L'arte gotica emerse come stile artistico medievale nella Francia settentrionale del XII secolo, evolvendosi dall'arte romanica insieme alla parallela ascesa dell'architettura gotica. Questo stile si diffuse in tutta l’Europa occidentale e in porzioni significative dell’Europa settentrionale, meridionale e centrale, sebbene non sostituì del tutto le tradizioni artistiche più classiche in Italia. Verso la fine del XIV secolo si materializzò la raffinata estetica cortese nota come Gotico Internazionale, che persistette nel suo sviluppo fino alla fine del XV secolo. In particolare, in diverse regioni, in particolare in Germania, l’arte tardo gotica sopravvisse fino al XVI secolo prima della sua eventuale integrazione nell’arte rinascimentale. I principali mezzi artistici durante l'era gotica comprendevano scultura, pittura su tavola, vetrate, affreschi e manoscritti miniati. Mentre le distinte transizioni architettoniche dal romanico al gotico e dal gotico al rinascimentale sono comunemente utilizzate per delineare i periodi storici dell'arte attraverso tutti i media, l'arte figurativa spesso progrediva a ritmi divergenti.
L'arte gotica era uno stile di arte medievale che si sviluppò nella Francia settentrionale dall'arte romanica nel XII secolo, guidato dal contemporaneo sviluppo dell'architettura gotica. Si diffuse in tutta l’Europa occidentale e in gran parte dell’Europa settentrionale, meridionale e centrale, senza mai cancellare del tutto gli stili più classici in Italia. Alla fine del XIV secolo si sviluppò il sofisticato stile di corte del gotico internazionale, che continuò ad evolversi fino alla fine del XV secolo. In molte aree, soprattutto in Germania, l’arte tardogotica continuò fino al XVI secolo, prima di essere inclusa nell’arte rinascimentale. I media principali nel periodo gotico includevano scultura, pittura su tavola, vetrate, affreschi e manoscritti miniati. I cambiamenti facilmente riconoscibili nell'architettura dallo stile romanico a quello gotico e da quello gotico a quello rinascimentale sono tipicamente usati per definire i periodi dell'arte in tutti i media, sebbene per molti versi l'arte figurativa si sia sviluppata a un ritmo diverso.
Le espressioni artistiche del primo gotico si manifestavano principalmente come sculture monumentali che adornavano le facciate di cattedrali e abbazie. L'arte cristiana adottava spesso un approccio tipologico, giustapponendo le narrazioni del Nuovo Testamento e dell'Antico Testamento. Erano comuni anche le raffigurazioni delle vite dei santi. Le rappresentazioni della Vergine Maria si sono evolute dai loro prototipi iconici bizantini in rappresentazioni più umanizzate e tenere, raffigurandola mentre culla il suo bambino, esibendo un grazioso contrapposto e incarnando il comportamento sofisticato di un'aristocratica dama di corte.
Durante quest'epoca, l'arte secolare acquisì importanza, spinta dall'espansione urbana, dalla fondazione di università, dall'aumento dell'attività commerciale, dall'emergere di un'economia monetaria e dall'ascesa di una classe borghese in grado di patrocinare e commissionare opere d'arte. Questa confluenza di fattori portò ad un aumento significativo della produzione di dipinti e manoscritti miniati. Allo stesso tempo, l’aumento dei tassi di alfabetizzazione e l’espansione del corpus della letteratura vernacolare secolare hanno favorito l’inclusione di temi secolari nelle opere artistiche. I fiorenti centri urbani facilitarono anche la formazione di corporazioni commerciali, spesso imponendo l'appartenenza degli artisti alle corporazioni dei pittori. Di conseguenza, il miglioramento delle pratiche di tenuta dei registri di questo periodo consente l'identificazione di più artisti per nome rispetto alle epoche precedenti; alcuni artisti hanno addirittura apposto coraggiosamente la propria firma sulle loro creazioni.
Origini
L'arte gotica ha avuto origine nella regione francese dell'Île-de-France all'inizio del XII secolo, in particolare nella chiesa abbaziale di St. Denis, costruita sotto il patronato dell'abate Suger. Thomas O'Hagan presuppone che le influenze longobarde, franche e norrene abbiano contribuito allo sviluppo dello stile gotico. L'opera di Wilhelm Worringer, Form in the Gothic (tedesco: Formprobleme der Gotik, 1911), esplora le basi psicologiche dello stile, facendo risalire le sue origini almeno al periodo migratorio.
Storia
Lo stile gotico si espanse rapidamente oltre le sue espressioni architettoniche iniziali per comprendere la scultura (sia monumentale che personale in scala), l'arte tessile e la pittura, manifestandosi in diverse forme come affreschi, vetrate, manoscritti miniati e dipinti su tavola. Importanti ordini monastici, in particolare i Cistercensi e i Certosini, giocarono un ruolo cruciale commissionando numerose strutture ecclesiastiche significative, propagando così lo stile e promuovendo le sue distinte variazioni regionali in tutta Europa. Nonostante l'emergere di uno stile paneuropeo coerente verso la fine del XIV secolo, definito "gotico internazionale" da Louis Courajod (1841–1896), che persistette fino alla fine del XV secolo e oltre in alcune regioni, le variazioni architettoniche regionali mantennero la loro importanza.
Mentre gli artisti gotici crearono un volume di opere secolari maggiore di quanto comunemente riconosciuto oggi, l'arte religiosa di quest'epoca mostra generalmente un tasso di sopravvivenza superiore rispetto alle sue controparti secolari. Di conseguenza, una parte sostanziale della produzione artistica del periodo fu di carattere religioso, commissionata da istituzioni ecclesiastiche o da mecenati laici. L'arte gotica adottava spesso un quadro tipologico, riflettendo la convinzione che gli eventi dell'Antico Testamento prefigurassero quelli del Nuovo Testamento, costituendone così il significato teologico primario. Ciò è evidente nella giustapposizione di scene dell'Antico e del Nuovo Testamento all'interno di opere come lo Speculum Humanae Salvationis dell'inizio del XIV secolo e nelle decorazioni ecclesiastiche. L'epoca gotica vide anche una significativa rinascita della devozione mariana, con le arti visive che giocarono un ruolo fondamentale. Le raffigurazioni della Vergine Maria si sono evolute da rigide forme ieratiche bizantine, attraverso il motivo dell'Incoronazione della Vergine, a rappresentazioni più umanizzate e intime. I cicli che illustrano la Vita della Vergine raggiunsero una grande popolarità. Notevoli artisti italiani, tra cui Giotto (c. 1267 – 1337), Beato Angelico (c. 1395 – 1455) e Pietro Lorenzetti (c. 1280 – 1348), insieme ai praticanti della pittura dei primi Paesi Bassi, introdussero collettivamente un elevato realismo e un'umanità naturalistica nell'arte. Gli artisti dell'Europa occidentale e i loro mecenati abbracciarono sempre più un'iconografia innovativa, promuovendo una maggiore originalità, anche se molti artisti continuarono ad aderire a formule compositive consolidate.
L'iconografia subì trasformazioni influenzate dall'evoluzione delle prospettive teologiche, esemplificate dalla crescente importanza delle raffigurazioni dell'Assunzione di Maria rispetto al precedente motivo della Morte della Vergine. Anche le pratiche devozionali, come la Devotio Moderna, hanno avuto un impatto sull’iconografia, portando a nuove rappresentazioni di Cristo in temi come l’Uomo dei dolori, il Cristo pensoso e la Pietà. Questi enfatizzavano la sua sofferenza e vulnerabilità umana, rispecchiando uno sviluppo simile nelle rappresentazioni della Vergine. Anche nei Giudizi Universali, Cristo veniva tipicamente raffigurato mentre esponeva il petto per rivelare le ferite della sua Passione. I santi divennero più diffusi nell'arte, con pale d'altare raffiguranti santi pertinenti a una chiesa o a un donatore specifico, che assistevano a una Crocifissione o a una Vergine in trono col Bambino, o posizionati centralmente (una disposizione comune per le opere destinate alle cappelle laterali). Durante tutto il periodo gotico, numerosi elementi iconografici antichi derivati dagli apocrifi del Nuovo Testamento, come le levatrici presenti alla Natività, furono progressivamente eliminati a causa dell'influenza clericale, sebbene altri elementi profondamente radicati furono mantenuti, ritenuti innocui.
Etimologia
Inizialmente, il termine "gotico" applicato all'arte fungeva da sinonimo peggiorativo di "barbaro". I critici dell’epoca percepivano questo stile di arte medievale come non raffinato e fondamentalmente divergente dalle proporzioni estetiche e dalle forme caratteristiche dell’arte classica. Gli studiosi del Rinascimento ipotizzarono che il Sacco di Roma da parte delle tribù gotiche nel 410 d.C. accelerò il declino del mondo classico e dei suoi valori amati. Durante il XV secolo, architetti e scrittori italiani espressero la preoccupazione che gli stili "barbari" emergenti, originari d'oltralpe, rappresentassero una minaccia paragonabile al revival classico sostenuto dal primo Rinascimento.
Il descrittore "gotico" per questo movimento artistico apparve per la prima volta nella lettera di Raffaello a papa Leone X intorno al c. 1518. Successivamente fu reso popolare dall'artista e scrittore italiano Giorgio Vasari, che già nel 1530 definì l'arte gotica un "disordine" "mostruoso e barbaro". Raffaello teorizzò che gli archi a sesto acuto prevalenti nell'architettura settentrionale ricordassero i rudimentali rifugi costruiti dagli abitanti delle foreste germaniche, formati dalla flessione degli alberi, un concetto che sarebbe poi riemerso con connotazioni positive all'interno del movimento romantico tedesco. Prima del suo eventuale riconoscimento come forma d'arte distinta e della stabilizzazione della sua terminologia, "l'arte gotica" dovette affrontare severe critiche da parte di importanti autori francesi, tra cui Boileau, La Bruyère e Rousseau. Molière ha offerto in particolare il seguente commento sull'arte gotica:
Inizialmente, l'arte gotica veniva chiamata "opera francese" (Opus Francigenum), una designazione che sottolinea il ruolo fondamentale della Francia nello sviluppo di questo stile distintivo.
Agli inizi, l'arte gotica fu inizialmente chiamata "opera francese" (Opus Francigenum), attestando così la priorità della Francia nella creazione di questo stile.
Pittura
La pittura gotica emerse intorno al 1200, più di cinquant'anni dopo lo sviluppo iniziale dell'architettura e della scultura gotica. Il passaggio dall'arte romanica a quella gotica è caratterizzato da imprecisione piuttosto che da una rottura netta, con elementi ornamentali gotici che spesso compaiono prima di una significativa evoluzione stilistica nelle figure o nelle composizioni. Successivamente, le figure adottarono pose più dinamiche e tratti del viso espressivi, spesso apparivano proporzionalmente più piccole sullo sfondo della scena, e furono disposte con maggiore libertà spaziale all'interno del piano pittorico. Questa evoluzione artistica si manifestò per la prima volta in Inghilterra e Francia intorno al 1200, seguita dalla Germania intorno al 1220 e in Italia intorno al 1300. Durante l'epoca gotica, la pittura utilizzava principalmente quattro mezzi: affreschi, dipinti su tavola, miniature di manoscritti e vetrate colorate.
Affreschi
Gli affreschi persistettero come mezzo predominante per la narrativa pittorica sulle pareti delle chiese di tutta l'Europa meridionale, mantenendo la continuità con le convenzioni artistiche paleocristiane e romaniche. La conservazione fortuita ha portato la Danimarca e la Svezia a possedere le più vaste collezioni di dipinti murali di chiese esistenti eseguiti nello stile *Biblia pauperum*, che spesso si estendono alle volte a crociera di nuova costruzione. In entrambe le nazioni, la maggior parte di queste opere furono successivamente occultate dalla calce in seguito alla Riforma, pratica che contribuì inavvertitamente alla loro conservazione; tuttavia, un sottoinsieme è rimasto indisturbato dalla loro creazione originale. Notevoli esempi danesi includono le opere del Maestro Elmelunde dell'isola di Møn, che adornava le chiese di Fanejord, Keldby ed Elmelunde. Albertus Pictor è ampiamente considerato il più importante artista di affreschi attivo in Svezia durante quest'epoca. Le chiese svedesi con affreschi straordinariamente conservati includono Tensta, Gökhem e Anga.
Vetro colorato
In tutto il Nord Europa, il vetro colorato costituì un mezzo artistico significativo e stimato fino al XV secolo, momento in cui fu ampiamente sostituito dalla pittura su tavola. Le innovazioni architettoniche gotiche aumentarono sostanzialmente l’incorporazione del vetro nelle strutture monumentali, facilitando ampie aree vetrate come quelle che si trovano nei rosoni. Durante la fase iniziale del periodo gotico, la pratica artistica prevedeva principalmente la pittura nera accanto al vetro trasparente o dai colori vivaci. Tuttavia, all’inizio del XIV secolo, l’applicazione di composti d’argento, dipinti su vetro e successivamente cotti, consentì di integrare uno spettro cromatico più ampio, concentrandosi in particolare sulle tonalità del giallo, con il vetro trasparente all’interno di un’unica lastra. Verso la conclusione del periodo, i progetti presentavano sempre più grandi sezioni di vetro dipinto, prevalentemente in giallo, con un'inclusione relativamente ridotta di pezzi di vetro più piccoli in colori alternativi.
Manoscritti e incisioni
I manoscritti miniati offrono la documentazione più completa della pittura gotica, preservando prove stilistiche provenienti da regioni in cui le opere d'arte monumentali non sono sopravvissute. I primi manoscritti completi con illustrazioni gotiche francesi sono attribuiti alla metà del XIII secolo. Un numero considerevole di questi testi miniati comprendeva bibbie reali, sebbene i salteri incorporassero similmente illustrazioni; ad esempio, il Salterio parigino di San Luigi, creato tra il 1253 e il 1270, presenta 78 miniature a tutta pagina eseguite con tempera e foglia d'oro.
Nella fine del XIII secolo, gli scribi iniziarono la produzione di libri di preghiere destinati a laici, comunemente chiamati "libri d'ore" a causa del loro uso prescritto a specifici intervalli giornalieri. Un primo esempio è un'opera di William de Brailes, che si ritiene sia stata composta intorno al 1240 per una laica non identificata residente in un piccolo villaggio vicino a Oxford. I mecenati aristocratici acquistavano spesso questi volumi, investendo in modo significativo nelle loro elaborate illustrazioni. Jean Pucelle si distingue come uno dei più rinomati creatori di tali opere; le sue *Ore di Giovanna d'Evreux* furono commissionate dal re Carlo IV come regalo per la regina Giovanna d'Évreux. Le caratteristiche caratteristiche dello stile gotico francese evidenti in questi manoscritti includono bordi di pagina decorati, che riecheggiano progetti architettonici contemporanei, insieme a figure allungate e rese meticolosamente. Inoltre, l'incorporazione di segnali spaziali, come componenti architettonici ed elementi naturali come alberi e nuvole, indica l'approccio gotico francese all'illuminazione.
A partire dalla metà del XIV secolo, i blockbook, contenenti sia testo che immagini prodotti tramite xilografia, divennero economicamente accessibili ai parroci, in particolare nei Paesi Bassi, dove la loro popolarità era più pronunciata. Entro la fine del secolo, i libri stampati illustrati, prevalentemente di tema religioso, guadagnarono rapidamente accessibilità tra la ricca classe media. Allo stesso tempo divennero disponibili anche incisioni di alta qualità di artisti come Israhel van Meckenem e il maestro E. S. Il XV secolo vide la proliferazione di stampe poco costose, principalmente xilografie, che consentirono anche ai contadini di possedere immagini devozionali nelle loro case. Queste immagini rudimentali, spesso dai colori rozzi, che occupavano il livello più basso del mercato, erano distribuite in grandi quantità ma ora sono estremamente scarse, in gran parte a causa della loro pratica comune di essere affisse ai muri.
Pala d'altare e dipinto su pannello
L'adozione diffusa della pittura a olio su tela emerse durante i secoli XV e XVI, diventando una caratteristica distintiva dell'arte rinascimentale. Nel Nord Europa, la significativa e innovativa scuola di pittura dei primi Paesi Bassi, sebbene fondamentalmente in stile gotico, è anche considerata parte integrante del Rinascimento settentrionale. Questa classificazione riconosce il sostanziale ritardo temporale prima che la rinascita italiana dell'interesse classico influenzasse in modo significativo le regioni settentrionali. Artisti come Robert Campin e Jan van Eyck impiegarono magistralmente tecniche di pittura a olio per produrre composizioni meticolosamente dettagliate, esibendo una prospettiva accurata. Le loro opere fondevano un realismo apparente con un simbolismo intricato, che emanava proprio dagli accresciuti dettagli realistici che ora potevano incorporare, anche in pezzi più piccoli. La prima pittura olandese, originaria dei centri urbani più prosperi del Nord Europa, integrava così un nuovo, minuzioso realismo a olio con allusioni teologiche sfumate e complesse, trasmesse attraverso gli ambienti altamente dettagliati delle loro narrazioni religiose. Esempi illustrativi includono la pala d'altare di Mérode di Robert Campin (1420) e l'Annunciazione di Washington Van Eyck di Jan van Eyck o la Madonna del Cancelliere Rolin (entrambi del 1430). Per i mecenati benestanti, i dipinti su piccola tavola, compresi i polittici a olio, ottennero un crescente favore, spesso presentando ritratti di donatori che, sebbene spesso significativamente più piccoli, accompagnavano raffigurazioni della Vergine o dei santi. Queste opere d'arte venivano generalmente esposte all'interno di residenze private.
Scultura
Scultura monumentale
Il periodo gotico è caratterizzato principalmente dalle sue innovazioni architettoniche e i suoi confini cronologici non si allineano esattamente con l'evoluzione stilistica della scultura. Le facciate di importanti strutture ecclesiastiche, in particolare quelle che circondano i loro portali, continuavano a presentare ampi timpani, integrati da ampie serie di figure scolpite che adornavano le aree circostanti.
Le statue sul portale occidentale (reale) della cattedrale di Chartres (c. 1145) mostrano un allungamento colonnare elegante ma pronunciato. Al contrario, le figure sul portale del transetto sud, datate dal 1215 al 1220, dimostrano un'estetica più naturalistica, una crescente separazione dal muro di sostegno e un emergente riconoscimento della tradizione classica. Queste traiettorie stilistiche persistettero qualche anno dopo nel portale ovest della cattedrale di Reims, dove le figure si avvicinano a una forma completamente tridimensionale, una caratteristica che divenne prevalente quando l'arte gotica si diffuse in tutta Europa. La cattedrale di Bamberga ospita probabilmente la più vasta collezione di sculture del XIII secolo, culminante nel 1240 con il Cavaliere di Bamberga, che rappresenta la prima statua equestre a grandezza naturale nell'arte occidentale dal VI secolo.
Come osservò John Pope-Hennessy, "In Italia il Vangelo del gotico veniva predicato dai pulpiti e non dai timpani, e l'unità di pensiero dello scultore era un'opera autonoma e coerente di arte". Nicola Pisano (attivo dal 1258 al 1278) e suo figlio Giovanni furono pionieri di uno stile spesso definito Proto-Rinascimento. Questo stile mostrava chiare influenze dei sarcofagi romani e presentava arrangiamenti intricati e densamente composti, inclusa una rappresentazione sensibile della nudità. Queste caratteristiche sono evidenti nei pannelli in rilievo marmoreo del Pulpito di Nicola nel Battistero di Pisa (firmato nel 1260), nel pulpito collaboratore per il Duomo di Siena (1265–68), nella Fontana Maggiore a Perugia e nel pulpito di Giovanni a Pistoia, completato nel 1301.
Il periodo gotico internazionale, intorno al 1400, vide un'altra rinascita dell'estetica classica, particolarmente evidente nelle opere di Claus Sluter e dei suoi discepoli in Borgogna e nelle Fiandre. Il Nord Europa sosteneva le tradizioni scultoree del tardo gotico, caratterizzate da una predilezione per le pale d'altare in legno monumentali e finemente intagliate con numerose figure dinamiche ed espressive. Le creazioni successive, in particolare quelle realizzate in legno di tiglio nell'Alto Reno e nelle regioni bavaresi della Germania meridionale dai vasti laboratori di Tilman Riemenschneider o Veit Stoss, spesso mancavano di decorazioni policrome. Questo stile artistico persistette nel XVI secolo, integrando progressivamente elementi del Rinascimento italiano, con una percentuale significativa di pezzi esistenti rimasti nelle loro ambientazioni originali, nonostante la diffusa distruzione iconoclasta in altre aree.
Le effigi tombali a grandezza naturale, realizzate in pietra o alabastro, acquisirono importanza tra i mecenati benestanti, portando allo sviluppo di elaborati sepolcri a più livelli, come le Tombe Scaligere a Verona, che erano di dimensioni così considerevoli da richiedere spostamento al di fuori della struttura ecclesiastica. Nel XV secolo emerse un'industria specializzata, che esportava rilievi d'altare in alabastro di Nottingham, tipicamente disposti in gruppi di pannelli, in gran parte d'Europa per soddisfare le parrocchie con maggiori limitazioni finanziarie che non potevano commissionare retabli in pietra.
Forme scultoree portatili
La produzione di sculture su piccola scala, rivolte principalmente a una clientela laica e spesso femminile, si sviluppò in un'industria significativa a Parigi e in altri importanti centri urbani. I manufatti in avorio comprendevano varie forme, tra cui minuscoli polittici devozionali, figure individuali (in particolare della Vergine Maria), custodie per specchi, pettini e cofanetti riccamente decorati raffiguranti scene di romanzi, spesso presentati come doni di fidanzamento. Gli estremamente ricchi accumulavano oggetti in metallo opulenti, ingioiellati e smaltati, che comprendevano oggetti sia secolari che religiosi, come il reliquiario della Sacra Spina del duca di Berry. Tuttavia, questi tesori venivano spesso successivamente fusi per ottenere valore monetario durante periodi di esigenza finanziaria.
Le sculture gotiche, distinte dagli ornamenti architettonici, servivano principalmente come oggetti devozionali per residenze private o come offerte alle istituzioni ecclesiastiche locali. Tuttavia, rilievi più piccoli realizzati in avorio, osso e legno comprendevano temi sia religiosi che secolari, adatti sia per la chiesa che per gli ambienti domestici. Gli artigiani urbani realizzarono queste sculture, con la Vergine Maria, solitaria o accompagnata dal Cristo Bambino, che costituisce il soggetto predominante per piccole statuette tridimensionali. Parigi fungeva da centro principale per i laboratori di avorio, diffondendo i suoi prodotti in gran parte del nord Europa, sebbene anche l’Italia mantenesse una produzione sostanziale. Un notevole esempio di queste sculture autonome risiede nelle collezioni della chiesa abbaziale di St Denis: la Vergine col Bambino in argento dorato, datata 1339, raffigura Maria avvolta in un mantello fluente, che culla un Cristo bambino. La natura disadorna del mantello e la rappresentazione giovanile del bambino anticipano tendenze stilistiche osservate in altre sculture nordeuropee del XIV e dell'inizio del XV secolo. Questa tradizione scultorea dimostra un'evoluzione da una precedente estetica rigida e allungata, che conserva parzialmente caratteristiche romaniche, verso una sensibilità più spaziale e naturalistica tra la fine del XII e l'inizio del XIII secolo. Ulteriori temi scultorei gotici francesi incorporavano figure e narrazioni derivate dalla letteratura popolare contemporanea. L'iconografia tratta dalla poesia trobadorica godeva di particolare favore tra gli artigiani che producevano specchiere e piccole scatole, presumibilmente destinate alle committenti. Lo scrigno con scene di romanzi (Walters 71264), risalente al 1330–50, rappresenta un esemplare eccezionalmente grande, che ospita più scene di diverse origini letterarie.
Souvenir di pellegrinaggio, inclusi distintivi economici di argilla o piombo, medaglie e ampolle impresse con immagini, raggiunsero anche una popolarità diffusa. La controparte secolare, il distintivo della livrea, indicava fedeltà o affiliazione feudale e politica, finendo per essere percepita come una minaccia sociale in Inghilterra durante l'era del feudalesimo bastardo. Versioni più economiche venivano occasionalmente distribuite gratuitamente, esemplificate dai 13.000 distintivi di stoffa di fustagno raffiguranti l'emblema del cinghiale bianco di re Riccardo III d'Inghilterra, commissionati nel 1483 per l'investitura di suo figlio Edoardo come principe di Galles, una quantità notevolmente grande rispetto alla popolazione contemporanea. Al contrario, il gioiello del cigno di Dunstable, un pezzo completamente tridimensionale realizzato in oro smaltato, rappresenta una variante significativamente più esclusiva, probabilmente conferita a un individuo di notevole intimità o importanza per il benefattore.
- Carattere nero (noto anche come scrittura gotica)
- Affreschi della chiesa in Svezia
- Architettura gotica
- Storia della pittura
- Pleuranti
- Le dieci vergini
- Pittura occidentale
Note
Bibliografia
- Calkins, Robert G. Monumenti dell'arte medievale. Dutton, 1979. ISBN 0525475613.
- Ciliegia, John. Il reliquiario della Sacra Spina. British Museum Press (oggetti del British Museum in primo piano), 2010. ISBN 0-7141-2820-1.
- Ciliegia, John. In Marks, Richard e Williamson, Paul, eds. Gotico: arte per l'Inghilterra 1400–1547. V&A Publications, Londra, 2003. ISBN 1-85177-401-7.
- Focillon, Henri (1980). L'arte dell'Occidente nel Medioevo: vol. 2 - Gotico. Ithaca, New York: Cornell University Press. ISBN 978-0801491924.Storia dell'arte 33 (2010): 568–595.
- Rudolph, Corrado. "Inventare la vetrata esegetica: Suger, Hugh e una nuova arte d'élite". Bollettino d'arte 93 (2011): 399–422.
- Snyder, James. Arte rinascimentale settentrionale. Harry N. Abrams, 1985. ISBN 0136235964.
- Arte gotica, da ArtCyclopedia.com
- Arte gotica (archiviata il 31 ottobre 2009), da Microsoft Encarta.
- Arte gotica, Museumsportal Schleswig-Holstein
- "Gotico: arte per l'Inghilterra 1400–1547." Museo Victoria e Albert. Archiviata dall' url originale il 7 marzo 2012. Estratto l'8 giugno 2007.
- "Gotico: arte per l'Inghilterra 1400–1547". Museo Victoria e Albert. Archiviata dall'originale il 7 marzo 2012. Estratto 8 giugno 2007.Fonte: Archivio TORIma Accademia