio di stili diversi, incorporando musica folk, canzoni popolari e atonalità. L'opera Wozzeck (1925) di Alban Berg (1985–1935) influenzò in modo significativo Shostakovich, avendo lasciato una profonda impressione quando fu messa in scena a Leningrado. Tuttavia, l'Unione Sovietica iniziò a sopprimere il modernismo a favore del realismo socialista a partire dal 1932, portando alla censura di Shostakovich nel 1936 e al ritiro forzato della sua Quarta Sinfonia. Alban Berg compose un'altra opera modernista degna di nota, anche se incompleta, Lulu, che venne presentata per la prima volta nel 1937, e il suo Concerto per violino fu eseguito per la prima volta nel 1935. Come Shostakovich, altri compositori incontrarono sfide considerevoli durante questo periodo.

Nel 1933, Arnold Schönberg (1874–1951) fu costretto a lasciare la Germania per gli Stati Uniti, una conseguenza sia del suo stile compositivo atonale modernista che della sua eredità ebraica, in seguito all'ascesa al potere di Hitler. Composizioni significative di quest'epoca includono il suo Concerto per violino op. 36 (1934/36) e un concerto per pianoforte op. 42 (1942). Allo stesso tempo, Schönberg produsse anche opere tonali, come la Suite per archi in sol maggiore (1935) e la Sinfonia da camera n. 2 in mi♭ minore, op. 38 (iniziato nel 1906 e completato nel 1939). Durante questo stesso periodo, il modernista ungherese Béla Bartók (1881-1945) creò diversi brani degni di nota, tra cui Music for Strings, Percussion and Celesta (1936), il Divertimento for String Orchestra (1939), String Quartet No. 5 (1934) e String Quartet No. 6 (il suo ultimo quartetto, 1939). Tuttavia, Bartók emigrò anche negli Stati Uniti nel 1940 a causa dell'escalation del fascismo in Ungheria. Igor Stravinsky (1882–1971) mantenne il suo approccio compositivo neoclassico per tutti gli anni '30 e '40, producendo opere come la Sinfonia dei Salmi (1930), la Sinfonia in do (1940) e la Sinfonia in tre movimenti (1945). Anche lui si trasferì negli Stati Uniti a causa della seconda guerra mondiale. Olivier Messiaen (1908–1992), invece, prestò servizio nell'esercito francese durante il conflitto e fu internato dai tedeschi nello Stalag VIII-A, dove compose il suo famoso Quatuor pour la fin du temps ("Quartetto per la fine dei tempi"). Questo quartetto fu presentato per la prima volta nel gennaio 1941 davanti a un pubblico composto sia da prigionieri che da guardie carcerarie.

Nel regno della pittura durante gli anni '20, '30 e la Grande Depressione, il modernismo in Europa fu caratterizzato da movimenti come il surrealismo, il tardo cubismo, il Bauhaus, De Stijl, Dada e l'espressionismo tedesco, insieme ai contributi di coloristi magistrali come Henri Matisse e Pierre Bonnard e alle opere astratte di artisti tra cui Piet Mondrian e Wassily Kandinsky. In Germania, artisti come Max Beckmann, Otto Dix e George Grosz infondevano nei loro dipinti commenti politici, anticipando l'inizio della seconda guerra mondiale. Nel frattempo, in America, il modernismo si manifestò attraverso la pittura di scena americana e i movimenti di realismo sociale e regionalismo, che incorporarono significative critiche politiche e sociali, dominando così il panorama artistico. Artisti di spicco di quest'epoca includevano Ben Shahn, Thomas Hart Benton, Grant Wood, George Tooker, John Steuart Curry e Reginald Marsh. In America Latina, il modernismo è stato esemplificato dai pittori Joaquín Torres-García dall’Uruguay e Rufino Tamayo dal Messico. Allo stesso tempo, il movimento muralista, con figure come Diego Rivera, David Siqueiros, José Clemente Orozco, Pedro Nel Gómez e Santiago Martínez Delgado, insieme ai dipinti simbolisti di Frida Kahlo, diede inizio a una rinascita artistica nella regione, caratterizzata da un'applicazione più liberale del colore e da un'enfasi sul messaggio politico.

Diego Rivera è ampiamente riconosciuto per il suo murale del 1933, Man at the Crossroads, situato nell'atrio dell'RCA Building al Rockefeller Center. L'inclusione nel murale di un ritratto di Vladimir Lenin e di altra iconografia comunista portò al licenziamento di Rivera da parte del suo mecenate, Nelson Rockefeller, e alla successiva distruzione dell'opera incompiuta da parte dello staff di Rockefeller. La produzione artistica di Frida Kahlo si distingue spesso per le sue crude rappresentazioni della sofferenza. Il profondo impegno di Kahlo con la cultura indigena messicana è evidente nei colori vibranti e nel simbolismo drammatico pervasivi nei suoi dipinti. La sua opera incorpora spesso anche motivi cristiani ed ebraici, fondendo elementi della tradizionale arte religiosa messicana, che spesso presentava immagini grafiche e violente. Le opere simboliste di Frida Kahlo mostrano forti affinità con il surrealismo e il movimento letterario del realismo magico.

L'attivismo politico costituì un aspetto significativo della vita di David Siqueiros, spingendolo spesso a sospendere temporaneamente le sue attività artistiche. La sua arte è stata profondamente influenzata dalla rivoluzione messicana. Il periodo che va dagli anni '20 agli anni '50 è designato come il Rinascimento messicano, durante il quale Siqueiros cercò attivamente di forgiare una forma d'arte che fosse allo stesso tempo distintamente messicana e universalmente risonante. In particolare, un giovane Jackson Pollock ha partecipato al seminario di Siqueiros, assistendo nella costruzione dei carri da parata.

Negli anni '30, molti artisti associati al surrealismo, tra cui Pablo Picasso, erano caratterizzati da ideologie politiche di sinistra radicale. Il 26 aprile 1937, durante la guerra civile spagnola, la città basca di Gernika fu sottoposta a bombardamenti aerei da parte della Luftwaffe della Germania nazista. Questo attacco mirava a sostenere la campagna di Francisco Franco per destabilizzare sia il governo basco che quello repubblicano spagnolo. In risposta, Pablo Picasso creò il suo monumentale murale, Guernica, come potente commemorazione delle atrocità dei bombardamenti.

Durante la Grande Depressione degli anni '30 e estendendosi fino alla Seconda Guerra Mondiale, l'arte americana fu prevalentemente definita dal realismo sociale e dalla pittura di scena americana, esemplificata da artisti come Grant Wood, Edward Hopper, Ben Shahn e Thomas Hart Benton. Il dipinto di Edward Hopper del 1942, Nighthawks, raffigura individui seduti in un ristorante aperto fino a tarda notte in centro. Quest'opera non è solo la più famosa di Hopper, ma è anche una delle opere più iconiche dell'arte americana. L'ispirazione per la scena è nata da un ristorante situato nel Greenwich Village. Hopper iniziò a dipingerlo immediatamente dopo l'attacco a Pearl Harbor, un evento che instillò un pervasivo senso di sconforto nazionale, che è palpabilmente trasmesso all'interno dell'opera d'arte. La strada urbana fuori dal locale rimane deserta, mentre all'interno i tre avventori appaiono disimpegnati l'uno dall'altro, ciascuno assorto nelle proprie riflessioni. Questa rappresentazione dell'esistenza urbana moderna caratterizzata dal vuoto e dalla solitudine è un motivo ricorrente nell'opera di Hopper.

Il dipinto di Grant Wood del 1930, American Gothic, raffigura un contadino che tiene un forcone accanto a una donna più giovane, posizionato davanti a una casa in stile architettonico Carpenter Gothic. Quest'opera d'arte rimane una delle immagini più riconoscibili nell'arte americana del XX secolo. Inizialmente, i critici d'arte, tra cui Gertrude Stein e Christopher Morley, considerarono favorevolmente il dipinto, interpretandolo come un commento satirico sull'esistenza rurale delle piccole città. Di conseguenza, fu percepito come un contributo a una tendenza artistica più ampia di rappresentazioni sempre più critiche dell'America rurale, simili a opere letterarie come Winesburg, Ohio del 1919 di Sherwood Anderson, Main Street di Sinclair Lewis del 1920 e The Tattooed Countess di Carl Van Vechten. Tuttavia, con l'avvento della Grande Depressione, l'interpretazione del dipinto cambiò, diventando l'emblema dell'incrollabile spirito pionieristico americano.

Durante gli anni '30, le circostanze per gli artisti in Europa peggiorarono rapidamente con il crescente potere del regime nazista in Germania e in tutta l'Europa orientale. Il regime nazista in Germania coniò il termine Arte degenerata per classificare quasi tutta l'arte moderna, che consideravano non tedesca o ebraica bolscevica. Di conseguenza, tale arte fu proscritta e gli artisti identificati come "degenerati" dovettero affrontare severe sanzioni. Queste misure punitive comprendevano il licenziamento dagli incarichi accademici, il divieto di esporre o vendere il proprio lavoro e, in alcuni casi, il divieto totale di produzione artistica. Nel 1937, i nazisti propagarono ulteriormente questa ideologia allestendo una mostra intitolata "Arte degenerata" a Monaco. L’ambiente sempre più ostile per gli artisti e per l’arte associata al modernismo e all’astrazione ha provocato un significativo esodo verso le Americhe. Il famoso artista tedesco Max Beckmann, tra numerosi altri, cercò rifugio a New York. Allo stesso tempo, a New York City, stava cominciando ad emergere una generazione fiorente di pittori modernisti innovativi, tra cui Arshile Gorky e Willem de Kooning.

Il ritratto di Arshile Gorky, che potenzialmente raffigura Willem de Kooning, esemplifica lo sviluppo dell'espressionismo astratto dalle sue basi nella pittura di figura, nel cubismo e nel surrealismo. Collaborando con gli altri artisti Willem de Kooning e John D. Graham, Gorky inizialmente produsse composizioni figurative astratte e di forma biomorfica. Negli anni '40, queste opere erano passate a dipinti interamente astratti. L'opera di Gorky sembra costituire un'esplorazione meticolosa della memoria, delle emozioni e della forma, utilizzando la linea e il colore per articolare sentimenti ed elementi naturali.

Attacchi al primo modernismo

Il movimento modernista, caratterizzato dall'enfasi sulla libertà di espressione, sulla sperimentazione, sul radicalismo e sul primitivismo, sfidò le norme artistiche convenzionali. In varie discipline artistiche, ciò si è spesso manifestato come l’uso deliberato di elementi inquietanti e non convenzionali, progettati per provocare e disorientare il pubblico. Gli esempi includono l'inquietante giustapposizione di motivi nel Surrealismo e l'adozione di dissonanze e atonalità estreme nelle composizioni musicali moderniste. Il modernismo letterario spesso comportava l’abbandono di narrazioni coerenti o di sviluppo convenzionale dei personaggi nei romanzi, insieme alla produzione di poesia resistente a un’interpretazione diretta. All'interno della Chiesa cattolica, le ansie legate al modernismo e al concetto di dottrina in evoluzione furono esacerbate dalle preoccupazioni storiche legate al protestantesimo e all'eredità di Martin Lutero.

A partire dal 1932, il realismo socialista soppiantò il modernismo nell'Unione Sovietica. In precedenza, l'Unione Sovietica aveva sostenuto il futurismo e il costruttivismo russi, largamente influenzati dal movimento filosofico indigeno del Suprematismo.

Il regime nazista in Germania condannò il modernismo come narcisistico, privo di senso, "ebraico" e "negro". I dipinti modernisti furono esposti dai nazisti insieme a opere di individui affetti da malattie mentali in una mostra intitolata "Arte degenerata". Le accuse di "formalismo" potrebbero comportare gravi ripercussioni professionali, compreso il licenziamento. Di conseguenza, molti modernisti del dopoguerra si consideravano una difesa cruciale contro il totalitarismo, agendo come un “canarino nella miniera di carbone” la cui repressione da parte di entità governative o altre autorità segnalava una minaccia più ampia alle libertà individuali. Louis A. Sass, offrendo una prospettiva non fascista, ha tracciato parallelismi tra la follia, in particolare la schizofrenia, e il modernismo, evidenziando i loro punti in comune nelle narrazioni disgiuntive, nelle immagini surreali e nell'incoerenza intrinseca.

Dopo il 1945

Sebbene The Oxford Encyclopedia of British Literature postula che il modernismo si sia concluso intorno al 1939 nella letteratura britannica e americana, la precisa demarcazione tra il declino del modernismo e l'emergere del postmodernismo rimane oggetto di un intenso dibattito accademico, paragonabile alle discussioni sul passaggio dal vittorianesimo al modernismo. Clement Greenberg suggerisce che il modernismo si concluse in gran parte negli anni ’30, escludendo le arti visive e dello spettacolo. Al contrario, Paul Griffiths osserva che mentre il modernismo nella musica sembrava tramontare alla fine degli anni '20, conobbe una rinascita dopo la seconda guerra mondiale attraverso una nuova generazione di compositori, tra cui Boulez, Barraqué, Babbitt, Nono, Stockhausen e Xenakis. In effetti, numerosi modernisti letterari rimasero attivi negli anni Cinquanta e Sessanta, sebbene la loro produzione di opere significative generalmente diminuì. La designazione "tardo modernismo" viene occasionalmente applicata alle opere moderniste pubblicate dopo il 1930. Notevoli modernisti, o tardo modernisti, che continuarono a pubblicare dopo il 1945 includono Wallace Stevens, Gottfried Benn, T. S. Eliot, Anna Akhmatova, William Faulkner, Dorothy Richardson, John Cowper Powys ed Ezra Pound. Basil Bunting, nato nel 1901, pubblicò il suo fondamentale poema modernista, Briggflatts, nel 1965. Inoltre, La morte di Virgilio di Hermann Broch apparve nel 1945, seguito da Doctor Faustus di Thomas Mann nel 1947. Samuel Beckett, la cui morte avvenne nel 1989, è spesso definito un "modernista successivo". Beckett, uno scrittore profondamente radicato nella tradizione espressionista del modernismo, ha prodotto opere dagli anni '30 agli anni '80, tra cui titoli come Molloy (1951), Waiting for Godot (1953), Happy Days (1961) e Rockaby (1981). Anche i suoi lavori successivi sono stati classificati utilizzando i termini "minimalista" e "postmodernista". Tra gli scrittori della seconda metà del XX secolo identificati come tardo modernisti ci sono i poeti Charles Olson (1910-1970) e J. H. Prynne (nato nel 1936).

Nella borsa di studio contemporanea, almeno un critico ha ridefinito il "tardo modernismo" per comprendere opere prodotte dopo il 1945, divergendo dalla demarcazione precedente del 1930. Questa ridefinizione è spesso accompagnata dall'affermazione che le basi ideologiche del modernismo furono profondamente trasformate dagli eventi catastrofici della Seconda Guerra Mondiale, in particolare dall'Olocausto e dallo spiegamento della bomba atomica.

Il dopoguerra lasciò le capitali europee in un profondo disordine, rendendo necessaria un'urgente ricostruzione economica e fisica insieme al riallineamento politico. A Parigi, un tempo epicentro della cultura europea e capitale mondiale dell’arte, l’ambiente artistico si è notevolmente deteriorato. Collezionisti, mercanti e artisti, scrittori e poeti modernisti influenti emigrarono dall'Europa a New York e negli Stati Uniti. Surrealisti e artisti moderni provenienti da vari centri culturali europei cercarono rifugio negli Stati Uniti per sfuggire all’aggressione nazista. Numerose persone che non cercarono rifugio cedettero alle condizioni prevalenti. Al contrario, un numero limitato di artisti, tra cui Pablo Picasso, Henri Matisse e Pierre Bonnard, scelse di rimanere in Francia e sopravvisse al periodo.

Gli anni '40 a New York segnarono l'ascesa dell'espressionismo astratto americano, un movimento modernista che sintetizzava influenze di Henri Matisse, Pablo Picasso, surrealismo, Joan Miró, cubismo, fauvismo e primo modernismo, facilitato da influenti educatori americani come Hans Hofmann e John D. Graham. Gli artisti americani hanno tratto notevoli vantaggi dal trasferimento di Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst e del gruppo André Breton, nonché da istituzioni come la galleria di Pierre Matisse e la galleria di Peggy Guggenheim The Art of This Century, tra gli altri elementi che contribuiscono.

Parigi, inoltre, ha riaffermato la sua importanza negli anni '50 e '60 come epicentro del fiorire della macchina arte, attirando importanti scultori di arte meccanica Jean Tinguely e Nicolas Schöffer, che stabilirono la loro carriera in città. Questa rinascita artistica, data la natura tecnocentrica della società contemporanea, probabilmente eserciterà un impatto duraturo e significativo.

Teatro dell'Assurdo

Il termine "Teatro dell'Assurdo" designa un genere di opere teatrali, scritte principalmente da europei, che articolano la convinzione filosofica secondo cui l'esistenza umana è priva di significato o scopo intrinseco, il che porta a un'interruzione della comunicazione. Di conseguenza, il discorso e l’argomentazione razionale vengono soppiantati da espressioni irrazionali e illogiche, che culminano nel silenzio. Sebbene esistano antecedenti degni di nota, come Alfred Jarry (1873-1907), si ritiene comunemente che il Teatro dell'Assurdo abbia avuto origine negli anni '50 con le opere drammatiche di Samuel Beckett.

Il critico Martin Esslin ha introdotto questa nomenclatura nel suo saggio del 1960 "Teatro dell'Assurdo". Collegò queste opere drammatiche attraverso un tema pervasivo dell'assurdo, tracciando parallelismi con l'uso del concetto da parte di Albert Camus nel suo saggio del 1942, Il mito di Sisifo. All'interno di queste produzioni teatrali, l'Assurdo si manifesta come la risposta dell'umanità a un mondo apparentemente privo di significato, o come individui manipolati o minacciati da forze esterne invisibili. Sebbene questa designazione comprenda una vasta gamma di opere drammatiche, si osservano spesso diverse caratteristiche ricorrenti: ampi elementi comici, spesso reminiscenze del vaudeville, giustapposti a immagini orribili o tragiche; protagonisti intrappolati in circostanze futili, costretti a impegnarsi in azioni ripetitive o senza scopo; dialogo pieno di cliché, giochi linguistici e discorsi illogici; strutture narrative cicliche o eccessivamente estese; e un'imitazione satirica o un totale rifiuto del realismo e della struttura convenzionale del "gioco ben fatto".

Tra i drammaturghi di spicco spesso legati al teatro dell'assurdo figurano Samuel Beckett (1906–1989), Eugène Ionesco (1909–1994), Jean Genet (1910–1986), Harold Pinter (1930–2008), Tom Stoppard (1937-2025), Alexander Vvedensky (1904–1941), Daniil Kharms (1905–1942), Friedrich Dürrenmatt (1921–1990), Alejandro Jodorowsky (nato nel 1929), Fernando Arrabal (nato nel 1932), Václav Havel (1936–2011) e Edward Albee (1928–2016).

Pollock e le influenze astratte

Durante la fine degli anni Quaranta, l'approccio radicale di Jackson Pollock alla pittura rivoluzionò il potenziale di tutta l'arte contemporanea successiva. Pollock riconosceva che il processo creativo era cruciale quanto l'opera d'arte finita stessa. Simile alle innovazioni di Pablo Picasso dell'inizio del XX secolo nella pittura e nella scultura attraverso il cubismo e le forme costruite, Pollock ha ridefinito le metodologie della produzione artistica. Il suo allontanamento dalla pittura da cavalletto e dalle pratiche convenzionali servì come segnale liberatorio per gli artisti della sua epoca e per quelli che seguirono. Gli artisti hanno osservato che il processo di Pollock, che prevedeva il posizionamento di tele grezze non tese sul pavimento per un coinvolgimento multidirezionale con materiali artistici e industriali, impiegando tecniche come gocciolare e lanciare matasse di vernice lineare, disegnare, colorare e spazzolare e incorporando sia immagini che non immagini, ha ampliato fondamentalmente i confini della creazione artistica. L'espressionismo astratto, come movimento, in genere ha ampliato e sviluppato le definizioni e le possibilità a disposizione degli artisti per la creazione di nuove opere.

Altri espressionisti astratti successivamente si sono basati sulle scoperte fondamentali di Pollock con i propri progressi significativi. Le innovazioni collettive di artisti tra cui Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Robert Motherwell e Peter Voulkos, tra gli altri, hanno effettivamente avviato un’era di diversità e portata senza precedenti nei movimenti artistici successivi. Tuttavia, le rivalutazioni critiche dell'arte astratta da parte di storici dell'arte come Linda Nochlin, Griselda Pollock e Catherine de Zegher hanno dimostrato che le artiste pioniere, che hanno dato un contributo sostanziale all'arte moderna, sono state spesso omesse dalle narrazioni storiche convenzionali.

Personaggi internazionali dell'arte britannica

Henry Moore (1898–1986) divenne famoso come il principale scultore britannico nel secondo dopoguerra. Ha ottenuto un ampio riconoscimento per le sue sculture in bronzo monumentali e semi-astratte, molte delle quali sono esposte in tutto il mondo come opere d'arte pubbliche. Le forme caratteristiche di Moore sono tipicamente astrazioni della figura umana, spesso raffigurano madre e figlio o soggetti sdraiati, spesso evocando la forma femminile, con l'eccezione di un periodo negli anni '50 in cui si concentrò sui gruppi familiari. Queste sculture presentano comunemente perforazioni o incorporano sezioni scavate.

Durante gli anni '50, Moore iniziò ad assicurarsi commissioni sempre più prestigiose, come una figura distesa per l'edificio dell'UNESCO a Parigi nel 1958. Mentre intraprendeva numerosi ulteriori progetti di arte pubblica, la scala monumentale delle sculture di Moore si espanse considerevolmente. Gli ultimi tre decenni della carriera di Moore mantennero questa traiettoria, segnata da numerose retrospettive internazionali significative, tra cui una notevole mostra nell'estate del 1972 al Forte di Belvedere, con vista su Firenze. Entro la fine degli anni '70, circa 40 mostre all'anno presentavano la sua opera. Nel campus dell'Università di Chicago nel dicembre del 1967, esattamente 25 anni dopo che il team di fisici di Enrico Fermi ottenne la prima reazione nucleare a catena controllata e autosufficiente, fu svelata l'energia nucleare di Moore. Sempre a Chicago, Moore ha commemorato i risultati scientifici con una notevole meridiana in bronzo, conosciuta localmente come L'uomo entra nel cosmo (1980), commissionata per riconoscere il programma di esplorazione spaziale.

La "Scuola londinese" di pittori figurativi, che comprendeva artisti come Francis Bacon (1909–1992), Lucian Freud (1922–2011), Frank Auerbach (1931–2024), Leon Kossoff (1926–2019) e Michael Andrews (1928–1995) hanno ottenuto ampi consensi internazionali.

Francis Bacon, pittore figurativo britannico di origine irlandese, era rinomato per le sue immagini audaci, grafiche ed emotivamente crude. Il suo stile distintivo prevedeva figure pittoriche ma astratte, tipicamente isolate all'interno di recinti geometrici di vetro o acciaio, su sfondi piatti e anonimi. Bacon iniziò a dipingere poco più che ventenne, ma lavorò sporadicamente fino ai trentacinque anni. La sua svolta avvenne con il trittico del 1944 Tre studi per figure alla base di una crocifissione, che consolidò la sua reputazione di cronista unicamente cupo della condizione umana. La sua opera può essere ampiamente descritta come comprendente sequenze o variazioni su motivi coerenti: teste maschili isolate in stanze degli anni Quaranta, papi urlanti nei primi anni Cinquanta e animali o figure solitarie sospese in strutture geometriche dalla metà alla fine degli anni Cinquanta. A questi seguirono le sue interpretazioni moderne della crocifissione dei primi anni '60 in forma di trittico. Dalla metà degli anni '60 all'inizio degli anni '70, Bacon produsse principalmente ritratti sorprendentemente compassionevoli di amici. Dopo il suicidio del suo amante, George Dyer, nel 1971, la sua arte divenne più personale, introspettiva e preoccupata dai temi della morte. Nel corso della sua vita, il lavoro di Bacon suscitò sia una significativa repulsione che ampi consensi.

Lucian Freud, un pittore britannico di origine tedesca, era riconosciuto principalmente per i suoi ritratti e dipinti di figure densamente impastati, ed era ampiamente considerato l'artista britannico preminente del suo tempo. Le sue opere si distinguono per la loro profonda penetrazione psicologica e per l'analisi, spesso inquietante, del rapporto tra artista e modella. Secondo William Grimes del The New York Times, "Lucien Freud e i suoi contemporanei trasformarono la pittura di figura nel 20° secolo. In dipinti come La ragazza con un cane bianco (1951-1952), Freud utilizzò il linguaggio pittorico della pittura tradizionale europea per servire uno stile di ritrattistica antiromantico e conflittuale che metteva a nudo la facciata sociale del soggetto. La gente comune, molti dei quali suoi amici, guardava con gli occhi spalancati la tela, vulnerabile allo spietato controllo dell'artista."

Seguendo l'espressionismo astratto

Durante gli anni '50 e '60, la pittura astratta vide l'emergere di diverse nuove direzioni, come la pittura hard-edge e altre forme di astrazione geometrica. Questi sviluppi sono apparsi negli studi degli artisti e nei circoli dell’avanguardia radicale, spesso come reazione contro il soggettivismo dell’espressionismo astratto. Clement Greenberg divenne un importante sostenitore dell'astrazione post-pittore, curando un'influente mostra di nuova pittura che visitò i principali musei d'arte di tutti gli Stati Uniti nel 1964. Quest'epoca segnò l'ascesa della pittura a campi di colore, della pittura hard-edge e dell'astrazione lirica come nuovi movimenti artistici significativi.

Alla fine degli anni '60, anche il postminimalismo, l'arte processuale e l'Arte Povera emersero come concetti e movimenti rivoluzionari. Questi comprendevano sia la pittura che la scultura, manifestandosi attraverso l’astrazione lirica, il movimento post-minimalista e la prima arte concettuale. L'arte processuale, ispirata da Pollock, ha consentito agli artisti di sperimentare e utilizzare una vasta gamma di stili, contenuti, materiali, posizionamenti, percezioni temporali, elementi aplastici e spazio reale. Una coorte di artisti più giovani, tra cui Nancy Graves, Ronald Davis, Howard Hodgkin, Larry Poons, Jannis Kounellis, Brice Marden, Colin McCahon, Bruce Nauman, Richard Tuttle, Alan Saret, Walter Darby Bannard, Lynda Benglis, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield, Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra, Pat Lipsky, Sam Gilliam, Mario Merz e Peter Reginato, si alzò alla ribalta durante questo periodo tardo modernista, che favorì la fioritura dell'arte alla fine degli anni '60.

Pop Art

Nel 1962, la Sidney Janis Gallery presentò The New Realists, segnando la prima importante mostra collettiva di arte pop tenutasi in una galleria d'arte dei quartieri alti di New York. Questa mostra è stata allestita da Janis in un negozio sulla 57esima Strada, adiacente alla sua galleria principale. La mostra ha influenzato in modo significativo sia la New York School che il più ampio panorama artistico internazionale. In precedenza, in Inghilterra nel 1958, Lawrence Alloway coniò il termine "Pop Art" per caratterizzare i dipinti che riflettevano la cultura consumistica prevalente nel periodo successivo alla Seconda Guerra Mondiale. Questo movimento artistico si discostò dall’espressionismo astratto, che enfatizzava l’introspezione ermeneutica e psicologica, abbracciando invece rappresentazioni della cultura materiale del consumo, della pubblicità e dell’iconografia dell’era della produzione di massa. Esempi fondamentali all'interno di questo movimento includono i primi lavori di David Hockney, insieme alle creazioni di Richard Hamilton e Eduardo Paolozzi, in particolare il rivoluzionario I was a Rich Man's Plaything del 1947. Contemporaneamente, nella scena del centro dell'East Village di New York, in particolare tra le gallerie della 10th Street, gli artisti stavano sviluppando un'iterazione americana della pop art. Claes Oldenburg gestiva il proprio spazio espositivo in vetrina, mentre la Green Gallery sulla 57th Street iniziò a mostrare le opere di Tom Wesselmann e James Rosenquist. Successivamente, Leo Castelli espose le opere di altri importanti artisti americani, tra cui Andy Warhol e Roy Lichtenstein, per la maggior parte delle loro rispettive carriere. Esiste una connessione evidente tra le opere radicali e ironicamente ribelli dei dadaisti Marcel Duchamp e Man Ray e le creazioni di artisti pop come Claes Oldenburg, Andy Warhol e Roy Lichtenstein, i cui dipinti spesso replicano l'estetica dei punti Ben-Day, una tecnica impiegata nella riproduzione commerciale.

Minimalismo

Il minimalismo comprende movimenti artistici e di design, in particolare nell'ambito delle arti visive e della musica, in cui i professionisti mirano a rivelare l'essenza o l'identità fondamentale di un soggetto rimuovendo sistematicamente tutte le forme, caratteristiche o elementi concettuali non essenziali. Fondamentalmente, il minimalismo rappresenta qualsiasi approccio progettuale o stilistico che impiega il minor numero di elementi semplici per ottenere l'impatto più profondo.

In quanto movimento artistico distinto, il minimalismo è principalmente associato agli sviluppi dell'arte occidentale del secondo dopoguerra, in particolare alle arti visive americane durante gli anni '60 e l'inizio degli anni '70. Gli artisti chiave legati a questo movimento includono Donald Judd, John McCracken, Agnes Martin, Dan Flavin, Robert Morris, Ronald Bladen, Anne Truitt e Frank Stella. Le sue origini risiedono nei principi riduttivi del modernismo e viene spesso interpretato sia come una controreazione all'espressionismo astratto sia come una fase di transizione che porta alle pratiche artistiche postminimali. All’inizio degli anni ’60, il minimalismo si materializzò come un movimento artistico astratto, radicato nell’astrazione geometrica di Kazimir Malevich, del Bauhaus e di Piet Mondrian. Rifiutava esplicitamente la pittura relazionale e soggettiva, le superfici intricate caratteristiche dell'espressionismo astratto e lo zeitgeist emotivo e il discorso polemico prevalenti nell'action painting. I sostenitori del minimalismo sostenevano che l’estrema semplicità fosse sufficiente per trasmettere tutta la rappresentazione sublime necessaria nell’arte. Il minimalismo è variamente concettualizzato come precursore del postmodernismo o come movimento postmoderno a sé stante. Da quest’ultima prospettiva, il primo Minimalismo produsse opere moderniste avanzate; tuttavia, il movimento si discostò parzialmente da questa traiettoria quando alcuni artisti, come Robert Morris, si spostarono verso il movimento anti-forma.

Nel suo saggio The Crux of Minimalism, Hal Foster analizza come Donald Judd e Robert Morris, attraverso le loro definizioni pubblicate di minimalismo, riconoscono e trascendono il modernismo greenbergiano. Foster postula che il minimalismo non rappresenti un "vicolo cieco" per il modernismo, ma piuttosto costituisca un "cambiamento di paradigma verso pratiche postmoderne che continuano ad essere elaborate oggi".

Musica minimale

La portata di questi termini si è ampliata fino a comprendere un movimento musicale caratterizzato da ripetizione e iterazione, esemplificato nelle composizioni di La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass e John Adams. Le composizioni minimaliste vengono occasionalmente chiamate musica di sistema. La designazione "musica minimale" descrive tipicamente uno stile musicale emerso in America tra la fine degli anni '60 e '70, inizialmente associato a questi specifici compositori. Il movimento minimalista coinvolse principalmente queste figure, insieme ad altri pionieri meno importanti come Pauline Oliveros, Phill Niblock e Richard Maxfield. In Europa, compositori importanti in questo ambito includono Louis Andriessen, Karel Goeyvaerts, Michael Nyman, Howard Skempton, Eliane Radigue, Gavin Bryars, Steve Martland, Henryk Górecki, Arvo Pärt e John Tavener.

Postminimalismo

Alla fine degli anni '60, Robert Pincus-Witten introdusse il termine "postminimalismo" per caratterizzare l'arte derivata dal minimalismo ma che incorporava contenuti e sfumature contestuali che il minimalismo stesso evitava. Pincus-Witten ha applicato questo termine alle opere di Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra e alle nuove creazioni di ex minimalisti tra cui Robert Smithson, Robert Morris, Sol LeWitt e Barry Le Va. Al contrario, altri minimalisti, come Donald Judd, Dan Flavin, Carl Andre, Agnes Martin e John McCracken, hanno continuato a produrre dipinti e sculture tardo moderniste nel corso della loro carriera.

Successivamente, numerosi artisti hanno adottato il minimalismo o il post-minimalismo. estetica, portando spesso alla loro classificazione sotto l'etichetta "postmoderna".

Collage, assemblaggio e installazioni

Uno sviluppo legato all'Espressionismo astratto fu l'integrazione di manufatti con materiali artistici tradizionali, divergendo dalle convenzioni consolidate di pittura e scultura. L'opera di Robert Rauschenberg esemplifica questa tendenza; le sue "combinazioni" degli anni '50, che incorporavano assemblaggi di oggetti fisici sostanziali come animali imbalsamati, uccelli e fotografie commerciali, servirono da precursori alla pop art e alle installazioni artistiche. Rauschenberg, Jasper Johns, Larry Rivers, John Chamberlain, Claes Oldenburg, George Segal, Jim Dine e Edward Kienholz furono pionieri fondamentali sia dell'astrazione che della pop art. Stabilendo nuove convenzioni artistiche, legittimarono l’inclusione radicale di materiali non convenzionali all’interno dei circoli seri dell’arte contemporanea. Joseph Cornell, un altro innovatore del collage, creò opere in scala più intima ritenute radicali a causa della sua iconografia personale distintiva e del suo utilizzo di oggetti trovati.

Neo-Dada

Nel 1917, Marcel Duchamp presentò un orinatoio, intitolato Fontana, come scultura per la mostra inaugurale della Society of Independent Artists, tenutasi al Grand Central Palace di New York. Ha affermato la sua intenzione che l'orinatoio venga percepito come un'opera d'arte, dichiarandolo tale. Questo pezzo, firmato con lo pseudonimo di "R. Mutt", esemplifica anche ciò che Duchamp in seguito chiamò "readymade". Quest'opera e altre creazioni di Duchamp sono generalmente classificate come Dada. Duchamp è considerato un precursore dell'arte concettuale, con altri esempi importanti tra cui 4′33″ di John Cage, una composizione di quattro minuti e trentatré secondi di silenzio, e Erased de Kooning Drawing di Rauschenberg. Molte opere concettuali presuppongono che l'arte nasca dalla percezione da parte dello spettatore di un oggetto o di un atto come arte, piuttosto che dalle qualità intrinseche dell'opera stessa. Selezionando "un normale articolo di vita" e generando "un nuovo pensiero per quell'oggetto", Duchamp ha invitato gli osservatori a interpretare la Fontana come una scultura.

Marcel Duchamp, notoriamente, abbandonò l'"arte" per dedicarsi agli scacchi. Il compositore d'avanguardia David Tudor, in collaborazione con Lowell Cross, ha creato il pezzo Reunion (1968), che presenta una partita a scacchi in cui ogni mossa innesca uno specifico effetto di luce o proiezione. Duchamp e Cage hanno partecipato al gioco durante la première dell'opera.

Steven Best e Douglas Kellner identificano Rauschenberg e Jasper Johns come figure chiave in una fase di transizione, influenzata da Duchamp, che collega modernismo e postmodernismo. Entrambi gli artisti hanno incorporato immagini di oggetti comuni, o gli oggetti stessi, nel loro lavoro, pur mantenendo allo stesso tempo l'astrazione e i gesti pittorici caratteristici dell'alto modernismo.

Performance ed eventi

Alla fine degli anni '50 e '60, artisti provenienti da contesti diversi ampliarono la portata dell'arte contemporanea. Figure chiave nell'arte basata sulla performance includevano Yves Klein in Francia; Carolee Schneemann, Yayoi Kusama, Charlotte Moorman e Yoko Ono a New York City; e Joseph Beuys, Wolf Vostell e Nam June Paik in Germania. Sforzi di collaborazione, come quelli del Living Theatre, guidati da Julian Beck e Judith Malina, hanno coinvolto scultori e pittori nella creazione di ambienti coinvolgenti, alterando radicalmente la dinamica tra pubblico e artista, particolarmente evidente nel loro lavoro Paradise Now. Allo stesso modo, il Judson Dance Theatre, situato presso la Judson Memorial Church di New York, ha visto ballerini come Yvonne Rainer, Trisha Brown, Elaine Summers, Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay, Lucinda Childs e Steve Paxton collaborare con artisti come Robert Morris, Robert Whitman, John Cage e Robert Rauschenberg, insieme a ingegneri come Billy Klüver. La Park Place Gallery è stata anche un luogo importante per le esibizioni musicali dei compositori elettronici Steve Reich e Philip Glass, nonché di altri artisti di spicco, tra cui Joan Jonas.

Queste performance costituivano una forma d'arte innovativa, che integrava scultura, danza e suono e spesso prevedeva il coinvolgimento del pubblico. Erano definiti dai principi riduttivi della filosofia minimalista e dall'improvvisazione spontanea e dalle qualità espressive dell'espressionismo astratto. Mentre le fotografie delle performance di Schneemann, come Interior Scroll, che miravano a provocare shock nel pubblico, vengono talvolta utilizzate per esemplificare questo genere, la filosofia modernista della performance art generalmente si oppone a tale documentazione. Gli artisti della performance sostengono che l'atto dal vivo stesso costituisce il mezzo, rendendo i media esterni incapaci di illustrarlo veramente. La performance è intrinsecamente transitoria, effimera e intima, non destinata alla cattura. Le rappresentazioni della performance artistica attraverso immagini, video o narrazioni impongono inevitabilmente prospettive spaziali o temporali specifiche e sono vincolate dai limiti intrinseci dei rispettivi media. Di conseguenza, gli artisti affermano che le registrazioni non rappresentano adeguatamente la performance come forma d'arte.

Contemporaneamente, gli artisti d'avanguardia svilupparono gli "Happenings", che erano spesso assemblee enigmatiche, spontanee e senza copione che coinvolgevano artisti, loro conoscenti e familiari in luoghi designati. Questi eventi spesso incorporavano elementi di assurdità, impegno fisico, costumi, nudità improvvisata e azioni apparentemente sconnesse o casuali. Figure di spicco nella creazione di Happenings includevano Allan Kaprow, che coniò il termine nel 1958, insieme a Claes Oldenburg, Jim Dine, Red Grooms e Robert Whitman.

Intermedia e multimedialità

Una traiettoria artistica distinta legata al postmodernismo prevede l'integrazione di più media. Il termine "Intermedia", coniato da Dick Higgins, descrive forme d'arte emergenti come Fluxus, poesia concreta, oggetti trovati, performance art e computer art. Higgins, un poeta concreto, editore di Something Else Press, marito dell'artista Alison Knowles e ammiratore di Marcel Duchamp, ha influenzato in modo significativo questo concetto. Ihab Hassan identifica "Intermedia, la fusione delle forme, la confusione dei regni" come una caratteristica distintiva dell'arte postmoderna. La videoarte, che utilizza videocassette e monitor CRT, rappresenta una forma prevalente di espressione multimediale. Sebbene il concetto teorico di sintesi delle varie arti sia antico e abbia visto periodiche rinascite, la sua iterazione postmoderna si fonde spesso con la performance art. In questo contesto, la narrazione drammatica viene spesso de-enfatizzata, mettendo in primo piano le dichiarazioni specifiche dell'artista o il fondamento concettuale delle sue azioni.

Fluxus

Fluxus, un movimento chiamato e liberamente strutturato nel 1962 dall'artista americano di origine lituana George Maciunas (1931–1978), ha avuto origine dai corsi di composizione sperimentale di John Cage tenuti presso la New School for Social Research di New York City tra il 1957 e il 1959. Molti partecipanti alle lezioni di Cage erano artisti provenienti da diversi background mediatici con una formazione musicale formale limitata o assente. Tra gli studenti degni di nota che divennero membri fondatori di Fluxus figurano Jackson Mac Low, Al Hansen, George Brecht e Dick Higgins.

Fluxus ha sostenuto un'estetica di autoproduzione e ha privilegiato la semplicità rispetto ai design complessi. Facendo eco al suo predecessore, Dada, Fluxus mantenne una pronunciata posizione anti-commerciale e anti-arte, criticando l'establishment artistico convenzionale e guidato dal mercato a favore di una metodologia creativa incentrata sull'artista. Gli artisti Fluxus preferivano utilizzare materiali facilmente disponibili, impegnandosi in creazioni indipendenti o in attività artistiche collaborative con colleghi.

Andreas Huyssen critica gli sforzi per classificare Fluxus all'interno del postmodernismo, caratterizzandolo come "o il codice principale del postmodernismo o il movimento artistico in definitiva irrappresentabile, per così dire, il sublime del postmodernismo". Al contrario, Huyssen postula Fluxus come una significativa manifestazione neo-dadaista incorporata nel più ampio lignaggio dell’avanguardia. Pur non significando un progresso sostanziale nelle metodologie artistiche, articolava comunque una sfida contro "la cultura amministrata degli anni '50, in cui un modernismo moderato e addomesticato fungeva da sostegno ideologico alla Guerra Fredda".

Musica popolare d'avanguardia

Il modernismo mantenne un rapporto controverso con le forme musicali popolari, sia strutturalmente che esteticamente, spesso rifiutando apertamente la cultura popolare. Tuttavia, compositori come Stravinsky incorporarono idiomi jazz in composizioni tra cui "Ragtime" dalla sua opera teatrale del 1918 Histoire du Soldat e Ebony Concerto del 1945.

Durante gli anni '60, quando la musica popolare assunse un significato culturale e sfidò la sua classificazione come mero intrattenimento commerciale, gli artisti cercarono sempre più ispirazione dalle avanguardie del dopoguerra. Nel 1959, il produttore Joe Meek registrò I Hear a New World (pubblicato nel 1960), un lavoro descritto da Jonathan Patrick di Tiny Mix Tapes come un "momento fondamentale sia nella musica elettronica che nella storia dell'avant-pop [...] una raccolta di vignette pop sognanti, adornate con echi dubby e viticci sonori deformati dal nastro," nonostante la sua iniziale mancanza di riconoscimento diffuso. Altri primi esempi di composizioni avant-pop comprendono il brano dei Beatles del 1966 "Tomorrow Never Knows", che integrava elementi della musica concreta, metodi compositivi d'avanguardia, musica indiana e manipolazione del suono elettroacustico all'interno di una struttura pop di tre minuti, e la sintesi dei Velvet Underground dei concetti di musica minimalista e drone di La Monte Young, poesia beat e pop art degli anni '60.

Periodo tardivo

Le traiettorie dell'espressionismo astratto, della pittura a campi di colore, dell'astrazione lirica, dell'astrazione geometrica, del minimalismo, dell'illusionismo astratto, della process art, della pop art, del postminimalismo e di altri movimenti modernisti della fine del XX secolo sia nella pittura che nella scultura si sono estesi fino al primo decennio del XXI secolo, stabilendo così direzioni innovative all'interno di queste discipline artistiche.

Entrando nel XXI secolo, artisti affermati e di spicco, tra cui Sir Anthony Caro, Lucian Freud, Cy Twombly, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Agnes Martin, Al Held, Ellsworth Kelly, Helen Frankenthaler, Frank Stella, Kenneth Noland, Jules Olitski, Claes Oldenburg, Jim Dine, James Rosenquist, Alex Katz e Philip Pearlstein, insieme a un gruppo di praticanti più giovani come Brice Marden, Chuck Close, Sam Gilliam, Isaac Witkin, Sean Scully, Mahirwan Mamtani, Joseph Nechvatal, Elizabeth Murray, Larry Poons, Richard Serra, Walter Darby Bannard, Larry Zox, Ronnie Landfield, Ronald Davis, Dan Christensen, Pat Lipsky, Joel Shapiro, Tom Otterness, Joan Snyder, Ross Bleckner, Archie Rand e Susan Crile, hanno mantenuto la loro produzione di dipinti e sculture significativi e di grande impatto.

Architettura moderna

Numerosi grattacieli a Hong Kong e Francoforte traggono ispirazione da Le Corbusier e dai principi architettonici modernisti più ampi. Il suo stile distintivo continua a informare il design architettonico a livello globale.

Modernismo in Asia

Lo studioso William J. Tyler osserva che i termini "modernismo" e "modernista" sono stati integrati solo di recente nel discorso inglese standard riguardante la letteratura giapponese moderna, e persistono domande riguardo alla loro genuina applicabilità rispetto al modernismo dell'Europa occidentale. Tyler lo considera peculiare, data la prosa decisamente moderna evidente nelle opere di importanti autori giapponesi come Kawabata Yasunari, Nagai Kafu e Jun'ichirō Tanizaki. Al contrario, gli accademici specializzati in arti visive e belle arti, architettura e poesia adottarono prontamente il "modanizumu" come concetto fondamentale per analizzare e caratterizzare la cultura giapponese durante gli anni '20 e '30. All'interno della fotografia giapponese, un movimento modernista chiamato Shinkō shashin ("Nuova fotografia") si materializzò intorno al 1930, traendo ispirazione dalla Neue Sachlichkeit (Nuova Oggettività) e dal Surrealismo tedesco. In questo contesto, il poeta e fotografo Kansuke Yamamoto coltivò un approccio artistico influenzato dal surrealismo che si interessò al modernismo internazionale. Nel 1924, diversi scrittori giapponesi emergenti, tra cui Kawabata e Riichi Yokomitsu, lanciarono la rivista letteraria Bungei Jidai ("L'età artistica"). Questa pubblicazione era parte integrante del movimento "arte per l'arte", che assorbiva influenze dal cubismo europeo, dall'espressionismo, dal dadaismo e da altre estetiche moderniste.

Kenzō Tange (1913–2005), un architetto modernista giapponese, è una delle figure più influenti del XX secolo, noto per aver integrato l'estetica tradizionale giapponese con i principi modernisti e per aver progettato strutture significative nei cinque continenti. Tange fu anche un importante sostenitore del movimento metabolista. Ha articolato il suo sviluppo concettuale, affermando: "È stato, credo, intorno al 1959 o all'inizio degli anni Sessanta che ho cominciato a pensare a quello che in seguito avrei chiamato strutturalismo". All'inizio della sua carriera, Tange fu significativamente influenzato dal modernista svizzero Le Corbusier. La sua fama internazionale iniziò nel 1949, quando si assicurò la vittoria del concorso per la progettazione del Parco del Memoriale della Pace di Hiroshima.

In Cina, i "Nuovi Sensazionisti" (新感覺派, Xīn Gănjué Pài) costituivano un collettivo di scrittori con sede a Shanghai attivo negli anni '30 e '40. Questo gruppo ha mostrato diversi livelli di influenza sia dal modernismo occidentale che da quello giapponese. La loro produzione letteraria dava priorità ai temi legati all'inconscio e alle considerazioni estetiche rispetto alle preoccupazioni socioeconomiche. Membri degni di nota di questo gruppo includevano Mu Shiying e Shi Zhecun.

In India, il Progressive Artists' Group, con sede principalmente a Mumbai, emerse nel 1947 come collettivo di artisti moderni. Nonostante non aderisse a un approccio stilistico unico, il gruppo integrò le tradizioni artistiche indiane con influenze europee e nordamericane dall'inizio alla metà del XX secolo, comprendendo movimenti come il postimpressionismo, il cubismo e l'espressionismo.

Modernismo in Africa

Peter Kalliney postula che i concetti modernisti, in particolare l'autonomia estetica, abbiano svolto un ruolo fondamentale nella letteratura della decolonizzazione nell'Africa anglofona. Sostiene che scrittori come Rajat Neogy, Christopher Okigbo e Wole Soyinka abbiano adattato le interpretazioni moderniste dell'autonomia estetica per affermare la loro liberazione dalla sottomissione coloniale, dai sistemi di discriminazione razziale e persino dal nascente stato postcoloniale.

Rapporto con il postmodernismo

All'inizio degli anni '80, il movimento postmoderno nell'arte e nell'architettura consolidò la sua presenza attraverso diversi approcci concettuali e intermedi. L’emergere del postmodernismo nella musica e nella letteratura, tuttavia, è anteriore a questo periodo. Nella musica, un'opera di riferimento caratterizza il postmodernismo come un "termine introdotto negli anni '70". Al contrario, nella letteratura britannica, The Oxford Encyclopaedia of British Literature suggerisce che il modernismo iniziò a "cedere il suo predominio al postmodernismo" già nel 1939. Tuttavia, la cronologia precisa rimane altamente controversa, in particolare alla luce dell'osservazione di Andreas Huyssen secondo cui "il postmodernismo di un critico è il modernismo di un altro critico". Questa prospettiva comprende studiosi che criticano la rigida demarcazione tra i due movimenti, vedendoli invece come sfaccettature interconnesse di una traiettoria continua, e che sostengono che il tardo modernismo persiste.

Il modernismo funge da designazione globale che comprende un ampio spettro di movimenti culturali. Al contrario, il postmodernismo rappresenta fondamentalmente un movimento centralizzato e autoidentificato, radicato nella teoria socio-politica. Tuttavia, il termine "postmodernismo" viene ora applicato in modo più ampio per descrivere le attività culturali dal XX secolo in poi che dimostrano una consapevolezza e una reinterpretazione del moderno.

La teoria postmoderna presuppone che qualsiasi tentativo retrospettivo di canonizzare il modernismo porta intrinsecamente a contraddizioni inconciliabili. Una divergenza fondamentale tra postmodernismo e modernismo risiede nelle rispettive opinioni sull’esistenza della verità, poiché il postmodernismo critica qualsiasi affermazione di una verità singolare e distinguibile. Mentre i modernisti esplorano la verità attraverso vari quadri teorici (ad esempio, corrispondenza, coerenza, pragmatismo, semantica), i postmodernisti adottano un approccio negativo, sfidando la possibilità stessa di una verità accessibile.

Più specificamente, non tutti gli elementi modernisti erano intrinsecamente postmodernisti. Gli aspetti del modernismo che enfatizzavano i vantaggi della razionalità e del progresso socio-tecnologico rimasero esclusivamente modernisti.

Le risposte moderniste al postmodernismo comprendono movimenti come il rimodernismo, che ripudia il cinismo e le tendenze decostruttive dell'arte postmoderna, sostenendo invece una rinascita dei primi principi estetici modernisti.

Critiche della tarda modernità

Mentre il modernismo artistico generalmente si opponeva ai principi capitalistici come il consumismo, la società civile del XX secolo adottò sempre più la produzione di massa globale e la diffusa disponibilità di beni a prezzi accessibili. Questa fase dell’evoluzione sociale, definita “tarda” o “alta modernità”, è emersa principalmente nelle nazioni occidentali avanzate. Jürgen Habermas, un sociologo tedesco, ha presentato la prima significativa critica della cultura della tarda modernità nel suo lavoro del 1981, La teoria dell'azione comunicativa. Un'altra critica fondamentale di quest'epoca è la pubblicazione di George Ritzer del 1993, The McDonaldization of Society, in cui il sociologo americano descrive nei dettagli l'influenza pervasiva della cultura del consumo di fast food durante la tarda modernità. Inoltre, vari studiosi hanno illustrato l’integrazione di elementi modernisti nel cinema popolare e successivamente nei video musicali. Il design modernista ha permeato anche la cultura popolare tradizionale, con forme semplificate e stilizzate che hanno guadagnato importanza, spesso legate alle aspirazioni per un futuro high-tech e spaziale.

Nel 2008, Janet Bennett ha contribuito con Modernity and Its Critics all'Oxford Handbook of Political Theory. La convergenza delle manifestazioni orientate al consumo e di fascia alta della cultura modernista ha alterato radicalmente il concetto di "modernismo". Questa trasformazione suggerì innanzitutto che un movimento fondato sul ripudio della tradizione si fosse evoluto esso stesso in una tradizione. In secondo luogo, ha rivelato una minore chiarezza nella distinzione tra culture moderniste d’élite e culture consumistiche di massa. L'istituzionalizzazione del modernismo raggiunse un punto in cui fu considerato "post-avanguardia", il che significava una perdita del suo slancio rivoluzionario. Numerosi studiosi hanno interpretato questo cambiamento come la genesi dell’era postmodernista. Al contrario, figure come il critico d'arte Robert Hughes consideravano il postmodernismo come una continuazione del modernismo.

I movimenti "antimoderni" o "contromoderni" sostengono l'olismo, l'interconnessione e la spiritualità come correttivi al modernismo. Questi movimenti percepiscono il modernismo come riduzionista, limitando così la sua capacità di discernere fenomeni sistemici ed emergenti.

Gli artisti tradizionalisti, come Alexander Stoddart, in generale liquidano il modernismo come il risultato di "un'epoca di denaro falso alleato con una falsa cultura".

L'impatto del modernismo è stato più pronunciato e duraturo in alcuni ambiti che in altri. L’arte visiva, ad esempio, ha dimostrato la rottura più completa con i suoi precedenti storici. La maggior parte dei centri urbani principali ospita musei dedicati all'arte moderna, distinguendola dall'arte post-rinascimentale, che si estende all'incirca dal ca. 1400 al ca. 1900. Esempi degni di nota includono il Museum of Modern Art di New York, la Pinakothek der Moderne di Monaco, la Tate Modern di Londra e il Centre Pompidou di Parigi. Queste istituzioni in genere non fanno distinzione tra fasi modernista e postmodernista, considerando entrambe come sviluppi integrali nell'ambito più ampio dell'arte moderna.

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Riferimenti

Fonti

• Barth, John (1979) The Literature of Replenishment, successivamente ristampato in The Friday Book (1984).
• Eco, Umberto (1990) Interpreting Serials, in The Limits of Interpretation, pagine 83–100, estratto archiviato il 21 luglio 2011 presso Wayback Machine.
• Everdell, William R. (1997) I primi moderni: profili alle origini del pensiero del ventesimo secolo (Chicago: University of Chicago Press).
• Orton, Fred e Pollock, Griselda (1996) Avant-Gardes and Partisans Review, Università di Manchester.
• Steiner, George (1998) After Babel, capitolo 6, Topologies of Culture, 3a edizione rivista.
• Berman, Art (1994) Prefazione al Modernismo. Stampa dell'Università dell'Illinois.

• Ballard, J. G., sul Modernismo.
• Denzer, Anthony S., PhD, Maestri del Modernismo.
• Hoppé, E. O., fotografo, modernisti edoardiani.
• Malady of Writing: Modernism You Can Dance To, un programma radiofonico online che presenta una prospettiva umoristica sul Modernismo.
• Laboratorio di Modernismo presso l'Università di Yale.
• Modernismo/Modernità, la pubblicazione ufficiale della Modernist Studies Association.
• Modernismo contro Postmodernismo.
• Tobolczyk, Marta (2021). Architettura contemporanea: genesi e caratteristiche delle tendenze principali (PDF). Newcastle upon Tyne: Cambridge Scholars Publishing. ISBN 978-1-5275-7039-9. Archiviato dal (PDF) originale il 14 gennaio 2025. Estratto il 27 ottobre 2024.Fonte: Archivio TORIma Accademia