Impressionism

L'impressionismo era un movimento artistico del XIX secolo caratterizzato da pennellate distintive, strutture compositive illimitate, attenzione alla rappresentazione precisa delle qualità transitorie della luce (spesso evidenziando spostamenti temporali), soggetti banali, prospettive non convenzionali e l'integrazione del movimento come aspetto fondamentale della percezione umana e dell'esperienza vissuta. Il movimento è emerso da un collettivo di artisti parigini che ottennero riconoscimento grazie alle loro mostre indipendenti negli anni '70 e '80 dell'Ottocento.

Impressionismo è stato un movimento artistico del XIX secolo caratterizzato da pennellate visibili, composizione aperta, enfasi sulla rappresentazione accurata della luce nelle sue qualità mutevoli (spesso accentuando gli effetti del passare del tempo), argomenti ordinari, angoli visivi insoliti e inclusione del movimento come elemento cruciale della percezione e dell'esperienza umana. L'impressionismo ebbe origine da un gruppo di artisti residenti a Parigi le cui mostre indipendenti li portarono alla ribalta durante gli anni '70 e '80 dell'Ottocento.

Gli impressionisti dovettero affrontare una significativa resistenza da parte delle istituzioni artistiche francesi consolidate. La nomenclatura del movimento trae origine dal dipinto di Claude Monet, Impression, soleil levant (Impressione, Alba), che spinse il critico Louis Leroy a inventare il termine in una critica derisoria del 1874 della Prima Esposizione Impressionista, pubblicata nel periodico parigino Le Charivari. Successivamente, il movimento artistico visivo dell'impressionismo ha ispirato sviluppi stilistici paralleli in altri domini artistici, in particolare nella musica e nella letteratura impressioniste.

Panoramica

Considerati iconoclasti durante la loro epoca, i primi impressionisti sfidarono le convenzioni consolidate dell'arte accademica. Nelle loro composizioni davano priorità ai colori applicati liberamente rispetto a linee e contorni definiti, traendo ispirazione da artisti come Eugène Delacroix e J. M. W. Turner. Inoltre, raffiguravano scene quotidiane all'interno di ambienti naturali, spesso eseguendo queste opere all'aperto per incapsulare percezioni istantanee.

Storicamente, le produzioni artistiche, inclusi paesaggi, nature morte e ritratti, venivano tipicamente eseguite all'interno dello studio, enfatizzando una meticolosa verosimiglianza. Gli artisti impressionisti scoprirono che lavorare all'aperto, o en plein air, consentiva loro di rendere le qualità effimere e fugaci della luce naturale. Il loro approccio si concentrava su impressioni visive complete piuttosto che su dettagli minuti. Hanno impiegato pennellate brevi e distinte "spezzate", utilizzando pigmenti sia misti che non miscelati, un allontanamento dalla consueta miscelazione e ombreggiatura uniforme, per generare una vibrante intensità cromatica.

L'ascesa dell'impressionismo in Francia coincise con il fatto che altri artisti, come i macchiaioli italiani e Winslow Homer negli Stati Uniti, indagarono anche sulla pittura plein-air. Tuttavia, gli impressionisti innovarono tecniche distinte caratteristiche del loro movimento. Sostenuto dai suoi sostenitori come un nuovo approccio percettivo, l'impressionismo incarna una forma d'arte caratterizzata da immediatezza, dinamismo, pose e arrangiamenti spontanei e l'applicazione luminosa e diversificata del colore per rappresentare il gioco della luce. Nel 1876, il poeta e critico Stéphane Mallarmé articolò la sua visione dello stile nascente: "Non si può presumere che il soggetto raffigurato, costituito da una confluenza di luci riflesse e in continuo cambiamento, mantenga un aspetto costante, ma piuttosto pulsa di movimento, illuminazione e vitalità". comunità. Attraverso la sua enfasi sulla replica della sensazione visiva sperimentata dall'osservatore, piuttosto che dettagliare meticolosamente il soggetto, e aprendo la strada a una vasta gamma di tecniche e forme, l'impressionismo è servito da precursore fondamentale per i successivi movimenti artistici come il post-impressionismo, il fauvismo e il cubismo.

Il movimento artistico impressionista

La prima mostra impressionista, 1874

Durante la metà del XIX secolo, un periodo segnato da una rapida industrializzazione e da profondi cambiamenti sociali in Francia, tra cui la ricostruzione di Parigi e le campagne militari da parte dell'imperatore Napoleone III, l'Académie des Beaux-Arts esercitò un controllo significativo sulla produzione artistica francese. L'Académie fungeva da custode degli standard convenzionali della pittura francese, dettando sia i soggetti che l'approccio estetico. Mentre i soggetti storici, le narrazioni religiose e la ritrattistica erano molto apprezzati, i generi del paesaggio e della natura morta ricevevano meno riconoscimento. L'Académie prediligeva opere d'arte rese meticolosamente che trasmettessero realismo dopo un attento esame. Le opere che aderiscono a questa estetica presentano pennellate precise, meticolosamente miscelate per oscurare la tecnica individuale dell'artista. Le tavolozze dei colori erano generalmente attenuate e spesso ulteriormente attenuate dall'applicazione di una sostanziale vernice dorata.

L'Académie ospitava una mostra d'arte annuale con giuria, il Salon de Paris, dove gli artisti espositori ottenevano riconoscimenti attraverso premi, commissioni e una maggiore reputazione professionale. I criteri della giuria riflettevano i principi estetici dell'Académie, esemplificati dalle opere di artisti come Jean-Léon Gérôme e Alexandre Cabanel. Questi artisti impiegarono una vasta gamma di tecniche e convenzioni, radicate nelle tradizioni pittoriche occidentali fin dal Rinascimento, tra cui la prospettiva lineare e le rappresentazioni figurali derivate dall'arte greca classica, per creare rappresentazioni idealizzate di un mondo armoniosamente strutturato. Tuttavia, a partire dal 1850, alcuni artisti, in particolare il pittore realista Gustave Courbet, iniziarono ad attirare l'attenzione del pubblico e la disapprovazione della critica raffigurando la vita contemporanea senza aderire all'idealizzazione prescritta dall'Académie.

Durante i primi anni 1860, quattro pittori nascenti - Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley e Frédéric Bazille - fecero una conoscenza mentre intraprendevano gli studi con l'artista accademico Charles Gleyre. Hanno trovato un terreno comune nella loro preferenza per la rappresentazione di paesaggi e dell'esistenza contemporanea rispetto a soggetti storici o mitologici tradizionali. Adottando una metodologia che aveva guadagnato sempre più terreno verso la metà del secolo, inizialmente sostenuta da artisti come il pittore inglese John Constable, si recavano spesso nelle zone rurali per eseguire dipinti all'aria aperta. Il loro obiettivo si discostava dalla pratica convenzionale di creare schizzi preliminari per il successivo perfezionamento in studio; miravano invece a realizzare le loro opere interamente all'aperto.

Restituendo scene direttamente dalla natura sotto la luce naturale e impiegando i vivaci pigmenti sintetici introdotti all'inizio del secolo, questi artisti coltivarono uno stile pittorico decisamente più leggero e luminoso. Questo approccio rappresentava un'evoluzione oltre il realismo sostenuto da Courbet e dalla scuola di Barbizon. Il Café Guerbois in Avenue de Clichy a Parigi fungeva da frequente punto di ritrovo per questi artisti, dove Édouard Manet, molto stimato dalle giovani generazioni, spesso guidava i loro scambi intellettuali. Successivamente anche Camille Pissarro, Paul Cézanne e Armand Guillaumin si affiliarono al gruppo.

Per tutto il decennio del 1860, la giuria del Salon rifiutò costantemente circa il cinquanta per cento delle proposte di Monet e dei suoi soci, dando priorità alle opere d'arte che aderivano all'estetica ufficialmente sancita. Nel 1863, Le déjeuner sur l'herbe (La colazione sull'erba) di Manet fu rifiutato dalla giuria del Salon, principalmente a causa della sua rappresentazione di una donna nuda accanto a due uomini vestiti in un ambiente da picnic. Sebbene la giuria del Salon abbia generalmente approvato i nudi in contesti storici e allegorici, ha censurato Manet per aver presentato una figura nuda realistica all'interno di un quadro contemporaneo. La dura condanna della giuria nei confronti del dipinto di Manet suscitò indignazione tra i suoi sostenitori e il volume eccezionalmente elevato di opere rifiutate quell'anno causò notevole inquietudine nella comunità artistica francese.

In seguito all'esame delle istanze respinte del 1863, l'imperatore Napoleone III emanò un decreto che consentiva la valutazione pubblica delle opere d'arte, portando alla creazione del Salon des Refusés (Salone dei rifiutati). Nonostante una parte significativa dei partecipanti fosse inizialmente visitata per divertimento, il Salon des Refusés ha evidenziato con successo l'emergere di una nuova direzione artistica e ha raccolto una maggiore partecipazione rispetto al Salon ufficiale.

Le successive petizioni da parte di artisti per ulteriori Salons des Refusés nel 1867 e nel 1872 non hanno avuto successo. Di conseguenza, nel dicembre 1873, Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Cézanne, Berthe Morisot, Edgar Degas e molti altri artisti fondarono la Société anonyme des artistes peintres, sculptures, graveurs, etc. per mostrare in modo indipendente le loro creazioni. L'appartenenza a questa associazione imponeva l'astensione dalla partecipazione al Salon ufficiale. Gli organizzatori hanno esteso gli inviti a vari altri artisti progressisti per la loro mostra inaugurale, tra cui l'anziano Eugène Boudin, la cui pratica artistica aveva precedentemente ispirato Monet ad abbracciare la pittura plein air. Tuttavia, Johan Jongkind, un altro pittore che influenzò notevolmente Monet e la sua cerchia, scelse di non partecipare, decisione presa anche da Édouard Manet. Alla fine, trenta artisti contribuirono alla loro mostra iniziale, che ebbe luogo nell'aprile 1874 presso lo studio del fotografo Nadar.

Ricezione critica dell'impressionismo

L'accoglienza critica iniziale è stata varia. Monet e Cézanne, in particolare, dovettero affrontare dure critiche. Louis Leroy, critico e umorista, pubblicò una feroce recensione sul quotidiano Le Charivari, dove coniò il termine con cui sarebbero diventati noti gli artisti, traendo un gioco di parole dal titolo dell'Impressione, alba di Claude Monet (Impressione, soleil levant). Il suo articolo, intitolato in modo derisorio "La mostra degli impressionisti", affermava che il dipinto di Monet era semplicemente uno schizzo e difficilmente poteva essere considerato un'opera d'arte completa.

La sua critica era presentata come un dialogo tra osservatori, con le seguenti osservazioni:

"Impressione, ne ero certo. Mi dicevo solo che, poiché ero impressionato, doveva esserci qualche impressione... e che libertà, che facilità di lavorazione! La carta da parati allo stato embrionale è più rifinita di quel paesaggio marino."

La definizione impressionista ottenne rapidamente l'accettazione del pubblico. Nonostante la loro diversità stilistica e di temperamento, gli artisti stessi adottarono il termine, uniti principalmente dalla loro etica condivisa di indipendenza e ribellione. Tra il 1874 e il 1886, il gruppo tenne otto mostre collettive, nonostante le fluttuazioni dei membri. Caratterizzato da pennellate sciolte e spontanee, lo stile impressionista divenne presto l'emblema dell'esistenza moderna. Monet, Sisley, Morisot e Pissarro sono spesso considerati gli esponenti "più puri" dell'impressionismo, perseguendo costantemente un'estetica incentrata sulla spontaneità, la luce e l'espressione cromatica. Al contrario, Degas sconfessò ampiamente questi principi, dando priorità al disegno rispetto al colore e denigrando la pittura all’aria aperta. Renoir si discostò temporaneamente dall'impressionismo durante gli anni '80, senza mai ritornare completamente ai suoi principi fondamentali. Édouard Manet, nonostante fosse considerato un leader dagli impressionisti, mantenne il suo caratteristico uso del nero come colore (una pratica generalmente evitata dagli impressionisti, che preferivano tonalità miste per toni più scuri) e non partecipò mai alle loro mostre collettive. Presentò con insistenza la sua arte al Salon, dove la sua opera Cantante spagnolo aveva ottenuto una medaglia di seconda classe nel 1861, e incoraggiò i suoi colleghi a seguire l'esempio, sostenendo che "il Salon è il vero campo di battaglia" per stabilire la fama artistica.

Il nucleo centrale degli artisti si è progressivamente ridotto. Bazille, ad esempio, perì nella guerra franco-prussiana nel 1870. Ulteriori defezioni seguirono quando Cézanne, successivamente raggiunto da Renoir, Sisley e Monet, rinunciarono alle mostre collettive per presentare le loro opere in modo indipendente al Salon. Emersero controversie interne su questioni come l'inclusione di Guillaumin nel gruppo, adesione sostenuta da Pissarro e Cézanne ma avversata da Monet e Degas, che lo ritenevano immeritevole. Nel 1879, Degas invitò Mary Cassatt a esporre le sue opere, ma insistette anche in modo controverso per includere Jean-François Raffaëlli, Ludovic Lepic e altri realisti i cui stili divergevano dai principi impressionisti, spingendo Monet nel 1880 a criticare gli impressionisti per "aver aperto le porte ai primi pittori arrivati".

Di conseguenza, la settima mostra impressionista di Parigi nel 1882 si rivelò la più esclusiva, con opere esposte. da soli nove artisti considerati "veri" impressionisti: Gustave Caillebotte, Paul Gauguin, Armand Guillaumin, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley e Victor Vignon. Successivamente, il gruppo subì un'ulteriore frammentazione a causa degli inviti rivolti a Paul Signac e Georges Seurat a partecipare all'ottava mostra impressionista nel 1886. In particolare, Pissarro fu l'unico artista ad esporre in tutte le otto mostre impressioniste di Parigi.

Ricevimento commerciale

Mentre le mostre impressioniste fruttarono rendimenti finanziari limitati per i singoli artisti, il loro lavoro ottenne progressivamente l'accettazione e il patrocinio del pubblico. Paul Durand-Ruel, il loro mercante d'arte, è stato determinante nel mantenere la visibilità pubblica e l'accessibilità delle opere impressioniste per il pubblico francese. Inoltre, ha organizzato mostre per gli impressionisti parigini sia a Londra che a New York. Nonostante la morte in povertà di Sisley nel 1899, Renoir ottenne un notevole successo al Salon nel 1879. Monet raggiunse la stabilità finanziaria all'inizio degli anni Ottanta dell'Ottocento, uno status raggiunto da Pissarro all'inizio degli anni Novanta dell'Ottocento. Allo stesso tempo, forme diluite delle tecniche pittoriche impressioniste erano diventate prevalenti nell'arte Salon.

Interpretazioni dell'impressionismo del XX secolo

L'impressionismo, un importante movimento artistico del XIX secolo, si trovò ad affrontare prospettive in evoluzione all'inizio del XX secolo per quanto riguarda l'esposizione pubblica delle sue opere artistiche. Françoise Cachin sosteneva la contestualizzazione dell'impressionismo attraverso la disposizione strategica di oggetti storici, suggerendo così una narrazione di progressione artistica. Nell'estate del 1945, René Huyghe e Georges Salles sostenevano l'impressionismo come arte tipicamente francese, esponendo le opere dei suoi artisti principali insieme a quelle dei maestri francesi storici. Questo approccio curatoriale ha stabilito un lignaggio estetico diretto, collegando le scuole d’arte francesi all’interno della più ampia narrativa storica della nazione francese. Riconobbero l’aspettativa degli Alleati dopo la seconda guerra mondiale per un’etica post-nazionalista e umanista. Oltre a educare il pubblico sulla storia dell’arte francese, le opere impressioniste venivano messe in risalto solo se ritenute capolavori adatti all’insegnamento. La borghesia francese, favorendo il realismo schietto, scoprì che i principali artisti impressionisti non affermavano mai che le loro opere trasmettessero un giudizio intellettuale o morale. Di conseguenza, l’impressionismo, insieme ad altre forme d’arte dell’inizio del XIX secolo, fu spesso relegato allo status di creazioni epiche su larga scala destinate ai saloni o alle mostre statali. Allo stesso tempo, il curatore Jean Cassou è stato incaricato di acquisire opere d'arte per popolare il nuovo Musée National d'Art Moderne.

Tecniche artistiche impressioniste

Diversi pittori francesi gettarono le basi per l'impressionismo, in particolare il colorista romantico Eugène Delacroix, il principale realista Gustave Courbet e artisti della scuola di Barbizon come Théodore Rousseau. Gli impressionisti trassero significativamente ispirazione dalle opere di Johan Barthold Jongkind, Jean-Baptiste-Camille Corot ed Eugène Boudin. Questi precursori dipingevano direttamente dalla natura con uno stile spontaneo che anticipò l'impressionismo e guidarono e consigliarono anche la generazione più giovane di artisti.

Lo stile distintivo e innovativo degli impressionisti è stato plasmato da un insieme di tecniche e pratiche artistiche identificabili. Sebbene questi metodi fossero stati precedentemente utilizzati dagli artisti, e siano particolarmente evidenti nelle opere di personaggi come Frans Hals, Diego Velázquez, Peter Paul Rubens, John Constable e J. M. W. Turner: gli impressionisti furono i pionieri della loro applicazione completa e coerente. Le tecniche chiave includono:

• Gli artisti hanno utilizzato pennellate brevi e spesse per trasmettere rapidamente l'essenza del soggetto, dando priorità all'impressione generale rispetto ai dettagli intricati. La pittura veniva spesso applicata utilizzando la tecnica dell'impasto.
• I colori sono stati giustapposti con una fusione minima, un metodo che sfrutta il principio del contrasto simultaneo per migliorare la vivacità percepita delle tonalità per l'osservatore.
• I grigi e i toni più scuri sono stati ottenuti attraverso la mescolanza di colori complementari. L'impressionismo puro tipicamente evitava l'uso della vernice nera.
• L'applicazione bagnato su bagnato, in cui gli strati di vernice successivi vengono applicati prima che quelli precedenti si asciughino, ha prodotto bordi più morbidi e un'armoniosa mescolanza di colori.
• Le opere impressioniste generalmente non utilizzavano la trasparenza di sottili pellicole pittoriche o smalti, che gli artisti precedenti manipolavano meticolosamente per effetti specifici. La superficie di un dipinto impressionista è tipicamente opaca.
• La vernice veniva applicata su un fondo bianco o di colore chiaro, un allontanamento dai fondi grigio scuro o dai colori intensi spesso utilizzati dai pittori precedenti.
• L'accento è stato posto sull'interazione della luce naturale, con l'osservazione meticolosa dei riflessi cromatici tra gli oggetti. Gli artisti dipingevano spesso la sera per catturare gli effetti de soir, le caratteristiche oscure del crepuscolo.
• Per i dipinti eseguiti en plein air (all'aperto), le ombre sono state rese in modo audace utilizzando il blu riflesso del cielo sulle superfici, conferendo un senso di freschezza senza precedenti all'opera d'arte. Questa tecnica è stata ispirata in particolare dall'osservazione delle ombre blu proiettate sulla neve.

I progressi tecnologici hanno influenzato in modo significativo l'evoluzione dello stile impressionista. Gli impressionisti sfruttarono l'innovazione della metà del XIX secolo delle vernici premiscelate confezionate in tubi di latta, simili ai contemporanei tubetti di dentifricio. Questa innovazione ha facilitato una maggiore spontaneità per gli artisti, consentendo loro di lavorare sia all’aperto che al chiuso con maggiore facilità. Prima di ciò, i pittori preparavano faticosamente i propri colori macinando polveri di pigmenti secchi e mescolandoli con olio di semi di lino, conservando successivamente queste miscele in vesciche di animali.

Il XIX secolo segnò l'introduzione commerciale di numerosi pigmenti sintetici vivaci per gli artisti. Prima dell’emergere dell’impressionismo, intorno al 1840, gli artisti utilizzavano già colori come il blu cobalto, il viridiano, il giallo cadmio e il blu oltremare sintetico. I pittori impressionisti successivamente sfruttarono questi pigmenti, insieme a tonalità ancora più nuove come il blu ceruleo, che divenne disponibile in commercio nel 1860, per ottenere il loro stile distintivo e audace.

Lo sviluppo di uno stile pittorico più luminoso tra gli impressionisti si sviluppò progressivamente. Negli anni '60 dell'Ottocento, artisti come Monet e Renoir impiegavano occasionalmente tele preparate con fondi convenzionali rosso-marrone o grigio. Tuttavia, nel 1870, Monet, Renoir e Pissarro optarono comunemente per fondi grigi o beige più chiari, che fungevano da tono medio all'interno dell'opera completata. Verso il 1880, tra alcuni impressionisti emerse una preferenza per i fondi bianchi o biancastri, diminuendo l'influenza del colore di fondo sulla composizione finale.

Contenuti tematici e approcci compositivi

In risposta all'avvento della modernità, gli artisti impressionisti indagarono su una vasta gamma di argomenti non accademici, comprendendo attività ricreative della classe media e motivi urbani come stazioni ferroviarie, caffè, bordelli, teatri e sale da ballo. La loro ispirazione si è estesa ai viali parigini recentemente ampliati, fiancheggiati da alti edifici contemporanei, che hanno offerto ampie opportunità di ritrarre folle vibranti, divertimenti pubblici e illuminazione notturna artificiale all'interno di ambienti chiusi.

Ad esempio, Paris Street di Caillebotte; Rainy Day (1877) esemplifica una sensibilità moderna evidenziando l'isolamento individuale all'interno dell'ampia architettura e degli spazi urbani. Inoltre, nelle loro raffigurazioni paesaggistiche, gli impressionisti incorporarono prontamente le fiorenti fabbriche che punteggiavano il paesaggio rurale. Al contrario, i precedenti artisti paesaggisti in genere omettevano le ciminiere e altri indicatori industriali, considerandoli dannosi per l'armonia naturale e inadatti alla rappresentazione artistica.

Prima del movimento impressionista, anche artisti come il pittore olandese del XVII secolo Jan Steen si concentravano su soggetti quotidiani, ma i loro approcci compositivi rimanevano convenzionali. Questi primi artisti strutturavano le loro composizioni per garantire che il soggetto principale dominasse lo sguardo dello spettatore. Sebbene fosse un artista dell'epoca romantica, il lavoro di J. M. W. Turner prefigurava elementi stilistici impressionisti. Al contrario, gli impressionisti hanno offuscato la distinzione tra primo piano e sfondo, spesso creando un effetto simile a un’istantanea spontanea, catturando un segmento di una realtà più ampia come per caso. La crescente popolarità della fotografia, unita alla maggiore portabilità delle fotocamere, ha portato a rappresentazioni fotografiche più sincere. Questa evoluzione fotografica ha influenzato gli impressionisti nel rappresentare momenti transitori, evidenti non solo nella luce effimera dei paesaggi ma anche nelle attività quotidiane degli individui.

L'emergere dell'impressionismo può essere parzialmente compreso come una risposta artistica alla sfida percepita posta dalla fotografia, che sembrava sminuire il valore della capacità di un artista di replicare la realtà. Di conseguenza, sia la ritrattistica che la pittura di paesaggio furono considerate in qualche modo inadeguate e meno veritiere, dato che la fotografia "produceva immagini realistiche in modo molto più efficiente e affidabile".

Tuttavia, paradossalmente la fotografia stimolò gli artisti a esplorare vie alternative di espressione creativa. Invece di gareggiare con la fotografia per imitare la realtà, gli artisti si concentrarono "sull'unica cosa che potevano inevitabilmente fare meglio della fotografia: sviluppare ulteriormente in una forma d'arte la sua stessa soggettività nella concezione dell'immagine, la stessa soggettività che la fotografia eliminava". Gli impressionisti miravano a trasmettere le loro percezioni soggettive della natura, piuttosto che produrre riproduzioni precise. Questo approccio ha consentito agli artisti di rendere soggettivamente le proprie osservazioni, guidati dai loro "taciti imperativi di gusto e coscienza". La fotografia spinse anche i pittori a sfruttare elementi inerenti al mezzo pittorico, come il colore, che all’epoca mancava alla fotografia. Infatti, "Gli impressionisti furono i primi a offrire consapevolmente un'alternativa soggettiva alla fotografia".

Le stampe artistiche giapponesi ukiyo-e, un fenomeno noto come giapponismo, costituirono un'altra influenza significativa. I principi estetici di queste stampe informavano sostanzialmente le caratteristiche prospettive "istantanee" e le strutture compositive non convenzionali prevalenti nell'impressionismo. Il Jardin à Sainte-Adresse (1867), ad esempio, esemplifica questa influenza attraverso i suoi sorprendenti blocchi di colore e una composizione caratterizzata da una marcata inclinazione diagonale, che riflette l'estetica della stampa giapponese.

Edgar Degas era un appassionato fotografo e un conoscitore delle stampe giapponesi. Il suo The Dance Class (La classe de danse), creato nel 1874, dimostra entrambe queste influenze attraverso la sua struttura compositiva asimmetrica. I ballerini sembrano essere catturati di sorpresa in una serie di posture non convenzionali, risultando in un vuoto significativo nel quadrante in basso a destra dello spazio sul pavimento. Inoltre, ha reso i suoi ballerini in modo scultoreo, come esemplificato dalla Piccola ballerina di quattordici anni.

Impressionisti femminili

Gli impressionisti, con vari gradi di enfasi, cercavano di rappresentare fenomeni percettivi e temi moderni. Le impressioniste condividevano queste aspirazioni artistiche ma dovettero affrontare numerosi vincoli sociali e professionali in contrasto con le loro controparti maschili. Erano notevolmente assenti dalle rappresentazioni dell'ambiente sociale borghese, inclusi viali, caffè e sale da ballo.

Oltre alla loro esclusione da immagini specifiche, le donne erano anche escluse dalle discussioni cruciali che si svolgevano in tali luoghi. Questi incontri servirono come forum cruciali per gli impressionisti maschi per sviluppare e diffondere i loro concetti artistici. All'interno degli ambienti accademici, le donne erano percepite come incapaci di affrontare temi complessi, spingendo di conseguenza gli insegnanti a limitare la portata dei curricula delle loro studentesse. Inoltre, l'eccellenza artistica era considerata poco femminile, poiché le attitudini primarie delle donne erano allora ampiamente considerate risiedere nella vita domestica e nei ruoli materni.

Tuttavia, diverse donne ottennero il riconoscimento durante la loro vita, nonostante la loro carriera fosse influenzata da circostanze personali; per esempio, il marito di Marie Bracquemond si risentì delle sue attività artistiche, portandola infine ad abbandonare la pittura. Le quattro figure più importanti - Mary Cassatt, Eva Gonzalès, Marie Bracquemond e Berthe Morisot - sono, e storicamente sono state, spesso designate come le "donne impressioniste". Il loro coinvolgimento nelle otto mostre impressioniste tenutesi a Parigi tra il 1874 e il 1886 fu diverso: Morisot espose in sette, Cassatt in quattro, Bracquemond in tre, mentre Gonzalès non partecipò.

I critici contemporanei spesso raggruppavano questi quattro artisti collettivamente, ignorando i loro stili, tecniche o preoccupazioni tematiche individuali. I revisori delle loro mostre spesso cercavano di elogiare le capacità delle artiste, ma le confinavano entro una concettualizzazione restrittiva della femminilità. Sostenendo la congruenza della tecnica impressionista con le modalità percettive femminili, il critico parigino S.C. de Soissons ha articolato:

Si può capire che le donne non hanno originalità di pensiero e che la letteratura e la musica non hanno carattere femminile; ma sicuramente le donne sanno osservare, e ciò che vedono è ben diverso da quello che vedono gli uomini, e l'arte che mettono nei loro gesti, nella loro toilette, nella decorazione del loro ambiente è sufficiente a dare l'idea di un genio istintivo, di un genio peculiare che risiede in ognuna di loro.

Sebbene l'impressionismo convalidasse la vita sociale domestica come un soggetto legittimo, una sfera con la quale le donne possedevano un'intima familiarità, tendeva allo stesso tempo a confinarle in questo ambito tematico. Le mostre presentavano in primo piano raffigurazioni di soggetti spesso identificabili all'interno di ambienti domestici, un genere che poteva garantire commissioni. I soggetti raffigurati erano spesso donne che interagivano con l'ambiente circostante attraverso il loro sguardo o le loro azioni. Cassatt, in particolare, ha dimostrato un approccio deliberato alla collocazione dei soggetti: ha salvaguardato le sue figure prevalentemente femminili dall'oggettivazione e dalla rappresentazione stereotipata; quando non sono impegnati nella lettura, vengono mostrati conversare, cucire o bere il tè; quando sono inattive, appaiono assorte nella contemplazione.

Le impressioniste, simili ai loro coetanei maschi, perseguivano la "verità" attraverso nuovi approcci percettivi e metodologie pittoriche innovative; ogni artista coltivava uno stile pittorico distintivo. Le impressioniste, in particolare Morisot e Cassatt, mostravano una consapevolezza delle dinamiche di potere tra donne e oggetti all'interno delle loro composizioni: le donne borghesi ritratte non sono semplicemente definite da elementi decorativi; piuttosto, si impegnano e affermano il libero arbitrio nei loro ambienti domestici. Esistono numerosi parallelismi nelle loro rappresentazioni delle donne, che appaiono allo stesso tempo a proprio agio e sottilmente costrette. Il Palco dell'Opera Italiana di Gonzalès illustra una donna che guarda lontano, apparentemente a suo agio in un ambiente sociale ma limitato dal palco dell'opera e dalla figura maschile adiacente. Giovane ragazza alla finestra di Cassatt, sebbene più brillante nella tavolozza, trasmette similmente un senso di confinamento, con la figura vincolata dal bordo della tela mentre osserva l'esterno.

Nonostante i loro successi professionali e la caratterizzazione dell'impressionismo come intrinsecamente femminile, a causa della sua sensualità percepita, della dipendenza dalla sensazione, dalla fisicità e dalla fluidità, le quattro importanti artiste, insieme ad altre impressioniste donne meno riconosciute, furono in gran parte escluse dalle narrazioni storico-artistiche riguardanti gli artisti impressionisti. Questa omissione persistette fino alla pubblicazione di Donne impressioniste di Tamar Garb nel 1986. Ad esempio, l'opera di Jean Leymarie del 1955, Impressionismo, non conteneva informazioni riguardanti pittrici impressioniste.

Il pittore Androniqi Zengo Antoniu è accreditato congiuntamente di aver introdotto l'impressionismo in Albania.

Impressionisti di spicco

Le principali figure determinanti nello sviluppo dell'impressionismo in Francia sono elencate di seguito in ordine alfabetico:

• Frédéric Bazille (1841–1870), la cui partecipazione alle mostre impressioniste avvenne postuma.
• Gustave Caillebotte (1848–1894), che, essendo più giovane dei suoi contemporanei, si unì al gruppo a metà degli anni '70 dell'Ottocento.
• Mary Cassatt (1844-1926), un'artista di origine americana che risiedeva a Parigi ed espose in quattro mostre impressioniste.
• Paul Cézanne (1839–1906), che successivamente si discostò dal movimento impressionista.
• Edgar Degas (1834–1917), che espresse disprezzo per la definizione impressionista.
• Armand Guillaumin (1841–1927).
• Édouard Manet (1832–1883), che non partecipò a nessuna delle mostre impressioniste.
• Claude Monet (1840-1926), riconosciuto come il più prolifico tra gli impressionisti e l'artista che ne incarnò più distintamente i principi estetici.
• Berthe Morisot (1841–1895), partecipò a tutte le mostre impressioniste tranne quella del 1879.
• Camille Pissarro (1830–1903), nota come l'unica artista ad esporre in tutte le otto mostre impressioniste.
• Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), che espose in mostre impressioniste nel 1874, 1876, 1877 e 1882.
• Alfred Sisley (1839–1899).

Cronologia delle vite degli artisti impressionisti

Galleria

Artisti associati e influenzati

Tra gli stretti collaboratori degli impressionisti, Victor Vignon è l'unico artista al di fuori del gruppo ristretto di nomi di spicco a partecipare all'esclusiva settima mostra impressionista di Parigi nel 1882. Questa particolare mostra rappresentava un deliberato rifiuto delle mostre precedenti, meno restrittive, organizzate principalmente da Degas. Vignon, originario della scuola di Corot, mantenne un'amicizia con Camille Pissarro, la cui influenza è riconoscibile nello stile impressionista di Vignon dopo la fine degli anni '70 dell'Ottocento, ed era anche amico del postimpressionista Vincent van Gogh.

Molti altri stretti collaboratori degli impressionisti adottarono le loro metodologie a vari livelli. Questi includevano Jean-Louis Forain, che espose in mostre impressioniste nel 1879, 1880, 1881 e 1886, e Giuseppe De Nittis, un artista italiano residente a Parigi. De Nittis partecipò alla mostra inaugurale degli impressionisti su invito di Degas, nonostante altri impressionisti esprimessero disapprovazione per il suo lavoro. Anche Federico Zandomeneghi, un altro amico italiano di Degas, espose con gli impressionisti. Eva Gonzalès, una seguace di Manet, non espose con il gruppo.

James Abbott McNeill Whistler, un pittore di origine americana, contribuì all'impressionismo, sebbene non si unisse formalmente al gruppo e preferisse tavolozze di colori tenui. Walter Sickert, artista inglese, seguì inizialmente Whistler prima di diventare un importante discepolo di Degas. Non espose con gli impressionisti. Nel 1904, l'artista e scrittore Wynford Dewhurst scrisse il primo studio sostanziale sui pittori francesi pubblicato in inglese, Impressionist Painting: its genesis and development, che contribuì in modo significativo alla divulgazione dell'impressionismo in Gran Bretagna.

All'inizio degli anni Ottanta dell'Ottocento, le tecniche impressioniste iniziarono a influenzare, almeno superficialmente, l'arte esposta al Salon. Pittori alla moda come Jean Béraud e Henri Gervex ottennero il successo critico e finanziario ravvivando le loro tavolozze preservando la finitura liscia caratteristica dell'arte Salon. Le opere di questi artisti sono occasionalmente classificate in modo informale come impressionismo, nonostante la loro notevole divergenza dalle pratiche impressioniste fondamentali.

L'impatto degli impressionisti francesi si estese molto tempo dopo la scomparsa della maggior parte dei membri originali. Artisti come J.D. Kirszenbaum continuarono a incorporare tecniche impressioniste per tutto il XX secolo.

Oltre la Francia

Mentre l'influenza dell'impressionismo si espandeva a livello internazionale oltre la Francia, numerosi artisti, troppo estesi per essere enumerati in modo completo, furono identificati come praticanti di questo stile in evoluzione. Alcuni degli esempi più notevoli includono:

• Impressionisti americani di spicco includevano Mary Cassatt, William Merritt Chase, Frederick Carl Frieseke, Childe Hassam, Willard Metcalf, Lilla Cabot Perry, Theodore Robinson, Edmund Charles Tarbell, John Henry Twachtman, Catherine Wiley e J. Alden Weir.
• Gli impressionisti australiani comprendevano artisti come Tom Roberts, Arthur Streeton, Walter Withers, Charles Conder, Frederick McCubbin ed E. Phillips Fox, tutti membri importanti della Scuola di Heidelberg, insieme a John Russell, che mantenne amicizie con Van Gogh, Rodin, Monet e Matisse.
• Nei Paesi Bassi, gli impressionisti di Amsterdam includevano George Hendrik Breitner, Isaac Israëls, Willem Bastiaan Tholen, Willem de Zwart, Willem Witsen, Marie Henry Mackenzie e Jan Toorop.
• Il movimento impressionista californiano comprendeva artisti come William Wendt, Guy Rose, Alson Clark, Donna N. Schuster e Sam Hyde Harris.
• Tra i pittori impressionisti belgi figurano Anna Boch, Eugène Boch (un amico di Vincent van Gogh), Georges Lemmen e Théo van Rysselberghe.
• Gli impressionisti sloveni, tra cui Ivan Grohar, Rihard Jakopič, Matija Jama e Matej Sternen, provenivano dalla scuola di Anton Ažbe a Monaco e furono significativamente influenzati da Jurij Šubic e Ivana Kobilca, pittori sloveni attivi a Parigi.
• Wynford Dewhurst, Walter Richard Sickert e Philip Wilson Steer furono importanti pittori impressionisti del Regno Unito. Inoltre, Pierre Adolphe Valette, un artista di origine francese che ha lavorato a Manchester, è stato tutor di L. S. Lowry.
• Gli impressionisti tedeschi includevano Max Liebermann, Lovis Corinth, Ernst Oppler, Max Slevogt e August von Brandis.
• In Ungheria, László Mednyánszky e Pál Szinyei-Merse furono importanti impressionisti.
• Theodor von Ehrmanns e Hugo Charlemont rappresentavano una presenza impressionista meno comune tra i pittori secessionisti prevalentemente viennesi in Austria.
• Gli impressionisti irlandesi includevano William John Leech, Roderic O'Conor e Walter Osborne.
• In Russia, Konstantin Korovin e Valentin Serov furono importanti artisti impressionisti.
• Francisco Oller y Cestero, originario di Porto Rico, era noto per la sua amicizia con Pissarro e Cézanne.
• James Nairn era un artista impressionista in Nuova Zelanda.
• William McTaggart era un impressionista scozzese.
• Gli artisti canadesi Maurice Cullen, Laura Muntz Lyall e Helen McNicoll erano associati all'impressionismo.
• Władysław Podkowiński è stato un artista polacco riconosciuto sia per le opere impressioniste che per quelle simboliste.
• Nicolae Grigorescu è stato un pittore impressionista in Romania.
• Nazmi Ziya Güran è accreditato di aver introdotto l'impressionismo in Turchia.
• Chafik Charobim era un artista impressionista in Egitto.
• Eliseu Visconti era un impressionista brasiliano.
• In Spagna, Joaquín Sorolla e Fermín Arango furono impressionisti notevoli.
• Gli impressionisti argentini includevano Faustino Brughetti, Fernando Fader, Candido Lopez, Martín Malharro, Walter de Navazio e Ramón Silva.
• I pittori di Skagen costituivano un gruppo di artisti scandinavi che lavoravano in un piccolo villaggio di pescatori danese.
• Gli impressionisti serbi includevano Nadežda Petrović, Milo Milunović, Kosta Miličević, Milan Milovanović e Mališa Glišić.
• Ásgrímur Jónsson era un artista impressionista in Islanda.
• Fujishima Takeji era un pittore impressionista in Giappone.
• Frits Thaulow è stato un artista impressionista attivo in Norvegia e successivamente in Francia.

L'impressionismo ha esteso la sua influenza a vari altri media artistici.

Scultura

Sebbene Edgar Degas fosse prevalentemente riconosciuto come pittore durante la sua vita, si avventurò nella scultura negli anni ottanta dell'Ottocento, producendo circa 150 opere. Prediligeva la cera come mezzo per la sua malleabilità, che facilitava alterazioni, riprese e un'esplorazione più profonda del processo di modellazione. Solo una delle sue sculture, Piccola ballerina di quattordici anni, fu esposta pubblicamente durante la sua vita, alla sesta mostra impressionista del 1881. Questo pezzo, Piccola ballerina, suscitò un notevole dibattito critico; alcuni lo consideravano una sfida rivoluzionaria alle convenzioni scultoree, simile all'impatto dell'impressionismo sulla pittura, mentre altri lo consideravano esteticamente spiacevole. Dopo la morte di Degas nel 1917, il suo patrimonio autorizzò la creazione di fusioni in bronzo di 73 delle sue opere scultoree.

Lo scultore Auguste Rodin viene occasionalmente classificato come impressionista a causa della sua tecnica di utilizzare superfici modellate approssimativamente per evocare effetti di luce effimeri. Medardo Rosso, un altro scultore, è stato descritto in modo simile come un impressionista.

Alcuni artisti russi hanno prodotto sculture di animali impressioniste, con l'obiettivo di divergere dalle convenzioni artistiche tradizionali. Queste opere sono caratterizzate dall'attribuzione di nuove qualità spirituali agli uccelli e ad altre creature.

Fotografia e film

Edgar Degas, sebbene riconosciuto principalmente per i suoi dipinti e le sue sculture, si dedicò anche alla fotografia durante la sua vita successiva. Le sue opere fotografiche non furono né esposte durante la sua vita né ampiamente riconosciute postume; l'interesse degli studiosi nei loro confronti si è materializzato solo alla fine del XX secolo.

Anche i fotografi associati al pittorialismo, un movimento definito dall'uso della messa a fuoco morbida e degli effetti atmosferici, sono stati classificati come impressionisti. Questi fotografi utilizzavano diversi metodi, tra cui la sfocatura deliberata dei soggetti, l'uso di lenti soft-focus o stenopeiche e la manipolazione del processo della gomma bicromata, per generare immagini evocative dei dipinti impressionisti.

"Cinema impressionista francese" denota un movimento cinematografico vagamente definito che comprende film e registi in Francia, attivo principalmente dal 1919 al 1929, sebbene l'esatto ambito cronologico rimanga oggetto di discussione accademica. Tra i più importanti registi impressionisti francesi figurano Abel Gance, Jean Epstein, Germaine Dulac, Marcel L'Herbier, Louis Delluc e Dmitry Kirsanoff.

Musica

L'impressionismo musicale si riferisce a un movimento all'interno della musica classica europea emerso alla fine del XIX secolo e estesosi fino alla metà del XX secolo. Originario della Francia, questo stile è caratterizzato dalla sua enfasi sulla suggestione e sull'atmosfera, evitando deliberatamente l'emotività palese prevalente nell'era romantica. I compositori impressionisti spesso preferivano forme più brevi, come il notturno, l'arabesco e il preludio, e spesso incorporavano scale non convenzionali, inclusa l'intera scala tonale. Tra le loro innovazioni più significative c'erano l'introduzione degli accordi di settima maggiore e l'espansione delle strutture degli accordi di terzana per comprendere armonie in cinque e sei parti.

L'influenza precisa dell'impressionismo visivo sulla sua controparte musicale rimane un argomento di discussione accademica. Claude Debussy e Maurice Ravel sono generalmente riconosciuti come i principali compositori impressionisti; tuttavia, lo stesso Debussy ripudiò il termine, liquidandolo come un'invenzione critica. Anche Erik Satie è stato classificato all'interno di questo movimento, sebbene la sua metodologia compositiva fosse spesso percepita come meno seria, tendente più alla novità musicale.

Paul Dukas, un altro compositore francese, è occasionalmente classificato come impressionista, ma il suo approccio stilistico potrebbe essere più accuratamente associato al tardo romanticismo. Al contrario, le composizioni di Lili Boulanger mostrano chiaramente sonorità debussiane e sono anche considerate impressioniste. Al di là delle sue origini francesi, l'impressionismo musicale si estende alle opere di compositori come Ottorino Respighi (Italia), Ralph Vaughan Williams, Cyril Scott e John Ireland (Inghilterra), Alexander Scriabin (Russia), Manuel De Falla e Isaac Albeniz (Spagna) e Charles Griffes (America).

La musica impressionista americana mostra caratteristiche distinte dalla musica impressionista europea, con queste differenze particolarmente articolate nel "Poema per flauto" di Charles Tomlinson Griffes. e orchestra." Griffes è anche riconosciuto come il compositore impressionista più prolifico negli Stati Uniti.

Letteratura

Il termine "impressionismo" è stato esteso anche alle opere letterarie caratterizzate dalla trasmissione di impressioni sensoriali di un incidente o di una scena attraverso una selezione di dettagli salienti. La letteratura impressionista mostra uno stretto rapporto con il simbolismo, con figure di spicco tra cui Baudelaire, Mallarmé, Rimbaud e Verlaine. Autori come Virginia Woolf, D.H. Lawrence, Henry James e Joseph Conrad hanno composto opere impressioniste nel loro metodo di descrivere, piuttosto che interpretare, le impressioni, le sensazioni e le emozioni che costituiscono l'esperienza interna di un personaggio. Alcuni studiosi di letteratura, in particolare John G. Peters, propongono che l'impressionismo letterario sia definito più precisamente dal suo orientamento filosofico che da qualsiasi presunto collegamento con la pittura impressionista.

Post-impressionismo

Durante il 1880, diversi artisti, tra cui Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Georges Seurat e Henri de Toulouse-Lautrec, iniziarono ad articolare principi distinti per l'applicazione di colore, motivo, forma e linea, traendo ispirazione dalle pratiche impressioniste. Questi artisti, leggermente più giovani degli impressionisti, svilupparono un corpus di opere successivamente chiamato postimpressionismo. Gli artisti postimpressionisti reagirono consapevolmente alla preoccupazione degli impressionisti per la riproduzione realistica delle sensazioni ottiche di luce e colore, gravitando invece verso il contenuto simbolico e l'espressione palese delle emozioni.

Il post-impressionismo ha anticipato le caratteristiche distintive del futurismo e del cubismo, rispecchiando così un cambiamento significativo nelle prospettive della società europea sull'arte. Anche diversi artisti impressionisti fondamentali esplorarono questi domini artistici emergenti; ad esempio, Camille Pissarro adottò brevemente una tecnica divisionista e Claude Monet alla fine andò oltre la rigorosa pittura plein air. Paul Cézanne, uno dei partecipanti alla prima e alla terza mostra impressionista, coltivò una prospettiva artistica distintiva che dava priorità alla struttura pittorica, portando alla sua frequente classificazione come post-impressionista. Sebbene tali casi evidenzino le sfide inerenti all'assegnazione di categorie, l'opera dei primi pittori impressionisti rimane, per definizione, all'interno della classificazione impressionista.

La scuola di pittura cantonese, che mostrava influenze dell'impressionismo.

• Scuola di pittura cantonese, influenzata dall'impressionismo
• Il percorso storico della pittura.
• Les XX
• Luminismo, in relazione ai principi impressionisti.
• Divisioni cronologiche nella storia dell'arte occidentale.

Note

Citazioni

Opere citate

Manifestazioni contemporanee dell'impressionismo all'interno del mezzo fotografico.

• L'impressionismo contemporaneo nella fotografia
• Museo Hecht
• Gli impressionisti francesi (1860–1900)
• Gli impressionisti francesi (1860–1900) al Progetto Gutenberg
• Museumsport Schleswig-Holstein
• Impressionismo: una mostra del centenario, presentata al Metropolitan Museum of Art dal 12 dicembre 1974 al 10 febbraio 1975
• Suburban Pastoral, pubblicato su The Guardian il 24 febbraio 2007.
• Definizione di impressionismo.
• Impressionismo: dipinti collezionati dai musei europei (1999) costituiva una mostra d'arte organizzata in collaborazione dall'High Museum of Art di Atlanta, dal Seattle Art Museum e dal Denver Art Museum, che è stata itinerante da maggio a dicembre 1999.
• Monet's Years at Giverny: Beyond Impressionism, un catalogo della mostra del 1978 del Metropolitan Museum of Art, che esamina il contributo di Monet a questo movimento artistico.
• Degas: The Artist's Mind, un catalogo della mostra del 1976 del Metropolitan Museum of Art, che analizza il coinvolgimento di Degas in questo movimento artistico.
• La mostra "Parigi 1874: Inventing Impressionism" si è tenuta al Museo d'Orsay dal 26 marzo al 14 luglio 2024.
• La mostra "Paris 1874: The Impressionist Moment" è in programma alla Galleria Nazionale d'Arte dall'8 settembre 2024 al 19 gennaio 2025.