gotico internazionale denota una fase dell'arte gotica che ebbe origine in Borgogna, Francia e Italia settentrionale tra la fine del XIV e l'inizio del XV secolo. Successivamente, la sua ampia diffusione in tutta l'Europa occidentale portò alla sua designazione, un termine coniato dallo storico dell'arte francese Louis Courajod alla fine del XIX secolo.
La diffusa circolazione di concetti artistici e opere d'arte portatili, in particolare manoscritti miniati, in tutta Europa favorì una convergenza stilistica tra artisti e mecenati, diminuendo così in modo significativo le variazioni regionali. Influenze chiave provenivano dalla Francia settentrionale, dal Ducato di Borgogna, dalle Fiandre, dal Brabante, dalla corte imperiale di Praga e dall'Italia. Le unioni dinastiche, esemplificate dal matrimonio tra Riccardo II d'Inghilterra e Anna di Boemia, facilitarono la diffusione di questa tendenza artistica.
Inizialmente caratterizzata dalla raffinatezza cortese, interpretazioni più robuste successivamente si estesero alle opere commissionate dalle fiorenti classi mercantili e dalla nobiltà minore. Nel Nord Europa, le manifestazioni "tardo gotiche" di questo stile, in particolare nei loro aspetti ornamentali, persistettero fino all'inizio del XVI secolo, a causa dell'assenza di un lessico decorativo alternativo localizzato prima della rinascita rinascimentale del Classicismo.
L'applicazione di questa terminologia tra gli storici dell'arte mostra variabilità, con alcuni studiosi che utilizzano il termine in modo più restrittivo di altri. Alcuni storici dell'arte sostengono che il termine è "in molti sensi... non molto utile... poiché tende a trascurare sia le differenze che i dettagli della trasmissione".
Sviluppo
Una significativa iterazione boema dello stile emerse all'interno della corte di Carlo IV, imperatore del Sacro Romano Impero, a Praga, che per breve tempo fu un centro fondamentale per il progresso dell'arte europea. Carlo, membro della dinastia lussemburghese, ricevette la tutela del futuro papa Clemente VI e, durante la sua giovinezza, risiedette per sette anni alla corte francese, oltre a compiere due visite in Italia. Queste esperienze e legami familiari stabilirono stretti legami con varie corti francesi, comprendendo il papato di Avignone e, dal 1363, il distinto Ducato di Borgogna di Valois sotto Filippo il Temerario. Inizialmente lo stile boemo si discostò dagli altri centri non presentando figure allungate; tuttavia, la sua rappresentazione di figure femminili con notevole ricchezza e dolcezza si rivelò molto influente. Carlo possedeva almeno una pala d'altare italiana, apparentemente realizzata in Italia e successivamente trasportata a Praga, dove è attualmente ospitata all'interno del suo importante castello di Karlštejn. Per la costruzione della Cattedrale di San Vito a Praga si avvalse inizialmente di un architetto francese, poi del tedesco Peter Parler.
Una parte sostanziale dell'evoluzione dello stile è avvenuta in Italia; la sua diffusione verso nord attraverso le Alpi in Francia probabilmente avvenne in parte attraverso la comunità di artisti italiani associati alla corte papale di Avignone e attraverso le opere esposte da quella residenza durante gli anni Trenta e Quaranta del Trecento da Simone Martini, un precursore senese dello stile. La Siena repubblicana influenzò in modo significativo lo sviluppo dello stile, pur mantenendo la sua distintiva e dignitosa estetica gotica durante e oltre quest'epoca, mentre l'opulenta corte viscontea di Milano, che mantenne anche stretti legami con la famiglia reale francese, emerse come il principale centro italiano per lo stile cortese. Al contrario, con il progredire dello stile nel Nord Europa, gli artisti italiani ne assorbirono successivamente le influenze.
Il matrimonio del 1384 tra il giovane re Riccardo II d'Inghilterra e Anna di Boemia, figlia di Carlo IV, facilitò un collegamento culturale tra Praga e Londra, introducendo così lo stile in Inghilterra, nonostante la morte di Anna nel 1394.
Ritratti reali
Diverse opere fondamentali all'interno del corpus gotico internazionale comprendono ritratti votivi raffiguranti monarchi accanto a figure sacre, che occasionalmente illustrano il loro ricevimento in paradiso, come esemplificato da una miniatura raffigurante Jean, il duca di Berry e i suoi parenti accolti da San Pietro nel Très Riches Heures du Duc de Berry. Quest'epoca produce anche i primi ritratti su tavola dei monarchi esistenti, e i manoscritti reali di questo periodo mostrano un'incidenza significativamente elevata di rappresentazioni realistiche dei monarchi committenti.
Sondaggio
Architettura
Nel regno dell'architettura, dove questo stile ha dimostrato una notevole longevità, le sue manifestazioni regionali sono spesso identificate come architettura perpendicolare in Inghilterra, Sondergotik in Germania e nell'Europa centrale, gotico fiammeggiante in Francia e, successivamente, manuelina in Portogallo e isabelina in Spagna.
Pittura e scultura
Nella pittura e nella scultura, questo movimento artistico viene occasionalmente indicato con le sue denominazioni tedesche, "Schöne Stil" o "Weicher Stil", che si traducono in "Stile bello" o "Stile morbido". Le sue caratteristiche distintive includono un'eleganza raffinata, che ha sostituito la precedente monumentalità, completata da opulente tavolozze decorative, forme umane allungate e linee sinuose. Lo stile ha anche dimostrato un'applicazione più sofisticata della prospettiva, della modellazione e della composizione ambientale. Alle figure veniva sempre più offerta una maggiore integrazione spaziale all'interno delle loro ambientazioni, insieme a un crescente interesse per la rappresentazione veristica della flora e della fauna. In particolare, alcune opere, in particolare le famose illustrazioni del calendario all'interno delle Très Riches Heures du Duc de Berry, mostrano le fasi nascenti dell'autentica pittura di paesaggio. Man mano che lo stile si evolveva nel Nord Europa, l'ornamentazione divenne progressivamente elaborata, mentre in Italia la maggiore raffinatezza della rappresentazione figurale fu assimilata nella nascente tradizione pittorica del primo Rinascimento.
I prominenti scultori italiani mantennero in gran parte un'affinità con il classicismo, mostrando meno suscettibilità a questa corrente artistica; Lorenzo Ghiberti, pur condividendo diversi punti in comune stilistici, ha contemporaneamente evidenziato una prima infusione di classicismo rinascimentale. Claus Sluter, il principale scultore della Borgogna, ha sfruttato in modo unico lo stile per ottenere un potente impatto monumentale. Le identità della maggior parte degli scultori di questo periodo rimangono non documentate e lo stile generalmente persistette più a lungo nella scultura nordeuropea che nella pittura, principalmente perché l'intricato realismo caratteristico della pittura dei primi Paesi Bassi si rivelò difficile da rendere scultoreamente. Figure in legno dipinto su piccola scala, spesso raffiguranti la Madonna, ricoprivano una notevole importanza e, grazie alla loro portabilità, probabilmente facilitarono l'ampia diffusione dello stile in tutta Europa.
Tra i pittori illustri associati a questo periodo figurano il Maestro Teodorico e il Maestro della Pala di Třeboň in Boemia; il Maestro del Parement, Jacquemart de Hesdin, e i fratelli olandesi del Limburgo in Francia; e Gentile da Fabriano, Lorenzo Monaco e Pisanello in Italia, con Pisanello che collega in particolare lo stile al primo Rinascimento. In Borgogna, ad artisti come Jean Malouel, Melchior Broederlam e Henri Bellechose succedettero Robert Campin e Jan van Eyck, che spinsero la pittura dei primi Paesi Bassi verso un maggiore illusionismo. Il maestro Bertram e Conrad von Soest emersero come importanti maestri regionali in Germania, servendo principalmente i mecenati urbani. I dipinti su tavola di alta qualità anteriori al 1390 sono estremamente scarsi, con notevoli eccezioni riscontrabili solo in Italia e alla corte di Praga. Molti di questi artisti hanno intrapreso lunghi viaggi tra paesi o regioni nel corso della loro carriera, facilitando l'esposizione a diversi centri artistici. Nello specifico, Broederlam risiedette in Italia per diversi anni, e congetture accademiche suggeriscono che il Maestro del Parement potrebbe essere stato boemo, dato il numero limitato delle sue opere francesi documentate e la loro profonda affinità stilistica con l'arte boema.
I manoscritti miniati continuarono a fungere da canali cruciali per lo stile, con opere come il Messale di Sherborne che rappresentavano il contributo principale dell'Inghilterra, insieme alle creazioni in vetro colorato di John Thornton a York Minster e Thomas Glazier a Oxford e in altri luoghi. Le sculture in alabastro di Nottingham, prodotte in serie da officine secondo progetti standardizzati, furono ampiamente esportate in tutta l'Europa occidentale verso chiese parrocchiali attente ai costi. Le Ore di Gian Galeazzo Visconti da Milano costituirono un'opera fondamentale, così come la Bibbia di Venceslao (con testo tedesco), commissionata dal figlio di Carlo IV. Entrambi questi manoscritti, simili al Messale di Sherborne, si distinguono per i loro bordi riccamente decorati. Giovanni, duca di Berry, figlio e fratello di monarchi francesi, fu il più prodigioso mecenate dei manoscritti, servendo come principale datore di lavoro per i fratelli Limbourg, il maestro delle iniziali di Bruxelles e Jacquemart de Hesdin, oltre a ingaggiare numerosi altri artisti. Altri importanti collezionisti includevano Venceslao, figlio di Carlo IV; Giovanni di Lancaster, primo duca di Bedford, figlio di Enrico IV d'Inghilterra e "reggente" della Francia occupata dagli inglesi; e i duchi di Borgogna. Durante il XV secolo, le città fiamminghe, in particolare Bruges, superarono Parigi come centri preminenti sia per la miniatura dei manoscritti che per la pittura su tavola.
Arazzo
I centri di tessitura degli arazzi di Arras, Tournai e Parigi contribuirono in modo significativo alla diffusione dello stile gotico internazionale, nonostante l'interruzione della produzione di arazzi causata dall'occupazione inglese dal 1418 al 1436. Il mecenatismo sostenuto dei duchi di Borgogna promosse un'estetica gotica internazionale di corte caratterizzata da figure allungate, elaborati dettagli di costumi e composizioni densamente popolate disposte su livelli. Questo stile traeva ispirazione dai miniatori dei manoscritti e direttamente dai pittori; ad esempio, Baudouin de Bailleul, un artista con sede ad Arras, fornì cartoni per laboratori di arazzi sia ad Arras che a Tournai, rendendo difficile differenziare gli elementi stilistici locali (Weigert, p. 44). Le Cacce di Chatsworth, ospitate al Victoria and Albert Museum, traggono la loro ispirazione tematica dal trattato sulla caccia di Gaston de Foix e da numerose narrazioni romantiche contemporanee raffiguranti cicli della guerra di Troia.
L'arazzo fungeva anche da forma d'arte facilmente trasportabile. Serie complete di arazzi potevano accompagnare i nobili proprietari mentre si spostavano tra i vari castelli non riscaldati e non ammobiliati. Anche se i tessitori di arazzi venivano talvolta persuasi a trasferire i loro laboratori, le loro operazioni rimanevano dipendenti dalla disponibilità di lana inglese. All'interno di questa forma d'arte prevalentemente secolare, sia i temi religiosi che quelli secolari gareggiavano per l'importanza.
I tendaggi dipinti rappresentano un mezzo tardo gotico che viene spesso trascurato a causa della sua quasi totale scomparsa. Questi arazzi funzionavano come un'alternativa più economica agli arazzi tessuti e potevano essere prodotti rapidamente con contenuti tematici adeguati.
Lo zenit del movimento
Dal 1390 al 1420 circa, emerse una notevole coerenza stilistica tra le opere d'arte create nelle regioni geograficamente più disparate dell'Europa. Esempi nordeuropei includono le miniature di Très Riches Heures dei fratelli Limbourg, mentre in Italia, Adorazione dei Magi di Lorenzo Monaco, insieme a sculture e miniature di varie nazioni, esibiscono figure allungate e altamente stilizzate, spesso raffiguranti uomini anziani con imponenti barbe lunghe e posture aggraziate e ondeggianti. Le figure nelle scene bibliche sono spesso raffigurate con indosso abiti esotici, vagamente ispirati all'abbigliamento contemporaneo mediorientale o bizantino; in effetti, molte figure sembrano essere incluse principalmente per mostrare questi costumi elaborati. La popolazione all'interno di molte scene religiose convenzionali si espanse in modo significativo; ad esempio, i Magi sono accompagnati da un vasto seguito e la Crocifissione si trasforma spesso in uno spettacolo densamente popolato. Questa particolare innovazione è persistita oltre la durata di vita dello stile stesso.
Il declino del periodo gotico internazionale
La presentazione dell'Adorazione dei Magi di Gentile da Fabriano a Firenze nel 1423, considerata "l'opera culminante della pittura gotica internazionale", fu rapidamente seguita dagli affreschi di Masolino e Masaccio nella Cappella Brancacci (1424–26), riconosciuti come pionieri di un nuovo stile artistico. Allo stesso modo, l'opera magnum dei fratelli Limbourg, il Très Riches Heures du Duc de Berry, fu sostituita nel giro di pochi anni dalle Ore Torino-Milano. Quest'ultimo manoscritto, la continuazione di un lavoro iniziato decenni prima dal Maestro del Parement per il duca di Berry, introdusse uno stile pittorico nettamente diverso, pur mantenendo una struttura strutturale gotica.
Tuttavia, al di là di Firenze e delle corti principali, lo stile gotico internazionale mantenne la sua importanza, evolvendosi progressivamente in modi che divergevano nuovamente in modo significativo tra l'Italia e il Nord Europa. Successivamente, sia le arti che l'architettura passarono al primo Rinascimento.
Galleria
Arte gotica internazionale in Italia
- Arte gotica internazionale in Italia
- Madonna di Nesvačily
Note
Riferimenti
- Levey, Michael. Pittura a corte. Weidenfeld & Nicolson, Londra, 1971.
- Hyman, Timothy. Pittura senese. Tamigi e dintorni Hudson, 2003. ISBN 0-500-20372-5.
- Marks, Richard e Nigel Morgan. L'età d'oro della pittura manoscritta inglese, 1200-1400. Chatto & Windus, 1981. ISBN 0-7011-2540-3.
- Syson, Luke e Dillian Gordon. "Pisanello, pittore della corte rinascimentale." National Gallery Company, Londra, 2001. ISBN 1-85709-946-X.
- Tommaso, Marcel. L'età dell'oro: la pittura manoscritta all'epoca di Jean, Duc de Berry. Chatto & Windus, 1979. ISBN 0-7011-2472-5.
Boehm, Barbara Drake; et al. (2005). Praga: La Corona di Boemia, 1347–1437. New York: Museo Metropolitano d'Arte. ISBN 1588391612.
- Boehm, Barbara Drake; et al. (2005). Praga : la Corona di Boemia, 1347–1437. New York: Museo Metropolitano d'Arte. ISBN 1588391612.Mostra metropolitana: Praga, La corona di Boemia, 1347–1437
- Mostra metropolitana Praga, La corona di Boemia, 1347–1437