Cubism

Cubismo, un movimento artistico d'avanguardia nato a Parigi all'inizio del XX secolo, trasformò profondamente la pittura e le arti visive, stimolando allo stesso tempo significative innovazioni artistiche nella musica, nel balletto, nella letteratura e nell'architettura.

Nel Cubismo, i soggetti vengono sottoposti ad analisi, decostruzione e successivo riassemblaggio in forme astratte. Gli artisti divergono dalle rappresentazioni a prospettiva singola, presentando invece i soggetti da più punti di vista per trasmettere una comprensione più completa. Questo movimento è ampiamente considerato come il movimento artistico più influente del 20° secolo. La designazione cubismo comprende ampiamente diverse opere d'arte create a Parigi (in particolare Montmartre e Montparnasse) o nelle sue vicinanze (come Puteaux) negli anni '10 e '20.

Pablo Picasso e Georges Braque furono pionieri del movimento cubista, a cui si unirono in seguito artisti come Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier, Juan Gris e Fernand Léger. Un precursore significativo del cubismo fu l'esplorazione della forma tridimensionale di Paul Cézanne nel periodo tardo. Il lavoro di Cézanne fu presentato in una retrospettiva al Salon d'Automne nel 1904, con pezzi contemporanei esposti al Salon d'Automne del 1905 e 1906, e due retrospettive commemorative postume dopo la sua morte nel 1907.

In Francia, il cubismo generò diversi movimenti derivati, tra cui l'orfismo, varie forme di arte astratta e successivamente il purismo. L’influenza del cubismo si estese ampiamente sia alle belle arti che alla cultura popolare. In particolare, il cubismo ha aperto la strada al collage come mezzo artistico moderno. In Francia e a livello internazionale, movimenti come Futurismo, Suprematismo, Dada, Costruttivismo, De Stijl e Art Déco emersero come reazioni ai principi cubisti. I primi dipinti futuristi condividevano con il cubismo l’integrazione tra passato e presente, insieme alla rappresentazione di un soggetto da punti di vista multipli, simultanei o successivi, concetti noti anche come prospettiva multipla, simultaneità o molteplicità. Il costruttivismo, al contrario, trasse ispirazione dal metodo di Picasso di assemblare sculture da componenti distinti. Ulteriori caratteristiche condivise tra questi diversi movimenti comprendono la semplificazione sfaccettata o geometrica delle forme e la connessione tematica alla meccanizzazione e all'esistenza moderna.

Storia

La traiettoria storica del cubismo è stata classificata dagli studiosi in fasi distinte. Una classificazione identifica la fase iniziale come Cubismo analitico, un termine coniato retrospettivamente da Juan Gris. Questo periodo, che va dal 1910 al 1912 in Francia, costituì un movimento artistico radicale e molto influente, anche se breve. Si ritiene generalmente che la fase successiva, il Cubismo sintetico, sia durata dal 1912 al 1914 circa, caratterizzata da forme più semplici, colori più vivaci e dall'uso sperimentale di texture e motivi, come l'incorporazione di stampe di giornali o carta fantasia. Il cubismo sintetico mantenne la sua importanza fino al 1919 circa, in coincidenza con l'ascesa del movimento surrealista. Lo storico dell'arte inglese Douglas Cooper ha presentato uno schema alternativo in tre fasi nel suo libro The Cubist Epoch. La struttura di Cooper include il "Primo cubismo" (1906-1908), che segna lo sviluppo iniziale del movimento negli studi di Picasso e Braque; "Alto cubismo" (1909-1914), durante il quale Juan Gris divenne una figura significativa (dopo il 1911); e "Tardo Cubismo" (1914-1921), che definì la fase finale del Cubismo come movimento d'avanguardia radicale. L'applicazione selettiva di questi termini da parte di Cooper per differenziare le opere di Braque, Picasso, Gris (dal 1911) e, in misura minore, di Léger, suggerisce un giudizio di valore intrinseco.

Proto-cubismo: 1907–1908

Il cubismo conobbe il suo sviluppo formativo tra il 1907 e il 1911. Il dipinto di Pablo Picasso del 1907, Les Demoiselles d'Avignon, è spesso identificato come un'opera d'arte proto-cubista.

Nel 1908, il critico d'arte Louis Vauxcelles, recensendo la mostra di Georges Braque alla galleria Kahnweiler, definì Braque un artista audace che ignorava le forme convenzionali, affermando che "riduceva tutto, luoghi, figure e case, a schemi geometrici, a cubi".

Vauxcelles ricorda inoltre l'osservazione contemporanea di Matisse: "Braque è appena stato presentato al Salon del 1908". d'Automne un dipinto fatto di piccoli cubi." Il critico Charles Morice successivamente fece eco all'osservazione di Matisse, riferendosi ai "piccoli cubi" di Braque. Il motivo del viadotto all'Estaque è servito da ispirazione per Braque, portandolo a creare tre dipinti notevoli per la loro semplificazione formale e la decostruzione prospettica.

In un articolo del 25 marzo 1909 per Gil Blas, Vauxcelles coniò il termine bizarreries cubiques (stranezze cubiche) in risposta al dipinto Case all'Estaque di Georges Braque del 1908 e alle opere d'arte associate. Gertrude Stein ha identificato i paesaggi di Picasso del 1909, tra cui Il bacino idrico di Horta de Ebro, come i primi dipinti cubisti. La prima mostra collettiva organizzata di arte cubista ebbe luogo nella "Salle 41" del Salon des Indépendants di Parigi durante la primavera del 1911. Questa mostra presentava opere di Jean Metzinger, Albert Gleizes, Fernand Léger, Robert Delaunay e Henri Le Fauconnier, escludendo in particolare qualsiasi contributo di Picasso o Braque.

Nel 1911, Picasso era ampiamente riconosciuto come il creatore del cubismo; tuttavia, i contributi significativi e la precedenza cronologica di Braque, in particolare per quanto riguarda la sua manipolazione di spazio, volume e massa nei paesaggi dell'Estaque, divennero oggetto di successivo dibattito accademico. Lo storico dell'arte Christopher Green ha osservato che "questa visione del cubismo è associata a una definizione decisamente restrittiva di quali artisti debbano propriamente essere chiamati cubisti", affermando inoltre che ciò comportava "l'emarginazione del contributo degli artisti che esposero al Salon des Indépendants nel 1911 [...]"

Daniel-Henry Kahnweiler ipotizzò già nel 1920 che le rappresentazioni cubiste di spazio, massa, tempo e volume rafforzassero, piuttosto che minata, la piattezza intrinseca della tela. Questa affermazione, tuttavia, ha dovuto affrontare notevoli critiche durante gli anni '50 e '60, in particolare da parte di Clement Greenberg.

Le prospettive attuali sul cubismo sono sfaccettate, in parte modellate dai cubisti della "Salle 41", i cui approcci artistici divergevano significativamente da quelli di Picasso e Braque, precludendo la loro classificazione come meramente derivati. Di conseguenza, sono emerse diverse interpretazioni del cubismo. Concettualizzazioni più ampie del cubismo comprendono artisti successivamente legati al gruppo "Salle 41", come Francis Picabia; i fratelli Jacques Villon, Raymond Duchamp-Villon e Marcel Duchamp, che fondarono il nucleo della Sezione d'Oro (o Gruppo Puteaux) dalla fine del 1911; scultori tra cui Alexander Archipenko, Joseph Csaky, Ossip Zadkine, Jacques Lipchitz e Henri Laurens; e pittori come Louis Marcoussis, Roger de La Fresnaye, František Kupka, Diego Rivera, Léopold Survage, Auguste Herbin, André Lhote, Gino Severini (post-1916), María Blanchard (post-1916) e Georges Valmier (post-1918). Più fondamentalmente, Christopher Green sostiene che la terminologia di Douglas Cooper fu "successivamente minata dalle interpretazioni del lavoro di Picasso, Braque, Gris e Léger che sottolineano questioni iconografiche e ideologiche piuttosto che metodi di rappresentazione". imitazioni o ricreazioni."

Primo cubismo: 1909–1914

Esisteva una notevole distinzione tra gli artisti sostenuti da Kahnweiler e quelli associati ai Salon Cubists. Prima del 1914, Daniel-Henry Kahnweiler, un devoto mercante d'arte parigino, fornì sostegno finanziario a Picasso, Braque, Gris e, in misura minore, Léger, assicurandosi diritti di acquisto esclusivi sulle loro creazioni in cambio di un reddito annuo. La clientela di Kahnweiler era limitata a un gruppo selezionato di intenditori. Questo mecenatismo diede agli artisti l’autonomia di perseguire i loro sforzi sperimentali in relativo isolamento. Picasso mantenne il suo studio a Montmartre fino al 1912, mentre Braque e Gris continuarono a risiedervi fino a dopo la prima guerra mondiale. Léger, al contrario, aveva sede a Montparnasse.

Al contrario, i Salon Cubisti stabilirono la loro importanza principalmente attraverso mostre coerenti al Salon d'Automne e al Salon des Indépendants, entrambe importanti mostre d'arte non accademiche a Parigi. Di conseguenza, erano intrinsecamente più in sintonia con l’accoglienza del pubblico e con l’imperativo di una comunicazione più ampia. Nel 1910, un collettivo composto da Metzinger, Gleizes, Delaunay e Léger aveva cominciato a coalizzarsi. Gli incontri regolari si tenevano nello studio di Henri le Fauconnier, situato vicino al boulevard du Montparnasse. Queste assemblee serali presentavano spesso personaggi letterari come Guillaume Apollinaire e André Salmon. Insieme ad altri artisti emergenti, questo gruppo ha cercato di dare priorità all'esplorazione della forma, in contrasto con l'attenzione neoimpressionista al colore.

Louis Vauxcelles, nella sua recensione del 1910 del 26° Salon des Indépendants, definì brevemente e vagamente Metzinger, Gleizes, Delaunay, Léger e Le Fauconnier come "geometri ignoranti, che riducono il corpo umano, il sito, a cubi pallidi". Pochi mesi dopo, al Salon d'Automne del 1910, Metzinger presentò il suo Nu à la cheminée (Nudo), altamente fratturato, un'opera d'arte successivamente riprodotta sia in Du "Cubisme" (1912) che in Les Peintres Cubistes (1913).

La controversia pubblica iniziale del cubismo sorse dalle sue mostre al Salon des Indépendants durante la primavera del 1911. Questa particolare mostra, con opere di Metzinger, Gleizes, Delaunay, Le Fauconnier e Léger, segnò la prima significativa esposizione del cubismo al grande pubblico. Tra le opere cubiste esposte, Robert Delaunay ha presentato la sua Torre Eiffel, Tour Eiffel (Museo Solomon R. Guggenheim, New York).

Al Salon d'Automne dello stesso anno, accanto al gruppo degli Indépendants della Salle 41, furono esposte opere di André Lhote, Marcel Duchamp, Jacques Villon, Roger de La Fresnaye, André Dunoyer de Segonzac e František Kupka. La mostra ricevette copertura nel numero dell'8 ottobre 1911 del The New York Times. Questa pubblicazione seguì di un anno The Wild Men of Paris di Gelett Burgess e precedette di due anni l'Armory Show; quest'ultimo evento ha introdotto il pubblico americano, abituato all'arte realistica, agli stili sperimentali d'avanguardia europei come il fauvismo, il cubismo e il futurismo. In particolare, l'articolo del New York Times del 1911 presentava opere di Picasso, Matisse, Derain e Metzinger, tra gli altri, datate prima del 1909 e non erano state esposte al Salon del 1911. L'articolo portava il titolo I "cubisti" dominano il salone d'autunno di Parigi e il sottotitolo L'eccentrica scuola di pittura aumenta la sua voga nelle attuali mostre d'arte: cosa tentano di fare i suoi seguaci.

Tra tutti i dipinti esposti al Salon autunnale di Parigi, nessuno ha raccolto tanta attenzione quanto le straordinarie produzioni della cosiddetta scuola "cubista". In effetti, i dispacci da Parigi suggeriscono che queste opere fossero innegabilmente il fiore all'occhiello della mostra. [...]

Nonostante il radicalismo percepito delle teorie "cubiste", un numero considerevole di artisti aderirono ad esse. Georges Braque, André Derain, Picasso, Czobel, Othon Friesz, Herbin e Metzinger furono tra coloro che firmarono tele che affascinarono e stupirono il pubblico parigino.

Cosa significano? I loro responsabili hanno perso il senno? È arte o follia? Chi lo sa?

Salon des Indépendants

Il Salon des Indépendants del 1912 a Parigi (20 marzo - 16 maggio 1912) vide la controversa presentazione del Nudo che scende le scale, n. 2 di Marcel Duchamp, che provocò uno scandalo anche tra gli artisti cubisti. Il comitato d'impiccagione, composto dai suoi fratelli e da altri cubisti, respinse in particolare il lavoro. Nonostante la sua successiva esposizione al Salon de la Sezione d'Oro nell'ottobre 1912 e all'Armory Show di New York nel 1913, Duchamp rimase spietato nei confronti dei suoi fratelli ed ex colleghi per la loro censura. Juan Gris, nuovo arrivato al Salon, ha esposto il suo Ritratto di Picasso (Art Institute of Chicago), mentre Metzinger ha presentato due opere, tra cui La Femme au Cheval (Donna con cavallo, 1911-1912, Galleria Nazionale di Danimarca). Inoltre, erano in mostra anche il monumentale La Ville de Paris (Musée d'art moderne de la Ville de Paris) e La Noce (The Wedding, Musée National d'Art Moderne, Parigi) di Léger.

Galerie Dalmau

Nel 1912, le Galeries Dalmau ospitarono la prima mostra collettiva mondiale dichiarata del cubismo (Exposició d'Art Cubista), con una controversa mostra di Jean Metzinger, Albert Gleizes, Juan Gris, Marie Laurencin e Marcel Duchamp (Barcellona, 20 aprile - 10 maggio 1912). Questa mostra di Dalmau ha presentato 83 opere di 26 artisti. Jacques Nayral, grazie al suo sodalizio con Gleizes, è autore della Prefazione alla mostra cubista, che è stata successivamente tradotta integralmente e pubblicata sul quotidiano La Veu de Catalunya. In particolare, Nudo che scende le scale, n. 2 di Duchamp ha fatto il suo debutto qui.

Le Galeries Dalmau hanno guadagnato importanza come contributo significativo al progresso e alla diffusione del modernismo in Europa, in gran parte grazie all'ampia attenzione dei media su giornali e riviste prima, durante e dopo la mostra. Sebbene la copertura della stampa sia stata ampia, non è stata uniformemente favorevole. Ad esempio, articoli sui giornali Esquella de La Torratxa e El Noticiero Universal contenevano caricature accompagnate da commenti denigratori, che criticavano i cubisti. Lo storico dell'arte Jaime Brihuega ha osservato che la mostra di Dalmau "generò senza dubbio un notevole scalpore nel pubblico, incontrando un sostanziale scetticismo."

Un'evoluzione fondamentale nel cubismo emerse nel 1912 con l'introduzione del collage, nella sua interpretazione modernista, da parte di Braque e Picasso. Picasso è riconosciuto per aver prodotto il collage cubista inaugurale, Natura morta con sedia caning, nel maggio 1912. Tuttavia, Braque aveva precedentemente creato sculture cubiste in cartone e papiers collés. I papiers collés tipicamente incorporavano frammenti di oggetti cartacei quotidiani, come giornali, tovaglie, carta da parati e spartiti. Al contrario, i collage cubisti integravano materiali diversi; ad esempio, Still-life With Chair Caning combinava pittura a olio applicata liberamente con tela cerata stampata commercialmente su un'unica tela.

Salon d'Automne

Le mostre cubiste al Salon d'Automne del 1912 provocarono uno scandalo riguardante l'utilizzo di luoghi di proprietà statale, incluso il Grand Palais, per esporre tale arte. L'indignazione espressa dal politico Jean Pierre Philippe Lampué apparve ben visibile sulla prima pagina di Le Journal il 5 ottobre 1912. Questa controversia raggiunse il Consiglio municipale di Parigi, culminando in un dibattito parlamentare all'interno della Chambre des Députés riguardo allo stanziamento di fondi pubblici per ospitare tali presentazioni artistiche. Il deputato socialista Marcel Sembat ha difeso in particolare i cubisti.

In questo clima di malcontento pubblico, Jean Metzinger e Albert Gleizes scrissero Du "Cubisme", che Eugène Figuière pubblicò nel 1912 e successivamente tradotto in inglese e russo nel 1913. Le opere esposte includevano l'ampio pezzo di Le Fauconnier Les Montagnards attaqués par des ours (Mountaineers Attacked by Bears), attualmente ospitata presso il Rhode Island School of Design Museum, e la scultura Deux Femme, Two Women di Joseph Csaky (ora considerata perduta). Inoltre, sono stati esposti anche dipinti altamente astratti di Kupka, in particolare Amorpha (situato alla Galleria Nazionale, Praga) e La Source (La Primavera) di Picabia (parte della collezione del Museum of Modern Art, New York).

Astrazione e ready-made

Le manifestazioni più radicali del cubismo divergevano dalle pratiche di Picasso e Braque, che si astenevano dall'astrazione completa. Al contrario, altri cubisti, in particolare František Kupka, e quelli designati come orfisti da Apollinaire (tra cui Delaunay, Léger, Picabia e Duchamp), abbracciarono l’astrazione eliminando completamente gli argomenti distinguibili. Le due proposte di Kupka al Salon d'Automne del 1912, Amorpha-Fugue à deux couleurs e Amorpha chromatique chaude, erano profondamente astratte (o non rappresentative) e inclini alla metafisica. Sia Duchamp nel 1912 che Picabia dal 1912 al 1914 coltivarono un'astrazione espressiva ed evocativa, esplorando intricati motivi emotivi e sessuali. A partire dal 1912, Delaunay iniziò una serie di lavori intitolati Finestre simultanee, seguita da un'altra serie, Formes Circulaires, in cui integrò composizioni planari con vivaci colori prismatici. Il suo allontanamento dalle immagini realistiche fu quasi assoluto, radicato nelle proprietà ottiche delle tonalità giustapposte. Tra il 1913 e il 1914, Léger creò la serie Contrasti di forme, enfatizzando in modo simile colore, linea e forma. Nonostante le sue caratteristiche astratte, il cubismo di Léger era legato ai temi della meccanizzazione e dell'esistenza contemporanea. Apollinaire sostenne questi nascenti sviluppi del cubismo astratto in Les Peintres cubistes (1913), sostenendo una nuova pittura "pura" priva di soggetto. Tuttavia, nonostante l'applicazione del termine Orfismo da parte di Apollinaire, queste diverse opere resistono alla classificazione in un'unica categoria artistica.

Marcel Duchamp, che Apollinaire classificò anche come orfista, diede inizio a un'altra evoluzione artistica radicale influenzata dal cubismo. Il concetto di ready-made è emerso dalla duplice premessa che un'opera d'arte funziona come un oggetto (simile a un dipinto) e incorpora detriti materiali dall'ambiente (simile al collage e al papier collé nelle costruzioni cubiste e nell'assemblaggio). La successiva progressione logica di Duchamp prevedeva la presentazione di oggetti banali come opere d'arte autonome, che rappresentavano esclusivamente la propria esistenza. A titolo illustrativo, nel 1913, applicò una ruota di bicicletta a uno sgabello da cucina e nel 1914 designò uno stendibottiglie come un pezzo scultoreo indipendente.

La Sezione d'Or

La Section d'Or, in alternativa denominata Groupe de Puteaux, comprendeva un collettivo di pittori, scultori e critici affiliati al cubismo e all'orfismo. Fondato da diversi eminenti cubisti, questo gruppo fu attivo dal 1911 al 1914 circa, ottenendo riconoscimenti in seguito alla loro controversa esibizione al Salon des Indépendants del 1911. Il Salon de la Sezione d'Or, tenutosi presso la Galerie La Boétie di Parigi nell'ottobre del 1912, è ampiamente considerata la mostra cubista più significativa prima della prima guerra mondiale, introducendo efficacemente il cubismo a un vasto pubblico. Con oltre 200 opere esposte, la presentazione di opere che abbracciano lo sviluppo degli artisti dal 1909 al 1912 ha conferito alla mostra il carattere di una retrospettiva cubista.

Secondo quanto riferito, il gruppo adottò la denominazione "Sezione d'Oro" per differenziare il proprio approccio dall'interpretazione più circoscritta del cubismo avanzata contemporaneamente da Pablo Picasso e Georges Braque nel quartiere Montmartre di Parigi. Questa nomenclatura mirava anche a trasmettere che il cubismo costituiva una continuazione di una venerabile tradizione, piuttosto che un fenomeno artistico isolato, dato che la sezione aurea aveva affascinato gli intellettuali occidentali di varie discipline per oltre due millenni.

La concettualizzazione della Sezione d'Oro è emersa dalle discussioni tra Metzinger, Gleizes e Jacques Villon. Villon propose il titolo del gruppo dopo aver letto la traduzione di Joséphin Péladan del 1910 del Trattato della Pittura di Leonardo da Vinci.

Tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo, gli artisti europei iniziarono a impegnarsi e ad apprezzare l'arte delle culture africana, polinesiana, micronesiana e dei nativi americani. Figure di spicco come Paul Gauguin, Henri Matisse e Pablo Picasso si ritrovarono affascinate e influenzate dal profondo potere e dalla semplicità stilistica inerenti a queste tradizioni artistiche non occidentali. Intorno al 1906, Picasso conobbe Matisse da Gertrude Stein, un periodo durante il quale entrambi gli artisti avevano sviluppato un nascente interesse per il primitivismo, la scultura iberica, l'arte africana e le maschere tribali africane. La loro relazione si evolse in un'amichevole rivalità, caratterizzata da reciproca competizione nel corso delle loro carriere, catalizzando potenzialmente l'ingresso di Picasso in una nuova fase artistica nel 1907, distintamente modellata da influenze artistiche greche, iberiche e africane. Le opere di Picasso del 1907 sono spesso classificate come protocubismo, esemplificato da Les Demoiselles d'Avignon, che funge da precursore del cubismo.

Secondo lo storico dell'arte Douglas Cooper, Paul Gauguin e Paul Cézanne esercitarono un'influenza significativa sulla genesi del cubismo, in particolare sui dipinti di Picasso tra il 1906 e il 1907. Cooper afferma inoltre: "Sebbene le Demoiselles siano comunemente citate come il dipinto cubista inaugurale, questa caratterizzazione è un'esagerazione. Sebbene rappresenti un passo iniziale cruciale verso il cubismo, non incarna pienamente lo stile. Le sue qualità dirompenti ed espressionistiche contraddicono persino l'etica distaccata e realistica del cubismo. Tuttavia, le Demoiselles servono logicamente come opera fondativa del cubismo, poiché indica l'emergere di un nuovo linguaggio pittorico, in cui Picasso ha sovvertito radicalmente le norme artistiche consolidate e da cui hanno avuto origine tutti gli sviluppi successivi."

L'affermazione che Demoiselles rappresenta la genesi del cubismo, in particolare a causa delle sue apparenti influenze artistiche primitive, deve affrontare una sfida significativa, poiché lo storico dell'arte Daniel Robbins ha definito tali interpretazioni "antistoriche". Robbins ha inoltre sostenuto che questa spiegazione comune "non riesce a dare adeguata considerazione alle complessità di un'arte fiorente che esisteva poco prima e durante il periodo in cui si sviluppò la nuova pittura di Picasso". Dal 1905 al 1908, la ricerca deliberata di nuovi stili artistici accelerò rapide trasformazioni nell’arte in Francia, Germania, Paesi Bassi, Italia e Russia. Gli artisti impressionisti avevano precedentemente utilizzato una doppia prospettiva, mentre sia Les Nabis che i simbolisti, che tenevano in grande stima anche Cézanne, appiattirono il piano pittorico, semplificando i loro soggetti in forme geometriche fondamentali. I metodi compositivi e i contenuti tematici neoimpressionisti, particolarmente evidenti nelle opere di Georges Seurat come Parade de Cirque, Le Chahut e Le Cirque, costituirono un altro fattore cruciale. Inoltre, sviluppi analoghi si sono osservati nella letteratura e nella filosofia sociale.

Oltre a Seurat, gli elementi fondamentali del cubismo sono individuabili in due caratteristiche distinte della successiva produzione artistica di Cézanne: in primo luogo, la sua frammentazione della superficie dipinta in numerose aree sfaccettate, che sottolineavano le molteplici prospettive inerenti alla visione binoculare; e in secondo luogo, la sua inclinazione verso l'astrazione delle forme naturali in solidi geometrici di base come cilindri, sfere e coni. Tuttavia, gli artisti cubisti estesero questo quadro concettuale oltre le esplorazioni iniziali di Cézanne. Hanno reso tutte le superfici degli oggetti raffigurati all'interno di un singolo piano pittorico, creando l'impressione che ogni sfaccettatura di un oggetto fosse simultaneamente visibile. Questo approccio rappresentativo innovativo ha trasformato radicalmente la visualizzazione degli oggetti nella pittura e nell'arte.

L'esame accademico del cubismo iniziò alla fine degli anni '20, inizialmente attingendo a fonti di dati limitate, principalmente le prospettive di Guillaume Apollinaire. Successivamente, questa ricerca divenne fortemente dipendente dalla pubblicazione di Daniel-Henry Kahnweiler del 1920, Der Weg zum Kubismus, incentrata sulle traiettorie artistiche di Picasso, Braque, Léger e Gris. Le classificazioni "analitico" e "sintetico", sorte successivamente, hanno ottenuto un ampio consenso a partire dalla metà degli anni '30. Entrambe le designazioni, tuttavia, rappresentano imposizioni storiche retrospettive, formulate dopo gli sviluppi artistici che descrivono. Nessuna di queste fasi è stata identificata con tale terminologia nel periodo in cui furono prodotte le opere d'arte associate. Daniel Robbins ha osservato: "Se Kahnweiler considera il cubismo come Picasso e Braque, la nostra unica colpa è quella di sottoporre le opere di altri cubisti ai rigori di quella definizione limitata."

La comprensione convenzionale del "cubismo", costruita retrospettivamente post facto per interpretare le opere di Braque e Picasso, ha influenzato la percezione di altri artisti del ventesimo secolo. Questo quadro si rivela difficile da applicare a pittori come Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay e Henri Le Fauconnier, le cui significative divergenze dal cubismo tradizionale spinsero Kahnweiler a mettere in discussione la loro classificazione come cubisti. Daniel Robbins ha affermato: "Suggerire che semplicemente perché questi artisti si sono sviluppati in modo diverso o hanno variato rispetto al modello tradizionale meritavano di essere relegati a un ruolo secondario o satellite nel cubismo è un errore profondo."

L'etimologia del termine "cubismo" evidenzia spesso il riferimento di Henri Matisse del 1908 ai "cubi" in relazione a un dipinto di Braque, insieme alla sua successiva pubblicazione due volte da parte del critico Louis Vauxcelles in un contesto comparabile. Tuttavia, il descrittore "cubo" era stato utilizzato in precedenza, nel 1906, da un altro critico, Louis Chassevent, che lo applicò non a Picasso o Braque, ma specificamente a Metzinger e Delaunay, affermando:

"M. Metzinger funziona come un mosaicista simile a M. Signac, tuttavia mostra una maggiore precisione nella delineazione dei suoi cubi di colore, che trasmettono l'impressione di una fabbricazione meccanica [...]".

L'applicazione critica del termine "cubo" risale al maggio 1901, quando Jean Béral, nella sua recensione dell'opera di Henri-Edmond Cross agli Indépendants for Art et Littérature, osservò che Cross "utilizza un puntinismo ampio e quadrato, creando un'impressione simile a un mosaico. Ci si chiede persino perché l'artista non abbia utilizzato cubi di materiale solido e di diversi colori: formerebbero attraenti facce." (Robert Herbert, 1968, p. 221)

Il termine "cubismo" ottenne un'ampia accettazione soprattutto nel 1911, spesso associato ad artisti come Metzinger, Gleizes, Delaunay e Léger. Nello stesso anno, il poeta e critico Guillaume Apollinaire approva formalmente il termine per un collettivo di artisti invitati a esporre agli Indépendants di Bruxelles. Successivamente, nel 1912, Metzinger e Gleizes scrissero e pubblicarono Du "Cubisme" in previsione del Salon de la Sezione d'Or. Questo lavoro fondamentale mirava a chiarire la confusione prevalente intorno al termine e serviva come una significativa difesa del cubismo, che in precedenza aveva generato polemiche pubbliche in seguito al Salon des Indépendants del 1911 e al Salon d'Automne del 1912 a Parigi. Come trattato teorico inaugurale del cubismo, articolava gli obiettivi degli artisti e continua ad essere considerata l'esposizione più lucida e comprensibile del movimento. Il trattato è nato non solo dalla collaborazione dei suoi due autori, ma anche dalle discussioni all'interno del circolo artistico riunitosi a Puteaux e Courbevoie. Rifletteva inoltre le prospettive degli "artisti di Passy", tra cui Picabia e i fratelli Duchamp, che revisionarono parti del testo prima della sua pubblicazione. Un concetto centrale elaborato in Du "Cubisme", ampiamente riconosciuto come una tecnica cubista fondamentale, prevede l'osservazione simultanea di un soggetto da più punti di vista spaziali e temporali, fondendo efficacemente angoli successivi ottenuti muovendosi attorno a un oggetto in un'unica immagine composita (che comprende più punti di vista, prospettiva mobile, simultaneità o molteplicità).

Il manifesto del 1912, Du "Cubisme", scritto da Metzinger e Gleizes, fu seguito nel 1913 da Les Peintres Cubistes di Guillaume Apollinaire, una raccolta delle sue riflessioni e analisi critiche. Apollinaire mantenne stretti legami con Picasso dal 1905 e Braque dal 1907, ma estese un'attenzione critica paragonabile ad altri artisti di spicco, tra cui Metzinger, Gleizes, Delaunay, Picabia e Duchamp.

L'attenta curatela della mostra del 1912, progettata per illustrare la traiettoria evolutiva del cubismo, insieme alla tempestiva pubblicazione di Du "Cubisme", sottolinea l'impegno degli artisti intento strategico di rendere il proprio lavoro accessibile a un pubblico eterogeneo, che comprende critici d'arte, collezionisti, mercanti e la popolazione in generale. Il notevole successo della mostra ha innegabilmente spinto il cubismo a essere riconosciuto come un importante movimento d'avanguardia, affermandolo come un genere o uno stile artistico distinto caratterizzato da un fondamento o un obiettivo filosofico condiviso.

Cubismo di cristallo: 1914–1918

Tra il 1914 e il 1916, il cubismo subì una notevole trasformazione, caratterizzata da una pronunciata enfasi su piani geometrici espansivi e sovrapposti e da un'estetica della superficie appiattita. Questo gruppo stilistico, che comprende sia la pittura che la scultura, acquistò particolare importanza dal 1917 al 1920 e fu adottato da numerosi artisti, in particolare quelli affiliati al mercante d'arte e collezionista Léonce Rosenberg. L'accresciuto rigore compositivo, la chiarezza e il senso dell'ordine evidenti in queste creazioni hanno spinto il critico Maurice Raynal a coniare il termine cubismo "cristallo". Le precedenti preoccupazioni cubiste precedenti la prima guerra mondiale, come la quarta dimensione, il dinamismo della vita moderna, l'occulto e il concetto di durata di Henri Bergson, furono successivamente abbandonate, cedendo a un quadro artistico esclusivamente formale.

Il cubismo di cristallo, insieme al concetto associato di rappel à l'ordre (ritorno all'ordine), è stato interpretato come una risposta artistica alla Grande Guerra, riflettendo il desiderio sia del personale militare che dei civili di disimpegnarsi da la dura realtà del conflitto durante e immediatamente dopo la sua conclusione. La purificazione stilistica del cubismo, evidente dal 1914 fino alla metà degli anni '20, caratterizzata dalla sua unità coesa e da deliberati vincoli formali, è spesso correlata a un più ampio spostamento ideologico verso il conservatorismo all'interno della società e della cultura francese.

Cubismo dopo il 1918

Il periodo precedente al 1914 segnò la fase più innovativa del cubismo. Dopo la prima guerra mondiale, il cubismo riacquistò importanza tra gli artisti, sostenuto dal mecenatismo del mercante Léonce Rosenberg, e mantenne questa posizione centrale fino alla metà degli anni '20. In questo frangente, la sua posizione d’avanguardia fu messa in discussione dall’ascesa dell’astrazione geometrica e del surrealismo a Parigi. Nonostante lo sviluppo di stili alternativi, numerosi praticanti cubisti, tra cui Picasso, Braque, Gris, Léger, Gleizes, Metzinger ed Emilio Pettoruti, rivisitarono periodicamente i principi cubisti, anche oltre il 1925. Il movimento conobbe una rinascita negli anni '20 e '30 attraverso le opere dell'artista americano Stuart Davis e dell'artista britannico Ben Nicholson. Al contrario, in Francia, il cubismo iniziò a declinare intorno al 1925. Léonce Rosenberg giocò un ruolo cruciale, esponendo non solo artisti colpiti dall'esilio di Kahnweiler ma anche altri come Laurens, Lipchitz, Metzinger, Gleizes, Csaky, Herbin e Severini. Nel 1918, Rosenberg organizzò una serie di mostre cubiste presso la sua Galerie de l'Effort Moderne a Parigi. Mentre Louis Vauxcelles tentava di dichiarare defunto il cubismo, queste mostre, insieme a un'esposizione cubista meticolosamente organizzata al Salon des Indépendants del 1920 e al contemporaneo risveglio del Salon de la Sezione d'Or, dimostrarono inequivocabilmente la sua continua vitalità.

La rinascita del cubismo fu contemporanea allo sviluppo di un quadro teorico coeso tra il 1917 e il 1924 circa. Questo corpus di lavori fu scritto da critici come Pierre Reverdy, Maurice Raynal e Daniel-Henry Kahnweiler, oltre ad artisti tra cui Gris, Léger e Gleizes. Durante quest'epoca, molti artisti adottarono in modo intermittente il neoclassicismo, caratterizzato da arte figurativa prodotta esclusivamente o insieme a pezzi cubisti. Questo cambiamento stilistico è stato attribuito al desiderio di aggirare la dura realtà della guerra e all'identità culturale classica o latina prevalente della Francia durante e immediatamente dopo il conflitto. Di conseguenza, il cubismo successivo al 1918 può essere contestualizzato all’interno di un movimento ideologico più ampio verso il conservatorismo nella società e nella cultura francese. Tuttavia, il cubismo stesso ha continuato ad evolversi, sia all’interno delle opere individuali di artisti come Gris e Metzinger, sia attraverso le diverse pratiche di figure come Braque, Léger e Gleizes. In quanto movimento discusso pubblicamente, il cubismo raggiunse un certo grado di unità e divenne più suscettibile di definizione. Il suo intrinseco rigore teorico lo ha reso uno standard critico per la valutazione di tendenze artistiche disparate, tra cui realismo, naturalismo, dadaismo, surrealismo e varie forme di astrazione.

Influenza in Asia

Tra le prime nazioni asiatiche a sperimentare l'influenza cubista ci furono il Giappone e la Cina. Questo impegno iniziò negli anni ’10 attraverso la diffusione di testi europei tradotti nei periodici d’arte giapponesi. Negli anni '20, gli artisti giapponesi e cinesi che proseguivano gli studi a Parigi, in particolare quelli che frequentavano istituzioni come l'École nationale supérieure des Beaux-Arts, tornarono nei loro paesi d'origine con una comprensione completa dei movimenti artistici contemporanei, compreso il cubismo. Opere significative che dimostrano le caratteristiche cubiste includono Autoritratto con occhi rossi (1912) di Tetsugorō Yorozu e Melodia in autunno di Fang Ganmin (1934).

Interpretazione

Intenzioni e critiche

Il movimento cubista, inaugurato da Picasso e Braque, trascendeva la mera innovazione tecnica o formale. Allo stesso tempo, le prospettive e gli obiettivi distinti dei Salon Cubists favorirono diverse manifestazioni del cubismo, piuttosto che semplicemente forme derivate dell’opera fondativa. Come ha osservato Christopher Green, "Non è affatto chiaro, in ogni caso, fino a che punto questi altri cubisti dipendessero da Picasso e Braque per lo sviluppo di tecniche come la sfaccettatura, il 'passaggio' e la prospettiva multipla; avrebbero potuto benissimo arrivare a tali pratiche con poca conoscenza del "vero" cubismo nelle sue fasi iniziali, guidati soprattutto dalla loro comprensione di Cézanne." Le opere presentate da questi cubisti ai Salons del 1911 e del 1912 si espansero oltre i tradizionali temi ispirati a Cézanne – come il modello in posa, la natura morta e il paesaggio – preferiti da Picasso e Braque. Invece, hanno incorporato soggetti su larga scala tratti dalla vita moderna. Queste opere esposte pubblicamente sottolineano l'applicazione di molteplici prospettive e intricate sfaccettature planari per ottenere un impatto espressivo, mantenendo allo stesso tempo la profonda risonanza di soggetti intrisi di profondità letteraria e filosofica.

Nella loro opera fondamentale Du "Cubisme", Metzinger e Gleizes collegano esplicitamente la percezione del tempo con molteplici prospettive, rappresentando così simbolicamente il concetto filosofico di "durata" di Henri Bergson. Bergson postula che la vita sia sperimentata soggettivamente come un flusso continuo, dove il passato transita nel presente e il presente si fonde con il futuro. I Salon Cubists utilizzavano rappresentazioni sfaccettate di solidi e spazio, insieme a molteplici punti di vista, per articolare un senso fisico e psicologico di fluidità cosciente, dissolvendo efficacemente i confini tra passato, presente e futuro. Un significativo avanzamento teorico dei Salon Cubisti, distinto dai contributi di Picasso e Braque, fu il concetto di simultaneità. Questa innovazione si è ispirata, a vari livelli, alle teorie di Henri Poincaré, Ernst Mach, Charles Henry, Maurice Princet e Henri Bergson. L’introduzione della simultaneità mise radicalmente in discussione la nozione di dimensioni spaziali e temporali distinte, portando all’abbandono della prospettiva lineare, che era stata stabilita durante il Rinascimento. Di conseguenza, i soggetti non erano più rappresentati da un punto di vista singolare in un momento specifico; erano invece costruiti da una sequenza di prospettive successive, come se osservati contemporaneamente da più angolazioni e dimensioni, consentendo allo sguardo dello spettatore di spostarsi liberamente.

La tecnica di rappresentare la simultaneità e più punti di vista, o movimento relativo, ha raggiunto una notevole complessità in diverse opere degne di nota. Questi includono Nu à la cheminée di Metzinger, esposto al Salon d'Automne del 1910; Il monumentale Le Dépiquage des Moissons (La trebbiatura del raccolto) di Gleizes, esposto al Salon de la Sezione d'Or del 1912; Abbondanza di Le Fauconnier, presentato agli Indépendants nel 1911; e Città di Parigi di Delaunay, esposto agli Indépendants nel 1912. Queste ambiziose creazioni rappresentano alcune delle tele più grandi del movimento cubista. Inoltre, Le nozze di Léger, anch'esso esposto al Salon des Indépendants nel 1912, incarnava la simultaneità integrando diversi motivi all'interno di un quadro temporale unificato, dove le risposte del passato e del presente si fondono con l'intensità collettiva. Questa convergenza tematica di soggetto e simultaneità stabilisce una chiara connessione tra il Salon Cubism e i primi dipinti futuristi di Umberto Boccioni, Gino Severini e Carlo Carrà, che a loro volta emersero come risposta al nascente cubismo.

Il cubismo e altre forme di arte moderna europea furono introdotte negli Stati Uniti attraverso l'importante Armory Show del 1913, presentato per la prima volta a New York City prima di andare in tournée a Chicago e Boston. In questa mostra, Pablo Picasso presentò diverse opere cubiste, tra cui La Femme au pot de moutarde (1910), la scultura Testa di donna (Fernande) (1909–10) e Les Arbres (1907). Jacques Villon ha contribuito con sette puntesecche significative e di grandi dimensioni, mentre suo fratello Marcel Duchamp ha provocato una notevole reazione del pubblico con il suo dipinto Nudo che scende le scale, n. 2 (1912). Francis Picabia ha presentato le sue opere astratte La Danse à la source e La Procession, Seville (entrambe del 1912). Albert Gleizes ha esposto due opere cubiste tipicamente stilizzate e sfaccettate: La Femme aux phlox (1910) e L'Homme au balcon (1912). Ulteriori contributi cubisti furono apportati da Georges Braque, Fernand Léger, Raymond Duchamp-Villon, Roger de La Fresnaye e Alexander Archipenko.

Scultura cubista

Analogamente alla pittura cubista, la scultura cubista trova le sue origini nel metodo di Paul Cézanne di decostruire i soggetti dipinti in piani costitutivi e forme geometriche fondamentali, come cubi, sfere, cilindri e coni. Allo stesso modo, questo approccio scultoreo esercitò un'influenza diffusa, fungendo da precursore fondamentale sia del costruttivismo che del futurismo.

La scultura cubista si è evoluta contemporaneamente alla pittura cubista. Nell'autunno del 1909, Picasso creò Testa di donna (Fernande), utilizzando una tecnica in cui i tratti positivi venivano resi attraverso lo spazio negativo e viceversa. Douglas Cooper afferma che "La prima vera scultura cubista fu l'imponente Testa di donna di Picasso, modellata nel 1909-1910, una controparte in tre dimensioni di molte teste analitiche e sfaccettate simili nei suoi dipinti dell'epoca". Alexander Archipenko sviluppò ulteriormente queste inversioni spaziali positivo/negativo con notevole ambizione tra il 1912 e il 1913, esemplificate dal suo lavoro Woman Walking. Dopo Archipenko, Joseph Csaky divenne il primo scultore a Parigi ad allinearsi con i cubisti, esponendo con loro dal 1911. Successivamente Raymond Duchamp-Villon si unì ai loro ranghi, seguito nel 1914 da Jacques Lipchitz, Henri Laurens e Ossip Zadkine.

La costruzione cubista si è rivelata profondamente influente quanto qualsiasi innovazione pittorica all'interno del movimento, fungendo da impulso per le opere proto-costruttiviste di Naum Gabo e Vladimir Tatlin, dando così inizio all'intera tendenza costruttiva nella scultura modernista del XX secolo.

Architettura

Il cubismo stabilì una connessione cruciale tra l'arte e gli sviluppi architettonici dell'inizio del XX secolo. Le interrelazioni storiche, teoriche e socio-politiche tra le pratiche d’avanguardia nella pittura, nella scultura e nell’architettura manifestarono le prime ramificazioni in Francia, Germania, Paesi Bassi e Cecoslovacchia. Sebbene esistano numerosi punti di intersezione tra cubismo e architettura, i collegamenti diretti sono relativamente scarsi. Le connessioni vengono spesso tracciate attraverso attributi formali condivisi come la sfaccettatura della forma, l'ambiguità spaziale, la trasparenza e la molteplicità.

L'impegno architettonico con il cubismo si è concentrato principalmente sulla decostruzione e il successivo riassemblaggio di forme tridimensionali, impiegando forme geometriche elementari giustapposte senza fare affidamento sulle illusioni prospettiche classiche. Questo approccio ha consentito di sovrapporre, rendere trasparenti o compenetrare diversi elementi preservando le loro intrinseche relazioni spaziali. Dal 1912, esemplificato da La Maison Cubiste di Raymond Duchamp-Villon e André Mare, il cubismo divenne un catalizzatore significativo nell'evoluzione dell'architettura moderna. Si è sviluppato in concomitanza con il lavoro di architetti come Peter Behrens e Walter Gropius, influenzando la semplificazione della progettazione degli edifici, l'adozione di materiali adatti a livello industriale e l'inclusione estesa del vetro.

Il cubismo aveva una particolare rilevanza per un movimento architettonico che cercava uno stile indipendente dai precedenti storici. Di conseguenza, i principi rivoluzionari stabiliti nella pittura e nella scultura furono integrati in "un profondo riorientamento verso un mondo cambiato". I concetti cubo-futuristi, articolati da Filippo Tommaso Marinetti, hanno plasmato anche le prospettive all’interno dell’architettura d’avanguardia. L'influente movimento De Stijl adottò i principi estetici del neoplasticismo, che Piet Mondrian sviluppò a Parigi sotto l'influenza cubista. Gino Severini collegò ulteriormente De Stijl alla teoria cubista attraverso gli scritti di Albert Gleizes. Tuttavia, la sintesi di forme geometriche fondamentali con bellezza intrinseca e applicabilità industriale – un concetto prefigurato da Marcel Duchamp nel 1914 – fu infine avanzata dai fondatori del Purismo, Amédée Ozenfant e Charles-Édouard Jeanneret (più tardi noto come Le Corbusier). Esposero insieme dipinti a Parigi e furono coautori di Après le cubisme nel 1918. L'obiettivo principale di Le Corbusier era quello di trasporre le caratteristiche del suo caratteristico stile cubista nella pratica architettonica. Dal 1918 al 1922 Le Corbusier si dedica alla teoria e alla pittura purista. Nel 1922, Le Corbusier e suo cugino Jeanneret fondarono uno studio a Parigi in 35 rue de Sèvres, dove le sue ricerche teoriche si trasformarono rapidamente in numerosi progetti architettonici.

La Maison Cubiste (La casa cubista)

Durante il Salon d'Automne del 1912, fu presentata un'installazione architettonica, subito soprannominata Maison Cubiste (La casa cubista). La sua architettura è stata concepita da Raymond Duchamp-Villon, con la decorazione interna di André Mare e un team di collaboratori. In Du "Cubisme", composto in concomitanza con l'assemblea della "Maison Cubiste", Metzinger e Gleizes articolarono il carattere autonomo dell'arte, sottolineando che le preoccupazioni decorative non dovrebbero dettare l'essenza artistica. Consideravano il lavoro decorativo "l'antitesi del quadro". Metzinger e Gleizes affermano che "L'immagine vera porta in sé la sua ragion d'essere. Può essere trasferita dalla chiesa al salotto, dal museo allo studio. Fondamentalmente indipendente e necessariamente completa, non è obbligata a soddisfare immediatamente l'intelletto, ma deve piuttosto guidarlo progressivamente verso le profondità immaginate dove risiede l'illuminazione coordinativa. Non si limita ad armonizzarsi con un insieme determinato, ma si si armonizza con i fenomeni in generale, con l'universo: costituisce un organismo..."

La Maison Cubiste era un modello di casa completamente arredato, caratterizzato da una facciata, una scala, ringhiere in ferro battuto e due stanze distinte: un soggiorno, designato come Salon Bourgeois, che esponeva dipinti di Marcel Duchamp, Metzinger (Donna con ventaglio), Gleizes, Laurencin e Léger, e una camera da letto. Questa installazione esemplificava L'art decorationatif, presentando un ambiente domestico in cui l'arte cubista poteva essere integrata nel comfort e nello stile della vita moderna e borghese. I visitatori del Salon d'Automne hanno attraversato la facciata in gesso, concepita da Duchamp-Villon, per accedere ai due interni arredati. Questa mostra architettonica venne successivamente esposta all'Armory Show del 1913 a New York, Chicago e Boston, dove fu catalogata nella mostra di New York come Raymond Duchamp-Villon, numero 609, e intitolata "Facade architecture, chalk" (Façade architecture).

André Mare ha progettato gli arredi interni, la carta da parati, la tappezzeria e i tappeti, che rappresentavano una prima manifestazione dell'influenza del cubismo sul nascente movimento Art Déco. Questi elementi presentavano vivaci motivi floreali, come le rose, resi in configurazioni geometriche stilizzate.

Mare chiamò il soggiorno, dove erano esposti dipinti cubisti, il Salon Bourgeois. Léger ha lodato questa designazione definendola "perfetta". In una lettera a Mare prima della mostra, Léger ha espresso la sua approvazione, affermando: "La tua idea è assolutamente splendida per noi, davvero splendida. La gente vedrà il cubismo nel suo ambiente domestico, il che è molto importante."

Christopher Green ha osservato che "gli insiemi di Mare furono accettati come cornici per le opere cubiste perché concedevano ai dipinti e alle sculture la loro indipendenza", creando un gioco dinamico di contrasti. Questo approccio richiedeva la partecipazione non solo degli stessi Gleizes e Metzinger, ma anche di Marie Laurencin, dei fratelli Duchamp (con Raymond Duchamp-Villon che progettò la facciata) e dei collaboratori di lunga data di Mare, Léger e Roger La Fresnaye.

Nel 1927, i cubisti Joseph Csaky, Jacques Lipchitz, Louis Marcoussis, Henri Laurens, lo scultore Gustave Miklos e altri artisti collaborarono al design degli interni di uno studio Casa situata in rue Saint-James, Neuilly-sur-Seine. Questa residenza fu progettata dall'architetto Paul Ruaud e posseduta dallo stilista francese Jacques Doucet, che fu anche un notevole collezionista di arte postimpressionista e cubista (tra cui Les Demoiselles d'Avignon, acquistata direttamente dallo studio di Picasso). Laurens ha contribuito alla fontana, Csaky ha concepito la scala di Doucet, Lipchitz ha realizzato la mensola del camino e Marcoussis ha prodotto un tappeto cubista.

Architettura cubista ceca

L'autentica architettura cubista rimane eccezionalmente rara. La sua applicazione architettonica si concentrò unicamente in Boemia (l'attuale Repubblica Ceca), in particolare nella sua capitale, Praga. Gli architetti cechi furono pionieristici e singolari nella creazione di strutture cubiste originali. L'architettura cubista fiorì principalmente tra il 1910 e il 1914, anche se dopo la prima guerra mondiale continuarono a essere costruiti edifici influenzati dal cubismo. Dopo la guerra, Praga vide l'emergere del rondò-cubismo, uno stile architettonico che integrava i principi cubisti con forme curvilinee.

Nelle loro regole teoriche, gli architetti cubisti hanno articolato un imperativo teorico per il dinamismo, mirando a trascendere l'immobilità intrinseca della materia attraverso un design innovativo, suscitando così sensazioni di vitalità e plasticità espressiva negli osservatori. Questa estetica doveva essere realizzata attraverso forme derivate da piramidi, cubi e prismi; attraverso la disposizione di superfici oblique, prevalentemente triangolari; e scolpendo le facciate in unità sporgenti, simili a cristalli, evocative del taglio di un diamante, o addirittura forme cavernose che ricordano l'architettura tardo gotica. Di conseguenza, l'intera superficie della facciata, compresi timpani e abbaini, ha ricevuto un trattamento scultoreo. Griglie e altri abbellimenti architettonici sono stati resi in forme tridimensionali. Questo approccio ha portato anche alla creazione di nuovi design di finestre e porte, come le finestre esagonali. Inoltre, gli architetti cubisti cechi hanno esteso i loro principi di progettazione ai mobili.

Famosi architetti cubisti includevano Pavel Janák, Josef Gočár, Vlastislav Hofman, Emil Králíček e Josef Chochol. I loro sforzi architettonici si concentrarono principalmente a Praga, sebbene intraprendessero progetti anche in altri comuni della Boemia. La Casa della Madonna Nera di Josef Gočár, eretta nel centro storico di Praga nel 1912, è la struttura cubista più rinomata e ospita l'esclusivo Grand Café Orient, riconosciuto come l'unico caffè cubista al mondo. Vlastislav Hofman contribuì tra il 1912 e il 1914 ai padiglioni d'ingresso del cimitero di Ďáblice, mentre Josef Chochol progettò diverse proprietà residenziali situate sotto Vyšehrad. Inoltre, vicino a Piazza Venceslao è conservato un lampione cubista, progettato da Emil Králíček nel 1912; Králíček completò anche la Casa dei Diamanti nella Città Nuova di Praga intorno al 1913.

Influenza del cubismo in altre discipline

Oltre alle sue origini nella pittura e nella scultura, l'influenza del cubismo ha permeato vari altri domini artistici. In letteratura, la prosa di Gertrude Stein utilizza spesso ripetizioni e frasi ricorrenti come elementi fondamentali sia all'interno di singoli passaggi che di interi capitoli. Questo approccio stilistico è evidente in molte delle opere significative della Stein, incluso il suo romanzo The Making of Americans (1906–08). Gertrude Stein e suo fratello Leo non solo furono i primi mecenati fondamentali del cubismo, ma esercitarono anche una notevole influenza sul movimento stesso. Al contrario, Pablo Picasso ha avuto un impatto significativo sullo stile letterario di Stein. Nella narrativa americana, il romanzo As I Lay Dying di William Faulkner del 1930 è spesso interpretato come un coinvolgimento con i principi cubisti, presentando le diverse narrazioni di quindici personaggi che collettivamente formano un insieme unificato.

I poeti comunemente associati al cubismo includono Guillaume Apollinaire, Blaise Cendrars, Jean Cocteau, Max Jacob, André Salmon e Pierre Reverdy. Il poeta americano Kenneth Rexroth caratterizzò il cubismo nella poesia come "la dissociazione e ricombinazione consapevole e deliberata di elementi in una nuova entità artistica resa autosufficiente dalla sua architettura rigorosa", distinguendolo dalla libera associazione dei surrealisti e dalla miscela di espressione inconscia e nichilismo politico di Dada. Nonostante questa distinzione, i poeti cubisti influenzarono in modo significativo sia il cubismo che i movimenti successivi come Dada e Surrealismo. Louis Aragon, co-fondatore del Surrealismo, ha riconosciuto Reverdy come "il nostro immediato anziano, il poeta esemplare" per se stesso, Breton, Soupault ed Éluard. Sebbene meno ampiamente riconosciuti rispetto ai loro colleghi pittori, questi poeti continuano a ispirare; I poeti americani John Ashbery e Ron Padgett hanno recentemente pubblicato nuove traduzioni dell'opera di Reverdy. Anche "Thirteen Ways of Looking at a Blackbird" di Wallace Stevens è citato come un esempio di traduzione dell'approccio multiprospettico del cubismo in forma poetica. Nel balletto, Pablo Picasso creò le prime scenografie e costumi cubisti nel 1917 per la produzione di Parade di Sergei Diaghilev. A questo contributo iniziale seguirono altri sei balletti, attraverso i quali Picasso influenzò profondamente il mondo del balletto, influenzando le generazioni successive di stilisti e coreografi. Allo stesso modo Georges Braque contribuì al balletto, disegnando quattro produzioni, a cominciare da Les Fâcheux di Diaghilev nel 1924. Juan Gris disegnò anche scene e costumi per i Ballets Russes di Diaghilev. Inoltre, eminenti cartellonisti come A.M. Cassandre e Edward McKnight Kauffer furono determinanti nel rendere popolare il cubismo all'interno del design grafico e della tipografia commerciale. Nella moda, couturier come Paul Poiret e Callot Soeurs integravano nei loro progetti elementi cubisti, come strati sovrapposti e forme planari che de-enfatizzavano i volumi corporei.

Secondo John Berger, "È quasi impossibile esagerare l'importanza del cubismo. Fu una rivoluzione nelle arti visive grande quanto quella avvenuta nel primo Rinascimento. I suoi effetti sull'arte successiva, sul cinema e sull'architettura sono già così numerosi che quasi non li notiamo loro."

Galleria delle Opere

Articoli e recensioni della stampa

Quarta dimensione nell'arte

• Quarta dimensione nell'arte
• Precisionismo
• Proto-cubismo
• Raionismo
• Sezione d'Oro
• Vorticismo

Riferimenti

Mark Antliff e Patricia Leighten, A Cubism Reader: Documents and Criticism, 1906–1914, The University of Chicago Press, 2008.

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