Op art, abbreviazione di optical art, denota uno stile di arte visiva caratterizzato dall'utilizzo di motivi geometrici distorti o manipolati, spesso impiegati per generare illusioni ottiche. Nato all'inizio del XX secolo, questo movimento ha guadagnato una notevole popolarità dagli anni '60 in poi, con il termine stesso "Op art" coniato nel 1964.
Le opere d'arte op sono prevalentemente astratte, con diversi esempi importanti eseguiti in tavolozze monocromatiche. Questi pezzi evocano tipicamente nell'osservatore percezioni di movimento, immagini nascoste, modelli pulsanti e oscillanti, o espansione e distorsione volumetrica. Al contrario, la tecnica trompe-l'œil, significativamente più antica, raffigura costantemente soggetti figurativi, resi con un'illusione di profondità tridimensionale.
Contesto storico
L'illusionismo, incentrato sulla percezione dello spazio espansivo all'interno di un piano bidimensionale, è stato presente fin dalle fasi nascenti della storia dell'arte. Tuttavia, i precursori dell’Op art, in particolare per quanto riguarda gli effetti grafici e l’interesse per i fenomeni ottici insoliti, sono individuabili in movimenti come il Neoimpressionismo, il Cubismo, il Futurismo, il Costruttivismo e il Dada. I Divisionisti, un collettivo di artisti neoimpressionisti, tentarono di aumentare la luminosità percepita delle loro tele impiegando principi ottici e illusioni. László Moholy-Nagy è stato il pioniere dell'Op art fotografica e ha insegnato sull'argomento al Bauhaus; un notevole esercizio pedagogico coinvolgeva gli studenti che creavano perforazioni nelle carte e successivamente le fotografavano.
La rivista Time introdusse formalmente il termine op art nel 1964, in particolare in reazione alla mostra di Julian Stanczak, Optical Paintings alla Martha Jackson Gallery. Questa designazione si riferiva a un genere di arte astratta (in particolare arte non oggettiva) che incorpora illusioni ottiche. Tuttavia, le creazioni artistiche ora classificate come "Op art" erano state sviluppate diversi anni prima della pubblicazione di Time nel 1964. Ad esempio, il dipinto Zebre di Victor Vasarely del 1938, è costituito esclusivamente da strisce curvilinee bianche e nere prive di linee di contorno definite. Di conseguenza, queste strisce generano l’effetto visivo di fondersi e proiettarsi simultaneamente dallo sfondo circostante. Inoltre, i primi pannelli "abbaglianti" in bianco e nero di John McHale, esposti alla mostra This Is Tomorrow nel 1956, e la sua serie Pandora, presentata all'Institute of Contemporary Arts nel 1962, esemplificano le prime caratteristiche della proto-Op art. Martin Gardner ha esplorato l'Op art e le sue basi matematiche nella sua rubrica "Giochi matematici", pubblicata su Scientific American nel luglio 1965. In Italia, Franco Grignani, inizialmente educato come architetto, è emerso come una figura di spicco nel design grafico, con l'Op art e l'arte cinetica che costituiscono il nucleo della sua pratica. Il logo Woolmark, introdotto in Gran Bretagna nel 1964, è probabilmente il suo design più famoso.
L'op art mostra probabilmente una derivazione più stretta dalle metodologie costruttiviste prevalenti al Bauhaus. Questa istituzione tedesca, fondata da Walter Gropius, enfatizzava la connessione intrinseca tra forma e funzione, operando in un quadro analitico e razionale. Agli studenti è stato chiesto di dare priorità al design olistico o alla struttura compositiva completa per ottenere risultati artistici coesi. Inoltre, l'Op art ha origine dal trompe-l'œil e dall'anamorfosi. Sono stati stabiliti anche collegamenti con l'indagine psicologica, in particolare con la teoria della Gestalt e la psicofisiologia. In seguito alla chiusura forzata del Bauhaus nel 1933 numerosi docenti emigrarono negli Stati Uniti. Successivamente, il movimento si stabilì a Chicago e successivamente al Black Mountain College di Asheville, nella Carolina del Nord, dove Anni e Josef Albers alla fine ricoprirono incarichi di insegnante.
Frank Popper afferma che "Gli artisti op sono così riusciti a sfruttare vari fenomeni", dettagliando ulteriormente "l'immagine residua e il movimento consecutivo; l'interferenza della linea; l'effetto di abbagliamento; figure ambigue e prospettiva reversibile; successivi contrasti di colore e vibrazione cromatica; e nelle opere tridimensionali diversi punti di vista e la sovrapposizione di elementi nello spazio."
Nel 1955, Victor Vasarely e Pontus Hulten introdussero nuove espressioni cinetiche, fondate su fenomeni ottici e luminosi insieme all'illusionismo pittorico, attraverso il loro "Manifesto giallo" per la mostra Mouvements alla galleria Denise René di Parigi. La manifestazione contemporanea dell'arte cinetica è emersa inizialmente al Museum für Gestaltung di Zurigo nel 1960, per poi subire una significativa evoluzione nel corso degli anni '60. Nella maggior parte delle nazioni europee, questa categoria artistica comprende tipicamente l'arte ottica, che impiega principalmente illusioni visive come l'op art e l'arte basata sul movimento, esemplificata da artisti come Yacov Agam, Carlos Cruz-Diez, Jesús Rafael Soto, Gregorio Vardanega e Nicolas Schöffer. Tra il 1961 e il 1968, il Groupe de Recherche d'Art Visuel (GRAV), fondato da François Morellet, Julio Le Parc, Francisco Sobrino, Horacio Garcia Rossi, Yvaral, Joël Stein e Vera Molnár, funzionava come un'assemblea collaborativa di artisti opto-cinetici. Come articolato nel manifesto del 1963, il GRAV sosteneva l'impegno pubblico diretto, con l'obiettivo di influenzare il comportamento degli spettatori, in particolare attraverso installazioni labirintiche interattive.
Diversi artisti europei associati al gruppo Nouvelle tendence (1961-1965), tra cui Almir Mavignier e Gerhard von Graevenitz, esplorarono anche l'op art, principalmente attraverso le loro opere serigrafiche. Le loro ricerche artistiche si concentravano sulle illusioni ottiche. La designazione "op" si è rivelata controversa per molti artisti classificati sotto di essa, in particolare Albers e Stanczak, che avevano precedentemente proposto "arte percettiva" come descrittore più appropriato durante la nascita del termine. A partire dal 1964, Arnold Schmidt (Arnold Alfred Schmidt) ha presentato numerose mostre personali alla Terrain Gallery di New York, mostrando i suoi ampi dipinti ottici a forma di bianco e nero.
L'occhio reattivo
Dal 23 febbraio al 25 aprile 1965, il Museum of Modern Art di New York ha ospitato The Responsive Eye, una mostra curata da William C. Seitz, che successivamente si è recata a St. Louis, Seattle, Pasadena e Baltimora. La variegata collezione di opere d'arte comprendeva pezzi minimalisti di Frank Stella e Ellsworth Kelly, le fluide forme scultoree di Alexander Liberman, progetti di collaborazione del gruppo Anonima e contributi di artisti di spicco come Wojciech Fangor, Victor Vasarely, Julian Stanczak, Richard Anuszkiewicz, Wen-Ying Tsai, Bridget Riley e Getulio Alviani. Questa mostra ha evidenziato specificamente le dimensioni percettive dell'arte, derivanti sia dall'illusione del movimento che dall'interazione delle relazioni cromatiche.
Sebbene la mostra abbia ottenuto un notevole successo di pubblico, attirando oltre 180.000 visitatori, ha ricevuto un'accoglienza meno favorevole da parte dei critici d'arte. I critici in gran parte liquidarono l'op art come un semplice trompe-l'œil, definendolo un inganno visivo. Tuttavia, l’accettazione da parte del pubblico dello stile crebbe, portando alla diffusa applicazione delle immagini della op art in varie applicazioni commerciali. In particolare, uno dei primi film documentari di Brian de Palma raccontava questa mostra.
Metodologia operativa
Dicotomia tra bianco e nero: dinamiche figura-terra
L'op art costituisce un fenomeno percettivo intrinsecamente legato ai meccanismi della visione umana. Questa dinamica forma d'arte visiva ha origine da un rapporto dissonante figura-sfondo, stabilendo una giustapposizione tesa e paradossale tra il piano in primo piano e quello dello sfondo. Gli artisti utilizzano principalmente due metodi per produrre op art. L'approccio più riconosciuto prevede la generazione di effetti attraverso la manipolazione di motivi e linee. Queste opere utilizzano spesso il bianco e nero o sfumature di grigio (grisaglia), come esemplificato dai primi lavori di Bridget Riley come Current (1964), presente sulla copertina del catalogo The Responsive Eye. In tali pezzi, linee ondulate bianche e nere ravvicinate sulla superficie della tela generano un'interazione volatile figura-sfondo. Getulio Alviani, invece, ha utilizzato superfici in alluminio trattato per generare giochi di luce che si trasformano con il movimento dello spettatore, creando superfici materiche vibranti. Un altro effetto visivo osservato è la generazione di immagini residue di colori specifici, una conseguenza di come la retina elabora e interpreta la luce. Come spiegato da Goethe nella sua opera fondamentale Teoria dei colori, il colore emerge all'interfaccia tra luce e oscurità, dato che la luce e l'oscurità sono proprietà fondamentali nella generazione cromatica.
Elementi cromatici
Bridget Riley ha avviato la produzione di Op Art basata sul colore nel 1965; tuttavia, altri artisti, tra cui Julian Stanczak e Richard Anuszkiewicz, hanno costantemente dato priorità al colore come elemento centrale dei loro sforzi artistici. Josef Albers istruì questi due esponenti di spicco della scuola "Color Function" a Yale negli anni '50. Le opere coloriste affrontano spesso gli stessi principi della dinamica figura-sfondo, ma incorporano la dimensione aggiuntiva delle tonalità contrastanti, che generano effetti visivi distinti. Ad esempio, i dipinti dei "templi" di Anuszkiewicz utilizzano la giustapposizione di due colori altamente contrastanti per evocare un'illusione di profondità all'interno di uno spazio tridimensionale, creando la percezione che la forma architettonica proietta nell'ambiente immediato dello spettatore.
Mostre
- L'Œil moteur: Art optique et cinétique 1960–1975, Musée d'art moderne et contemporain, Strasburgo, Francia, 13 maggio – 25 settembre 2005.
- Op Art, Schirn Kunsthalle, Francoforte, Germania, 17 febbraio – 20 maggio 2007.
- The Optical Edge, The Pratt Institute of Art, New York, 8 marzo – 14 aprile 2007.
- Nervo ottico: arte percettiva degli anni '60, Columbus Museum of Art, Columbus, Ohio, 16 febbraio-17 giugno 2007.
- CLE OP: Cleveland Op Art Pioneers, Cleveland Museum of Art, Cleveland, Ohio, 9 aprile 2011 – 26 febbraio 2012.
- Bridget Riley è stata protagonista di numerose mostre internazionali, tra cui quelle al Dia Center, New York (2000); Tate Britain, Londra (2003); e il Museo di Arte Contemporanea, Sydney (2004).
Riferimenti
Riferimenti
Bibliografia
- Popper, Frank. Origini e sviluppo dell'arte cinetica. New York Graphic Society/Studio Vista, 1968.
- Popper, Frank. Dall'arte tecnologica all'arte virtuale. Leonardo Libri, MIT Press, 2007.
- Seitz, William C. (1965). L'occhio reattivo (PDF). New York: Museo d'Arte Moderna. Catalogo della mostra.{{cite book}}: manutenzione CS1: postscript (link)
- Opartica: strumento online per la creazione di op art