Japonisme

Japonisme è un termine francese che denota il fascino diffuso e l'impatto artistico dell'arte e del design giapponese tra vari artisti dell'Europa occidentale nel diciannovesimo secolo, in seguito al forzato ritorno del Giappone al commercio internazionale nel 1858. Il concetto di Japonisme fu inizialmente articolato nel 1872 dal critico d'arte e collezionista francese Philippe Burty.

Sebbene le sue manifestazioni fossero probabilmente più importanti a livello visivo arti, la sua influenza ha permeato l'architettura, la progettazione del paesaggio, l'orticoltura e la moda. Anche le arti dello spettacolo hanno sperimentato questo impatto, con The Mikado di Gilbert e Sullivan che ne è un notevole esempio.

A partire dal 1860, ukiyo-e, un genere di xilografie giapponesi, emerse come un'importante fonte di ispirazione per numerosi artisti occidentali. Queste stampe sono state originariamente prodotte per il mercato commerciale interno in Giappone. Mentre alcune stampe avevano precedentemente raggiunto l'Occidente attraverso le reti commerciali olandesi, la diffusa popolarità europea per le stampe ukiyo-e non si materializzò fino agli anni '60 dell'Ottocento. Gli artisti occidentali erano particolarmente affascinati dalla loro applicazione innovativa del colore e dalle strutture compositive distintive. Le caratteristiche caratteristiche delle stampe ukiyo-e includevano scorci pronunciati e disposizioni asimmetriche.

Le arti decorative giapponesi, che comprendevano ceramica, smalti, oggetti in metallo e lacche, esercitarono in Occidente un'influenza paragonabile a quella delle sue arti grafiche. Durante l’era Meiji (1868-1912), la ceramica giapponese raggiunse l’esportazione globale. Attingendo a una ricca eredità di produzione di armi da samurai, i metalmeccanici giapponesi svilupparono un'ampia tavolozza di colori attraverso sofisticate tecniche di lega e finitura dei metalli. Il periodo dal 1890 al 1910 segnò il "periodo d'oro" dello smalto cloisonné giapponese, durante il quale furono raggiunti progressi produttivi senza precedenti. Questi manufatti divennero molto visibili in tutta l'Europa del diciannovesimo secolo, esposti a milioni di persone nelle successive fiere mondiali e successivamente acquisiti da gallerie e rivenditori di lusso. Gli scritti contemporanei di critici, collezionisti e artisti hanno trasmesso un notevole entusiasmo per questa forma d'arte emergente. Collezionisti di spicco come Siegfried Bing e Christopher Dresser hanno esposto e documentato queste creazioni. Di conseguenza, i principi estetici e gli elementi tematici giapponesi furono reinterpretati e integrati nelle creazioni di artisti e artigiani occidentali.

Storia

Seclusione (1639–1858)

Per gran parte del periodo Edo (1603–1867), il Giappone mantenne una politica di isolamento nazionale, con un solo porto internazionale rimasto operativo. Tokugawa Iemitsu ordinò la costruzione di Dejima, un'isola artificiale situata al largo di Nagasaki, che fungesse da punto di ingresso esclusivo per le importazioni del Giappone. Gli olandesi erano gli unici occidentali autorizzati a commerciare con il Giappone; tuttavia, questa limitata interazione facilitò la trasmissione delle influenze artistiche giapponesi in Occidente. Ogni anno, le flotte olandesi arrivavano in Giappone cariche di merci occidentali da scambiare. Il loro carico comprendeva in particolare numerosi trattati olandesi sulla pittura e varie stampe olandesi. Shiba Kōkan (1747–1818) fu tra gli artisti giapponesi che si dedicarono a questi materiali importati. Kōkan produsse una delle prime acqueforti del Giappone, una tecnica che acquisì da un trattato importato. Successivamente ha integrato la tecnica della prospettiva lineare, anch'essa derivata da un trattato, nei suoi caratteristici dipinti in stile ukiyo-e.

Prime esportazioni

Inizialmente, le principali esportazioni del Giappone comprendevano l'argento, che fu proibito dopo il 1668, e l'oro, principalmente sotto forma di monete ovali, che fu proibito dopo il 1763, seguito dal rame sotto forma di lingotti. Successivamente, le esportazioni giapponesi diminuirono e passarono a prodotti artigianali, tra cui ceramiche, ventagli, carta, mobili, spade, armature, articoli in madreperla, paraventi pieghevoli e oggetti laccati, che erano già tutti prodotti di esportazione consolidati.

Anche durante il periodo di isolamento del Giappone, le merci giapponesi erano oggetti di lusso molto ambiti dall'aristocrazia europea. La produzione di porcellana giapponese si espanse notevolmente nel XVII secolo, in seguito al trasferimento dei ceramisti coreani nella regione di Kyushu. Questi immigrati, insieme ai loro discendenti e agli artigiani giapponesi, scoprirono depositi di argilla caolino e iniziarono la produzione di ceramiche di qualità superiore. Questa fusione di diverse tradizioni ha favorito un'industria giapponese unica, dando origine a stili distintivi come gli articoli Imari e Kakiemon. Questi stili hanno successivamente avuto un impatto sugli artisti ceramisti europei e cinesi. Le esportazioni di porcellana ricevettero un ulteriore impulso dalla transizione Ming-Qing, che interruppe la produzione cinese di porcellana a Jingdezhen per diversi decenni. Di conseguenza, i ceramisti giapponesi soddisfacevano la domanda producendo porcellane su misura per le preferenze europee. I manufatti in porcellana e laccati emersero come le principali esportazioni del Giappone verso l'Europa. Mentre un metodo opulento per esporre le porcellane prevedeva di dedicare un’intera stanza con ampi scaffali a pezzi esotici, l’acquisizione di alcuni oggetti divenne sempre più accessibile a un segmento più ampio della classe media. Tra i collezionisti degni di nota di lacche giapponesi figurano Maria Antonietta e Maria Teresa, le cui collezioni sono spesso esposte al Louvre e al Palazzo di Versailles. L'emulazione europea delle tecniche di laccatura asiatiche si chiama Japanning.

Riapertura (19° secolo)

Durante l'era Kaei (1848–1854), dopo oltre due secoli di isolamento, il Giappone iniziò a ricevere visite da navi mercantili straniere di diverse origini. Dopo la Restaurazione Meiji del 1868, il Giappone concluse il suo prolungato isolamento nazionale, aprendo i suoi confini alle importazioni occidentali come la fotografia e le tecnologie di stampa. Questa rinnovata accessibilità commerciale portò all’emergere di arte e manufatti giapponesi nei negozi di curiosità parigini e londinesi. Il japonisme è nato come un diffuso entusiasmo per il collezionismo di arte giapponese, in particolare le stampe ukiyo-e. Tra i primi esempi di ukiyo-e furono osservati a Parigi.

Allo stesso tempo, gli artisti europei cercarono attivamente alternative alle rigide metodologie accademiche prevalenti in Europa. Intorno al 1856, l'artista francese Félix Bracquemond scoprì una copia del quaderno di schizzi Hokusai Manga presso il laboratorio di stampa di Auguste Delâtre. Gli anni successivi a questa scoperta videro un aumento dell’interesse per le stampe giapponesi. Queste stampe venivano vendute al dettaglio in negozi di curiosità, magazzini di tè e stabilimenti commerciali più estesi. Rivenditori come La Porte Chinoise si concentravano sulla distribuzione di merci importate dal Giappone e dalla Cina. In particolare, La Porte Chinoise divenne una calamita per artisti come James Abbott McNeill Whistler, Édouard Manet e Edgar Degas, che trassero ispirazione artistica da queste stampe. Questa struttura, insieme ad altre, ha ospitato incontri che promuovevano la diffusione della conoscenza relativa alle pratiche e alle tecniche artistiche giapponesi.

Artisti e Giapponesme

Le stampe Ukiyo-e costituirono la principale influenza giapponese sull'espressione artistica occidentale. Gli artisti occidentali hanno trovato ispirazione nell'utilizzo distintivo dello spazio compositivo, nell'appiattimento planare e nelle metodologie astratte applicate al colore. Una marcata enfasi su diagonali, asimmetria e spazio negativo è riconoscibile nelle creazioni degli artisti occidentali che hanno adottato elementi di questa estetica.

Vincent van Gogh

La passione di Vincent van Gogh per le stampe giapponesi è iniziata con la scoperta delle illustrazioni di Félix Régamey, pubblicate su The Illustrated London News e Le Monde illustré. Régamey ha prodotto xilografie, emulando tecniche giapponesi, e spesso ha ritratto vignette dell'esistenza quotidiana giapponese. Van Gogh considerava Régamey un riferimento autorevole per comprendere le convenzioni artistiche e la vita quotidiana giapponese. A partire dal 1885, Van Gogh passò dall'accumulare illustrazioni di riviste, comprese quelle di Régamey, all'acquisire stampe ukiyo-e disponibili in modesti stabilimenti parigini. Successivamente condivise queste stampe con i suoi colleghi artisti e curò una mostra di stampe giapponesi a Parigi nel 1887.

Il Ritratto di Père Tanguy di Van Gogh (1887) raffigura il suo commerciante di vernici, Julien Tanguy. Van Gogh ha prodotto due distinte iterazioni di questo ritratto. Entrambe le interpretazioni incorporano sfondi decorati con stampe giapponesi di artisti riconosciuti come Hiroshige e Kunisada. Traendo ispirazione dalle xilografie giapponesi e dai loro vivaci schemi di colori, Van Gogh ha integrato un'intensità cromatica paragonabile nella sua produzione artistica. Ha impregnato il ritratto di Tanguy di tonalità brillanti, operando con la convinzione che i committenti avessero perso interesse per i dipinti monocromatici olandesi e che le opere d'arte multicolori sarebbero state percepite come contemporanee e attraenti.

Alfred Stevens

Alfred Stevens, pittore belga, emerse come collezionista pioniere e ammiratore dell'arte giapponese a Parigi. I possedimenti del suo studio dimostravano vividamente il suo profondo interesse per gli oggetti decorativi e gli arredi giapponesi e altri esotici. Stevens mantenne stretti rapporti sia con Manet che con James McNeill Whistler, condividendo con loro questo fascino iniziale. Un numero significativo di suoi contemporanei sviluppò un entusiasmo simile, in particolare in seguito all'Esposizione Internazionale del 1862 a Londra e all'Esposizione Internazionale del 1867 a Parigi, eventi che segnarono la prima esposizione pubblica di arte e manufatti giapponesi.

A partire dalla metà degli anni '60 dell'Ottocento, il Japonisme divenne parte integrante di numerosi dipinti di Stevens. Tra le sue opere più famose influenzate dal Japonisme c'è La parisienne japonaise (1872). Ha prodotto numerosi ritratti raffiguranti giovani donne adornate in kimono, e motivi giapponesi sono evidenti in molte delle sue altre tele. Gli esempi includono il primo La Dame en Rose (1866), che giustappone una donna elegantemente vestita in un ambiente interno con una rappresentazione meticolosa di oggetti giapponesi, e The Psyché (1871), dove le stampe giapponesi sono ben visibili su una sedia, a significare la sua dedizione artistica.

Edgar Degas

Durante gli anni '60 dell'Ottocento, Edgar Degas iniziò ad acquisire stampe giapponesi da stabilimenti come La Porte Chinoise e varie tipografie parigine più piccole. Le concomitanti attività di collezionismo dei suoi colleghi gli hanno fornito una vasta gamma di materiale di ispirazione. In particolare, una copia del Manga di Hokusai, che Bracquemond aveva ottenuto dopo averlo incontrato nel laboratorio di Delâtre, era tra le stampe presentate a Degas. Si stima che Degas abbia incorporato il japonismo nelle sue incisioni intorno al 1875, come evidenziato dalla sua peculiare strategia compositiva di segmentare singole scene con divisioni verticali, diagonali e orizzontali.

Rispecchiando gli interessi tematici di numerosi artisti giapponesi, le stampe di Degas raffigurano spesso donne e le loro attività quotidiane. Il posizionamento non convenzionale dei suoi soggetti femminili e il suo impegno per il realismo nell'incisione stabilirono una connessione tra il suo lavoro e quello di maestri giapponesi come Hokusai, Utamaro e Sukenobu. Ad esempio, nella stampa Mary Cassatt al Louvre: La Galleria Etrusca (1879–80), Degas utilizza una composizione a due figure, una seduta e l'altra in piedi, una disposizione comune nelle stampe giapponesi. Degas utilizzava costantemente le linee per generare profondità e delineare aree spaziali all'interno delle sue composizioni. Il suo prestito più esplicito è la raffigurazione di una donna appoggiata a un ombrello chiuso, un motivo adattato direttamente dal Manga di Hokusai.

James McNeill Whistler

L'arte giapponese apparve per la prima volta nelle mostre britanniche all'inizio degli anni '50 dell'Ottocento. Queste esposizioni mostravano una vasta gamma di manufatti giapponesi, che comprendevano mappe, corrispondenza, tessuti e oggetti dell'esistenza quotidiana. Tali mostre favorirono un senso di orgoglio nazionale in Gran Bretagna e contribuirono a stabilire un'identità culturale giapponese distinta, differenziata dalla più ampia e generalizzata classificazione di "Oriente".

James Abbott McNeill Whistler, un artista americano, ha esercitato prevalentemente in Gran Bretagna. Alla fine del XIX secolo, Whistler si discostò progressivamente dallo stile pittorico realista favorito dai suoi contemporanei. Ha invece scoperto la semplicità e la precisione tecnica nell'estetica giapponese. Piuttosto che replicare direttamente particolari artisti o opere d'arte, Whistler si è ispirato ai principi generali giapponesi di articolazione e struttura compositiva, che ha successivamente incorporato nelle sue creazioni.

Artisti influenzati dall'arte e dalla cultura giapponese

Teatro

Le prime produzioni teatrali ampiamente acclamate che ritraevano l'Asia ebbero origine in Inghilterra e si concentrarono sul Giappone. L'opera comica Kosiki, originariamente chiamata The Mikado ma ribattezzata in seguito alle obiezioni del Giappone, fu composta nel 1876. Nel 1885, Gilbert e Sullivan, apparentemente meno preoccupati per la sensibilità giapponese, debuttarono con il loro Mikado. Quest'opera comica raggiunse una straordinaria popolarità in tutta Europa, con diciassette compagnie che la misero in scena 9.000 volte entro due anni dalla sua prima. Dopo la sua traduzione in tedesco nel 1887, Il Mikado mantenne il suo status di opera drammatica più popolare della Germania per tutti gli anni Novanta dell'Ottocento. In seguito a questo successo diffuso, è emersa una rapida proliferazione di commedie ambientate in Asia e con personaggi asiatici umoristici, sia nelle opere comiche che nelle forme drammatiche.

L'opera di Sidney Jones The Geisha (1896) succedette a The Mikado come il dramma a tema giapponese più popolare in Europa, introducendo la geisha come un personaggio di spicco che rappresenta il Giappone. Questa figura divenne uno degli "oggetti" che simboleggiavano intrinsecamente il Giappone in Germania e in tutto il mondo occidentale. Un aumento significativo dei drammi sulle geishe si verificò in Europa tra il 1904 e il 1918, con l'opera di Puccini Madama Butterfly che emerse come la più famosa. Puccini, secondo quanto riferito profondamente commosso fino alle lacrime da una messa in scena del 1900 dell'opera teatrale di David Belasco con lo stesso titolo, trasse ispirazione per la sua opera. L'immensa popolarità di Madama Butterfly successivamente generò numerose imitazioni, come Madames Cherry, Espirit, Flott, Flirt, Wig-Wag, Leichtsinn e Tip Top, tutte apparse intorno al 1904 ma svanendo rapidamente dalla ribalta. Tuttavia, il loro impatto collettivo fu duraturo, consolidando lo status della geisha accanto a pergamene, giada e immagini del Monte Fuji come rappresentazioni iconiche del Giappone in Occidente. Proprio come la figura umana della geisha veniva spesso ridotta al livello di altri oggetti simbolici nel teatro, allo stesso modo gli artisti giapponesi in tournée in Germania servirono i drammaturghi tedeschi nei loro sforzi per rivitalizzare il teatro tedesco. Analogamente all'utilità dell'ukiyo-e in Francia, distaccata da ogni profonda comprensione del Giappone, le compagnie di recitazione e di ballo giapponesi in tournée in Europa fornirono materiale per "un nuovo modo di drammatizzare" sul palco. Ironicamente, il fascino diffuso e l'influenza di questi drammi giapponesi hanno contribuito in modo significativo all'occidentalizzazione del teatro giapponese in generale, e in particolare delle opere rappresentate in Europa.

Il palco girevole, un'innovazione del teatro Kabuki giapponese del XVIII secolo, fu introdotto sui palcoscenici occidentali al Teatro Residenz di Monaco nel 1896, influenzato dal giapponismo prevalente. Ciò segnò l'impatto iniziale del Giappone sulla scenografia tedesca. Karl Lautenschlager adottò il palco girevole Kabuki nel 1896 e un decennio dopo Max Reinhardt lo utilizzò per la prima di Frühlings Erwachen di Frank Wedekind. Il palco girevole divenne rapidamente una tendenza a Berlino. Un altro adattamento teatrale Kabuki preferito dai registi tedeschi è stato il Blumensteg, un'estensione scenica proiettata sul pubblico. La familiarità europea con Kabuki derivava dai viaggi in Giappone, dalle fonti testuali e dalle tournée con le compagnie giapponesi. Nel 1893, Kawakami Otojiro e la sua compagnia di recitazione arrivarono a Parigi, tornando nel 1900 e esibendosi a Berlino nel 1902. La compagnia di Kawakami presentò due pezzi occidentalizzati, Kesa e Shogun, entrambi eseguiti senza musica e con dialoghi notevolmente ridotti, tendendo così alla pantomima e alla danza. Drammaturghi e critici riconobbero prontamente queste rappresentazioni come una "riteatralizzazione del teatro". Tra gli attori c'era Sada Yacco, la prima star giapponese europea, che influenzò pioniere della danza moderna come Loie Fuller e Isadora Duncan; si esibì per la regina Vittoria nel 1900 e raggiunse una notevole celebrità europea.

Giardini giapponesi

I principi estetici dei giardini giapponesi furono introdotti nel mondo di lingua inglese attraverso il lavoro fondamentale di Josiah Conder, Landscape Gardening in Japan (pubblicato da Kelly & Walsh, 1893), che successivamente ispirò la creazione dei primi giardini giapponesi in Occidente. Una seconda edizione di questo influente testo fu pubblicata nel 1912. I principi delineati da Conder si sono rivelati occasionalmente difficili da implementare:

Derubato dei suoi abiti e manierismi locali, il metodo giapponese rivela principi estetici applicabili ai giardini di qualsiasi paese, insegnando, come fa, come convertire in una poesia o in un'immagine una composizione che, con tutta la sua varietà di dettagli, altrimenti mancherebbe di unità e di intenti.

Tassa (Saburo) Eida progettò diversi giardini influenti, tra cui due per la Japan-British Exhibition di Londra nel 1910 e uno meticolosamente costruito in quattro anni per William Walker, primo barone Wavertree. Quest'ultimo giardino rimane accessibile al pubblico presso l'Irish National Stud.

La pubblicazione di Samuel Newsom del 1939, Japanese Garden Construction, proponeva i principi estetici giapponesi come rimedio alla progettazione dei giardini rocciosi occidentali, emersi indipendentemente a metà del XIX secolo dall'ambizione di coltivare piante alpine in ambienti simulati di ghiaioni. La Garden History Society riferisce che l'architetto paesaggista giapponese Seyemon Kusumoto ha contribuito alla creazione di circa 200 giardini in tutto il Regno Unito. I suoi progetti più importanti includevano l'esposizione di un giardino roccioso al Chelsea Flower Show del 1937, la progettazione di un giardino giapponese alla Burngreave Estate a Bognor Regis e Cottered nell'Hertfordshire e lo sviluppo di cortili al Du Cane Court a Londra.

L'artista impressionista Claude Monet incorporò elementi di design giapponese nel suo giardino di Giverny, in particolare il ponte che attraversa lo stagno delle ninfee, un soggetto che dipinse ripetutamente. All'interno di questa serie di dipinti, la sua attenzione a dettagli specifici come il ponte o i gigli rifletteva un'influenza delle tradizionali tecniche visive giapponesi prevalenti nelle stampe ukiyo-e, di cui possedeva una vasta collezione. Inoltre, coltivò numerose specie di piante autoctone giapponesi per migliorare l'atmosfera esotica del giardino.

Musei

Negli Stati Uniti, il fascino dell'arte giapponese ha portato alla creazione di importanti collezioni sia da parte di collezionisti privati ​​che di musei, che persistono ancora oggi e hanno avuto un profondo impatto sulle generazioni successive di artisti. Boston emerse come centro principale di questo interesse, probabilmente stimolato da Isabella Stewart Gardner, una delle prime importanti collezioniste di arte asiatica. Di conseguenza, il Museum of Fine Arts di Boston rivendica il possesso della più illustre collezione di arte giapponese a livello globale, al di fuori del Giappone. Inoltre, la Freer Gallery of Art e la Arthur M. Sackler Gallery gestiscono collettivamente la più grande biblioteca di ricerca artistica asiatica negli Stati Uniti, curando l'arte giapponese insieme alle opere di Whistler che dimostrano l'influenza giapponese.

Galleria

Stile anglo-giapponese

• Stile anglo-giapponese
• Animazione influenzata dagli anime
• Arabista – Stile "arabo"
• Chinoiserie: influenza cinese simile sull'arte e sul design occidentale
• Casa di David B. Gamble
• Giappanofilia
• Occidentalismo – per visioni orientali dell'Occidente
• Orientalismo: rappresentazioni romantiche occidentali di argomenti asiatici (più spesso del Vicino Oriente)
• Turquerie
• Web
• Xilografia in Giappone
• Xilografia
• Quartiere storico di Yamashiro

Note esplicative

Riferimenti

Citazioni

Riferimenti generali e citati

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  • Widar, Halen (1990). Christopher Dresser.
  • "Japonisme" dalla cronologia della storia dell'arte del Metropolitan Museum of Art
  • "Giapponismo: esplorazione e celebrazione"
  • La collezione privata di Edgar Degas, testo completamente digitalizzato dalle biblioteche del Metropolitan Museum of Art; contiene il saggio "Degas, stampe giapponesi e japonisme" (pp. 247–260)