Il manierismo denota uno stile artistico prevalente nell'arte europea, originario dell'Italia durante l'ultima fase dell'Alto Rinascimento, intorno al 1520. La sua influenza si espanse nel 1530 e persistette fino alla fine del XVI secolo in Italia, momento in cui lo stile barocco lo sostituì ampiamente. Tuttavia, il Manierismo settentrionale estese la sua presenza fino all'inizio del XVII secolo.
IlManierismo è uno stile artistico europeo emerso negli ultimi anni dell'Alto Rinascimento italiano intorno al 1520, diffondendosi intorno al 1530 e durando fino alla fine del XVI secolo in Italia, quando lo stile barocco lo sostituì in gran parte. Il Manierismo settentrionale continuò fino all'inizio del XVII secolo.
Questo movimento artistico comprende diverse metodologie, sia influenzate che come reazione contro i principi armoniosi caratteristici dei maestri dell'Alto Rinascimento come Leonardo da Vinci, Raffaello, Vasari e il primo Michelangelo. Mentre l’arte dell’Alto Rinascimento dà priorità alla proporzione, all’equilibrio e alla bellezza idealizzata, il Manierismo spesso amplifica questi attributi, portando a composizioni che sono spesso asimmetriche o possiedono un’eleganza innaturale. Distinto per le sue caratteristiche artificiali piuttosto che naturalistiche, questo stile privilegia la tensione compositiva e l'instabilità rispetto all'equilibrio e alla chiarezza evidenti nella precedente pittura rinascimentale. Nei regni della letteratura e della musica, il Manierismo è riconosciuto per le sue caratteristiche stilistiche elaborate e la complessità intellettuale.
La definizione precisa di Manierismo e le sue fasi di sviluppo interno rimangono controverse tra gli storici dell'arte. Ad esempio, alcuni accademici hanno esteso questa designazione a specifiche forme letterarie della prima età moderna, in particolare alla poesia e alle composizioni musicali del XVI e XVII secolo. Inoltre, il termine descrive alcuni pittori tardogotici attivi nel nord Europa tra il 1500 e il 1530 circa, in particolare i manieristi di Anversa, un collettivo distinto dal movimento italiano. Analogamente, il Manierismo è stato associato anche all'Età dell'argento della letteratura latina.
Nomenclatura
Il termine "Manierismo" deriva dalla parola italiana maniera, che significa "stile" o "maniera". Similmente alla sua controparte inglese, maniera può denotare una particolare categoria stilistica (ad esempio, uno stile elegante o aspro) o una qualità intrinseca che non richiede ulteriori specificazioni (ad esempio, possedere "stile"). Nella seconda edizione del 1568 della sua opera fondamentale, Vite de' più eccellenti pittori, scultori e architetti, Giorgio Vasari impiegò la maniera in tre modi distinti: per riferirsi al metodo o approccio di lavoro di un artista; per caratterizzare uno stile individuale o collettivo, come la frase maniera greca per lo stile italo-bizantino medievale, o semplicemente la maniera di Michelangelo; e di trasmettere una valutazione positiva del merito artistico. Vasari, egli stesso un artista manierista, caratterizzò il suo periodo contemporaneo come "la maniera moderna" o "stile moderno". Giacomo V. Mirollo chiarisce come i poeti della "Bella maniera" cercassero di superare il virtuosismo trovato nei sonetti di Petrarca. Questo concetto di "Bella maniera" implica che gli artisti, traendo ispirazione da questo principio, cercassero di emulare e perfezionare le opere dei loro predecessori piuttosto che impegnarsi direttamente con la natura. Fondamentalmente, la "Bella maniera" prevedeva la sintesi di elementi superiori provenienti da varie fonti per creare nuove espressioni artistiche.
Definire il "Manierismo" come classificazione stilistica presenta notevoli sfide. Lo storico svizzero Jacob Burckhardt inizialmente utilizzò il termine, che guadagnò importanza tra gli storici dell'arte tedeschi all'inizio del XX secolo. Il suo scopo era quello di classificare l'arte italiana del XVI secolo, apparentemente inclassificabile, un'arte che si discostava dalle metodologie armoniose e razionali caratteristiche dell'Alto Rinascimento. Lo stesso "Alto Rinascimento" denotava un'era segnata da armonia, magnificenza e una rinascita dell'antichità classica. John Shearman ridefinì successivamente il termine "manierista" nel 1967, uno sviluppo che seguì la mostra di dipinti manieristi del 1965 curata da Fritz Grossmann alla Manchester City Art Gallery.
Tuttavia, il consenso tra gli studiosi rimane sfuggente riguardo al fatto se il Manierismo costituisca uno stile distinto, un movimento specifico o un intero periodo storico. Alcuni studiosi lo hanno alternativamente designato come il "Tardo Rinascimento". Nonostante le controversie in corso, il termine continua ad essere ampiamente utilizzato per caratterizzare l'arte e la cultura europea durante il XVI secolo.
Origine e sviluppo
Verso la conclusione dell'Alto Rinascimento, gli artisti emergenti si trovarono di fronte a un significativo dilemma artistico, percependo che tutti i risultati immaginabili erano già stati realizzati. Nessuna ulteriore sfida tecnica o concettuale sembrava rimanere irrisolta. La profonda comprensione dell’anatomia, dell’illuminazione, della fisionomia e la rappresentazione sfumata delle emozioni umane attraverso l’espressione e il gesto, insieme all’applicazione innovativa della forma umana in composizioni figurative e alla padronanza delle sottili gradazioni tonali, si erano collettivamente avvicinate alla perfezione. Di conseguenza, questi giovani artisti sono stati costretti a identificare nuovi obiettivi artistici ed esplorare nuove metodologie. Fu in questo frangente che cominciò a manifestarsi il Manierismo, con questo stile distintivo che si sviluppò tra il 1510 e il 1520, originario di Firenze, Roma o contemporaneamente in entrambi i centri urbani.
Origini e modelli
Questa epoca artistica è stata caratterizzata come una "naturale estensione" delle opere di Andrea del Sarto, Michelangelo e Raffaello. Michelangelo, in particolare, coltivò uno stile profondamente originale all'inizio della sua carriera, che suscitò inizialmente un'enorme ammirazione, diventando successivamente un frequente oggetto di copia e imitazione da parte degli artisti contemporanei. Tra le qualità più venerate dai suoi colleghi c'era la sua terribilità, un profondo senso di maestosa grandezza, che gli artisti successivi cercarono di emulare. Molti artisti assimilarono lo stile appassionato e altamente individualizzato di Michelangelo attraverso la pratica della copia dei suoi capolavori, un metodo pedagogico convenzionale per gli studenti di pittura e scultura. Il soffitto della Cappella Sistina offriva numerosi esempi di emulazione, in particolare le sue raffigurazioni delle figure raccolte spesso chiamate ignudi e la Sibilla Libica, così come il suo vestibolo della Biblioteca Laurenziana, le figure scultoree sulle sue tombe medicee e, soprattutto, il suo Giudizio Universale. Le opere successive di Michelangelo servirono quindi da modello fondamentale per il Manierismo. Si sapeva che giovani artisti entravano illegalmente nella sua residenza e rubavano i suoi disegni. Nella sua opera fondamentale, Vite de' più eminenti pittori, scultori e architetti, Giorgio Vasari documentò l'affermazione di Michelangelo: "Coloro che sono seguaci non potranno mai passare accanto a chi seguono."
Lo spirito competitivo
I mecenati incoraggiavano un'etica competitiva che incentivava gli artisti sponsorizzati a mettere in risalto le abilità tecniche virtuosistiche e a contendersi le commissioni. Questa dinamica spinse gli artisti a cercare approcci innovativi, dando vita a scene drammaticamente illuminate, indumenti e composizioni elaborate, proporzioni allungate, pose altamente stilizzate e una deliberata ambiguità di prospettiva. Ad esempio, il Gonfaloniere Piero Soderini commissionò sia a Leonardo da Vinci che a Michelangelo la decorazione di una parete nella Sala dei Cinquecento a Firenze. Questi due artisti erano nella posizione di dipingere fianco a fianco, competendo direttamente, intensificando così l'impulso verso la massima innovazione.
Primo Manierismo
I primi manieristi fiorentini, in particolare gli allievi di Andrea del Sarto come Jacopo da Pontormo e Rosso Fiorentino, si distinguono per l'uso di forme allungate, pose in equilibrio precario, una prospettiva compressa, ambientazioni illogiche e illuminazione teatrale. Contemporaneamente, Parmigianino, allievo di Correggio, e Giulio Romano, il principale assistente di Raffaello, perseguirono traiettorie estetiche similmente stilizzate a Roma. Questi artisti erano maturati sotto l'influenza pervasiva dell'Alto Rinascimento, e la loro produzione stilistica è stata caratterizzata o come una reazione contro di esso o come un'esagerata estensione dei suoi principi. Invece di osservare direttamente la natura, gli artisti più giovani iniziarono a studiare la scultura ellenistica e i dipinti dei maestri del passato. Di conseguenza, questo stile è spesso identificato come “anticlassico”, sebbene all’epoca fosse percepito come una naturale evoluzione dell’Alto Rinascimento. Questa prima fase sperimentale del Manierismo, riconosciuta per le sue forme "anticlassiche", persistette fino al 1540 o 1550 circa. Marcia B. Hall, professoressa di storia dell'arte alla Temple University, osserva nel suo libro After Raphael che la prematura scomparsa di Raffaello segnò l'avvento del Manierismo a Roma.
Le analisi storiche indicano che il Manierismo emerse all'inizio del XVI secolo, in coincidenza con significative trasformazioni sociali, scientifiche, religiose e politiche, tra cui l'eliocentrismo copernicano, il Sacco di Roma del 1527 e la crescente sfida posta dalla Riforma protestante all'autorità della Chiesa cattolica. Di conseguenza, le caratteristiche forme allungate e distorte dello stile erano precedentemente intese come una risposta diretta alle composizioni idealizzate dominanti nell'arte dell'Alto Rinascimento. Tuttavia, questa interpretazione del cambiamento stilistico radicale intorno al c. 1520 non è più ampiamente accettata dagli studiosi, anche se le prime opere manieriste rimangono nettamente divergenti dalle convenzioni dell'Alto Rinascimento. L'armoniosa accessibilità e l'equilibrio esemplificati dalla Scuola di Atene di Raffaello, ad esempio, hanno smesso di affascinare gli artisti emergenti.
Alta Maniera
La seconda fase del Manierismo è tipicamente distinta dal periodo iniziale, spesso definito "anticlassico". Successivamente gli artisti manieristi enfatizzarono la raffinatezza intellettuale e il virtuosismo tecnico, caratteristiche che spinsero i critici successivi a descrivere il loro lavoro come esibizione di una "maniera" artificiale e affettata (maniera). Questi praticanti di Maniera consideravano Michelangelo, il loro contemporaneo più anziano, come il loro principale esempio artistico, creando così un'arte che emulava altre arti piuttosto che imitare direttamente la natura. Lo storico dell'arte Sydney Joseph Freedberg postula che la dimensione intellettuale dell'arte maniera si basa sul riconoscimento e sull'apprezzamento da parte del pubblico di queste allusioni visive: un motivo familiare situato in un contesto non familiare, incorniciato da "virgolette invisibili, ma percepite". Caratteristica dell'artificio Maniera è l'inclinazione del pittore a ricontestualizzare intenzionalmente le citazioni artistiche. Agnolo Bronzino e Giorgio Vasari incarnano questa tendenza Maniera, che prevalse dal 1530 al 1580 circa. Coltivata prevalentemente nelle corti europee e negli ambienti intellettuali, l'arte Maniera combina un'elevata eleganza con un'attenzione meticolosa alla superficie e ai dettagli intricati: figure con la pelle simile alla porcellana sono spesso raffigurate distese in una luce soffusa e uniforme, riconoscendo lo spettatore con uno sguardo distaccato, se viene stabilito un contatto visivo diretto. I soggetti Maniera raramente trasmettono forti emozioni, portando le opere in questo filone ad essere spesso caratterizzate come "fredde" o "distaccate". Questo esemplifica lo "stile elegante" maturo o Maniera.
Diffusione
In Italia, Roma, Firenze e Mantova furono centri cruciali per l'arte manierista, mentre la pittura veneziana, esemplificata dalla vasta carriera di Tiziano, seguì una traiettoria distinta. Il Sacco di Roma del 1527 spinse molti dei primi artisti manieristi, attivi nella città negli anni venti del Cinquecento, a partire. La loro successiva dispersione in tutto il continente alla ricerca di commissioni facilitò la diffusione del loro stile in tutta Italia e nel Nord Europa, affermando il Manierismo come il primo movimento artistico internazionale dal periodo gotico. Sebbene in alcune regioni del Nord Europa mancasse un impegno diretto con gli artisti italiani, l’estetica manierista permeava attraverso stampe e libri illustrati. I monarchi europei e altri mecenati acquistarono opere d'arte italiane, mentre gli artisti del Nord Europa continuarono a intraprendere viaggi in Italia, contribuendo così alla più ampia diffusione dello stile. La presenza di singoli artisti italiani operanti nel Nord favorì anche l'emergere del Manierismo settentrionale; ad esempio, Francesco I di Francia ricevette in dono Venere, Amore, Follia e il Tempo del Bronzino. In Italia, lo stile iniziò a declinare dopo il 1580, quando una nuova generazione di artisti, tra cui i fratelli Carracci, Caravaggio e Cigoli, avviarono una rinascita del naturalismo. Walter Friedlaender definì quest'epoca successiva "antimanierismo", tracciando un parallelo con la posizione "anticlassica" dei primi manieristi che reagirono contro i principi estetici dell'Alto Rinascimento. Oggi, i fratelli Carracci e Caravaggio sono ampiamente riconosciuti per aver inaugurato la transizione alla pittura barocca, che divenne lo stile dominante nel 1600.
Al di fuori dell'Italia, tuttavia, il Manierismo persistette fino al XVII secolo. In Francia, dove Rosso lavorò per la corte di Fontainebleau, lo stile è riconosciuto come "stile Enrico II" ed esercitò una notevole influenza sull'architettura. Importanti centri continentali del Manierismo settentrionale comprendevano la corte di Rodolfo II a Praga, insieme ad Haarlem, Anversa e Danzica (Danzica). La classificazione del Manierismo è attribuita meno frequentemente alle arti visive e decorative inglesi, che tipicamente impiegano denominazioni indigene come "elisabettiano" e "giacobino". Un'eccezione degna di nota è il Manierismo Artigianale del XVII secolo, un termine applicato a pratiche architettoniche che si ispiravano a libri di modelli piuttosto che a precedenti consolidati dell'Europa continentale.
In particolare, l'influenza fiamminga a Fontainebleau integrò l'erotismo caratteristico dello stile francese con una forma nascente della tradizione vanitas, che successivamente divenne un tema dominante nella pittura olandese e fiamminga del XVII secolo. In questo periodo era diffuso il concetto di pittore vago, riferito a pittori nordici che si assimilarono in botteghe in Francia e in Italia, contribuendo così allo sviluppo di uno stile artistico autenticamente internazionale.
Scultura
Rispecchiando gli sviluppi della pittura, la scultura del primo manierismo italiano rappresentava in gran parte uno sforzo per forgiare uno stile distintivo che superasse le realizzazioni dell'Alto Rinascimento, in particolare quelle di Michelangelo nella scultura. Questa lotta artistica si manifestò spesso nelle commissioni per Piazza della Signoria a Firenze, adiacente al David di Michelangelo. Baccio Bandinelli assunse la commissione per Ercole e Caco direttamente da Michelangelo; tuttavia, la sua accoglienza non fu più favorevole allora di quanto lo sia oggi, con Benvenuto Cellini che lo denigrò definendolo "un sacco di meloni". Nonostante queste critiche, l'opera esercitò un'influenza duratura introducendo apparentemente pannelli in rilievo sui piedistalli delle statue. Coerentemente con altre creazioni manieriste, inclusa quella di Bandinelli, questa scultura comportava una rimozione di materiale significativamente maggiore dal blocco originale rispetto a quella normalmente impiegata da Michelangelo. Al contrario, il Perseo con la testa di Medusa in bronzo di Cellini è un capolavoro indiscusso, concepito per essere apprezzato da otto punti di vista distinti - un segno distintivo del design manierista - e mostra una stilizzazione artificiale se confrontato con le sculture del David di Michelangelo e Donatello. Inizialmente formatosi come orafo, la famosa Saliera in oro e smalto di Cellini (1543) segnò la sua opera scultorea inaugurale, mettendo in mostra la sua eccezionale abilità artistica.
Piccole figure in bronzo, spesso raffiguranti soggetti mitologici con nudi per gli armadietti dei collezionisti, costituivano una forma d'arte prevalente nel Rinascimento. In questo genere eccelle particolarmente nella seconda metà del secolo il Giambologna, artista fiammingo che stabilì la sua carriera a Firenze. Inoltre, realizzò sculture a grandezza naturale, due delle quali furono incorporate nella collezione esposta in Piazza della Signoria. Giambologna e i suoi seguaci svilupparono interpretazioni eleganti e allungate della figura serpentinata, spesso raffiguranti due figure intrecciate, progettate per offrire un interessante interesse visivo da molteplici prospettive.
Primi teorici
Giorgio Vasari
Le prospettive di Giorgio Vasari sull'arte della pittura sono evidenti negli elogi che offre agli altri artisti nella sua opera in più volumi, Vite degli artisti. Egli postulava che l'eccellenza artistica richiedesse raffinatezza, un'abbondanza di invenzione (invenzione) trasmessa attraverso una tecnica virtuosistica (maniera) e la manifestazione dell'intelletto e dello studio diligente nell'opera d'arte completata. Questi criteri sottolineano collettivamente la capacità intellettuale dell'artista e il gusto esigente del mecenate. Gli artisti non erano più semplicemente membri esperti di una corporazione locale di San Luca; invece, salirono a posizioni all'interno dei circoli cortigiani, associandosi con studiosi, poeti e umanisti, all'interno di un ambiente che coltivava un apprezzamento per la raffinatezza e la complessità. Lo stemma dei Medici mecenati di Vasari è ben visibile all'apice del suo ritratto, quasi fosse il suo emblema personale. L'inquadratura dell'illustrazione xilografica per le Vite di Vasari sarebbe classificata come "giacobea" in un contesto di lingua inglese. Questa inquadratura incorpora elementi architettonici "antiarchitettonici" nella parte superiore, una cornice traforata simile a carta e nudi di satiro alla base, tutti ispirati alle tombe medicee di Michelangelo. Essendo una semplice cornice, la sua stravaganza è pronunciata, incarnando l'essenza del Manierismo.
Gian Paolo Lomazzo
Gian Paolo Lomazzo, un'altra figura letteraria significativa dell'epoca, autore di due opere distinte, una pratica e l'altra metafisica, che furono determinanti nell'articolare il rapporto introspettivo dell'artista manierista con la propria arte. Il suo Trattato dell'arte della pittura, scoltura et architettura (Milano, 1584) funziona in parte come un manuale sul decoro contemporaneo, un concetto parzialmente ereditato dal Rinascimento dall'antichità ma notevolmente ampliato dal Manierismo. La sistematica codificazione estetica di Lomazzo, caratteristica delle metodologie sempre più formalizzate e accademiche prevalenti alla fine del XVI secolo, sottolineava l'importanza dell'armonia tra le funzioni interne e le appropriate decorazioni dipinte o scultoree. L’iconografia intricata e spesso recondita divenne una caratteristica più pronunciata negli stili manieristi. La sua opera successiva, più metafisica, Idea del tempio della pittura (Il tempio ideale della pittura, Milano, 1590), esplora la natura e la personalità umana attraverso la lente della teoria dei "quattro temperamenti", delineando così il significato dell'individualità nel giudizio artistico e nell'innovazione.
Caratteristiche delle opere manieriste
Il Manierismo emerse come movimento anticlassico, divergendo significativamente dai principi estetici del Rinascimento. Sebbene inizialmente accolto favorevolmente, in particolare attraverso gli scritti di Vasari, il Manierismo successivamente raccolse percezioni negative, essendo visto semplicemente come "un'alterazione della verità naturale e una banale ripetizione di formule naturali". Come fenomeno artistico, il Manierismo racchiude numerose caratteristiche distintive che riflettono un approccio sperimentale alla percezione artistica. Di seguito sono elencate diverse caratteristiche specifiche frequentemente utilizzate dagli artisti manieristi nelle loro creazioni.
- Allungamento delle figure: una caratteristica importante nell'arte manierista era l'allungamento della figura umana, che occasionalmente risultava in immagini peculiari o non convenzionali.
- Distorsione della prospettiva: nella pittura, la manipolazione della prospettiva serviva a indagare gli ideali riguardanti la creazione di disposizioni spaziali perfette. Tuttavia, questa ricerca della perfezione si manifesta occasionalmente nella generazione di composizioni visive distintive. Lo scorcio era una tecnica frequentemente impiegata per ottenere tale distorsione. In casi di distorsione estrema, le immagini risultanti potrebbero diventare quasi indecifrabili.
- Sfondi neri: gli artisti manieristi utilizzavano spesso sfondi neri piatti per ottenere forti contrasti nei contorni, migliorando così le scene drammatiche. Questi sfondi scuri contribuivano anche a creare un'atmosfera eterea o fantastica all'interno del soggetto raffigurato.
- Uso dell'oscurità e della luce: molti artisti manieristi cercavano di evocare l'essenza notturna attraverso un'illuminazione deliberata, spesso impregnando le scene di una qualità fantastica. Particolare enfasi è stata posta sulla resa della luce delle torce e della luna per aumentare l'effetto drammatico.
- Forme scultoree: il Manierismo mostrò un'influenza significativa dalla scultura, un mezzo che conobbe un'impennata di popolarità durante il XVI secolo. Di conseguenza, gli artisti manieristi modellavano spesso le loro rappresentazioni del fisico umano su sculture e stampe esistenti. Questa pratica ha permesso loro di concentrarsi sul raggiungimento di un elevato senso di tridimensionalità.
- Chiarezza della linea: una caratteristica notevole del Manierismo era la meticolosa attenzione prestata ai contorni precisi delle figure, distinguendolo in modo significativo sia dallo stile barocco che da quello dell'alto rinascimento. Questi contorni distinti spesso facilitavano una maggiore enfasi sui dettagli complessi.
- Composizione e spazio: gli artisti manieristi si allontanarono deliberatamente dagli ideali rinascimentali, in particolare dalla convenzione della prospettiva a un punto. La loro attenzione si è invece spostata sugli effetti atmosferici e sulla deliberata distorsione della prospettiva. Le disposizioni spaziali nelle opere manieriste prediligevano quindi composizioni densamente popolate caratterizzate da numerose forme e figure o composizioni sparse che evidenziavano sfondi neri.
- Movimento manierista: il profondo interesse per la locomozione umana ha spesso portato gli artisti manieristi a rappresentare pose serpentine distintive. Queste figure spesso instabili, attraverso i loro movimenti dinamici, spesso implicano movimenti successivi. Inoltre, questa tecnica esemplifica l'approccio sperimentale degli artisti alla forma.
- Cornici dipinte: in alcune creazioni manieriste, le cornici dipinte venivano integrate per armonizzarsi con lo sfondo dell'opera d'arte, diventando occasionalmente parte intrinseca della composizione complessiva. Questa integrazione era particolarmente evidente quando l'attenzione era rivolta ai dettagli complessi.
- Gli artisti manieristi utilizzavano spesso lo sfumato, una tecnica caratterizzata dalla "resa di contorni o superfici morbidi e nebulosi", per rappresentare il flusso di luce nelle loro composizioni.
- Oltre la sperimentazione con forma, composizione e luce, il Manierismo ha esteso in modo unico il suo approccio innovativo al colore. Numerose opere d'arte presentano tonalità pure e intense di blu, verde, rosa e giallo, che occasionalmente interrompono il design generale ma altre volte lo migliorano. Nel rendere le figure, gli artisti spesso accentuavano la luminosità delle carnagioni e incorporavano sfumature blu.
Artisti di spicco e opere esemplari
Jacopo da Pontormo
L'opera di Jacopo da Pontormo rappresenta un contributo fondamentale al Manierismo. I suoi argomenti derivavano spesso da narrazioni religiose e, significativamente influenzato da Michelangelo, spesso faceva riferimento o utilizzava direttamente forme scultoree come modelli compositivi. Una caratteristica distintiva della sua arte è la rappresentazione di figure i cui sguardi spesso coinvolgono direttamente lo spettatore da più angolazioni. Pontormo, noto per il suo processo di lavoro meticoloso e ponderato, esprimeva spesso apprensione riguardo alla qualità delle sue creazioni. La sua eredità duratura è molto apprezzata, avendo influenzato profondamente artisti come Agnolo Bronzino e plasmato i principi estetici del tardo Manierismo.
Giuseppe in Egitto del Pontormo, completato nel 1517, presenta una narrazione continua che comprende quattro distinti episodi biblici che descrivono il ricongiungimento di Giuseppe con la sua famiglia. Il lato sinistro della composizione illustra Giuseppe che presenta la sua famiglia al Faraone d'Egitto. A destra, Giuseppe è raffigurato su una panchina rotolante, circondato da cherubini, altre figure e rocce lontane lungo un sentiero. Sopra queste scene sale una scala a chiocciola, sulla quale Giuseppe guida uno dei suoi figli verso la madre in cima. La scena finale, situata sulla destra, ritrae i momenti conclusivi della vita di Giacobbe, osservati dai suoi figli.
Giuseppe in Egitto esemplifica diverse caratteristiche chiave del manierismo. In particolare, impiega combinazioni di colori incongrue, con diverse sfumature di rosa e blu che dominano la tela. Un'altra caratteristica manierista è la rappresentazione temporale e spaziale sconnessa della narrativa di Giuseppe in più scene. Integrando queste quattro narrazioni distinte, Pontormo costruisce una composizione fitta, trasmettendo un'impressione generale di complessità visiva e attività.
Rosso Fiorentino e la Scuola di Fontainebleau
Rosso Fiorentino, contemporaneo del Pontormo nello studio di Andrea del Sarto, introdusse il manierismo fiorentino a Fontainebleau nel 1530. Lì emerse come una figura fondamentale nella creazione del manierismo francese del XVI secolo, successivamente noto come Scuola di Fontainebleau.
L'estetica decorativa opulenta e dinamica sviluppata a Fontainebleau propagò in modo significativo lo stile italiano. Questa diffusione avvenne soprattutto attraverso le incisioni, raggiungendo Anversa e estendendosi successivamente in tutto il Nord Europa, da Londra alla Polonia. I principi del design manierista furono applicati anche agli oggetti di lusso, compresi gli oggetti in argento e i mobili intagliati. Le caratteristiche caratteristiche di questo stile comprendono un accresciuto senso di tensione controllata trasmesso attraverso intricati simbolismi e allegorie, insieme a una rappresentazione idealizzata della bellezza femminile caratterizzata da proporzioni allungate.
Agnolo Bronzino
Agnolo Bronzino, allievo del Pontormo, sviluppò uno stile di grande influenza che spesso complicò l'attribuzione di numerose opere d'arte. Nel corso della sua carriera Bronzino collaborò anche con Vasari, ricoprendo il ruolo di scenografo per la produzione "Commedia dei Maghi", durante la quale eseguì numerosi ritratti. La sua arte era molto ambita e ottenne notevoli consensi dopo la sua nomina a pittore di corte della famiglia Medici nel 1539. Un tratto distintivo manierista nell'opera di Bronzino era la sua caratteristica rappresentazione di carnagioni luminose, quasi lattiginose.
Il dipinto di Bronzino, Venere, Amore, Follia e il Tempo, raffigura un'enigmatica scena erotica che provoca numerose interpretazioni. In primo piano Cupido e Venere sono sull'orlo di un bacio, apparentemente interrotto a metà atto. Sopra di loro, figure mitologiche includono Padre Tempo a destra, che tira indietro una tenda per svelare la coppia, e la dea della notte a sinistra. La composizione incorpora inoltre una collezione di maschere, una creatura ibrida che unisce le caratteristiche di una ragazza e di un serpente, e una figura in intensa agonia. Sono state proposte varie teorie sul significato del dipinto, come il suo potenziale commento sui pericoli della sifilide o la sua funzione come diversivo di corte.
I ritratti manieristi di Bronzino sono caratterizzati da un'eleganza tranquilla e da un'attenzione particolare ai dettagli intricati. Di conseguenza i suoi soggetti trasmettono spesso un'impressione di distacco e di distanza emotiva dall'osservatore. Un aspetto degno di nota è la resa magistrale dei motivi precisi e della lucentezza brillante dei tessuti opulenti. In Venere, Amore, Follia e Tempo, Bronzino impiega specificamente tecniche manieriste, tra cui movimento distintivo, dettagli meticolosi, colori vibranti e forme scultoree. Le posture goffe e contorte di Cupido e Venere, mentre si abbracciano parzialmente, esemplificano questo movimento manierista. Bronzino rende in particolare l'incarnato delle figure con un bianco impeccabile, simile alla porcellana, che ne cancella dolcemente la muscolatura per evocare la superficie lucida della scultura.
Alessandro Allori
Susanna e i vecchioni di
Alessandro Allori (1535–1607) è notevole per il suo sottile erotismo e gli elementi di natura morta deliberatamente sorprendenti, il tutto integrato in una composizione densa e contorta.
Jacopo Tintoretto
Jacopo Tintoretto è riconosciuto per i suoi distinti contributi alla pittura veneziana, divergendo significativamente dall'eredità di Tiziano. La sua produzione artistica, nettamente diversa da quella dei suoi predecessori, attirò le critiche di Vasari per il suo "stile fantastico, stravagante, bizzarro". Tintoretto incorporò elementi manieristi nel suo lavoro, allontanandosi così dalle tradizionali convenzioni pittoriche veneziane. Ha spesso prodotto arte che fondeva componenti fantastiche con naturalismo. Ulteriori caratteristiche distintive dell'opera di Tintoretto includono la sua enfasi sul colore, ottenuta attraverso l'applicazione coerente di pennellate ruvide e l'uso sperimentale di pigmenti per generare illusioni ottiche.
L'Ultima Cena di Tintoretto, commissionata da Michele Alabardi per San Giorgio Maggiore nel 1591, esemplifica le caratteristiche manieriste. In questa raffigurazione la scena è resa dalla prospettiva di un gruppo posizionato lungo il lato destro della composizione. A sinistra, Cristo e gli Apostoli sono seduti a un lato del tavolo, con Giuda vistosamente isolato. L'ambientazione prevalentemente scura presenta fonti di luce limitate, in particolare provenienti dall'aureola di Cristo e da una torcia sospesa sopra il tavolo.
La composizione distintiva dell'Ultima Cena di Tintoretto mostra in modo prominente tratti manieristi. Una caratteristica chiave utilizzata da Tintoretto è lo sfondo scuro. Sebbene il dipinto suggerisca un'ambientazione interna attraverso la prospettiva, i bordi compositivi sono in gran parte avvolti nell'ombra, aumentando l'impatto drammatico della scena centrale dell'Ultima Cena. Inoltre, Tintoretto utilizza un'illuminazione drammatica, particolarmente evidente nell'aureola di Cristo e nella fiaccola sospesa che illumina il tavolo. Una terza caratteristica manierista utilizzata da Tintoretto riguarda la rappresentazione atmosferica di figure, che appaiono come formate dal fumo e si librano all'interno della composizione.
El Greco
El Greco, il pittore spagnolo di origine cretese, cercava di trasmettere emozioni religiose attraverso tratti esagerati. Seguendo i risultati dell'Alto Rinascimento nella rappresentazione umana realistica e nella padronanza della prospettiva, alcuni artisti distorto intenzionalmente le proporzioni all'interno di spazi frammentati e illogici per ottenere un impatto espressivo ed estetico. El Greco rimane un artista profondamente originale, che gli studiosi contemporanei descrivono come così distintivo da sfidare qualsiasi categorizzazione all'interno di qualsiasi scuola convenzionale. Gli elementi manieristi di spicco nell'opera di El Greco comprendono una tavolozza di colori "acidi" discordanti, forme anatomiche allungate e contorte, prospettiva e illuminazione illogiche e un'iconografia enigmatica e inquietante. Lo stile distintivo di El Greco rappresentava una sintesi di sviluppi artistici unici radicati nella sua eredità greca e nei suoi viaggi attraverso la Spagna e l'Italia.
La produzione artistica di El Greco integra diversi elementi stilistici, comprendendo influenze bizantine, le tecniche di Caravaggio e Parmigianino e le tavolozze di colori veneziane. La sua profonda enfasi sul colore era un aspetto fondamentale della sua pittura, che considerava fondamentale. Nel corso della sua carriera, le creazioni di El Greco hanno costantemente raccolto una domanda significativa, portando a commissioni importanti, comprese quelle per istituzioni come il Colegio de la Encarnación de Madrid.
Lo stile pittorico distintivo di El Greco e il suo allineamento con gli attributi manieristi sono evidenti nella sua opera del 1610, Laocoonte. Questo dipinto illustra la narrazione mitologica di Laocoonte, che metteva in guardia i Troiani dal pericolo del cavallo di legno, presentato dai Greci come offerta di pace alla dea Atena. Di conseguenza, Atena (o la sua controparte romana, Minerva) pretese vendetta inviando serpenti per uccidere Laocoonte e i suoi due figli. Invece di rappresentare Troia come ambientazione, El Greco ha posizionato la scena vicino a Toledo, in Spagna, con l'intenzione di "universalizzare la storia esaltandone la rilevanza per il mondo contemporaneo".
Lo stile distintivo del Laocoonte di El Greco è un ottimo esempio di numerose caratteristiche manieriste. In particolare, la composizione presenta forme umane allungate e movimenti serpentini, che collettivamente conferiscono un'impressione di eleganza. Inoltre, il dipinto mostra effetti atmosferici manieristi attraverso la rappresentazione di El Greco di un cielo nebbioso e un paesaggio sullo sfondo sfocato.
Benvenuto Cellini
Nel 1540, Benvenuto Cellini realizzò la Salina Cellini, un pezzo squisito realizzato in oro e smalto. Presenta le figure di Poseidone e Anfitrite, che simboleggiano l'acqua e la terra, rese in pose non convenzionali e con proporzioni allungate. Quest'opera è ampiamente riconosciuta come un capolavoro fondamentale della scultura manierista.
Lavinia Fontana
Lavinia Fontana (1552–1614) fu un'eminente ritrattista manierista, spesso riconosciuta come la prima artista donna professionista nell'Europa occidentale. Ha ricoperto la stimata carica di Ritrattista in Ordinario presso il Vaticano. Il suo approccio artistico si distingue per le influenze della famiglia di pittori Carracci e per le vivaci tavolozze di colori caratteristiche della scuola veneziana. Fontana è particolarmente celebre per i suoi ritratti di nobildonne e le sue raffigurazioni di figure nude, un soggetto considerato non convenzionale per un'artista della sua epoca.
Taddeo Zuccaro (o Zuccari)
Taddeo Zuccaro nacque a Sant'Angelo in Vado, cittadina vicino Urbino, figlio di Ottaviano Zuccari, pittore di limitata fama. Anche suo fratello Federico, nato intorno al 1540, svolse la carriera di pittore e architetto.
Federico Zuccaro (o Zuccari)
La carriera artistica professionale di Federico Zuccaro iniziò nel 1550, dopo il suo trasferimento a Roma come apprendista presso il fratello maggiore Taddeo. Successivamente eseguì lavori decorativi per papa Pio IV e contribuì all'abbellimento degli affreschi della Villa Farnese a Caprarola. Dal 1563 al 1565 Zuccaro fu impegnato a Venezia, collaborando con la famiglia Grimani di Santa Maria Formosa. Durante questo mandato veneziano viaggiò per il Friuli in compagnia del Palladio.
Joachim Wtewael
Joachim Wtewael (1566–1638) mantenne per tutta la vita uno stile pittorico manierista settentrionale, ignorando in particolare l'emergere dell'arte barocca. Questa adesione lo posiziona come potenzialmente l'ultimo importante artista manierista a rimanere attivo. La sua opera comprendeva ampie composizioni di nature morte, che ricordano Pieter Aertsen, accanto a scene mitologiche. Molte delle sue opere erano piccoli dipinti su gabinetto, meticolosamente resi su rame, spesso raffiguranti figure nude.
Giuseppe Arcimboldo
Giuseppe Arcimboldo è riconosciuto principalmente per le sue opere distintive che integrano elementi di natura morta e ritrattistica. Il suo approccio artistico è classificato come manierista, caratterizzato da uno stile di assemblaggio in cui frutta e verdura formano composizioni che possono essere interpretate in molteplici orientamenti, anche invertiti. Le creazioni di Arcimboldo si allineano al Manierismo anche attraverso l'umorismo che trasmettono agli spettatori, divergendo dalla profonda serietà spesso associata all'arte rinascimentale. Stilisticamente, i suoi dipinti si distinguono per la meticolosa osservazione della natura e la concettualizzazione di un "aspetto mostruoso".
Tra le opere di Arcimboldo che presentano distinte caratteristiche manieriste c'è il dipinto Vertumnus. Raffigurato su uno sfondo nero, presenta un ritratto di Rodolfo II, la cui forma è composta interamente da vari vegetali, fiori e frutti. L'aspetto umoristico del dipinto trasmette un commento sul potere, suggerendo che l'imperatore Rodolfo II nascondesse un sé interiore più oscuro dietro il suo personaggio pubblico. Al contrario, il suo tono serio fa presagire la prosperità prevista durante il suo mandato imperiale.
L'opera d'arte Vertumnus incorpora diversi elementi manieristi, evidenti sia nella sua composizione che nel contenuto tematico. Una caratteristica degna di nota è lo sfondo piatto e nero, utilizzato da Arcimboldo per sottolineare lo status e l'identità dell'Imperatore, accentuando allo stesso tempo la natura fantastica del suo governo. In questo ritratto di Rodolfo II, Arcimboldo si discosta dalla rappresentazione naturalistica tipica del Rinascimento, esplorando invece la costruzione compositiva rappresentando l'Imperatore da un assemblaggio di frutta, verdura, piante e fiori. Inoltre, il dipinto esemplifica il Manierismo attraverso la sua doppia narrazione, giustapponendo l'umorismo a un messaggio serio, un allontanamento dalla tipica assenza di umorismo nell'arte rinascimentale.
Architettura
L'architettura manierista si distingueva per l'inganno visivo e gli elementi non convenzionali che sovvertivano le convenzioni rinascimentali consolidate. Gli artisti fiamminghi, molti dei quali avevano assimilato le innovazioni manieriste durante i loro viaggi in Italia, giocarono un ruolo fondamentale nella diffusione di queste tendenze in tutta Europa a nord delle Alpi, in particolare nell’ambito della progettazione architettonica. Durante questo periodo, gli architetti sperimentarono l’utilizzo di forme architettoniche per enfatizzare le relazioni solide e spaziali. L'enfasi rinascimentale sull'armonia cedette a ritmi compositivi più fluidi e fantasiosi. Michelangelo (1475–1564), pioniere della Biblioteca Laurenziana, è riconosciuto come l'architetto più importante associato allo stile manierista. A lui viene attribuito il merito di aver concepito l'ordine gigante, un monumentale pilastro o colonna che si estende verticalmente su più piani di una facciata, che utilizzò nel suo progetto per la Piazza del Campidoglio a Roma. Allo stesso tempo, lo stile architettonico herreriano (spagnolo: estilo herreriano o arquitectura herreriana) emerse in Spagna durante l'ultimo terzo del XVI secolo sotto il regno di Filippo II (1556–1598), persistendo nel XVII secolo, sebbene trasformato dallo stile barocco prevalente. Questo stile rappresenta la terza e ultima fase dell'architettura rinascimentale spagnola, caratterizzata da una progressiva semplificazione ornamentale, passando dal plateresco iniziale e dal purismo classico della metà del XVI secolo alla completa austerità decorativa introdotta dallo stile herreriano.
Prima del XX secolo, il termine Manierismo aveva connotazioni peggiorative; tuttavia, ora viene utilizzato per caratterizzare il periodo storico in termini più ampi e non valutativi. L’architettura manierista è stata invocata anche per descrivere una tendenza della metà del XX secolo (anni ’60 e ’70) che sfidava e riconosceva allo stesso tempo le convenzioni dell’architettura modernista. In questo contesto, l'architetto e autore Robert Venturi ha definito il Manierismo come: "Il Manierismo per l'architettura del nostro tempo che riconosce l'ordine convenzionale piuttosto che l'espressione originale ma rompe l'ordine convenzionale per accogliere la complessità e la contraddizione e quindi affronta l'ambiguità in modo inequivocabile."
Esempi di Rinascimento
La Villa Farnese a Caprarola, situata nell'aspra campagna romana, costituisce un importante esempio di architettura manierista. La diffusa attività degli incisori durante il XVI secolo facilitò la diffusione degli stili manieristi a un ritmo senza precedenti rispetto ai movimenti artistici precedenti.
L'ornato portale espositivo del Castello di Colditz, ricco di dettagli "romani", esemplifica lo stile manierista settentrionale, tipicamente applicato come elemento architettonico distinto e isolato su una muratura vernacolare disadorna.
A partire dalla fine degli anni Sessanta del Cinquecento, numerose strutture a La Valletta, a Malta, capitale di nuova costituzione, furono concepiti dall'architetto Girolamo Cassar in linguaggio manierista. Questi edifici comprendono la Concattedrale di San Giovanni, il Palazzo del Gran Maestro e le sette auberge originali. Sebbene molte delle costruzioni di Cassar abbiano subito successive modifiche, in particolare durante l'epoca barocca, un numero selezionato, tra cui l'Auberge d'Aragon e l'esterno della Concattedrale di San Giovanni, conserva in gran parte l'estetica manierista iniziale di Cassar.
Mentre molti stili architettonici esplorano ideali armoniosi, il Manierismo avanza oltre le norme stilistiche convenzionali esplorando l'estetica dell'iperbole e dell'esagerazione. Si distingue per la sua raffinatezza intellettuale e le sue caratteristiche artificiali, piuttosto che naturalistiche. Il manierismo dà priorità alla tensione compositiva e all’instabilità rispetto all’equilibrio e alla chiarezza tradizionali. La definizione precisa del Manierismo e delle sue fasi interne rimane oggetto di dibattito accademico in corso tra gli storici dell'arte.
Il Manierismo settentrionale, o di Anversa, ha preceduto e divergente dal Manierismo italiano. Durante la sua prosperità economica nel XVI secolo, Anversa sviluppò uno stile distintivo, che rappresenta la fase finale della pittura dei primi Paesi Bassi incorporando elementi del primo Rinascimento. Anversa fu un canale cruciale per l'ampia diffusione degli stili rinascimentale e manierista in tutta l'Inghilterra, la Germania e l'Europa settentrionale e orientale in generale.
Letteratura e musica
Il manierismo letterario comprendeva figure di spicco tra cui Michelangelo, Clément Marot, Giovanni della Casa, Giovanni Battista Guarini, Torquato Tasso, Veronica Franco e Miguel de Cervantes, tra gli altri.
Nella letteratura inglese, il manierismo è spesso associato alle caratteristiche dei "poeti metafisici", di cui John Donne è il più famoso. Una concisa distinzione tra obiettivi artistici barocchi e manieristi è fornita dall'astuta critica di John Dryden, uno scrittore barocco, diretta alla poesia di John Donne della generazione precedente:
Influisce sulla metafisica, non solo nelle sue satire ma nei suoi versi amorosi, dove solo la natura dovrebbe regnare; e confonde le menti del gentil sesso con belle speculazioni di filosofia quando dovrebbe coinvolgere i loro cuori e intrattenerli con le dolcezze dell'amore.
L'abbondante potenziale musicale insito nella poesia della fine del XVI e dell'inizio del XVII secolo offrì una base convincente per il madrigale. Questa forma raggiunse rapidamente la preminenza come genere musicale più importante all'interno della cultura italiana, come osservato da Tim Carter:
Il madrigale, soprattutto nella sua veste aristocratica, era ovviamente un veicolo per lo "stile elegante" del Manierismo, con poeti e musicisti che si dilettavano in idee spiritose e altri trucchi visivi, verbali e musicali per deliziare l'intenditore.
Il termine "manierismo" è stato applicato anche per caratterizzare la musica polifonica altamente ornata e intricata dal punto di vista contrappuntistico composta nella Francia della fine del XIV secolo. Quest'epoca è ora più comunemente designata come ars subtilior.
Manierismo e teatro
La prima commedia dell'arte (1550–1621): il contesto manierista di Paul Castagno esamina l'influenza del Manierismo sul teatro professionale contemporaneo. La ricerca di Castagno segna il tentativo iniziale di classificare una forma teatrale come manierista, utilizzando la terminologia del Manierismo e della *maniera* per analizzare la tipizzazione, l'esagerazione e l'effetto meraviglioso inerente ai comici dell'arte. Lo studio è prevalentemente iconografico e offre prove pittoriche del fatto che numerosi artisti responsabili della pittura o della stampa di immagini *commedia* provenivano da laboratori contemporanei profondamente radicati nella tradizione della *maniera*.
Gli intricati dettagli nelle minuscole incisioni di Jacques Callot sembrano suggerire una scala d'azione molto più ampia. I Balli di Sfessania di Callot (lit.'danza delle natiche') descrive l'erotismo palese della *commedia* attraverso elementi come falli sporgenti, lance posizionate con l'implicazione di penetrazione comica e maschere grottescamente esagerate che si fondono caratteristiche bestiali e umane. L'erotismo associato agli innamorati ("amanti"), manifestato attraverso elementi come il seno scoperto o l'elaborato velo, era molto di moda nei dipinti e nelle incisioni della seconda scuola di Fontainebleau, soprattutto in quelli che mostrano un'influenza franco-fiamminga. Castagno stabilisce connessioni iconografiche tra la pittura di genere e le figure della *commedia dell'arte*, illustrando come questa forma teatrale fosse profondamente integrata nelle tradizioni culturali del tardo *cinquecento*.
Commedia dell'arte, disegno interno, e la discordia concorso
Esistono correlazioni significative tra il disegno interno, che ha sostituito il disegno esterno nella pittura manierista. Questo concetto implica la proiezione di una prospettiva profondamente soggettiva che prevale sulle forme naturali o sui principi stabiliti (come la prospettiva lineare), spostando così l’enfasi dall’oggetto al suo soggetto ed evidenziando l’esecuzione, il virtuosismo o le tecniche distintive. Questa visione interna è fondamentale per la performance della commedia. Ad esempio, durante l'improvvisazione, un attore dimostra virtuosismo senza aderire a vincoli formali, decoro, unità o un testo prescritto. Arlecchino incarnava la discordia concors manierista (l'unione degli opposti); poteva essere gentile e benevolo per un momento, poi trasformarsi improvvisamente in un ladro violento impegnato in un conflitto. Arlecchino potrebbe esibire movimenti aggraziati, solo per inciampare goffamente nell'istante successivo. Liberato dalle regole esterne, l'attore celebrava la natura effimera del momento, proprio come Benvenuto Cellini affascinava i mecenati drappeggiando le sue sculture e rivelandole con luci drammatiche e un senso di meraviglia. La presentazione di un oggetto diventa così cruciale quanto l'oggetto stesso.
Neo-Manierismo
Nel 20° secolo, l'emergere del neomanierismo ebbe origine con l'artista Ernie Barnes. Lo stile fu profondamente influenzato sia dalla comunità ebraica che da quella afro-americana, culminando nella mostra "La bellezza del ghetto", che andò in tournée tra il 1972 e il 1979. Questa mostra viaggiò nelle principali città americane e ricevette il patrocinio di dignitari, atleti professionisti e celebrità. Quando la mostra fu esposta nel 1974 al Museum of African Art di Washington, D.C., il rappresentante John Conyers ne sottolineò il significativo messaggio positivo nel Congressional Record.
Lo stile neomanierista, come sviluppato da Barnes, presenta soggetti caratterizzati da arti e corpi allungati, insieme a movimenti esagerati. Un altro motivo ricorrente sono gli occhi chiusi dei soggetti, a simboleggiare "quanto siamo ciechi l'uno verso l'umanità dell'altro". Barnes lo ha articolato così: "Ci guardiamo e decidiamo immediatamente: questa persona è nera, quindi deve essere ... Questa persona vive in povertà, quindi deve essere ...".
Teatro e cinema
In un'intervista, il regista Peter Greenaway ha citato Federico Fellini e Bill Viola come principali fonti di ispirazione per la sua esplorazione ampia e autoreferenziale della tensione intrinseca tra la struttura del database delle immagini e le diverse interfacce analogiche e digitali che le organizzano cinematograficamente. Questo impegno può essere classificato come neomanierista proprio perché si distingue dal (neo-)barocco: "Proprio come il cattolicesimo romano vi offrirebbe paradiso e paradiso, esiste un equivalente paradiso commerciale offerto in gran parte dall'intero effetto capitalistico, che è associato al cinema occidentale. Questa è la mia analogia politica in termini di uso della multimedialità come arma politica. Identificherei, in un certo senso, la grande Controriforma barocca, la sua attività culturale, con ciò che il cinema, soprattutto il cinema americano, ha fatto in gli ultimi settant'anni."
Come termine di critica
Secondo il critico d'arte Jerry Saltz, il "neomanierismo" (nuovo manierismo) è uno dei numerosi cliché che stanno "spremendo la vita dal mondo dell'arte". Saltz definisce il neomanierismo come l'arte del 21° secolo prodotta da studenti i cui istruttori accademici "li hanno spaventati fino a renderli piacevolmente miti, imitativi e ordinari".
Contro-Maniera
- Contro-Maniera
- Architettura e scultura manierista in Polonia
- Cronologia degli artisti italiani fino al 1800
- Manierismo in Brasile
- Philippe Millereau
- Arte del secondo Cinquecento a Milano
Note a piè di pagina
Riferimenti
- Un articolo intitolato "Manierismo: Bronzino (1503–1572) e i suoi contemporanei" dal Metropolitan Museum of Art.