arte relazionale, nota anche come estetica relazionale, rappresenta una tendenza artistica distinta emersa negli anni '90 sotto varie denominazioni. Nel 1998, il critico d'arte francese Nicolas Bourriaud definì *esthétique relationshipnelle* (estetica relazionale) come "un insieme di pratiche artistiche che prendono come punto di partenza teorico e pratico l'insieme delle relazioni umane e il loro contesto sociale, piuttosto che uno spazio indipendente e privato". All'interno dell'arte relazionale, l'artista funziona più esattamente come un "catalizzatore" piuttosto che come un autore centrale. Pur espandendo efficacemente le considerazioni estetiche oltre le preoccupazioni individuali in un dominio sociale più ampio, la concezione di arte relazionale di Bourriaud rimane confinata alla sfera umana, riflettendo un sistema di valori umanista radicato nel modernismo. Questa prospettiva contrappone l’arte e l’estetica relazionale al suo immediato precursore, il Brooklyn Immersionism, un movimento artistico postumanista nato alla fine degli anni ’80 che ha coinvolto numerosi gruppi creativi in un impegno duraturo e trasformativo con un ecosistema urbano vivente. L'estetica di entrambi i sistemi condivideva caratteristiche con l'arte della pratica sociale e tutti e tre i movimenti traevano ispirazione dall'arte processuale degli anni '70 e dalle filosofie indigene della "rete della vita".
Etimologia
Nicolas Bourriaud ha introdotto il termine "arte relazionale" nel 1998 nel suo libro Esthétique relationshipnelle (Estetica relazionale), segnando uno dei primi tentativi di analizzare e classificare l'arte degli anni '90. La prima apparizione del termine risale al 1996, nel catalogo della mostra Traffic, curata da Bourriaud al CAPC musée d'art contemporain de Bordeaux. Traffic presentava artisti frequentemente citati da Bourriaud nel corso degli anni '90, tra cui Henry Bond, Vanessa Beecroft, Maurizio Cattelan, Dominique Gonzalez-Foerster, Liam Gillick, Christine Hill, Carsten Höller, Pierre Huyghe, Miltos Manetas, Jorge Pardo, Philippe Parreno, Gabriel Orozco, Jason Rhoades, Douglas Gordon e Rirkrit Tiravanija. Il titolo e la struttura concettuale della mostra sono stati ispirati dal film Trafic di Jacques Tati del 1971, che raffigura un designer automobilistico parigino che prepara un nuovo modello per un salone automobilistico internazionale. Un dénouement fondamentale nel film, che è diventato una strategia fondamentale per l'estetica relazionale, in particolare per Tiravanija, rivela che l'intera narrazione si concentra sul viaggio del designer verso il salone dell'auto, dove arriva proprio quando si conclude.
Estetica relazionale
Bourriaud tenta di avvicinarsi all'arte andando oltre il "rifugiarsi dietro la storia dell'arte degli anni Sessanta", proponendo invece criteri alternativi per analizzare le opere d'arte spesso ambigue e aperte prevalenti negli anni Novanta. Per raggiungere questo obiettivo, Bourriaud incorpora la terminologia del boom di Internet degli anni ’90, come facilità d’uso, interattività e fai da te (fai-da-te). Nella sua pubblicazione del 2002, Postproduzione: Cultura come sceneggiatura: come l'arte riprogramma il mondo, Bourriaud definisce l'"estetica relazionale" come sforzi artistici che hanno origine dal panorama mentale in evoluzione favorito da Internet. L’espressione interattiva e comunitaria facilitata dall’avvento del World Wide Web può essere interpretata come un’eco di antichi concetti indigeni di interconnessione e impegno ambientale. L'arte relazionale, le pratiche sociali, l'arte processuale e l'immersionismo attingono tutti alle intuizioni dei nativi americani sulla più ampia rete della natura, come articolato dal capo Seattle (Si'ahl) in un discorso del 1854:
- "Tutte le cose sono collegate come il sangue che ci unisce tutti. L'umanità non ha tessuto la rete della vita, noi ne siamo semplicemente un filo. Qualunque cosa facciamo alla rete, la facciamo a noi stessi."
Arte relazionale
Bourriaud chiarisce il concetto di estetica relazionale attraverso esempi che definisce arte relazionale. Secondo Bourriaud, l'arte relazionale comprende "un insieme di pratiche artistiche che prendono come punto di partenza teorico e pratico l'insieme delle relazioni umane e il loro contesto sociale, piuttosto che uno spazio indipendente e privato". Questo approccio artistico promuove un ambiente sociale in cui gli individui si riuniscono per impegnarsi in un’attività condivisa. Bourriaud afferma che "il ruolo delle opere d'arte non è più quello di formare realtà immaginarie e utopiche, ma di essere effettivamente modi di vivere e modelli di azione all'interno del reale esistente, qualunque sia la scala scelta dall'artista."
Robert Stam, che dirige gli studi sui nuovi media e sul cinema alla New York University, ha introdotto il concetto di "pubblico testimone" per descrivere i gruppi impegnati in attività condivise. Ha definito il pubblico testimone come "quel vasto insieme di individui, costituito da e attraverso i media, che agiscono come osservatori di ingiustizie che altrimenti potrebbero non essere denunciate o senza risposta". Nel contesto dell'arte relazionale, il significato emerge quando la percezione dell'arte viene modificata, anche se l'opera d'arte originale rimane inalterata.
L'arte relazionale concettualizza il suo pubblico come un'entità collettiva. Invece di un’opera d’arte che facilita un’interazione esclusivamente tra un osservatore e un oggetto, l’arte relazionale favorisce le interazioni tra gli individui. Di conseguenza, il significato viene costruito collettivamente attraverso queste interazioni, anziché derivare da un impegno solitario.
Ricezione critica
Ben Lewis, scrittore e regista, ha proposto che l'arte relazionale costituisca un nuovo "ismo", paragonabile a movimenti artistici storici come l'impressionismo, l'espressionismo e il cubismo. Questa estetica sistemica, che si è materializzata all'alba del 21° secolo, mostra parallelismi con l'immersionismo di Brooklyn, un movimento precedente descritto dallo storico dell'arte Cisco Bradley nel 2023 come "il prossimo stadio di evoluzione della scena artistica di New York". Data la profonda interconnessione tra immersione e relazioni, entrambi i movimenti significano collettivamente l'emergere di uno spirito eco-sociale all'interno delle arti.
Nel suo saggio del 2004 "Antagonism and Relational Aesthetics", pubblicato in ottobre, Claire Bishop ha caratterizzato l'estetica del Palais de Tokyo come un "laboratorio", che rappresenta il "modus operandi curatoriale" prevalente nell'arte degli anni '90. Bishop ha osservato che "Un effetto di questa insistente promozione di queste idee come artisti-designer, funzione rispetto alla contemplazione e apertura al fine rispetto alla risoluzione estetica è spesso in definitiva quello di migliorare lo status del curatore, che ottiene credito per la gestione scenica dell'esperienza complessiva del laboratorio. " Ha fatto eco all'avvertimento di Hal Foster della metà degli anni '90 secondo cui "l'istituzione può mettere in ombra il lavoro che altrimenti mette in risalto: diventa spettacolo, raccoglie il capitale culturale e il direttore-curatore diventa la star". Pur riconoscendo il libro di Bourriaud come uno sforzo iniziale cruciale per delineare le tendenze artistiche degli anni '90, Bishop ha anche sostenuto nello stesso saggio che tali pratiche artistiche "sembrano derivare da una lettura errata creativa della teoria poststrutturalista: piuttosto che le interpretazioni di un'opera d'arte aperte a continue rivalutazioni, si sostiene che l'opera d'arte stessa sia in perpetuo flusso". Inoltre, Bishop ha posto un'indagine critica: "se l'arte relazionale produce relazioni umane, allora la prossima domanda logica da porsi è quali tipi di relazioni vengono prodotti, per chi e perché?" Ha concluso che "le relazioni stabilite dall'estetica relazionale non sono intrinsecamente democratiche, come suggerisce Bourriaud, poiché si basano troppo comodamente all'interno di un ideale di soggettività come totalità e di comunità come unità immanente."
Un anno dopo, nel suo articolo su Artforum "Traffic Control", l'artista e critico Joe Scanlan ha avanzato la critica attribuendo un elemento distinto di pressione dei pari all'estetica relazionale. Scanlan ha affermato: "L'esperienza diretta mi ha convinto che l'estetica relazionale ha più a che fare con la pressione dei pari che con l'azione collettiva o l'egualitarismo, il che suggerirebbe che uno dei modi migliori per controllare il comportamento umano è praticare l'estetica relazionale."
Mostre
Nel 2002, Bourriaud ha organizzato una mostra intitolata Touch: Relational Art from the 1990s to Now al San Francisco Art Institute, che è stata descritta come "un'esplorazione delle opere interattive di una nuova generazione di artisti". La mostra comprendeva artisti come Angela Bulloch, Liam Gillick, Felix Gonzalez-Torres, Jens Haaning, Philippe Parreno, Gillian Wearing e Andrea Zittel. Il critico Chris Cobb ha proposto che l'"istantanea" dell'arte degli anni '90 di Bourriaud convalidasse il concetto di arte relazionale e dimostrasse "diverse forme di interazione sociale come arte che affrontano fondamentalmente questioni riguardanti lo spazio pubblico e privato."
Nel 2008, Nancy Spector, curatrice del Museo Guggenheim, ha allestito una mostra con molti artisti legati all'estetica relazionale. Tuttavia, il termine specifico "Estetica Relazionale" è stato omesso a favore del titolo dello spettacolo Theanyspacewhatever. Questa mostra ha messo in mostra figure di spicco come Bulloch, Gillick, Gonzalez-Foerster, Höller, Huyghe e Tiravanija, insieme ad altri artisti come Maurizio Cattelan, Douglas Gordon, Jorge Pardo e Andrea Zittel, che erano più vagamente associati al movimento.
La Fondazione LUMA ha presentato numerosi artisti il cui lavoro è in linea con i principi dell'estetica relazionale.
Riferimenti
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- Estratti da Estetica relazionale di Nicolas Bourriaud (Digione: les Presses du réel, 2002) in formato pdf
- Intervista con Claire Bishop, luglio 2009
- Conferenza Open Engagement 2007
- "Cos'è una pratica partecipativa?" in Fillip