Conceptual art

L'arte concettuale, chiamata anche concettualismo, denota una pratica artistica in cui i concetti o le idee sottostanti hanno la priorità uguale o superiore alle tradizionali considerazioni estetiche, tecniche e materiali. Alcune opere concettuali possono essere realizzate da chiunque semplicemente aderendo ad una serie di istruzioni scritte. Questa metodologia è stata fondamentale per la definizione di arte concettuale dell'artista americano Sol LeWitt, che è stata tra le prime ad essere pubblicata:

Nell'arte concettuale, l'idea o il concetto costituisce l'aspetto più cruciale dell'opera. Quando un artista impiega una forma artistica concettuale, tutta la pianificazione e le decisioni vengono prese in anticipo, rendendo l'esecuzione un affare superficiale. L'idea funziona quindi come un meccanismo che genera l'arte.

Tony Godfrey, autore di Conceptual Art (Art & Ideas) (1998), afferma che l'arte concettuale mette fondamentalmente in discussione la natura dell'arte. Questa nozione è stata elevata da Joseph Kosuth a definizione dell'arte stessa nel suo primo manifesto fondamentale dell'arte concettuale, Art after Philosophy (1969). L'idea che l'arte debba esaminare la propria essenza era già un elemento potente della visione dell'arte moderna dell'influente critico d'arte Clement Greenberg negli anni '50. Tuttavia, con l'emergere dell'arte esclusivamente basata sul linguaggio negli anni '60, artisti concettuali come Art & Language, Joseph Kosuth (che divenne l’editore americano di Art-Language) e Lawrence Weiner avviarono un’interrogazione dell’arte molto più radicale di quanto fosse stato possibile in precedenza. Un aspetto principale che hanno messo in discussione è stato il presupposto comune secondo cui il ruolo dell'artista era quello di creare tipi specifici di oggetti materiali.

Grazie alla sua associazione con gli Young British Artists e il Turner Prize durante gli anni '90, "arte concettuale" nell'uso popolare, in particolare nel Regno Unito, è arrivata a significare tutta l'arte contemporanea che non impiega le tradizionali abilità di pittura e scultura. Una delle ragioni per cui il termine viene associato a diverse pratiche contemporanee, lontane dai suoi scopi e forme originali, risiede nella difficoltà intrinseca di definire il termine stesso. Come suggeriva già nel 1970 l'artista Mel Bochner, spiegando la sua antipatia per l'epiteto "concettuale", non è sempre del tutto chiaro a cosa si riferisca il "concetto", che rischia di essere confuso con "intenzione". Pertanto, quando si descrive o si definisce un'opera d'arte come concettuale, è fondamentale non confondere ciò che viene definito "concettuale" con l'"intenzione" di un artista.

Precursori storici

L'artista francese Marcel Duchamp ha influenzato in modo significativo i concettualisti, fornendo loro esempi di opere prototipicamente concettuali, come i suoi readymade. Il più famoso dei readymade di Duchamp fu Fountain (1917), un orinatoio standard firmato dall'artista con lo pseudonimo di "R. Mutt" e presentato per essere incluso nella mostra annuale, senza giuria, della Society of Independent Artists di New York (che lo rifiutò). Le convenzioni artistiche tradizionali in genere non classificano un oggetto comune (come un orinatoio) come arte perché non è creato da un artista con intento artistico né è unico o realizzato a mano. La rilevanza e l'importanza teorica di Duchamp per i futuri "concettualisti" furono successivamente riconosciute dall'artista americano Joseph Kosuth nel suo saggio del 1969, Arte dopo la filosofia, in cui affermava: "Tutta l'arte (dopo Duchamp) è concettuale (in natura) perché l'arte esiste solo concettualmente". creato ma potrebbe comunque fornire ricompense estetiche attraverso la contemplazione intellettuale. Questo concetto, chiamato anche Art esthapériste (o "estetica infinita"), deriva dagli infinitesimi di Gottfried Wilhelm Leibniz, quantità che non potrebbero effettivamente esistere se non concettualmente. Dal 2013, l'attuale incarnazione del movimento isouiano, l'Excoördismo, si definisce come l'arte dell'infinitamente grande e dell'infinitamente piccolo.

Origini

Nel 1961, il filosofo e artista Henry Flynt introdusse il termine "concept art" in un articolo con lo stesso titolo, pubblicato all'interno della raccolta proto-Fluxus An Anthology of Chance Operations. Flynt ha affermato che la sua "concept art" ha avuto origine dalla sua teoria del "nichilismo cognitivo", che presuppone che i paradossi logici diminuiscano la sostanza intrinseca dei concetti. Utilizzando le strutture della logica e della matematica, la concept art era intesa a trascendere sia la matematica che la musica formalistica prevalente all'interno delle comunità artistiche serie. Di conseguenza, Flynt sosteneva che affinché un'opera potesse qualificarsi come arte concettuale, doveva esaminare criticamente la logica o la matematica, impiegando un concetto linguistico come mezzo principale, una caratteristica assente dalla successiva "arte concettuale".

Il termine successivamente acquisì un'interpretazione distinta quando fu adottato da Joseph Kosuth e dal gruppo English Art and Language. Questi professionisti rifiutarono gli oggetti d'arte tradizionali, optando invece per un'indagine critica documentata, iniziata nel 1969 con Art-Language: The Journal of Conceptual Art, nelle dimensioni sociali, filosofiche e psicologiche del ruolo dell'artista. Verso la metà degli anni '70, i loro sforzi avevano prodotto una vasta gamma di risultati, tra cui pubblicazioni, indici, performance, testi e dipinti. La mostra inaugurale dedicata all'arte concettuale, Conceptual Art and Conceptual Aspects, fu presentata al New York Cultural Center nel 1970.

Critiche al formalismo e alla mercificazione dell'arte

L'arte concettuale si materializzò come movimento significativo nel corso degli anni '60, in parte in opposizione al formalismo sostenuto dall'influente critico d'arte newyorkese Clement Greenberg. Greenberg ipotizzò che l'arte moderna progredisse attraverso un processo sistematico di riduzione e perfezionamento, con l'obiettivo di delineare l'essenza formale e fondamentale di ciascun mezzo artistico. Di conseguenza, eventuali elementi percepiti come antitetici a questa natura intrinseca dovevano essere eliminati. Ad esempio, l'obiettivo della pittura, secondo Greenberg, era definire con precisione la sua oggettività intrinseca: ciò che costituisce un dipinto e lo distingue da altre forme. Dato che i dipinti sono oggetti intrinsecamente piatti con superfici di tela su cui applicare pigmenti, elementi come la figurazione, l'illusione prospettica tridimensionale e le allusioni a soggetti esterni sono stati ritenuti estranei all'essenza fondamentale della pittura e quindi necessitavano della rimozione.

Alcuni studiosi sostengono che l'arte concettuale abbia esteso la "smaterializzazione" dell'arte eliminando completamente la necessità di oggetti fisici. Al contrario, altri, inclusi molti artisti stessi, consideravano l'arte concettuale come un allontanamento fondamentale dal modernismo formalista di Greenberg. Mentre gli artisti successivi mantennero una comune inclinazione per l’arte all’autocritica e un disprezzo per l’illusione, divenne evidente alla fine degli anni ’60 che le restrizioni di Greenberg – che richiedevano all’arte di rimanere entro i confini specifici del mezzo ed escludere argomenti esterni – non avevano più influenza. L’arte concettuale costituì anche una reazione contro la mercificazione dell’arte. Ha cercato di sovvertire il ruolo della galleria o del museo come luogo primario e arbitro dell’arte, e del mercato dell’arte come suo proprietario e distributore. Lawrence Weiner ha articolato questo sentimento, affermando: "Una volta che conosci un mio lavoro, lo possiedi. Non c'è modo che io possa entrare nella testa di qualcuno e rimuoverlo". Di conseguenza, gran parte del lavoro degli artisti concettuali è accessibile principalmente attraverso la sua documentazione - come fotografie, testi scritti o oggetti esposti - che alcuni sostengono non siano l'arte stessa. In alcuni casi, esemplificati dalle pratiche di Robert Barry, Yoko Ono e Weiner, il lavoro viene distillato in una serie di istruzioni scritte che descrivono un'opera d'arte senza effettivamente produrla, sottolineando così il primato dell'idea sull'artefatto. Questa metodologia è alla base dell’Arte Protocollare, che indaga ulteriormente la certificazione amministrativa e fisica dell’atto artistico. Questo approccio sottolinea una chiara preferenza per la componente “arte” all’interno della dicotomia percepita tra arte e artigianato, dove l’arte, a differenza dell’artigianato, opera all’interno e contribuisce al discorso storico; ad esempio, le istruzioni scritte di Ono acquisiscono un maggiore significato contestuale se considerate insieme ad altre arti concettuali di quell'epoca.

La lingua come mezzo artistico

Il linguaggio ha costituito un punto centrale per l'ondata iniziale di artisti concettuali durante gli anni '60 e l'inizio degli anni '70. Sebbene l'incorporazione del testo nella pratica artistica non fosse senza precedenti, fu proprio negli anni '60 che artisti come Lawrence Weiner, Edward Ruscha, Joseph Kosuth, Robert Barry e Art & Il linguaggio ha iniziato a creare arte esclusivamente attraverso modalità linguistiche. In contrasto con i periodi precedenti, in cui il linguaggio funzionava come componente visiva supplementare asservita a una struttura compositiva più ampia (come esemplificato dal cubismo sintetico), gli artisti concettuali utilizzavano il linguaggio come mezzo primario, soppiantando strumenti tradizionali come pennello e tela, consentendogli così di trasmettere significato in modo autonomo. Per quanto riguarda l'opera di Lawrence Weiner, Anne Rorimer osserva che "Il contenuto tematico delle singole opere deriva esclusivamente dall'importanza del linguaggio impiegato, mentre i mezzi di presentazione e il posizionamento contestuale svolgono ruoli cruciali, ma separati." filosofia analitica e filosofia continentale strutturalista e post-strutturalista. Questo fondamentale cambiamento linguistico ha effettivamente "rafforzato e legittimato" la traiettoria artistica adottata dagli artisti concettuali. Osborne sottolinea inoltre che i concettualisti pionieristici rappresentavano la generazione inaugurale di artisti che ottennero titoli universitari formali in arte. In una conferenza pubblica tenuta presso la Fondazione Antonio Ratti, Villa Sucota a Como il 9 luglio 2010, Osborne ha successivamente affermato che l'arte contemporanea è post-concettuale. Questa affermazione opera al livello ontologico dell'opera d'arte stessa, piuttosto che semplicemente descrivendo uno stile o un movimento.

Edward A. Shanken, uno storico dell'arte americano, cita Roy Ascott come un esempio che "dimostra con forza le intersezioni significative tra arte concettuale e arte e tecnologia, facendo esplodere l'autonomia convenzionale di queste categorie storico-artistiche". Ascott, riconosciuto come l'artista britannico più intimamente legato all'arte cibernetica in Inghilterra, era notevolmente assente da Cybernetic Serendipity a causa della sua applicazione prevalentemente concettuale della cibernetica, che non incorporava apertamente la tecnologia. Al contrario, nonostante il suo saggio, "The Construction of Change" (1964), che esplorava l'applicazione della cibernetica all'arte e alla pedagogia artistica, sia citato nella pagina dedicata (a Sol LeWitt) del seminale Six Years: The Dematerialization of the Art Object from 1966 to 1972 di Lucy R. Lippard, i contributi pionieristici di Ascott allo sviluppo dell'arte concettuale in Gran Bretagna hanno raccolto risultati limitati. riconoscimento, potenzialmente (e ironicamente) dovuto alla sua forte affiliazione con l'arte e la tecnologia. Un'ulteriore intersezione cruciale è stata indagata attraverso l'utilizzo del thesaurus da parte di Ascott nel suo lavoro del 1963, *connessioni telematiche::linea temporale*, che corrispondeva esplicitamente alle caratteristiche tassonomiche dei linguaggi verbali e visivi. Questo concetto fu successivamente adottato in Seconda indagine, Proposizione 1 (1968) di Joseph Kosuth e in Elementi di una mappa incompleta (1968) di Mel Ramsden.

Panoramica storica contemporanea

Il proto-concettualismo affonda le sue origini nell'emergere del Modernismo, esemplificato da figure come Manet (1832–1883) e successivamente Marcel Duchamp (1887–1968). La fase iniziale del movimento di "arte concettuale" durò approssimativamente dal 1967 al 1978. Artisti pionieristici di "concetto", tra cui Henry Flynt (1940–), Robert Morris (1931–2018) e Ray Johnson (1927–1995), influenzarono in modo significativo il successivo movimento di arte concettuale ampiamente riconosciuto. Artisti concettuali di spicco come Dan Graham, Hans Haacke e Lawrence Weiner hanno esercitato una notevole influenza sulle generazioni successive di artisti. Di conseguenza, rinomati professionisti contemporanei come Mike Kelley o Tracey Emin sono occasionalmente classificati come concettualisti di "seconda o terza generazione" o artisti "post-concettuali" (dove il prefisso "Post-" nell'arte spesso denota una relazione di derivazione o conseguenza). I recenti sviluppi, esemplificati dall'Arte Protocollare, perpetuano questa traiettoria evolutiva riorientando l'attenzione dal concetto dematerializzato all'autenticazione amministrativa e fisica dell'atto artistico.

Gli artisti contemporanei si confrontano spesso con temi provenienti dal movimento dell'arte concettuale, indipendentemente dal fatto che si identifichino come "artisti concettuali". Concetti fondamentali come l'anti-mercificazione, la critica socio-politica e l'utilizzo di idee o informazioni come mezzi artistici rimangono parte integrante delle pratiche artistiche contemporanee, in particolare nell'ambito delle installazioni artistiche, delle performance artistiche, degli interventi artistici, della net.art e dell'arte elettronica/digitale.

Risveglio

L'arte neoconcettuale comprende le pratiche artistiche degli anni '80, e in particolare dagli anni '90 ad oggi, che derivano dal movimento artistico concettuale degli anni '60 e '70. Le iniziative successive includono i concettualisti di Mosca, i neoconcettualisti statunitensi come Sherrie Levine e gli Young British Artists, in particolare Damien Hirst e Tracey Emin nel Regno Unito.

Parodia

Il movimento è parodiato nel romanzo Pandora di Jilly Cooper del 2002.

Esempi notevoli

• 1913: Ruota di bicicletta (Roue de Bicyclette) di Marcel Duchamp, un readymade assistito composto da una ruota di bicicletta montata tramite la forcella su uno sgabello di legno dipinto. Sebbene il concetto di readymade sia stato formalizzato due anni dopo, questo pezzo è considerato il primo. L'opera originale è andata perduta, ed è riconosciuta anche come la prima scultura cinetica.
• 1914: Portabottiglie di Marcel Duchamp (noto anche come Bottle Dryer o Hedgehog), o in francese, Egouttoir, Porte-bouteilles o Hérisson. Questo readymade, uno stendibottiglie in ferro zincato, fu acquistato da Duchamp come scultura "già realizzata" ma rimase nel suo studio parigino. Nel 1916, due anni dopo, mentre corrispondeva da New York con la sorella Suzanne Duchamp in Francia, espresse il desiderio di designarlo formalmente come un ready-made; tuttavia, Suzanne, che dirigeva il suo studio a Parigi, si era già sbarazzata dell'oggetto.
• 1915: In anticipo sul braccio rotto (En prévision du bras cassé) di Marcel Duchamp, un readymade composto da una pala da neve sulla quale Duchamp ne incise meticolosamente il titolo. Questo pezzo segna il primo caso in cui l'artista designa ufficialmente un'opera d'arte come "readymade".
• 1916–17: Apolinère smaltato, 1916–1917. Questo readymade rettificato è una pubblicità della vernice Sapolin modificata.
• 1917: la Fontana di Marcel Duchamp, che un articolo su The Independent descrive come l'invenzione dell'arte concettuale. Rappresenta anche un primo esempio di critica istituzionale.
• 1917: Cappelliera (Porte-chapeaux) di Marcel Duchamp, circa c. 1917. Questo readymade è costituito da un'attaccapanni in legno.
• 1919: L.H.O.O.Q. di Marcel Duchamp, un readymade rettificato. Quest'opera presenta una riproduzione della Mona Lisa di Leonardo da Vinci, sulla quale Duchamp disegnò pizzetto e baffi, intitolandola con un gioco di parole volgare.
• 1921: Perché non starnutire, Rose Sélavy? di Marcel Duchamp, un readymade assistito. Questo pezzo è composto da cubetti di marmo a forma di zollette di zucchero, accompagnati da un termometro e ossi di seppia, il tutto contenuto all'interno di una piccola gabbia per uccelli.
• 1921: Belle Haleine, Eau de Voilette di Marcel Duchamp, un readymade assistito. Quest'opera consiste in una bottiglia di profumo alterata presentata nella sua scatola originale.
• 1952: la prima esecuzione assoluta della composizione in tre movimenti del compositore sperimentale americano John Cage, 4′33″, ebbe luogo il 29 agosto 1952. Il pianista David Tudor eseguì l'opera alla Maverick Concert Hall di Woodstock, New York, come parte di un recital di musica per pianoforte contemporanea. Viene comunemente interpretato come "quattro minuti e trentatré secondi di silenzio".
• 1953: Robert Rauschenberg produce Erased De Kooning Drawing, un'opera d'arte creata cancellando un disegno di Willem de Kooning. Questo pezzo ha sollevato domande significative riguardo alla natura fondamentale dell'arte, sfidando gli spettatori a considerare se l'atto di cancellare il lavoro di un altro artista potesse essere un atto creativo e se la sua validità artistica derivasse esclusivamente dalla celebrità di Rauschenberg.
• 1955: Rhea Sue Sanders crea i suoi primi testi per la serie pièces de complices, integrando l'arte visiva con la poesia e la filosofia. Questo lavoro ha introdotto il concetto di complicità, presupponendo che lo spettatore debba completare l'opera d'arte secondo la propria immaginazione.
• 1958: George Brecht sviluppò l'Event Score, un concetto che successivamente divenne una caratteristica centrale di Fluxus. Brecht, Dick Higgins, Allan Kaprow, Al Hansen, Jackson MacLow e altri studiarono con John Cage alla New School tra il 1958 e il 1959, un periodo che contribuì direttamente alla creazione di Happenings, Fluxus e della concept art di Henry Flynt. I punteggi evento sono semplici istruzioni per completare le attività quotidiane, che possono essere eseguite pubblicamente, privatamente o non essere eseguite affatto.
• Nel 1958 Wolf Vostell presentò Das Theater ist auf der Straße/Il teatro è sulla strada, riconosciuto come il primo Happening in Europa.
• Nel 1961, Piero Manzoni espone Merda d'artista, una serie di barattoli presumibilmente contenenti le sue stesse feci, che mette in vendita al loro equivalente peso in oro. Il contenuto di questi barattoli rimane non verificato, poiché aprirli comprometterebbe l'opera d'arte. Manzoni commercializzò anche il suo respiro esalato, incapsulato in palloncini, con il titolo Corpi d'Aria. Inoltre, ha firmato i corpi degli individui, designandoli così come opere d'arte viventi per durate perpetue o definite, subordinate al loro pagamento. Figure degne di nota dichiarate come "opere d'arte" attraverso questo metodo includono Marcel Broodthaers e Primo Levi.
• Nel 1962, l'artista Barrie Bates subì un rebranding, adottando il soprannome di Billy Apple e abbandonando la sua identità precedente per promuovere la sua indagine artistica sulla vita quotidiana e sulle pratiche commerciali. In questo frangente, una parte significativa delle sue creazioni erano prodotte da fabbricanti esterni.
• Nel 1962, Yves Klein condusse diverse cerimonie lungo la Senna, presentando Sensibilità pittorica immateriale. Durante questi eventi propone di vendere la sua "sensibilità pittorica", concetto che lascia indefinito, in cambio di foglie d'oro. Gli acquirenti avrebbero regalato a Klein una foglia d'oro e avrebbero ricevuto un certificato. Data la natura immateriale della sensibilità di Klein, l'acquirente è stato successivamente incaricato di bruciare il certificato, mentre Klein contemporaneamente gettava nel fiume metà della foglia d'oro ricevuta. Sette persone hanno partecipato a queste transazioni.
• Il FLUXUS Internationale Festspiele Neuester Musik ebbe luogo a Wiesbaden nel 1962, con contributi di George Maciunas, Wolf Vostell, Nam June Paik e altri artisti.
• Nel 1963, la raccolta di Event-Scores di George Brecht, intitolata Water Yam, fu pubblicata da George Maciunas come Fluxkit inaugurale.
• Nel 1964, Yoko Ono pubblicò Pompelmo: un libro di istruzioni e disegni, un'opera che esemplifica l'arte euristica attraverso la fornitura di istruzioni progettate per facilitare un'esperienza estetica.
• Nel 1965, Michael Baldwin, co-fondatore di Art & Linguaggio, creato Pezzo specchio. Quest'opera d'arte, divergendo dalla pittura tradizionale, incorporava una disposizione variabile di specchi, coinvolgendo così sia lo spettatore che sfidando il quadro teorico di Clement Greenberg.
• Joseph Kosuth attribuisce la concettualizzazione di Una e tre sedie al 1965. La presentazione dell'opera d'arte comprende una sedia fisica, una fotografia di quella sedia e una definizione ampliata del dizionario della parola "sedia", selezionata da Kosuth. Sono state documentate quattro versioni distinte di quest'opera, ciascuna caratterizzata da una definizione diversa.
• Concepito nel 1966, Art & The Air Conditioning Show di Language fu successivamente pubblicato come articolo nel numero di novembre 1967 di Arts Magazine.
• Nel 1967, Mel Ramsden ha prodotto i suoi primi dipinti astratti al 100%. Questa particolare opera d'arte presenta un elenco che descrive in dettaglio i costituenti chimici che formano la sostanza materiale del dipinto.
• Nel 1968, Michael Baldwin, Terry Atkinson, David Bainbridge e Harold Hurrell hanno co-fondato il collettivo Art & Lingua.
• Nel 1968, Lawrence Weiner articolò la sua "Dichiarazione di intenti", una dichiarazione fondamentale nell'arte concettuale che fece seguito ai "Paragrafi sull'arte concettuale" di LeWitt, sconfessando così la necessità della fabbricazione fisica nella sua pratica artistica. Questa dichiarazione, che ha informato la sua successiva metodologia, afferma: "1. L'artista può costruire l'opera. 2. L'opera può essere fabbricata. 3. Non è necessario che l'opera sia costruita. Essendo ciascuno uguale e coerente con l'intento dell'artista, la decisione sulle condizioni spetta al curatore in occasione dell'amministrazione controllata."
• L'anno 1969 segnò la nascita della prima ondata di sedi espositive alternative a New York, tra cui in particolare APPLE di Billy Apple, Gain Ground di Robert Newman, un sito in cui Vito Acconci creò numerosi primi lavori significativi, e 112 Greene Street.
• Nel 1973, Jacek Tylicki ha avviato la pratica di posizionare tele bianche o fogli di carta all'interno di ambienti naturali, consentendo alla natura di fungere da creatore artistico.
• Tra il 1973 e il 1979, Mary Kelly ha sviluppato il suo Documento post-partum, un lavoro in sei parti che racconta i primi sei anni di cura di suo figlio. Utilizzando una prospettiva psicoanalitica e femminista, questo pezzo indaga la dinamica madre-figlio ed esamina sia l'identità in via di sviluppo di suo figlio che la sua.
• Nel 1981, Joey Skaggs orchestrò la bufala Metamorphosis: Cockroach Miracle Cure,, impersonando il dottor Josef Gregor e affermando la scoperta di un rimedio universale derivato dagli ormoni degli scarafaggi. Questa performance, che fondeva assurde affermazioni scientifiche con commenti sociali, rivelò la credulità dei media e mostrò l'applicazione dell'arte concettuale da parte di Skaggs per mettere in discussione la dipendenza del pubblico dall'autorità e dalla conoscenza specializzata.
• Nel 1982, l'opera Victorine di Art & L'esibizione di Language era prevista a Kassel durante documenta 7, destinata ad accompagnare la mostra di Art & Studio di Language al 3 Wesley Place, dipinto da attori; tuttavia, lo spettacolo alla fine è stato annullato.
• Nel 1990, Ashley Bickerton e Ronald Jones furono presenti nella mostra "Mind Over Matter: Concept and Object" al Whitney Museum of American Art, che presentava "artisti concettuali di terza generazione".
• Nel 1991, Ronald Jones ha presentato una mostra alla Metro Pictures Gallery, presentando oggetti e testi che esploravano l'arte, la storia e la scienza attraverso la lente della cruda realtà politica.
• Nel 1991, Charles Saatchi fornì finanziamenti a Damien Hirst e l'anno successivo la Saatchi Gallery espose The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living di Hirst, un'opera d'arte composta da uno squalo conservato in formaldeide all'interno di una vetrina.
• Nel 1992, Maurizio Bolognini ha avviato la "sigillazione" delle sue Macchine Programmate, un progetto che coinvolge centinaia di computer programmati per funzionare indefinitamente, generando flussi infiniti di immagini casuali e invisibili.
• Nel 1999, Tracey Emin ha ricevuto una nomination per il Turner Prize, con la sua mostra che includeva My Bed, un letto disordinato circondato da detriti personali come preservativi, biancheria intima macchiata di sangue, bottiglie e pantofole da camera.
• Nel 2001, Martin Creed ha ricevuto il Turner Prize per il suo pezzo Work No. 227: The Lights going on and off, che comprendeva una stanza vuota in cui le luci si accendevano e si spegnevano a intermittenza.
• Nel 2003, damali ayo ha presentato Flesh Tone #1: Skinned al Center of Contemporary Art di Seattle, WA. Questo autoritratto collaborativo l'ha coinvolta nella richiesta di miscelatori di vernici ai negozi di ferramenta locali per formulare vernici per la casa corrispondenti alle diverse aree del suo corpo, con le interazioni documentate.
• Nel 2005, Simon Starling ha ricevuto il Turner Prize per Shedboatshed, un'opera d'arte che prevedeva la trasformazione di un capannone di legno in una barca, la navigazione lungo il fiume Reno e successivamente la riconversione in un capannone.
• Nel 2005, David Lynch ha creato la serie di video Weather Report. I critici hanno caratterizzato la serie Weather Report di Lynch come una forma di arte concettuale o basata sulla performance, osservando che il suo formato ritualizzato, quotidiano, ripetitivo, minimalista e autopubblicato si allinea con l'attenzione del concettualismo sul processo e sull'elevazione delle azioni quotidiane. Sebbene non sia universalmente classificata come tale, la serie ha raggiunto un'ampia diffusione online e viene occasionalmente citata nelle discussioni riguardanti l'arte concettuale post-minimalista e orientata al processo.
• Nel 2014, Olaf Nicolai ha progettato il Memoriale per le vittime della giustizia militare nazista, situato sulla Ballhausplatz di Vienna, in seguito alla sua vittoria in un concorso internazionale. L'iscrizione che adorna la scultura a tre gradini presenta una poesia di due parole del poeta scozzese Ian Hamilton Finlay (1924–2006): All alone.
• Nel 2019, Maurizio Cattelan ha venduto due edizioni di Comedian, un'opera d'arte raffigurante una banana attaccata a un muro con nastro adesivo, per 120.000 dollari ciascuna, attirando così una notevole attenzione da parte dei media.

Artisti concettuali notevoli

Riferimenti

Riferimenti

Libri

Libri

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• Harrison, Charles. Arte concettuale e pittura: ulteriori saggi su arte e pittura. Lingua. MIT Press, 2001.
• Migliorini, Ermanno. Arte concettuale. Firenze, 1971.
• Honnef, Klaus. Arte concettuale. Colonia: Phaidon, 1972.
• Meyer, Ursula, ed. Arte concettuale. New York: Dutton, 1972.
• Lippard, Lucy R. Sei anni: la smaterializzazione dell'oggetto d'arte dal 1966 al 1972. 1973. Berkeley: University of California Press, 1997.
• Battcock, Gregory, ed. Idea Art: un'antologia critica. New York: EP Dutton, 1973.
• Scellino, Jürgen. Azione. Identität von Kunst und Leben? Verlag C.J. Bucher, 1978, ISBN 3-7658-0266-2.
• Aliaga, Juan Vicente e José Miguel G. Cortés, ed. Arte Conceptual Revisiado/Arte Concettuale Revisited. Valencia: Università Politecnica di Valencia, 1990.
• Dreher, Thomas. Konzeptuelle Kunst in Amerika und England zwischen 1963 und 1976 (tesi, Ludwig-Maximilians-Universität, München). Francoforte sul Meno: Peter Lang, 1992.
• Morgan, Robert C. Arte concettuale: una prospettiva americana. Jefferson, Carolina del Nord/Londra: McFarland, 1994.
• Morgan, Robert C. L'arte nelle idee: saggi sull'arte concettuale. Cambridge et al.: Cambridge University Press, 1996.
• Harrison, Charles e Paul Wood. Arte in teoria: 1900–1990. Pubblicazione di Blackwell, 1993.
• Godfrey, Tony. Arte concettuale. Londra, 1998.
• I redattori Alexander Alberro e Blake Stimson. Arte concettuale: un'antologia critica. Cambridge, Massachusetts e Londra: MIT Press, 1999.
• A cura di Michael Newman e Jon Bird. Riscrivere l'arte concettuale. Londra: Reazione, 1999.
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• A cura di Michael Corris. Arte concettuale: teoria, pratica, mito. Cambridge, Inghilterra: Cambridge University Press, 2004.
• Marzona, Daniele. Arte concettuale. Colonia: Taschen, 2005.
• Roberts, John. L'intangibilità della forma: abilità e dequalificazione nell'arte dopo il ready-made. Londra e New York: Verso Books, 2007.
• Goldie, Peter ed Elisabeth Schellekens. Chi ha paura dell'arte concettuale? Abingdon: Routledge, 2010. VIII, 152 pagine: illustrazioni; 20cm. ISBN 0-415-42281-7 (copertina rigida); ISBN 978-0-415-42281-9 (copertina rigida); ISBN 0-415-42282-5 (tascabile); ISBN 978-0-415-42282-6 (tascabile).

Saggi

• Epstein, Mikhail, Alexander Genis e Slobodanka Vladiv-Glover. (2016) [1999]. "Tesi sul metarealismo e concettualismo (1983)." In Postmodernismo russo: nuove prospettive sulla cultura post-sovietica, tradotto da Slobodanka Vladiv-Glover (edizione rivista), 169–176. New York; Oxford: Berghahn Books. ISBN 978-1-78238-864-7.Journal of Aesthetic Education (di prossima pubblicazione, 2016).

Cataloghi delle mostre

• Diagrammi e strutture analogiche. Catalogo della mostra. Londra: Molton Gallery, 1963.
• 5-31 gennaio 1969. Catalogo della mostra. New York: Seth Siegelaub, 1969.
• Quando gli atteggiamenti diventano forma. Catalogo della mostra. Berna: Kunsthalle Berna, 1969.
• 557.087. Catalogo della mostra. Seattle: Museo d'arte di Seattle, 1969.
• Konzepzione/Concezione. Catalogo della mostra. Leverkusen: Städtisches Museum Leverkusen et al., 1969.
• Arte concettuale e aspetti concettuali. Catalogo della mostra. New York: Centro Culturale di New York, 1970.
• Arte nella mente. Catalogo della mostra. Oberlin, Ohio: Allen Memorial Art Museum, 1970.
• Informazioni. Catalogo della mostra. New York: Museo d'Arte Moderna, 1970.
• Software. Catalogo della mostra. New York: Museo Ebraico, 1970.
• Concetti di situazione. Catalogo della mostra. Innsbruck: Forum für aktuelle Kunst, 1971.
• Arte concettuale I. Catalogo della mostra. Bordeaux: capcMusée d'art contemporain de Bordeaux, 1988.
• L'arte concettuale. Catalogo della mostra. Parigi: ARC–Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, 1989.
• A cura di Christian Schlatter. Arte concettuale forme concettuali/Arte concettuale forme concettuali. Catalogo della mostra. Parigi: Galerie 1900–2000 e Galerie de Poche, 1990.
• Riconsiderare l'oggetto d'arte: 1965–1975. Catalogo della mostra. Los Angeles: Museo di Arte Contemporanea, 1995.
• Concettualismo globale: punti di origine, anni '50 -'80. Catalogo della mostra. New York: Queens Museum of Art, 1999.
• Sistemi aperti: ripensare l'arte c. 1970. Catalogo della mostra. Londra: Tate Modern, 2005.
• Arte e cultura Lingua incompleta: la collezione Philippe Méaille. MACBA Press, 2014.
• Anni luce: arte concettuale e fotografia 1964–1977. Catalogo della mostra. Chicago: Art Institute di Chicago, 2011.

• Media relativi all'arte concettuale su Wikimedia Commons
• Arte e cultura Lingua incompleta: The Philippe Méaille Collection, MACBA Archiviato il 29/07/2017 in Internet Archive
• Anni luce: arte concettuale e fotografia, 1964–1977 presso l'Art Institute of Chicago
• Schellekens, Elisabeth. "Arte concettuale". In Zalta, Edward N. (a cura di), Stanford Encyclopedia of Philosophy. ISSN 1095-5054. OCLC 429049174.Fonte: Archivio TORIma Accademia