Performance art

La performance art è una disciplina artistica o un'esposizione caratterizzata da azioni eseguite dall'artista o da altri partecipanti. Può essere sperimentato dal vivo o tramite documentazione e può essere concepito spontaneamente o scritto meticolosamente, tipicamente presentato al pubblico all'interno di una cornice artistica, spesso adottando un approccio interdisciplinare. Definita anche azione artistica, si è evoluta nel tempo in un genere distinto in cui l'espressione artistica viene trasmessa in tempo reale. Questa forma ha svolto un ruolo cruciale e fondativo nei movimenti artistici d'avanguardia del XX secolo.

Performance art è un'opera d'arte o una mostra d'arte creata attraverso azioni eseguite dall'artista o da altri partecipanti. Può essere testimoniato dal vivo o attraverso documentazione, sviluppato spontaneamente o scritto, ed è tradizionalmente presentato al pubblico in un contesto artistico in modalità interdisciplinare. Conosciuto anche come azione artistica, si è sviluppato nel corso degli anni come un genere a sé stante in cui l'arte viene presentata dal vivo. Ha avuto un ruolo importante e fondamentale nell'arte d'avanguardia del XX secolo.

Questa forma d'arte comprende cinque componenti fondamentali: il tempo, lo spazio, il corpo, la presenza dell'artista e la dinamica tra l'artista e il pubblico. Sebbene spesso allestite in gallerie d'arte e musei, queste performance possono svolgersi in ambienti, spazi e contesti temporali diversi. L'obiettivo primario è suscitare una risposta, spesso facilitata dall'improvvisazione e da una deliberata sensibilità estetica. Elementi tematici comuni includono le esperienze personali dell'artista, l'imperativo della critica o della denuncia sociale e una spinta di fondo verso un cambiamento trasformativo.

Sebbene la pratica della performance nelle arti visive faccia risalire le sue origini alle produzioni futuriste e ai cabaret degli anni '10, i termini "performance art" e "performance" hanno acquisito una diffusione diffusa durante gli anni '70. Nel 1969, il critico d'arte e artista John Perreault attribuì la coniazione del termine a Marjorie Strider. I principali pionieri della performance art comprendono Carolee Schneemann, Marina Abramović, Ana Mendieta, Chris Burden, Hermann Nitsch, Joseph Beuys, Nam June Paik, Tehching Hsieh, Yves Klein e Vito Acconci. Esponenti di spicco più contemporanei includono Tania Bruguera, Abel Azcona, Regina José Galindo, Marta Minujín, Melati Suryodarmo e Petr Pavlensky. Questa disciplina è concettualmente collegata agli happening e agli "eventi" associati al movimento Fluxus, all'azionismo viennese, alla body art e all'arte concettuale.

Definizione

La definizione precisa e la contestualizzazione storica e pedagogica della performance art rimangono oggetto di ampio dibattito. Una sfida significativa deriva dalla natura polisemica del termine, soprattutto perché una delle sue interpretazioni riguarda le arti dello spettacolo. Tuttavia, questa interpretazione della “performance” nel contesto delle arti performative diverge fondamentalmente dal concetto di “performance art”, che ha origine da una posizione critica e spesso antagonista nei confronti delle arti sceniche tradizionali. La performance art condivide punti in comune con le arti dello spettacolo solo in aspetti specifici, come la presenza di un pubblico e del corpo fisico; inoltre, non tutte le opere di performance art incorporano questi particolari elementi.

Nel suo senso più ristretto, il termine "performance art" è intrinsecamente legato alle tradizioni postmoderniste prevalenti nella cultura occidentale. Emersa approssimativamente dalla metà degli anni '60 fino agli anni '70, e attingendo spesso a concetti di arte visiva, la performance art - influenzata da figure e movimenti come Antonin Artaud, Dada, i situazionisti, Fluxus, installazioni artistiche e arte concettuale - è stata spesso concettualizzata come un'antitesi al teatro tradizionale, sfidando così le forme d'arte consolidate e le norme culturali prevalenti. Il principio di base era quello di creare un'esperienza effimera e autentica sia per l'esecutore che per il pubblico, manifestandosi come un evento incapace di ripetizione, cattura o acquisizione commerciale. La differenziazione ampiamente dibattuta nell'applicazione dei concetti di arte visiva e arte performativa ha un impatto significativo sull'interpretazione di una presentazione di performance art.

La definizione "performance art" è generalmente riservata a una forma d'arte concettuale che comunica un significato basato sul contenuto, spesso con sfumature drammatiche, piuttosto che servire semplicemente come intrattenimento o performance per il suo interesse intrinseco. Questo genere comprende principalmente spettacoli offerti a un pubblico, ma evita deliberatamente di presentare un'opera teatrale convenzionale, una narrativa lineare formale o la rappresentazione di personaggi fittizi all'interno di interazioni strutturate e sceneggiate. Di conseguenza, può incorporare azioni o parole come comunicazione diretta tra l'artista e il pubblico, o addirittura ignorare intenzionalmente le aspettative del pubblico, piuttosto che aderire a un copione pre-scritto.

Tuttavia, alcune manifestazioni di performance art possono mostrare vicinanza alle arti dello spettacolo. Tali spettacoli potrebbero impiegare una sceneggiatura o stabilire un contesto drammatico fittizio; tuttavia, rimangono nell'ambito della performance art deviando intenzionalmente dalla norma drammatica convenzionale di costruire un ambiente fittizio con una sceneggiatura lineare che aderisce alle dinamiche tipiche del mondo reale. Mirano invece intenzionalmente a fare satira o a trascendere le dinamiche ordinarie del mondo reale comunemente impiegate nelle produzioni teatrali tradizionali.

Gli artisti dello spettacolo spesso sfidano il pubblico a impegnarsi in processi di pensiero nuovi e non convenzionali, sovvertendo le convenzioni artistiche tradizionali e smantellando le nozioni consolidate di "cos'è l'arte". A condizione che l'esecutore eviti giochi di ruolo ripetitivi, la performance art può incorporare elementi satirici; utilizzare robot e macchine come artisti, come esemplificato dai pezzi dei Survival Research Laboratories; coinvolgono componenti ritualizzati (ad esempio, Shaun Caton); o integrare aspetti di varie arti dello spettacolo come la danza, la musica e il circo. La performance art può anche intersecarsi con l'architettura e intrecciarsi con la pratica religiosa e la teologia.

Alcuni artisti, come gli azionisti viennesi e i neo-dadaisti, preferiscono termini alternativi come "arte dal vivo", "arte d'azione", "azioni", "intervento" o "manovra" per caratterizzare le loro attività performative. Generi specifici all'interno della performance art includono body art, performance Fluxus, avvenimenti, poesia d'azione e intermedia.

Origini

La performance art è nata come espressione artistica alternativa, con la disciplina emersa nel 1916, in concomitanza con il dadaismo e situata nel quadro più ampio dell'arte concettuale. Tristan Tzara, un pioniere del Dada, ha guidato questo movimento. I teorici della cultura occidentale generalmente collocano la genesi della performance art all’inizio del XX secolo, accanto a movimenti come il costruttivismo, il futurismo e il dadaismo. Dada è stato un'ispirazione significativa grazie alle sue azioni poetiche non convenzionali. Inoltre, alcuni artisti futuristi, in particolare quelli associati al futurismo russo, sono riconosciuti come fondamentali per l'emergere della performance art.

Cabaret Voltaire

Il Cabaret Voltaire è stato fondato a Zurigo, in Svizzera, da Hugo Ball ed Emmy Hennings con obiettivi sia artistici che politici, fungendo da crogiolo per nuove tendenze artistiche. Situato al piano superiore di un teatro, le cui esibizioni convenzionali erano spesso oggetto di satira negli spettacoli di cabaret, il cabaret presentava opere d'avanguardia e sperimentali. Si ritiene che il movimento Dada abbia avuto sede in questo locale di dieci metri quadrati. Inoltre, i surrealisti, il cui movimento si è evoluto direttamente dal dadaismo, si riunivano spesso al Cabaret. Durante il suo breve periodo operativo - durato solo sei mesi fino alla sua chiusura nell'estate del 1916 - il Cabaret ospitò le prime azioni, performance e presentazioni Dada che integravano poesia, arte visiva, musica e azioni ripetitive, insieme alla lettura del Manifesto dadaista. Figure chiave, tra cui Richard Huelsenbeck, Marcel Janco, Tristan Tzara, Sophie Taeuber-Arp e Jean Arp, furono coinvolte in eventi provocatori e scandalosi che formarono i principi fondamentali del movimento anarchico noto come Dada.

Il dadaismo è emerso con l'obiettivo esplicito di smantellare i sistemi e le norme consolidati nel mondo dell'arte. Caratterizzato come un movimento anti-arte, anti-letterario e anti-poesia, mise fondamentalmente in discussione l’esistenza stessa dell’arte, della letteratura e della poesia. Il dadaismo trascese un mero metodo creativo, evolvendosi in un’ideologia globale che influenzò uno stile di vita. Si opponeva a concetti come bellezza eterna, principi immutabili, leggi logiche, stasi intellettuale e verità universali. Invece, ha sostenuto il cambiamento, la spontaneità, l’immediatezza, la contraddizione, la casualità e l’abbraccio del caos sull’ordine e dell’imperfezione sulla perfezione: principi che risuonano con la performance art. I dadaisti sostenevano la provocazione, la protesta anti-arte e lo scandalo, spesso impiegando modalità di espressione satiriche e ironiche. Le loro azioni dirompenti contro le forme artistiche tradizionali erano spesso caratterizzate da assurdità, rifiuto del valore intrinseco e adesione al caos.

Il Cabaret Voltaire chiuse nel 1916 ma fu ripreso nel 21° secolo.

Futurismo

Il futurismo è emerso nel 1909 come movimento artistico d'avanguardia. Inizialmente si manifestò come movimento letterario, nonostante la maggioranza dei suoi aderenti fossero pittori. Il suo ambito iniziale comprendeva anche la scultura, la fotografia, la musica e il cinema. Sebbene la Prima Guerra Mondiale abbia ampiamente limitato il movimento, esso persistette in Italia fino agli anni ’30. La Russia fu tra le nazioni in cui il futurismo esercitò un’influenza significativa. Tra i manifesti più importanti pubblicati figurano il Manifesto della scultura futurista e l'Architettura futurista nel 1912, seguiti nel 1913 dal Manifesto della lussuria futurista del ballerino, scrittore e artista francese Valentine de Saint-Point. I futuristi diffusero le loro teorie attraverso incontri pubblici, incontri e conferenze, che assomigliavano a manifestazioni politiche e incorporavano poesia ed elementi da music-hall, prefigurando così la performance artistica.

Bauhaus

Il Bauhaus, una scuola d'arte fondata a Weimar nel 1919, incorporava laboratori sperimentali di arti performative volti a esplorare l'interrelazione tra corpo, spazio, suono e luce. Il Black Mountain College, fondato negli Stati Uniti da istruttori del Bauhaus esiliati dal partito nazista, continuò a integrare le arti dello spettacolo sperimentali nell'educazione alle arti sceniche, anticipando di due decenni gli sviluppi significativi nella storia della performance durante gli anni '60. Il nome Bauhaus deriva dalle parole tedesche Bau, costruzione, e Haus, casa; ironicamente, nonostante il nome e il fatto che il suo fondatore fosse un architetto, nei suoi primi anni il Bauhaus non aveva un dipartimento di architettura.

Pittura d'azione

Durante gli anni Quaranta e Cinquanta, la tecnica o movimento dell'action painting ha permesso agli artisti di concettualizzare la tela come un'arena per l'azione, trasformando così le opere risultanti in vestigia della performance in studio dell'artista. Secondo il critico d'arte Harold Rosenberg, costituì un processo fondamentale per la performance art, insieme all'espressionismo astratto. Jackson Pollock, spesso considerato il pittore d'azione per eccellenza, spesso eseguiva le sue opere come performance dal vivo. In Europa, Yves Klein ha creato le sue *Anthropométries* impiegando corpi femminili per applicare la pittura sulle tele durante dimostrazioni pubbliche. Figure importanti come Willem de Kooning e Franz Kline incorporarono anche elementi di pittura astratta e d'azione nelle loro opere.

Nouveau realismo

Il Nouveau réalisme è riconosciuto come un movimento artistico fondamentale nella genesi della performance art. Questo movimento pittorico è stato fondato nel 1960 dal critico d'arte Pierre Restany e dal pittore Yves Klein, in concomitanza con la loro mostra collettiva inaugurale alla Galleria Apollinaire di Milano. Il Nouveau réalisme fu, insieme a Fluxus e altri gruppi, tra le numerose correnti d'avanguardia degli anni '60. Pierre Restany ha orchestrato diverse installazioni di performance artistiche alla Tate Modern e in altri luoghi. Yves Klein è emerso come un pioniere della performance art, con i suoi pezzi concettuali come Zone de Sensibilité Picturale Immatérielle (1959–62), Anthropométries (1960) e il fotomontaggio Saut dans le vide. Tutta la sua opera dimostra un forte legame con la performance art, spesso concepita come azioni dal vivo, esemplificate dai suoi famosi dipinti creati con modelle femminili. I membri del gruppo percepivano il mondo come un'immagine vasta, dalla quale estraevano elementi da integrare nella loro arte, cercando così di colmare il divario tra la vita e l'espressione artistica.

Gutai

Anche il movimento giapponese Gutai, noto per la sua arte d'azione e i suoi avvenimenti, anticipò in modo significativo la performance art. Ha avuto origine nel 1955 nella regione giapponese del Kansai (che comprende Kyōto, Ōsaka e Kōbe). I partecipanti chiave includevano Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto, Saburō Murakami, Katsuō Shiraga, Seichi Sato, Akira Ganayama e Atsuko Tanaka. Formatosi all'indomani della seconda guerra mondiale, il gruppo Gutai rifiutava il consumismo capitalista, manifestandolo attraverso azioni ironiche intrise di aggressività latente, come la distruzione di oggetti e performance basate sul fumo. La loro influenza si estese a gruppi come Fluxus e ad artisti tra cui Joseph Beuys e Wolf Vostell.

Land art e performance

Alla fine degli anni '60, vari artisti di Land Art, tra cui Robert Smithson e Dennis Oppenheim, produssero installazioni ambientali che anticiparono la performance art degli anni '70. Successivamente, gli artisti concettuali dei primi anni ’80, come Sol LeWitt, che trasformò il disegno murale in un atto performativo, trassero ispirazione da Yves Klein e altri praticanti della Land Art. La Land Art è un movimento artistico contemporaneo caratterizzato da una connessione intrinseca tra il paesaggio e la creazione artistica. Utilizza elementi naturali (ad esempio legno, terra, rocce, sabbia, vento, fuoco, acqua) come materiali per interventi site-specific. La genesi dell'opera d'arte è intrinsecamente legata alla sua specifica collocazione. I risultati si manifestano spesso come una fusione tra scultura e architettura, o scultura e paesaggio, una forma ibrida che sta guadagnando sempre più importanza negli spazi pubblici contemporanei. Quando il corpo dell'artista è integrato nel processo creativo, la Land Art mostra parallelismi con le fasi nascenti della performance art.

anni '60

Durante gli anni '60, una vasta gamma di nuove opere artistiche, concetti e un numero crescente di artisti hanno contribuito all'emergere di nuove forme di performance art. Questo sviluppo mirava ad ampliare la comprensione convenzionale dell’arte, traendo ispirazione da principi simili a quelli del Cabaret Voltaire o del Futurismo. Questi nuovi movimenti erano distinti dall'azionismo viennese, dalla performance art d'avanguardia di New York City, dall'arte processuale, dall'evoluzione del Living Theatre o dagli eventi, ma collettivamente consolidavano i contributi fondamentali dei pionieri della performance art.

Azionismo viennese

L'Azionismo Viennese (Wiener Aktionismus) denota un movimento artistico conciso ma controverso del XX secolo, riconosciuto per la natura violenta, grottesca e viscerale delle sue opere. Nato nell'ambito dell'avanguardia austriaca degli anni '60, il suo obiettivo era quello di integrare l'arte con la performance, stabilendo connessioni con Fluxus e Body Art. Tra gli esponenti di spicco figurano Günter Brus, Otto Muehl e Hermann Nitsch, che condussero principalmente le loro attività azioniste dal 1960 al 1971. Nitsch, un pioniere della performance art, presentò per la prima volta il suo Teatro delle orge e dei misteri (Teatro Orgien und Mysterien) nel 1962. Marina Abramović in seguito partecipò come interprete a una delle sue opere nel 1975.

New York e performance d'avanguardia

Durante i primi anni '60, New York divenne un centro importante per numerosi movimenti, eventi e interessi legati alla performance art. In particolare, Andy Warhol ha iniziato il suo lavoro nella produzione di film e video. Entro la metà del decennio, sponsorizzò The Velvet Underground e orchestrò vari eventi performativi a New York, come Exploding Plastic Inevitable (1966), che presentava musica rock dal vivo, luci dinamiche e film. Tra gli artisti performativi d'avanguardia della città, Joey Skaggs guadagnò importanza negli anni '60 attraverso interventi pubblici provocatori che criticavano il potere istituzionale e lo spettacolo mediatico. Le sue prime opere includono The Crucifixion (1966–1969), una scultura a grandezza naturale di un Cristo in decomposizione esposta nei parchi pubblici per protestare contro l'ipocrisia religiosa, e Hippie Bus Tour to Queens (1968), in cui gli artisti dell'East Village parodiavano gli autobus turistici voyeuristici visitando i quartieri suburbani.

Il Living Theatre

Le nuove forme teatrali, esemplificate dalla San Francisco Mime Troupe e dal Living Theatre, hanno influenzato in modo significativo le performance del mondo dell'arte, in particolare negli Stati Uniti. Queste produzioni venivano spesso presentate nei teatri Off-Off Broadway di SoHo e al La MaMa di New York City. Il Living Theatre, fondato a New York nel 1947, detiene il primato di essere il più antico teatro sperimentale degli Stati Uniti. La sua leadership è stata costantemente assicurata dai suoi fondatori: l'attrice Judith Malina, che ha studiato teatro con Erwin Piscator, concentrandosi sulle teorie di Bertolt Brecht e Meyerhold; e il pittore e poeta Julian Beck. Dopo la morte di Beck nel 1985, il membro della compagnia Hanon Reznikov assunse il ruolo di co-regista insieme a Malina.

Essendo uno dei gruppi teatrali sperimentali di più lunga data, The Living Theatre è servito da modello significativo per gli altri. I suoi membri consideravano il teatro come uno stile di vita, con gli attori che vivevano in comunità secondo principi libertari. Gli sforzi teatrali della compagnia miravano a trasformare le strutture di potere delle società autoritarie e gerarchiche. Il Living Theatre andò principalmente in tournée in Europa dal 1963 al 1968 e negli Stati Uniti nel 1968. Una produzione degna di nota di quest'epoca, Paradise Now, divenne famosa per la sua ampia partecipazione di pubblico e per una scena in cui gli attori recitavano un elenco di tabù sociali, inclusa la nudità, mentre si spogliavano.

Fluxus

Fluxus, termine latino che significa flusso, costituisce un movimento di arti visive che comprende musica, letteratura e danza. Il suo periodo di massima attività si è verificato negli anni '60 e '70. Gli aderenti a Fluxus si battevano contro la mercificazione degli oggetti artistici tradizionali, posizionando il movimento come una forma di arte sociologica. George Maciunas (1931–1978) fondò in modo informale Fluxus nel 1962. Il movimento guadagnò aderenti in tutta Europa, negli Stati Uniti e in Giappone. Evolutosi principalmente in Nord America e in Europa, sotto l'influenza di John Cage, il movimento Fluxus si discostò dal considerare l'avanguardia semplicemente come un'innovazione linguistica. Mirava invece a riutilizzare i canali artistici consolidati, staccandoli da specifici vincoli linguistici, e abbracciava un approccio interdisciplinare incorporando diversi mezzi e materiali. In questo quadro, il linguaggio non è servito come obiettivo finale, ma come meccanismo per il più ampio rinnovamento dell’arte, concepita come fenomeno globale. Similmente a Dada, Fluxus resistette a una definizione o categorizzazione precisa. Dick Higgins, cofondatore del movimento, ha articolato:

Fluxus ha iniziato con il lavoro, poi si è riunito, applicando il nome Fluxus a un lavoro che già esisteva. È stato come se tutto fosse iniziato nel mezzo della situazione, anziché dall'inizio.

Robert Filliou contrappone Fluxus all'arte concettuale, sottolineando il suo impegno diretto, immediato e urgente con l'esistenza quotidiana. Secondo lui, mentre Marcel Duchamp, attraverso i suoi Ready-made, integrava oggetti di uso quotidiano nell'arte, Fluxus invertì questo approccio dissolvendo l'arte nella vita quotidiana, spesso attraverso azioni o performance minori.

John Cage è stato un importante compositore, teorico musicale, artista e filosofo americano. Pioniere dell'indeterminatezza musicale, della musica elettroacustica e della strumentazione non convenzionale, Cage emerse come una figura fondamentale nell'avanguardia del dopoguerra. È stato ampiamente acclamato dalla critica come uno dei compositori più influenti del ventesimo secolo. Inoltre, Cage ha svolto un ruolo cruciale nell'evoluzione della danza moderna, in gran parte attribuibile alla sua vasta collaborazione con il coreografo Merce Cunningham, che fu anche il suo partner romantico per tutta la vita.

Sari Dienes, uno stretto collaboratore di Cage, è riconosciuto come un importante intermediario che collega gli espressionisti astratti, gli artisti neo-dada come Robert Rauschenberg e Ray Johnson e il movimento Fluxus. Dienes ha influenzato notevolmente questi artisti affinché integrassero elementi di vita, filosofia Zen, metodologie di creazione artistica performativa ed "eventi", eseguiti attraverso approcci sia premeditati che spontanei.

Process Art

L'arte di processo designa un movimento artistico in cui il risultato finale dell'arte e dell'artigianato, in particolare l'oggetto d'arte (che comprende sia le opere d'arte che gli oggetti trovati), non è l'enfasi principale. Invece, il processo creativo stesso – che coinvolge attività come raccogliere, ordinare, collazionare, associare, modellare e avviare azioni e procedimenti – è considerato fondamentale. I praticanti dell'arte processuale consideravano la creazione artistica come una forma genuina di espressione umana. Il movimento presuppone che l’atto stesso di creare un’opera d’arte possa costituire un’opera d’arte a sé stante. L'artista Robert Morris ha in particolare dato priorità all'"anti-forma", al processo e al tempo rispetto a un prodotto finito definitivo e basato su oggetti.

Succede

Secondo Wardrip-Fruin e Montfort in The New Media Reader, "Il termine 'Happening' è stato usato per descrivere molti spettacoli ed eventi, organizzati da Allan Kaprow e altri durante gli anni '50 e '60, tra cui una serie di produzioni teatrali tradizionalmente sceneggiate e che richiedevano solo un'interazione limitata con il pubblico." Un happening fornisce agli artisti una piattaforma per esplorare il movimento corporeo, l'audio registrato, i testi parlati e scritti e gli elementi olfattivi. I primi contributi di Allan Kaprow includono Happenings in the New York Scene, pubblicato nel 1961. Gli avvenimenti di Kaprow trasformarono i membri del pubblico in partecipanti attivi o interpreti. Spesso gli spettatori diventavano inavvertitamente parte integrante dello spettacolo. Notevoli creatori di happening includono Jim Dine, Al Hansen, Claes Oldenburg, Robert Whitman e Wolf Vostell, il cui lavoro include Theater is in the Street (Parigi, 1958).

Artisti principali

Le performance artistiche create dopo il 1968 riflettevano spesso il panorama politico e culturale di quell'anno. Barbara T. Smith, con la sua opera Ritual Meal del 1969, fu una figura d'avanguardia nell'arte femminista corporea e scenica degli anni '70, un movimento che comprendeva anche Carolee Schneemann e Joan Jonas. Questi artisti, insieme a Yoko Ono, Joseph Beuys, Nam June Paik, Wolf Vostell, Allan Kaprow, Vito Acconci, Chris Burden, Dennis Oppenheim e membri del collettivo spagnolo Zaj come Esther Ferrer e Juan Hidalgo, sono stati pionieri nell'esplorazione del rapporto tra body art e performance art.

Barbara Smith è un'artista e attivista americana, riconosciuta come una delle principali sostenitrici afroamericane del femminismo e dell'attivismo LGBT negli Stati Uniti. All'inizio degli anni '70, ha lavorato come educatrice, scrittrice e sostenitrice del movimento del femminismo nero. Negli ultimi cinque anni ha insegnato in numerosi college e università. I saggi, le recensioni, gli articoli, i racconti e le critiche letterarie di Smith sono apparsi in una serie di pubblicazioni, tra cui The New York Times, The Guardian, The Village Voice e The Nation.

Carolee Schneemann è stata un'artista visiva sperimentale americana, nota per le sue opere multimediali che esplorano il corpo, la narrativa, la sessualità e il genere. I suoi pezzi più importanti includono Meat Joy (1964) e Interior Scroll (1975). Schneemann considerava il suo corpo come una superficie fondamentale per i suoi sforzi artistici, descrivendosi come "una pittrice che ha lasciato la tela per attivare lo spazio reale e il tempo vissuto".

Joan Jonas (nata il 13 luglio 1936) è un'artista visiva americana e una pioniera della video e della performance art, riconosciuta come una delle artiste più significative emerse tra la fine degli anni '60 e l'inizio degli anni '70. I suoi progetti ed esperimenti fondamentali hanno fornito la base per molte delle successive performance artistiche video, con la sua influenza che si estende anche all'arte concettuale, al teatro e ad altri media visivi. Jonas attualmente vive e lavora a New York e in Nuova Scozia, Canada. Immersa nella scena artistica del centro di New York negli anni '60, studiò per due anni con la coreografa Trisha Brown e collaborò anche con i coreografi Yvonne Rainer e Steve Paxton.

Yoko Ono fu una figura di spicco dei movimenti d'avanguardia e Fluxus degli anni '60. È particolarmente apprezzata per le sue performance artistiche della fine degli anni '60, come Cut Piece, in cui i visitatori erano invitati a interagire con il suo corpo tagliando via i suoi vestiti. Un'altra delle sue opere degne di nota è Wall piece for orchestra (1962).

Joseph Beuys è stato un artista tedesco riconosciuto per il suo contributo a Fluxus, eventi, performance art, pittura, scultura, design di medaglie e installazioni artistiche. Il suo impegno con il movimento neodadaista Fluxus iniziò nel 1962, di cui successivamente diventò un membro fondamentale. Un aspetto significativo della sua eredità è stata la socializzazione dell'arte, con l'obiettivo di migliorarne l'accessibilità a un pubblico più ampio. Nella sua performance del 1965 How to Explain Pictures to a Dead Hare, Beuys si coprì il viso con miele e foglie d'oro mentre spiegava la sua opera d'arte a una lepre defunta cullata tra le sue braccia. Quest'opera integra elementi spaziali, scultorei, linguistici e sonori con la presenza fisica e i gesti dell'artista, incarnando la coscienza di un comunicatore che si rivolge a un destinatario animale. Beuys adottava spesso la personalità di uno sciamano, credendo di possedere poteri curativi e salvifici per una società che percepiva come moribonda. Nel 1974, eseguì la performance I Like America and America Likes Me, che coinvolse Beuys, un coyote, e materiali come carta, feltro e paglia. Ha convissuto con il coyote per tre giorni, durante i quali ha accumulato giornali degli Stati Uniti, simbolo del capitalismo. Nel corso del tempo, si sviluppò un certo grado di tolleranza reciproca tra Beuys e il coyote, culminando nell'abbraccio dell'artista da parte dell'artista. Beuys spesso incorporava elementi ricorrenti nelle sue opere. I suoi oggetti differivano dai readymade di Duchamp non per la loro natura umile o effimera, ma perché erano parte integrante della vita personale di Beuys, essendo stati impregnati delle sue esperienze e dei suoi segni. Molti di questi elementi, come il miele o il grasso associato ai tartari sopravvissuti alla seconda guerra mondiale, avevano un significato autobiografico. Nel 1970 crea il suo Tuto in feltro. Nello stesso anno Beuys insegna scultura alla Kunstakademie Düsseldorf. Una retrospettiva del suo lavoro dagli anni Quaranta al 1970 è stata esposta al Museo Solomon R. Guggenheim di New York nel 1979.

Nam June Paik, artista sudcoreano di performance, composizione e video, è stato famoso durante la seconda metà del XX secolo. Ha proseguito gli studi di musica e storia dell'arte presso l'Università di Tokyo. Nel 1956 si trasferì in Germania, dove studiò inizialmente teoria musicale a Monaco prima di continuare la sua formazione al Conservatorio di Friburgo a Colonia. Durante i suoi studi tedeschi, Paik incontrò figure importanti come i compositori Karlheinz Stockhausen e John Cage, insieme agli artisti concettuali Sharon Grace, George Maciunas, Joseph Beuys e Wolf Vostell. Dal 1962 partecipa attivamente a Fluxus, un movimento artistico sperimentale. Successivamente Paik si impegnò con questo movimento neo-dadaista, Fluxus, che trasse ispirazione dall'incorporazione di suoni e rumori quotidiani nelle sue composizioni musicali da parte di John Cage. Come membro di Fluxus, mantenne uno stretto legame con Yoko Ono.

Wolf Vostell, un artista tedesco, emerse come una figura altamente rappresentativa durante la seconda metà del XX secolo. La sua pratica artistica diversificata comprendeva un'ampia gamma di media e tecniche, tra cui pittura, scultura, installazione, decollage, video arte, avvenimenti e Fluxus.

Vito Acconci è stato un influente artista americano rinomato per il suo lavoro nel campo delle performance, dei video e delle installazioni artistiche, la cui pratica espansiva si è successivamente estesa alla scultura, alla progettazione architettonica e alla progettazione del paesaggio. Le sue performance seminali e la sua videoarte si distinguevano per i temi del "disagio esistenziale", dell'esibizionismo, del disagio, della trasgressione e della provocazione, spesso abbinati all'arguzia e all'audacia. Questo lavoro ha spesso sfidato i confini convenzionali, come quelli tra pubblico e privato, consensuale e non consensuale, tra il mondo reale e il mondo dell’arte. L'opera di Acconci è riconosciuta per la sua influenza su artisti tra cui Laurie Anderson, Karen Finley, Bruce Nauman e Tracey Emin. Inizialmente attratto dalla poesia radicale, Acconci spostò la sua attenzione verso la fine degli anni '60 per creare performance influenzate dal situazionismo. Queste opere, spesso allestite in spazi pubblici o per un pubblico intimo, indagavano il corpo e la sua interazione con gli ambienti pubblici. Tra i suoi pezzi più celebri ci sono Following Piece (1969), in cui selezionava casualmente e seguiva i pedoni per le strade di New York per lunghi periodi, e Seedbed (1972), un'installazione alla Sonnabend Gallery in cui presumibilmente si masturbava sotto un pavimento temporaneo mentre i visitatori camminavano sopra e ascoltavano le sue vocalizzazioni.

Chris Burden era un artista americano la cui pratica comprendeva performance, scultura e installazioni artistiche. Ha guadagnato importanza negli anni '70 per le sue opere d'arte, in particolare Shoot (1971), un atto in cui ha fatto in modo che un socio gli sparasse al braccio con un fucile di piccolo calibro. Burden, un artista prolifico, ha prodotto numerose installazioni, opere d'arte pubbliche e sculture rinomate prima della sua scomparsa nel 2015. Il suo impegno con la performance art è iniziato nei primi anni '70, segnato da una serie di opere controverse incentrate sul concetto di pericolo personale come forma di espressione artistica. La sua performance inaugurale, Five Day Locker Piece (1971), concepita per la sua tesi di master presso l'Università della California, Irvine, prevedeva la sua reclusione in un armadietto per cinque giorni.

Dennis Oppenheim era un artista americano riconosciuto per i suoi contributi all'arte concettuale, alla performance art, all'arte della terra, alla scultura e alla fotografia. I primi sforzi artistici di Oppenheim costituirono un'indagine epistemologica sull'essenza, la creazione e la definizione dell'arte, manifestandosi come meta-arte. Questo approccio è emerso da un’espansione delle strategie minimaliste per incorporare considerazioni sul sito e sul contesto. Al di là dei suoi obiettivi estetici, il suo lavoro si è evoluto dall'esame degli attributi fisici dello spazio della galleria all'affrontare contesti sociali e politici più ampi. Durante gli ultimi due decenni della sua prolifica carriera, la variegata produzione di Oppenheim, che occasionalmente sfidò la critica, prese prevalentemente la forma di scultura pubblica permanente.

Yayoi Kusama è un artista giapponese la cui vasta carriera ha abbracciato una vasta gamma di media, tra cui scultura, installazione, pittura, performance, film, moda, poesia, narrativa e altre forme artistiche. Una parte significativa del suo lavoro dimostra un profondo interesse per la psichedelia, la ripetizione e gli schemi. Kusama è riconosciuta come una pioniera dei movimenti Pop Art, Minimalismo e Arte Femminista e ha influenzato contemporanei come Andy Warhol e Claes Oldenburg. È ampiamente riconosciuta come una delle artiste viventi più significative del Giappone e una voce di grande rilievo nell'arte d'avanguardia.

anni '70

Durante gli anni '70, gli artisti le cui pratiche avevano precedentemente incorporato elementi di performance art la stabilirono sempre più come disciplina primaria. Questa evoluzione ha portato alla creazione di installazioni attraverso performance, performance video o azioni collettive, spesso contestualizzate in specifici quadri socio-storici e politici.

Prestazioni video

All'inizio degli anni '70, l'integrazione del video nella performance artistica si era consolidata. Le mostre di artisti come Joan Jonas e Vito Acconci, ad esempio, presentavano opere composte interamente da video, spesso attivate da precedenti processi performativi. Durante questo decennio, diverse pubblicazioni, tra cui Expanded Cinema di Gene Youngblood, esplorarono l'utilizzo dei mezzi di comunicazione, video e cinema da parte degli artisti performativi. Un artista fondamentale in questo ambito è il sudcoreano Nam June Paik, celebre per le sue innovative installazioni audiovisive. Il percorso artistico di Paik è iniziato nei primi anni '60 all'interno del movimento Fluxus, portando successivamente al suo sviluppo come artista multimediale e alla creazione delle sue iconiche installazioni audiovisive.

Anche il lavoro di video-performance di Carolee Schneemann e Robert Whitman degli anni '60 merita di essere preso in considerazione. Entrambi gli artisti furono pionieri della performance art, determinanti nella sua affermazione come forma d'arte indipendente all'inizio degli anni '70.

Joan Jonas iniziò a incorporare video nelle sue performance sperimentali nel 1972, in concomitanza con Bruce Nauman, che mise in scena appositamente i suoi spettacoli per la registrazione video diretta. Nauman, un artista multimediale americano, ha diversificato e avanzato in modo significativo il discorso culturale dagli anni '60 attraverso le sue sculture, video, opere grafiche e performance. Le sue opere, spesso inquietanti, sottolineano l'essenza concettuale dell'arte e del processo creativo, dando priorità al concetto sottostante e al processo di creazione rispetto al prodotto finale. La sua pratica artistica utilizza una vasta gamma di materiali, spesso incorporando il suo stesso corpo.

Gilbert & George, composto dall'artista italiano Gilbert Proesch e dall'artista inglese George Passmore, sono rinomati per il loro contributo all'arte concettuale, alla performance art e alla body art. Hanno ottenuto riconoscimenti significativi per le loro esibizioni di "sculture viventi". Uno dei primi lavori degni di nota è stato The Singing Sculpture, in cui gli artisti cantavano e ballavano "Underneath the Arches", una canzone degli anni '30. Successivamente si guadagnarono una solida reputazione come "sculture viventi", presentandosi come opere d'arte esposte davanti al pubblico per periodi variabili. Tipicamente, appaiono in giacca e cravatta, adottando posture statiche per lunghi periodi, anche se occasionalmente incorporano movimento, recitazione di testi o si integrano in assemblee e installazioni più grandi. Al di là del loro lavoro scultoreo, Gilbert & George hanno prodotto opere pittoriche, collage e fotomontaggi. Questi spesso presentano gli artisti accanto a vari oggetti del loro ambiente immediato, incorporando riferimenti alla cultura urbana e affrontando temi potenti come il sesso, la razza, la morte e l'HIV, la religione e la politica, spesso criticando il governo britannico e le strutture di potere consolidate. Tra le loro imprese più prolifiche e ambiziose c'è Jack Freak Pictures, caratterizzata dalla presenza pervasiva dei colori rosso, bianco e blu della Union Jack. Gilbert & Il lavoro di George è stato esposto a livello globale in istituzioni come lo Stedelijk van Abbemuseum di Eindhoven (1980), la Hayward Gallery di Londra (1987) e la Tate Modern (2007). Hanno anche partecipato alla Biennale di Venezia e hanno vinto il Turner Prize nel 1986.

Arte dell'endurance

La performance art di resistenza indaga temi quali stati di trance, dolore fisico, solitudine, limitazione della libertà, isolamento sociale ed estremo esaurimento. Le performance che si estendono per durate prolungate sono spesso classificate come opere di lunga durata. Chris Burden, una figura di spicco in questo genere artistico, è stato il pioniere di questo approccio nel corso degli anni '70. Tra i suoi lavori più importanti, Five Day Locker Piece (1971) prevedeva la sua reclusione all'interno di un armadietto scolastico per cinque giorni; in Shoot (1971), ha subito una ferita da arma da fuoco; e per Bed Piece (1972), rimase a letto in una galleria d'arte per ventidue giorni consecutivi. Tehching Hsieh rappresenta un altro importante artista di resistenza. Nella sua performance del 1980-1981, Time Clock Piece, Hsieh si documentò ogni ora per un anno intero fotografandosi accanto a un orologio nel suo studio. Hsieh è anche riconosciuto per i suoi lavori che esplorano la privazione della libertà, in particolare per aver trascorso un anno intero in reclusione. Bryan Lewis Saunders è un altro praticante di prestazioni di lunga durata; il suo progetto in corso, Under the Influence (1995-oggi), prevede la produzione di autoritratti quotidiani sperimentando stati di percezione alterati. Inoltre, in 30 Days Totally Blind (2018), ha sopportato un mese di completa cecità autoimposta, durante il quale ha mantenuto la pratica quotidiana dell'autoritratto. Marina Abramović, in La casa con vista sull'oceano (2003), ha vissuto dodici giorni di vita silenziosa senza sostentamento. "The Nine Confinements" o "The Deprivation of Liberty" costituisce una serie di performance concettuali di resistenza dell'artista Abel Azcona, eseguite tra il 2013 e il 2016, in cui ogni pezzo esamina la limitazione illegittima della libertà.

Dimensioni politiche della performance art

Durante la metà degli anni '70, le arti sceniche sperimentali proliferarono in importanti città dell'Europa orientale dietro la cortina di ferro, tra cui Budapest, Cracovia, Belgrado, Zagabria e Novi Sad. In opposizione ai controlli politici e sociali prevalenti, numerosi artisti hanno sviluppato opere performative con temi politici espliciti. Le serie di performance di Orshi Drozdik, Individual Mythology (1975–77) e NudeModel (1976–77), esemplificano questa tendenza. I suoi interventi artistici criticavano costantemente il discorso patriarcale prevalente nell’arte e sfidavano i programmi di emancipazione imposti dallo stato, che erano essi stessi radicati nelle strutture patriarcali. Il lavoro di Drozdik ha dimostrato una prospettiva femminista pionieristica su questi temi, affermandola come un significativo precursore dell'arte critica nell'Europa orientale. La natura effimera della performance art ha contribuito alla sua forte presenza all'interno delle avanguardie dell'Europa orientale durante gli anni '70, in particolare in Polonia e Jugoslavia, dove decine di artisti si sono impegnati in esplorazioni concettuali e critiche del corpo umano.

L'Altro

A metà degli anni '70, Ulay e Marina Abramović fondano il collettivo The Other ad Amsterdam. La loro collaborazione ha indagato principalmente i concetti di ego e identità artistica, dando inizio a un decennio di sforzi artistici congiunti. Entrambi gli artisti condividevano l'interesse per il proprio patrimonio culturale e il desiderio umano per le pratiche rituali. All'interno di L'Altro, hanno adottato un aspetto e un comportamento unificati, favorendo un rapporto di profonda fiducia. Le loro opere spesso coinvolgevano i loro corpi creando spazi interattivi per il pubblico. Ad esempio, in Relation in Space, correvano per una stanza, incarnando due figure planetarie, fondendo le energie maschili e femminili in una terza entità che chiamavano "quel sé". In Relation in Movement (1976), i due guidarono la loro auto all'interno di un museo, completando 365 giri. Un liquido nero gocciolava dal veicolo, formando una scultura, dove ogni rotazione simboleggiava un anno. Successivamente, hanno creato Breathing In/Breathing Out, una performance in cui univano le labbra, inspirando l'uno il respiro espirato dell'altro fino all'esaurimento dell'ossigeno. Esattamente 17 minuti dopo l'inizio della performance, entrambi gli artisti hanno perso conoscenza a causa dell'accumulo di anidride carbonica nei polmoni. Questo pezzo ha esplorato il concetto della capacità di un individuo di assorbire, trasformare e potenzialmente diminuire la vitalità di un altro. Nel 1988, dopo diversi anni di rapporto teso, Abramović e Ulay decisero di concludere il loro lavoro collettivo con un viaggio spirituale. Hanno attraversato la Grande Muraglia Cinese, iniziando dalle estremità opposte e incontrandosi a metà strada. Abramović ha immaginato questa passeggiata in sogno, percependola come il culmine appropriato e romantico della loro relazione, caratterizzata da misticismo, energia e attrazione reciproca. Ulay ha iniziato il suo viaggio nel deserto del Gobi, mentre Abramović è partito dal Mar Giallo. Ogni artista ha percorso 2.500 chilometri, si è riunito al centro e si è salutato.

Artisti di spicco

Nel 1973, Laurie Anderson si esibì Duets on Ice per le strade di New York. Allo stesso tempo, la performance di Marina Abramović Rhythm 10 affrontava concettualmente la violazione corporea. Tre decenni dopo, i temi dello stupro, della vergogna e dello sfruttamento sessuale furono riesaminati nelle opere di artisti contemporanei tra cui Clifford Owens, Gillian Walsh, Pat Oleszko e Rebecca Patek. Gli artisti pionieristici, attraverso le loro azioni radicali, si sono affermati come figure chiave nella performance art. Ne sono un esempio il lavoro Shoot di Chris Burden del 1971, in cui un assistente gli spara al braccio da cinque metri di distanza, e Seedbed di Vito Acconci dello stesso anno. Eye Body (1963) di Carolee Schneemann era già stato riconosciuto come uno dei primi prototipi della performance art. Nel 1975, Schneemann esplorò ulteriormente performance soliste innovative, come Interior Scroll, che utilizzava il corpo femminile come mezzo artistico.

Gina Pane, un'artista francese di origine italiana, era una figura di spicco nella performance art. Ha proseguito gli studi presso l'École nationale supérieure des Beaux-Arts di Parigi dal 1960 al 1965 e ha partecipato attivamente al movimento artistico francese degli anni '70 noto come "Art Corporel". Contemporaneamente alla sua pratica artistica, Pane ha insegnato all'École des Beaux-Arts di Mans dal 1975 al 1990 e ha diretto un atelier dedicato alla performance art al Centre Pompidou dal 1978 al 1979. Tra le sue opere più riconosciute c'è The Conditioning (1973), in cui giaceva su un letto a molle di metallo posizionato sopra candele accese. Questo pezzo è stato successivamente eseguito nuovamente come omaggio a Marina Abramović, formando parte dei suoi Seven Easy Pieces (2005) al Solomon R. Guggenheim Museum di New York City. Una parte significativa dell'opera di Pane è caratterizzata dal dolore autoinflitto, distinguendola da molte altre artiste degli anni '70. Attraverso atti come tagliarsi la pelle con rasoi o spegnere le fiamme con le mani e i piedi nudi, Pane mirava a provocare un'esperienza reale nello spettatore, suscitando una risposta viscerale al disagio. La natura di grande impatto di queste prime performance, o "azioni" come preferiva chiamarle, spesso metteva in ombra il suo prolifico lavoro fotografico e scultoreo. Ciononostante, il corpo è rimasto il tema centrale nell'arte di Pane, sia esso esplorato letteralmente o concettualmente.

Gli anni '80

Tecniche di performance artistica

La caratteristica iniziale della performance art, prima degli anni '80, era la demistificazione del virtuosismo. Tuttavia, a partire dagli anni ’80, la disciplina cominciò a incorporare elementi di eccellenza tecnica. Sally Banes, critica di danza, osserva questo cambiamento nel suo commento al lavoro di Philip Auslander, Presence and Resistance. Banes osserva che verso la fine degli anni '80 la performance art aveva ottenuto un riconoscimento così diffuso che una definizione esplicita divenne superflua. La cultura di massa, in particolare la televisione, forniva sempre più sia strutture strutturali che contenuti tematici per gran parte della performance artistica. Inoltre, diversi artisti, tra cui Laurie Anderson, Spalding Gray, Eric Bogosian, Willem Dafoe e Ann Magnuson, sono passati con successo all'intrattenimento tradizionale. Durante questo decennio furono stabiliti i parametri specifici e le metodologie tecniche volte ad affinare e perfezionare la performance artistica.

Analisi critica e indagine accademica sulla performance art

Sebbene numerose performance si svolgano all'interno dei confini di una comunità specializzata del mondo dell'arte, Roselee Goldberg sottolinea in Performance Art: From Futurism to the Present che "la performance è stata un modo per attrarre direttamente un vasto pubblico, oltre a scioccare il pubblico spingendolo a rivalutare le proprie nozioni di arte e la sua relazione con la cultura". Al contrario, l’impegno del pubblico con il mezzo, in particolare durante gli anni ’80, sembrava avere origine dal desiderio di accedere al mondo dell’arte, osservarne i rituali e la comunità unica e incontrare le presentazioni costantemente non convenzionali e sorprendenti degli artisti. Questo decennio ha visto anche la proliferazione di pubblicazioni e antologie dedicate alla performance art e ai suoi esponenti più importanti.

Performance art all'interno di un quadro politico

Il clima politico degli anni '80 ha influenzato in modo significativo lo sviluppo artistico, in particolare nell'ambito della performance art, dato che quasi tutte le opere che incorporavano un discorso critico e politico erano situate all'interno di questa disciplina. Prima della dissoluzione del blocco orientale europeo alla fine degli anni ’80, la maggior parte dei governi comunisti sopprimevano attivamente la performance artistica. Con le notevoli eccezioni di Polonia e Jugoslavia, la performance artistica era ampiamente vietata nelle nazioni in cui le riunioni pubbliche indipendenti erano viste con sospetto. Nella Repubblica Democratica Tedesca (RDT), in Cecoslovacchia, Ungheria e Lettonia, tali spettacoli erano confinati in appartamenti privati, riunioni di artisti apparentemente spontanee, ambienti supervisionati dalla chiesa o mascherati da altre attività, come servizi fotografici. Distaccate dai quadri concettuali occidentali, queste performance in contesti diversi spaziavano da proteste giocose a critiche toccanti, impiegando metafore sovversive per articolare l’opposizione alle condizioni politiche prevalenti. Tra le opere d'arte performative più importanti a sfondo politico di quest'epoca c'era Art/Life: One Year Performance (Rope Piece) di Tehching Hsieh, eseguita tra luglio 1983 e luglio 1984.

Performance Poesia

I termini "poesia" e "performance" furono uniti per la prima volta nel 1982. La performance poetry emerse come una categoria distinta per differenziare le presentazioni vocali incentrate sul testo dalla performance artistica più ampia, in particolare dal lavoro di artisti di performance scenica e musicale come Laurie Anderson, che incorporò la musica nella sua pratica durante quel periodo. I poeti della performance in genere enfatizzavano l’espressione retorica e filosofica all’interno della loro poetica più pesantemente degli artisti della performance, che spesso provenivano da discipline di arte visiva come la pittura e la scultura. A partire dal lavoro pionieristico di John Cage, numerosi artisti hanno integrato la performance con una sensibilità poetica fondamentale.

Performance artistica femminista

Il Feminist Studio Workshop, situato all'interno del Woman's Building a Los Angeles, ha influenzato in modo significativo la crescente ondata di azioni artistiche femministe a partire dal 1973; tuttavia, una completa integrazione tra femminismo e arte performativa non si materializzò pienamente fino al 1980. La convergenza di questi due ambiti avanzò considerevolmente nel corso del decennio successivo. In particolare, molte opere create durante i primi due decenni di sviluppo della performance art, sebbene non originariamente concettualizzate come femministe, sono ora interpretate retrospettivamente attraverso una lente femminista.

Gli artisti non si identificarono esplicitamente come femministi fino al 1980. Importanti gruppi di artisti presentavano donne significativamente influenzate sia dal movimento studentesco del 1968 che dal movimento femminista più ampio. La ricerca storica dell’arte contemporanea ha ampiamente esplorato questa interrelazione. Tra le figure chiave che hanno fornito contributi innovativi a rappresentazioni artistiche e mostre figurano Pina Bausch e le Guerrilla Girls, un collettivo artistico anonimo femminista e antirazzista formatosi a New York City nel 1985. Il loro soprannome scelto rifletteva il loro uso di tattiche di guerriglia nell'attivismo, impiegando arte politica e performance per denunciare la discriminazione contro le donne nel mondo dell'arte. Le performance iniziali prevedevano l'affissione di poster e la conduzione di apparizioni pubbliche nei musei e nelle gallerie di New York, affrontando in modo critico la discriminazione di genere e razziale. Queste azioni sono state eseguite in modo anonimo, con i membri che nascondevano la propria identità dietro maschere da gorilla, una scelta che fa riferimento alla somiglianza fonetica tra "gorilla" e "guerrilla". Come pseudonimi adottarono i nomi di artiste decedute. Tra gli anni Settanta e Ottanta, opere significative che sfidano le strategie rappresentative convenzionali sono spesso incentrate sul corpo femminile. Gli esempi includono i pezzi newyorkesi di Ana Mendieta, che raffigurano il corpo violato e abusato, e le rappresentazioni artistiche di Louise Bourgeois, caratterizzate da un discorso minimalista emerso alla fine degli anni '70 e '80. In particolare, i lavori che esplorano la corporeità femminile e femminista, come le azioni performative falliche di Lynda Benglis, miravano a ricostruire l'immagine femminile oltre la mera feticizzazione. La performance art femminista ha così trasformato il corpo in un luogo cruciale per lo sviluppo di nuovi discorsi e interpretazioni. Eleanor Antin, artista attiva negli anni '70 e '80, ha esplorato temi di genere, razza e classe. Cindy Sherman, dai suoi primi lavori negli anni '70 fino alla maturità artistica negli anni '80, ha mantenuto un approccio critico volto a sovvertire il sé imposto, utilizzando il corpo come oggetto di indagine privilegiata.

Cindy Sherman è una fotografa e artista americana. Riconosciuta come una delle artiste più influenti del dopoguerra, il suo lavoro che copre oltre tre decenni è stato esposto al Museum of Modern Art (MoMA). Sebbene sia presente nella maggior parte delle sue fotografie performative, non le classifica come autoritratti. Sherman utilizza la propria immagine come canale per esplorare una vasta gamma di temi contemporanei, inclusi i ruoli sociali delle donne, la loro rappresentazione nei media e la natura fondamentale della creazione artistica. Nel 2020, ha ricevuto il Wolf Prize in Arts.

Judy Chicago è un'artista americana e una figura pionieristica nell'arte femminista e performativa. Chicago è rinomata per le sue installazioni artistiche collaborative su larga scala, che esplorano i temi della nascita e della creazione per esaminare il ruolo delle donne nella storia e nella cultura. Durante gli anni '70, Chicago istituì il primo programma artistico femminista negli Stati Uniti. La sua pratica artistica integra diverse competenze, come il cucito, spesso giustapposte a tecniche ad alta intensità di lavoro come la saldatura e gli articoli pirotecnici. L'opera più celebre di Chicago è The Dinner Party, installata permanentemente presso l'Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art all'interno del Brooklyn Museum. The Dinner Party commemora le conquiste storiche delle donne ed è ampiamente considerata la prima opera d'arte epica femminista. Altri progetti degni di nota includono International Honor Quilt, The Birth Project, Powerplay, e The Holocaust Project.

Il collettivo artistico lesbico canadese Kiss & Tell, composto da Persimmon Blackbridge (nato nel 1951), Lizard Jones (nato nel 1961) e Susan Stewart (nato nel 1952), integra il femminismo queer nella loro pratica creativa, che comprende una vasta gamma di performance artistiche. Le loro esibizioni prevedevano monologhi, confessionali e aneddoti divertenti, trasmessi attraverso una miscela di narrazione, fotografia, video e musica per coinvolgere e connettersi con il pubblico. Bacio & Tell ha tratto ispirazione da vari artisti, tra cui Emmy Hennings, Carolee Schneemann, Martha Rosler e le Guerrilla Girls.

Espansione in America Latina.

Durante questo decennio, la performance art si espanse in America Latina, principalmente facilitata da workshop e programmi offerti da università e istituzioni accademiche. Il suo sviluppo è stato particolarmente notevole in Messico, Colombia, con artisti come Maria Teresa Hincapié, Brasile e Argentina.

Ana Mendieta, artista concettuale e performativa nata a Cuba e cresciuta negli Stati Uniti, ha ottenuto un riconoscimento significativo per le sue installazioni di land art e le sue performance. Inizialmente, l'opera di Mendieta fu riconosciuta principalmente all'interno della critica d'arte femminista. Tuttavia, negli anni successivi alla sua morte, in particolare dopo la retrospettiva del Whitney Museum of American Art del 2004 e quella della Haywart Gallery di Londra del 2013, è stata ampiamente riconosciuta come una figura pionieristica nella performance art, body art, land art, scultura e fotografia. Mendieta ha caratterizzato la sua pratica artistica distintiva come arte del corpo terrestre.

Tania Bruguera è un'artista cubana la cui pratica è specializzata in performance art e arte politica, interpretando principalmente temi politici e sociali. Ha concettualizzato la "conduct art" per delineare pratiche artistiche che esplorano i confini del linguaggio e del corpo in relazione alla reazione e al comportamento del pubblico. Inoltre, Bruguera ha introdotto il concetto di "arte utile", che mira a istigare trasformazioni in specifiche dimensioni politiche e giuridiche della società. Il suo lavoro affronta spesso temi di potere e controllo, con una parte sostanziale che esamina criticamente le condizioni contemporanee nella sua nativa Cuba. Nel 2002 ha fondato la Cátedra Arte de Conducta all'Avana.

Regina José Galindo è una performance artist guatemalteca il cui lavoro si distingue per il suo esplicito contenuto politico e critico, utilizzando il proprio corpo come strumento di confronto e trasformazione sociale. La sua traiettoria artistica è stata profondamente influenzata dalla guerra civile guatemalteca (1960-1996), un conflitto che ha provocato il genocidio di oltre 200.000 persone, tra cui un numero significativo di indigeni, agricoltori, donne e bambini. Attraverso la sua arte, Galindo critica la violenza, il sessismo (con il femminicidio come tema principale), gli standard di bellezza occidentali, la repressione statale e l'abuso di potere, in particolare nel suo contesto nazionale, sebbene il suo discorso artistico trascenda i confini geografici. Inizialmente, utilizzava esclusivamente il suo corpo come mezzo, a volte spingendolo a situazioni estreme, come in Himenoplasty (2004), una performance che prevedeva la ricostruzione dell'imene che le è valsa il Leone d'Oro alla Biennale di Venezia. Successivamente, ha iniziato a coinvolgere volontari o partecipanti assunti, rinunciando così al controllo sul risultato dello spettacolo.

Gli anni '90

Gli anni '90 hanno segnato un periodo di ridotta visibilità per la tradizionale arte performativa europea, portando molti artisti a mantenere un basso profilo. Al contrario, l’Europa orientale ha assistito a un aumento significativo della performance art. Allo stesso tempo, la performance art latinoamericana e la performance art femminista continuarono la loro espansione. La disciplina conobbe un apice anche nei paesi asiatici, dove le sue origini possono essere ricondotte alla danza Butō degli anni '50; durante questo decennio, tuttavia, subì una professionalizzazione e nuovi artisti cinesi ottennero un sostanziale riconoscimento. Quest'epoca vide anche una più ampia professionalizzazione dell'arte performativa, testimoniata da un aumento di mostre dedicate e dall'inclusione dell'arte performativa alla Biennale d'Arte di Venezia, dove diversi professionisti, tra cui Anne Imhof, Regina José Galindo e Santiago Sierra, hanno ricevuto il Leone d'Oro.

Performance in contesti politici

Con la dissoluzione del blocco sovietico, le performance artistiche precedentemente proibite iniziarono a circolare più ampiamente. Giovani artisti dell’ex blocco orientale, Russia compresa, sempre più impegnati nella performance art. Allo stesso tempo, le arti sceniche, inclusa la performance, emersero a Cuba, nei Caraibi e in Cina. Come notato dagli studiosi, "In questi contesti, la performance art è diventata una nuova voce critica con una forza sociale simile a quella dell'Europa occidentale, degli Stati Uniti e del Sud America negli anni Sessanta e all'inizio degli anni Settanta. Va sottolineato che l'ascesa della performance art negli anni '90 nell'Europa orientale, in Cina, Sud Africa, Cuba e in altri luoghi non deve essere considerata secondaria o un'imitazione dell'Occidente."

La professionalizzazione della performance art

Durante gli anni '90, la performance art ha raggiunto l'integrazione mainstream nel mondo occidentale. Diverse opere d'arte performative, che comprendono presentazioni dal vivo, documentazione fotografica e altri documenti, iniziarono ad essere incorporate in gallerie e musei, che riconobbero sempre più l'arte performativa come una disciplina artistica distinta. Tuttavia, una significativa istituzionalizzazione si verificò principalmente nel decennio successivo, quando importanti musei come la Tate Modern di Londra, il MoMA di New York City e il Centre Pompidou di Parigi iniziarono ad acquisire performance artistiche per le loro collezioni e ad organizzare ampie mostre e retrospettive. Allo stesso tempo, dagli anni '90 in poi, un numero crescente di artisti performativi ha ricevuto inviti a biennali prestigiose, tra cui la Biennale di Venezia, la Biennale di San Paolo e la Biennale di Lione.

Performance artistica in Cina

L'arte contemporanea e performativa cinese ha ottenuto un notevole riconoscimento internazionale alla fine degli anni '90, in particolare con l'invito di 19 artisti cinesi alla Biennale di Venezia. Mentre l’arte performativa in Cina si è sviluppata a partire dagli anni ’70, guidata da interessi culturali nell’arte, nel processo e nella tradizione, il suo riconoscimento più ampio è emerso dagli anni ’90 in poi. All’inizio degli anni ’90, la performance art cinese aveva già raccolto consensi all’interno della comunità artistica internazionale. A livello nazionale, è ora integrato nei programmi di educazione artistica e continua a crescere in popolarità.

Sviluppi dagli anni 2000

Prestazioni dei nuovi media

Dalla fine degli anni '90 fino agli anni 2000, numerosi artisti hanno integrato le tecnologie emergenti, tra cui il World Wide Web, i video digitali, le webcam e i media in streaming, nelle loro performance artistiche. Professionisti come Coco Fusco, Shu Lea Cheang e Prema Murthy hanno creato opere che esaminavano l'interazione tra genere, razza, colonialismo e corpo nel contesto di Internet. Allo stesso tempo, gruppi come Critical Art Ensemble, Electronic Disturbance Theatre e Yes Men hanno sfruttato le tecnologie digitali associate all'hacktivismo e all'interventismo per affrontare le preoccupazioni politiche legate al capitalismo e al consumismo contemporanei.

Durante la seconda metà degli anni 2000, sono emerse forme di performance art assistite da computer, favorendo lo sviluppo dell'arte algoritmica, dell'arte generativa e dell'arte robotica. In queste forme innovative, il computer stesso o un robot controllato dal computer assume il ruolo dell'esecutore.

Coco Fusco, artista, scrittrice e curatrice interdisciplinare cubano-americana con sede negli Stati Uniti, ha iniziato la sua carriera artistica nel 1988. La sua pratica coinvolge principalmente la performance, attraverso la quale indaga i temi dell'identità, della razza, del potere e del genere. Inoltre, la sua opera include video, installazioni interattive e scritti critici.

Performance artistica radicale

Nel corso degli anni 2000 e 2010, diversi artisti, tra cui Pussy Riot, Tania Bruguera e Petr Pavlensky, sono stati processati per i loro diversi interventi artistici.

Pussy Riot

Il 21 febbraio 2012, i membri del collettivo artistico Pussy Riot hanno organizzato una protesta contro la rielezione di Vladimir Putin entrando nella Cattedrale di Cristo Salvatore di Mosca, una chiesa ortodossa russa. All'interno, hanno eseguito canti e danze, facendo il segno della croce e inchinandosi davanti al santuario, con lo slogan "Vergine Maria, metti via Putin". La loro detenzione è avvenuta il 3 marzo. Lo stesso giorno, Maria Alyokhina e Nadezhda Tolokonnikova, identificate come membri delle Pussy Riot, sono state arrestate dalle autorità russe e accusate di vandalismo. Inizialmente, entrambi negarono l'appartenenza al gruppo e iniziarono uno sciopero della fame, protestando contro la loro incarcerazione e la separazione dai figli fino all'inizio dei processi ad aprile. Il 16 marzo, anche Ekaterina Samutsévitch, che era stata precedentemente interrogata come testimone, è stata arrestata e incriminata.

Le accuse formali, accompagnate da un atto d'accusa di 2.800 pagine, sono state depositate contro il gruppo il 5 luglio. Allo stesso tempo, sono stati informati che avevano tempo fino al 9 luglio per preparare la loro difesa. In risposta, hanno dichiarato uno sciopero della fame, sostenendo che il periodo di due giorni non era sufficiente per la preparazione della difesa. Il 21 luglio, il tribunale ha prolungato la custodia cautelare di altri sei mesi. L'Unione di Solidarietà con i Prigionieri Politici ha successivamente riconosciuto i tre detenuti come prigionieri politici. Amnesty International li ha inoltre designati come prigionieri di coscienza, citando "la gravità della risposta delle autorità russe".

Altre istanze

Dal 2012, l'artista Abel Azcona ha affrontato procedimenti legali riguardanti molte delle sue creazioni artistiche. L'azione legale più pubblicizzata è stata promossa dall'Arcivescovado di Pamplona e Tudela, che ha agito per conto della Chiesa cattolica. La Chiesa ha accusato Azcona di profanazione, blasfemia, crimini d'odio e violazione della libertà religiosa e dei sentimenti, in particolare per quanto riguarda la sua opera intitolata Amen o la pederastia. Successivamente, nel 2016, Azcona è stato accusato di glorificazione del terrorismo a causa della sua mostra Natura Morta. Questa mostra presentava performance, sculture iperrealistiche e installazioni che raffiguravano scenari di violenza, memoria storica, terrorismo e conflitti armati.

Nel dicembre 2014, Tania Bruguera è stata arrestata all'Avana, apparentemente per impedire la sua esecuzione di nuove opere d'arte orientate alla protesta. La sua performance artistica ha costantemente attirato severe critiche, portando ad accuse di incitamento alla resistenza e al disordine pubblico. Tra dicembre 2015 e gennaio 2016, Bruguera è stata nuovamente detenuta per aver orchestrato uno spettacolo pubblico nella Plaza de la Revolución dell'Avana. Il suo arresto è avvenuto insieme ad altri artisti, attivisti e giornalisti cubani coinvolti nella campagna Yo También Exijo, nata in seguito agli annunci di Raúl Castro e Barack Obama sul ripristino delle relazioni diplomatiche. Per la performance intitolata El Susurro de Tatlin #6, Bruguera ha installato microfoni e altoparlanti in Plaza de la Revolución, consentendo ai cittadini cubani di articolare le proprie prospettive sull'evoluzione del panorama politico. Questo evento ha raccolto una notevole attenzione da parte dei media internazionali, inclusa la presentazione di El Susurro de Tatlin #6 a Times Square. Inoltre, numerosi artisti e intellettuali hanno sostenuto il rilascio di Bruguera inviando una lettera aperta a Raúl Castro, firmata da migliaia di persone in tutto il mondo, chiedendo la restituzione del suo passaporto e affermando che la sua detenzione costituiva un'ingiustizia criminale, dato che la sua unica azione era quella di fornire una piattaforma per l'espressione pubblica.

Petr Pavlensky è stato arrestato nel novembre 2015 e di nuovo nell'ottobre 2017 per aver eseguito performance artistiche radicali. Si trattava di dare fuoco all'ingresso dell'edificio Lubjanka, sede del servizio di sicurezza federale russo, e successivamente a una filiale della Banca di Francia. In entrambi i casi, ha cosparso di benzina l'ingresso principale; durante la seconda esibizione ha anche spruzzato l'interno prima di accenderlo con un accendino. Di conseguenza, le porte dell'edificio hanno subito danni parziali da incendio. In entrambe le occasioni Pavlensky fu arrestato senza resistenza e accusato di dissolutezza. Nel giro di poche ore da queste azioni, sono emersi online diversi video di protesta politicamente e artisticamente carichi.

Lia Garcia, un'artista transfemminista messicana conosciuta con il nome d'arte la Novia Sirena, esplora i temi del tatto e della vulnerabilità per sottolineare le questioni della violenza di genere e dell'identità transgender. Spesso coinvolgendo ambienti site-specific, il lavoro di Garcia Proyecto 10bis (2016-2017) prevedeva una performance a El Reclusorio Norte, una prigione di Città del Messico. Vestita da quinceañera, ha ballato con i detenuti, utilizzando il tocco fisico come mezzo per sfidare le barriere istituzionali progettate per isolare le persone detenute dalla popolazione più ampia.

L'istituzionalizzazione della performance art e i suoi processi di raccolta

Dall'inizio degli anni 2000, i principali musei, istituzioni culturali e collezioni private hanno sempre più abbracciato e sostenuto la performance art. In particolare, la Tate Modern di Londra ha avviato un programma curato di arte dal vivo e performance nel gennaio 2003. Questo programma ha presentato mostre di artisti di spicco tra cui Tania Bruguera e Anne Imhof. Nel 2012, la Tate Modern ha consolidato ulteriormente questo impegno con l'inaugurazione di The Tanks, istituendo i primi spazi dedicati a performance, film e installazioni artistiche all'interno di un importante museo di arte moderna e contemporanea.

Il Museo di Arte Moderna ha ospitato una significativa retrospettiva e una ricostruzione performativa dell'opera di Marina Abramović, segnando la più grande mostra di performance art nella storia del MoMA, dal 14 al 31 marzo 2010. Questa mostra presentava oltre venti opere dell'artista, prevalentemente del periodo tra il 1960 e il 1980. Un aspetto degno di nota è stata la riattivazione di molte opere da parte di un gruppo eterogeneo di giovani artisti internazionali scelti appositamente per l'evento. In concomitanza con la mostra, Abramović ha presentato The Artist is Present, una performance statica e silenziosa di 726 ore e 30 minuti in cui è rimasta immobile nell'atrio del museo, invitando gli spettatori a sedersi di fronte a lei a turno. Quest'opera è servita come una versione aggiornata di un'opera del 1970 inclusa nella mostra, in cui Abramović aveva trascorso intere giornate accanto a Ulay, il suo partner artistico e romantico. La performance ha raccolto una notevole attenzione da parte dei media e ha attirato partecipanti famosi, tra cui Björk, Orlando Bloom e James Franco.

Nel contesto della crescente istituzionalizzazione della performance art, l'iniziativa A Performance Affair con sede a Bruxelles, co-fondata da Liv Vaisberg e Will Kerr, e il format londinese Performance Exchange, indagano entrambi sulla collezionabilità delle opere performative. Inoltre, il museo e centro culturale austriaco OÖLKG/OK, attraverso il suo format di festival discorsivo intitolato The Non-funible Body?, ha esplorato i recenti sviluppi nell'istituzionalizzazione della performance, presentato per la prima volta nel giugno 2022.

Difesa collettiva nella performance art

Nel 2014, l'opera d'arte performativa Carry That Weight, nota anche come "la performance del materasso", è stata creata dall'artista Emma Sulkowicz come parte del suo progetto di tesi sulle arti visive alla Columbia University di New York City. Lo spettacolo è iniziato nel settembre 2014, con Sulkowicz che trasportava il suo materasso attraverso il campus della Columbia University. L'artista ha concepito quest'opera per protestare contro uno stupro non affrontato anni prima nel suo dormitorio, che aveva denunciato ma non aveva ricevuto alcuna risoluzione dall'università o dalle autorità legali. Di conseguenza, si è impegnata a portare il materasso ininterrottamente per tutto il semestre fino alla cerimonia di laurea nel maggio 2015. Sebbene l'opera abbia suscitato notevoli polemiche, ha anche ricevuto il sostegno di numerosi colleghi e attivisti che periodicamente si sono uniti a Sulkowicz nel trasportare il materasso, trasformando l'opera in un atto di protesta riconosciuto a livello internazionale. Il critico d'arte Jerry Saltz ha identificato quest'opera d'arte come una delle più significative del 2014.

Nel 2019, la performance artistica collettiva A Rapist in Your Path è stata sviluppata da Lastesis, un gruppo femminista di Valparaíso, Cile. Questo lavoro è servito come manifestazione contro le violazioni dei diritti delle donne nel contesto delle proteste cilene del 2019-2020. La sua rappresentazione inaugurale ha avuto luogo il 18 novembre 2019, davanti alla Seconda Stazione di Polizia dei Carabineros de Chile a Valparaíso. Una performance successiva, che ha coinvolto 2.000 donne cilene il 25 novembre 2019, in coincidenza con la Giornata internazionale per l'eliminazione della violenza contro le donne, è stata filmata e ha raggiunto lo status virale sui social media. L'influenza della performance si è espansa a livello globale man mano che i movimenti femministi in decine di paesi l'hanno adottata e tradotta nelle proprie proteste e richieste per la cessazione e la punizione del femminicidio e della violenza sessuale, tra le altre questioni.

Riferimenti

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Archivi di arte dal vivo, Collezione teatrale dell'Università di Bristol.

• Archivi di arte dal vivo presso la Collezione teatrale dell'Università di Bristol
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