Rococò, occasionalmente scritto Roccoco (rə-KOH-koh, USA anche ROH-kə-KOH; francese: [ʁɔkɔko] o [ʁokoko]), identificato anche come tardo barocco, rappresenta uno stile di architettura, arte e design di interni altamente ornato e teatrale. Questa estetica distintiva integra asimmetria, curve sinuose, dorature, una tavolozza di tonalità bianche e pastello, intricate modanature scolpite e affreschi trompe-l'œil, tutti progettati per evocare stupore e la percezione del movimento e della teatralità. Viene spesso definito la massima manifestazione dell'era barocca.
Rococò, meno comunemente Roccoco ( rə-KOH-koh, US anche ROH-kə-KOH; francese: [ʁɔkɔko] o [ʁokoko] ), noto anche come tardo barocco, è uno stile eccezionalmente ornamentale e drammatico di architettura, arte e decorazione che combina asimmetria, curve a scorrimento, doratura, colori bianchi e pastello, modanature scolpite e Affreschi trompe-l'œil per creare sorpresa e l'illusione del movimento e del dramma. Viene spesso descritto come l'espressione finale del movimento barocco.
Inizialmente chiamato "stile Rocaille", il rococò emerse in Francia negli anni Trenta del Settecento come contrappunto stilistico all'estetica più rigida e geometrica di Luigi XIV. La sua influenza si espanse rapidamente in tutta Europa, raggiungendo in particolare l'Italia settentrionale, l'Austria, la Germania meridionale, l'Europa centrale e la Russia. Inoltre, il rococò ha permeato varie discipline artistiche, tra cui la scultura, il design di mobili, l'argenteria, la vetreria, la pittura, la musica, il teatro e la letteratura. Sebbene concepito principalmente come uno stile secolare per interni residenziali privati, il rococò possedeva anche una dimensione spirituale, che portò alla sua ampia adozione nell'architettura ecclesiastica, in particolare nell'Europa centrale, in Portogallo e in Sud America.
Etimologia
Il termine rococò inizialmente emerse come un adattamento giocoso della parola rocaille, coniata da Pierre-Maurice Quays (1777–1803). Storicamente con rocaille si intendeva una tecnica decorativa che utilizzava ciottoli, conchiglie e cemento, utilizzata frequentemente fin dal Rinascimento per adornare grotte e fontane. Durante la fine del XVII e l'inizio del XVIII secolo, la rocaille si è evoluta in un motivo decorativo specifico all'interno dello stile tardo Luigi XIV, caratterizzato da una conchiglia intrecciata con foglie di acanto. Nel 1736, il designer e gioielliere Jean Mondon pubblicò Premier Livre de forme rocquaille et cartel, un compendio di progetti di mobili e decorazioni interne. Questa pubblicazione segnò l'uso stampato inaugurale del termine rocaille per denotare lo stile fiorente. Il caratteristico motivo a conchiglia intagliato o modellato era spesso integrato con foglie di palma o rampicanti sinuosi per abbellire porte, mobili, pannelli murali e vari altri componenti architettonici.
La parola rococò apparve per la prima volta nella stampa nel 1825, impiegata per caratterizzare ornamenti ritenuti "fuori moda e antiquati". Nel 1828 fu applicato a decorazioni "che appartenevano allo stile del XVIII secolo, sovraccarico di ornamenti contorti". Successivamente, nel 1829, l'autore Stendhal definì il rococò come "lo stile rocaille del XVIII secolo".
Per tutto il XIX secolo, il termine fu spesso applicato all'architettura o alla musica percepita come eccessivamente ornamentale. Tuttavia, a partire dalla metà del XIX secolo, gli storici dell’arte hanno ampiamente adottato questa designazione. Sebbene il dibattito accademico continui riguardo al preciso significato storico dello stile, il rococò è attualmente riconosciuto come un periodo distinto e influente nel percorso dell'arte europea.
Caratteristiche
Il rococò si distingue per la sua ricca ornamentazione, caratterizzata da una profusione di curve, controcurve, ondulazioni e motivi ispirati a forme naturali. Mentre gli esterni delle strutture rococò mostrano spesso semplicità, i loro interni sono straordinariamente decorati. Lo stile possedeva una qualità profondamente teatrale, meticolosamente realizzato per evocare stupore, riverenza e meraviglia fin dalla prima osservazione. Le planimetrie ecclesiastiche spesso presentavano disegni intricati, incorporando configurazioni ovali ad incastro. All'interno degli ambienti sontuosi, le grandi scalinate fungevano da punti focali, fornendo diverse prospettive sull'arredamento elaborato. Importanti elementi ornamentali rococò comprendono conchiglie asimmetriche, acanto e altro fogliame, uccelli, composizioni floreali, frutta, strumenti musicali, putti e cineserie, che includono pagode, draghi, scimmie, flora esotica e raffigurazioni di figure cinesi.
Questa estetica spesso incorporava stucchi modellati, intricati intagli in legno e quadratura—illusionistici dipinti sul soffitto—realizzati meticolosamente per creare la percezione per gli osservatori all'interno della stanza di guardando verso il cielo, con cherubini e altre figure celesti che sembrano discendere. I materiali comuni utilizzati includevano lo stucco, dipinto o lasciato nel suo stato bianco naturale; varie combinazioni di legni, tipicamente rovere, faggio o noce; Legno laccato in stile giapponese; bronzo dorato; e marmo.
Differenze tra Barocco e Rococò
Il rococò presenta le seguenti caratteristiche, generalmente assenti nel barocco:
- Un parziale allontanamento dalla rigorosa simmetria, con composizioni prevalentemente caratterizzate da linee e curve aggraziate, che ricordano l'Art Nouveau.
- Curve asimmetriche e distintive volute a forma di C.
- Abbondanti motivi floreali ornamentali, come elaborati festoni floreali.
- Lo stile incorporava occasionalmente motivi dell'Asia orientale, come Chinoiserie e Japonisme.
- Caratteristica era una tavolozza di caldi colori pastello, tra cui giallo-biancastro, crema, grigi perla e blu molto chiaro.
Francia
Originario di Parigi durante il regno di Luigi XV, lo stile Rocaille, noto anche come rococò francese, conobbe il suo apice tra il 1723 e il 1759 circa. Il rococò francese si distingue per la sua eccezionale abilità artistica e i disegni intricati con forme vegetali intrecciate come viti, foglie e fiori. Questa estetica è stata applicata in particolare nei saloni, che erano spazi innovativi concepiti per l'intrattenimento e l'impressione degli ospiti. Un esempio lampante è il salone della principessa all'interno dell'Hôtel de Soubise a Parigi, una creazione di Germain Boffrand e Charles-Joseph Natoire tra il 1735 e il 1740.
I mobili di questo periodo mostravano similmente le caratteristiche curve sinuose e motivi vegetali dello stile, particolarmente evidenti nelle elaborate cornici per specchi e dipinti, che erano scolpiti in gesso e spesso dorati. Importanti designer di mobili e artigiani di questo stile includevano Juste-Aurele Meissonier, Charles Cressent e Nicolas Pineau.
Il rococò francese non raggiunse lo stesso livello di stravaganza dei suoi omologhi in Baviera, Austria o Italia. La sua prevalenza diminuì verso la metà del XVIII secolo, quando il ritrovamento di antichità romane a Ercolano nel 1738 e a Pompei nel 1748 reindirizzarono le tendenze architettoniche francesi verso un neoclassicismo più simmetrico e sommesso.
Italia
Gli artisti italiani, soprattutto quelli veneziani, svilupparono un'interpretazione distinta dello stile rococò. I comò veneziani, ad esempio, emulavano le forme curvilinee e gli abbellimenti intagliati della Rocaille francese, ma incorporavano una caratteristica veneziana unica: erano spesso dipinti con paesaggi, motivi floreali, scene di Guardi o altri artisti, o cineserie, su sfondi blu o verdi. Questi schemi di colori si armonizzavano con la tavolozza della scuola di pittori veneziana, le cui opere adornavano i saloni locali.
Tra i pittori decorativi di spicco c'erano Giovanni Battista Crosato, noto per il suo soffitto quadraturo nella sala da ballo di Ca' Rezzonico, e Giovanni Battista Tiepolo, che eseguì soffitti e murali sia in ambienti ecclesiastici che sontuosi. Tiepolo, accompagnato dal figlio, si recò in Germania dal 1750 al 1753, dove decorò i soffitti della Residenza di Würzburg, significativo esempio di rococò bavarese. Giovanni Battista Piazzetta, un altro stimato pittore veneziano, creò diversi notevoli soffitti di chiese.
Il rococò veneziano presentava anche eccezionali vetrerie, in particolare il vetro di Murano, che veniva spesso inciso, colorato e ampiamente esportato in tutta Europa. Ciò includeva lampadari multicolori e specchi racchiusi in cornici altamente elaborate.
Germania meridionale
Lo stile decorativo rococò raggiunse il suo apice nella Germania meridionale e in Austria tra il 1730 e il 1770, dove continua a influenzare profondamente il panorama architettonico ecclesiastico e rimane profondamente radicato nella cultura popolare. La sua prima introduzione dalla Francia avvenne attraverso le pubblicazioni e le creazioni di architetti e decoratori francesi, come lo scultore Claude III Audran, l'interior designer Gilles-Marie Oppenordt, l'architetto Germain Boffrand, lo scultore Jean Mondon e il disegnatore e incisore Pierre Lepautre. Sebbene i loro contributi abbiano plasmato in modo significativo il rococò tedesco, non raggiunsero lo stesso livello di stravaganza delle strutture trovate nella Germania meridionale.
Gli architetti tedeschi reinterpretarono lo stile rococò, rendendolo considerevolmente più asimmetrico ed elaborato rispetto al suo precursore francese. L'iterazione tedesca si distingueva per una profusione di forme che sembravano scendere a cascata lungo le pareti, incorporando modanature modellate in curve e controcurve, intricati motivi tortuosi e foglie di stucco che apparentemente salivano sulle pareti e attraversavano i soffitti. Le decorazioni erano spesso dorate o argentate, fornendo un sorprendente contrasto con le pareti bianche o pastello pallido.
Tra le prime strutture rococò della Germania c'è il padiglione Amalienburg a Monaco (1734-1739), concepito dall'architetto e designer di origine belga François de Cuvilliés, che trasse ispirazione dai padiglioni del Grand Trianon e del Château de Marly in Francia. Costruito come casino di caccia, presentava una piattaforma sul tetto per la caccia ai fagiani. La sua Sala degli Specchi interna, progettata dal pittore e scultore di stucchi Johann Baptist Zimmermann, mostra un livello di elaborazione che supera notevolmente qualsiasi esempio del rococò francese.
La residenza di Würzburg (1720–1744), commissionata dal principe vescovo Johann Philipp Franz von Schönborn, esemplifica il primo rococò tedesco. Durante la sua costruzione iniziale, l'architetto di corte Balthasar Neumann si consultò con gli artisti decorativi rocaille francesi Germain Boffrand e Robert de Cotte a Parigi. Mentre l'esterno del palazzo mantiene un'estetica barocca più sobria, il suo interno, in particolare le scale e i soffitti, mostra una stravaganza significativamente maggiore. Neumann ha definito l'interno della residenza "un teatro di luce". Dal 1750 al 1753 il pittore rococò italiano Giovanni Battista Tiepolo fu incaricato di realizzare un murale sopra la scalinata cerimoniale a tre livelli. Neumann concepì anche la famosa scalinata rococò del castello di Augustusburg a Brühl (1725–1768), che guida i visitatori attraverso un'elaborata composizione di pittura, scultura e oggetti in ferro, offrendo panorami inaspettati ad ogni svolta.
Durante gli anni Quaranta e Cinquanta del Settecento, in Baviera furono erette numerose chiese di pellegrinaggio, caratterizzate da interni decorati in un distinto stile rococò. Un esempio importante è la Wieskirche (1745–1754), progettata da Dominikus Zimmermann. Coerentemente con la maggior parte delle chiese di pellegrinaggio bavaresi, il suo esterno è notevolmente sobrio, caratterizzato da pareti color pastello e ornamenti minimi. Entrando il visitatore incontra una straordinaria sintesi di elementi artistici e forme architettoniche. Il presbiterio di forma ovale, preceduto a ovest da un'anticamera semicircolare, inonda la chiesa di luce da tutte le direzioni. Le pareti bianche sono giustapposte alle colonne in stucco blu e rosa nel coro, e il soffitto a cupola è dipinto per evocare un cielo aperto attraversato dagli angeli. Altre importanti chiese di pellegrinaggio bavaresi includono la Basilica dei Quattordici Santi Ausiliatori di Balthasar Neumann (1743–1772) e l'Abbazia di Ottobeuren (1748–1766) di Johann Michael Fischer, che, come gran parte dell'architettura rococò tedesca, dimostra un sorprendente contrasto tra la regolarità della facciata e la ricca decorazione dell'interno.
Inghilterra
In Gran Bretagna, il rococò esercitò un'influenza minore sul design e sulle arti decorative rispetto all'Europa continentale, sebbene il suo impatto fosse percepibile in settori quali l'argenteria, la porcellana e i mobili.
Per tutto l'inizio del XVIII secolo, il design dei mobili inglese aderì al paradigma neoclassico palladiano, sostenuto dal designer William Kent, che creò pezzi per Lord Burlington e altri importanti mecenati. Di conseguenza, l'adozione del rococò in Inghilterra fu graduale, apparendo per la prima volta negli anni Trenta del Settecento attraverso il contributo di artisti immigrati e rifugiati ugonotti dalla Francia, tra cui l'argentiere Paul de Lamerie. Anche l'Accademia di St Martin's Lane, fondata da William Hogarth nel 1735, svolse un ruolo cruciale nell'introdurre lo stile rococò a designer e artisti inglesi.
Lo stile rococò fiorì in Inghilterra tra il 1740 e il 1770. Per competere con i prodotti francesi importati, i designer di mobili svilupparono un caratteristico stile rococò britannico, espresso prevalentemente attraverso l'intaglio del legno. Thomas Chippendale è emerso come il più influente di questi designer; la sua pubblicazione del 1754, The Gentleman and Cabinet Maker's Director, un compendio di progetti per rococò, chinoiserie e mobili gotici, ottenne ampi consensi. A differenza dei suoi colleghi francesi, Chippendale evitava intarsi o intarsi nei suoi mobili. I principali esponenti dei mobili intarsiati furono Vile e Cob, che servirono come ebanisti al re Giorgio III. Un'altra figura significativa del mobile britannico fu Thomas Johnson, che pubblicò un catalogo di design di mobili rococò nel 1761. Questa collezione comprendeva arredi basati su fantasiosi motivi cinesi e indiani, tra cui un letto a baldacchino sormontato da una pagoda cinese, ora ospitato al Victoria and Albert Museum.
L'argentiere Charles Friedrich Kandler rappresenta un'altra figura notevole del periodo rococò britannico.
Russia
Lo stile rococò russo fu introdotto in gran parte nel corso del XVIII secolo dalle imperatrici Elisabetta e Caterina la Grande, agevolate da architetti di corte come Francesco Bartolomeo Rastrelli.
Gli sforzi architettonici di Rastrelli, esemplificati da strutture come il Palazzo d'Inverno a San Pietroburgo e il Palazzo di Caterina a Carskoe Selo, integravano numerose caratteristiche del design rococò dell'Europa occidentale. Gli interni spesso presentavano stanze opulente adornate con foglie d'oro, specchi e ampie finestre progettate per massimizzare l'illuminazione naturale. Gli esterni erano caratterizzati da tenui tonalità pastello, incorniciate da consistenti finestre con cappuccio e cornicioni, spesso incorporanti motivi rocaille come conchiglie asimmetriche e formazioni rocciose. I soffitti (plafoni) comunemente mostravano volute rococò che circondavano raffigurazioni allegoriche di divinità classiche greche e romane. La pavimentazione comprendeva spesso parquet intricato, realizzato con diversi tipi di legno per formare motivi elaborati.
Durante il XVIII secolo, anche l'architettura della chiesa ortodossa russa subì un'influenza significativa dall'estetica rococò. Ciò si manifesta spesso in una pianta quadrata a croce greca, caratterizzata da quattro ali ugualmente proporzionate. Gli esterni erano generalmente realizzati in tonalità pastello chiare, tra cui il blu e il rosa, e i campanili spesso culminavano in cupole a cipolla dorate.
Fredericiano Rococò
Il rococò federiciano rappresenta una manifestazione distinta dello stile rococò emerso in Prussia durante il regno di Federico il Grande. Sintetizzava influenze artistiche provenienti dalla Francia, da varie regioni tedesche (in particolare dalla Sassonia) e dai Paesi Bassi. L'architetto Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff è riconosciuto come il suo più importante sostenitore. Inoltre, il pittore Antoine Pesne e lo stesso re Federico contribuirono a dare forma ai concetti architettonici di Knobelsdorff. Strutture degne di nota che esemplificano lo stile federiciano comprendono il Palazzo Sanssouci, il Palazzo di Potsdam e sezioni specifiche del Palazzo di Charlottenburg.
Rifiuto e conclusione
La produzione artistica di François Boucher e dei suoi contemporanei, caratterizzata dall'attenzione alla mitologia decorativa e alla galanteria cortese, provocò presto un contromovimento a favore di contenuti tematici più "nobili". Sebbene il rococò persistesse in Germania e Austria, l'Accademia di Francia a Roma iniziò l'insegnamento in stile classico. Questo cambiamento fu sottolineato dalla nomina di Jean François de Troy a direttore dell'accademia nel 1738, seguito da Charles-Joseph Natoire nel 1751.
Madame de Pompadour, l'influente amante di Luigi XV, ebbe un ruolo nel declino dello stile rococò. Nel 1750 inviò suo fratello, Abel-François Poisson de Vandières, in una spedizione di due anni in Italia per indagare sui progressi artistici e archeologici. Era accompagnato da diversi artisti importanti, tra cui l'incisore Charles-Nicolas Cochin e l'architetto Soufflot. Al loro ritorno a Parigi, mostrarono un profondo entusiasmo per l'arte classica. Vandières divenne successivamente marchese di Marigny e fu nominato direttore generale degli Edifici del Re. Ha reindirizzato le tendenze architettoniche ufficiali francesi verso il neoclassicismo. Cochin emerse come un importante critico d'arte, condannando lo stile petit di Boucher e sostenendo un'estetica più grandiosa, enfatizzando l'antichità e la nobiltà all'interno delle accademie di pittura e architettura.
Il declino del rococò iniziò all'inizio degli anni Sessanta del Settecento, quando figure di spicco come Voltaire e Jacques-François Blondel iniziarono ad articolare critiche riguardanti la superficialità e la decadenza percepite dello stile. Blondel denunciò specificamente il "ridicolo miscuglio di conchiglie, draghi, canne, palme e piante" che si trova nei design di interni contemporanei.
Nel 1785, il rococò era caduto in disgrazia in Francia, sostituito dalla gravità strutturata sostenuta da artisti neoclassici come Jacques-Louis David. In Germania, il rococò della fine del XVIII secolo veniva deriso come Zopf und Perücke ("codino e parrucca"), una fase occasionalmente chiamata Zopfstil. Tuttavia, il rococò mantenne la popolarità in specifici stati provinciali tedeschi e in Italia fino all'avvento della seconda fase del neoclassicismo, nota come "stile impero", che emerse con i governi napoleonici e alla fine soppiantò il rococò.
Mobili e arti decorative
L'estetica ornamentale conosciuta come rocaille si sviluppò in Francia tra il 1710 e il 1750, principalmente in coincidenza con la Reggenza e il regno di Luigi XV. Questo stile veniva anche chiamato Louis Quinze. I suoi attributi distintivi includevano dettagli pittoreschi, una profusione di curve e controcurve, asimmetria intrinseca e un'opulenza teatrale. All'interno dei saloni parigini di nuova costruzione, intricati disegni tortuosi e tortuosi, tipicamente eseguiti in stucco dorato o dipinto, porte e specchi avvolti, ricordano forme organiche simili a viti. Un primo esempio di questo stile è l'Hôtel Soubise a Parigi (1704-1705), caratterizzato in particolare dal suo famoso salone ovale ornato da dipinti di Boucher e Charles-Joseph Natoire.
Juste-Aurèle Meissonnier (1695–1750) è la più rinomata designer di mobili francese dell'epoca, distinta anche come scultrice, pittrice e orafa per la corte reale. Ha ricoperto la stimata posizione di progettista ufficiale presso la Camera e il Gabinetto di Luigi XV. La sua eredità duratura è in gran parte dovuta alle vaste incisioni delle sue creazioni, che diffusero in modo significativo lo stile rococò in tutta Europa. Meissonnier ha anche intrapreso incarichi di progettazione per le famiglie reali di Sassonia e Portogallo.
L'Italia emerse come un altro centro significativo per lo stile rococò, vivendo la sua fioritura sia durante la sua fase nascente che in quella successiva. Gli artigiani di importanti città come Roma, Milano e Venezia erano prolifici nella produzione di mobili e oggetti decorativi sontuosamente decorati.
Gli ornamenti scolpiti spesso incorporavano motivi come fiori, palmette, conchiglie e fogliame, meticolosamente scolpiti nel legno. Le forme rocaille più elaborate venivano tipicamente applicate alle console, che sono tavoli progettati per essere posizionati contro le pareti. I comò, o cassapanche, inizialmente introdotti durante il regno di Luigi XIV, erano riccamente impreziositi con motivi rocaille realizzati in bronzo dorato. Maestri artigiani, tra cui Jean-Pierre Latz, producevano questi pezzi, che spesso presentavano intarsi composti da vari legni colorati, a volte disposti in motivi cubici a scacchiera utilizzando toni chiari e scuri contrastanti. Questo periodo segnò anche l'avvento della Chinoiserie, spesso manifestata in comò laccati e dorati, noti come falcon de Chine o Vernis Martin, dal nome dell'ebenista che pioniere di questa tecnica in Francia. Ormolu, o bronzo dorato, era un materiale ampiamente utilizzato da maestri artigiani come Jean-Pierre Latz. In particolare, Latz creò un orologio eccezionalmente decorato, montato su un cartonnier, per il palazzo di Federico il Grande a Potsdam. I pezzi di porcellana cinese importati erano spesso incastonati su montature rococò in bronzo dorato per essere esposti su tavoli o console all'interno dei saloni. Inoltre, altri artigiani emularono i mobili laccati giapponesi, realizzando comò decorati con motivi giapponesi.
Il rococò britannico generalmente mostrava un carattere più sommesso. I design dei mobili di Thomas Chippendale conservarono le curve e l'estetica caratteristiche, ma evitarono l'estrema stravaganza riscontrata negli esempi francesi. Thomas Johnson, un intagliatore e designer di mobili altamente qualificato attivo a Londra durante la metà del XVIII secolo, è ampiamente considerato il sostenitore di maggior successo del rococò britannico.
Pittura
Elementi dello stile Rocaille permearono le opere di alcuni pittori francesi, caratterizzati da una predilezione per i dettagli pittoreschi, dall'interazione di curve e controcurve e da una distinta asimmetria che permeava il movimento barocco con esuberanza. Tuttavia, la rocaille francese non raggiunse mai la stravaganza vista nel rococò germanico. Antoine Watteau ne fu il principale esponente, particolarmente evidente nel suo capolavoro L'imbarco per Citera (1717), conservato al Louvre. Quest'opera esemplifica il genere Fête galante, che raffigurava scene di giovani aristocratici che festeggiavano in idilliaci ambienti pastorali. Sebbene Watteau morì nel 1721 all'età di trentasette anni, i suoi contributi artistici continuarono a influenzare la pittura per tutto il resto del secolo. Una variante del dipinto di Watteau, intitolata Pellegrinaggio a Citera, fu acquistata da Federico il Grande di Prussia nel 1752 o nel 1765 per adornare il suo palazzo di Charlottenburg a Berlino.
François Boucher (1703–1770), il pittore preferito di Madame de Pompadour, succedette a Watteau come figura di spicco nella pittura decorativa e nello stile Féte Galante. La sua opera include la sensuale Toilette de Venus (1746), che divenne una rappresentazione iconica dello stile. La versatilità di Boucher si estese a varie discipline artistiche del periodo; disegnò arazzi, creò modelli per sculture in porcellana, concepì decorazioni scenografiche per l'Opera di Parigi e l'Opéra-Comique e realizzò decorazioni per la Fiera di Saint-Laurent. Altri pittori importanti che contribuirono allo stile Fête Galante includevano Nicolas Lancret e Jean-Baptiste Pater. Lo stile influenzò in modo significativo François Lemoyne, che completò l'opulenta decorazione del soffitto del Salone di Ercole al Palazzo di Versailles nel 1735. Dipinti raffiguranti feste galanti e temi mitologici di Boucher, Pierre-Charles Trémolières e Charles-Joseph Natoire adornavano il celebre salone dell'Hôtel Soubise a Parigi (1735-1740). Altri pittori rococò degni di nota includono Jean François de Troy (1679–1752), Jean-Baptiste van Loo (1685–1745), i suoi due figli Louis-Michel van Loo (1707–1771) e Charles-Amédée-Philippe van Loo (1719–1795), suo fratello minore Charles-André van Loo (1705–1765), Nicolas Lancret (1690–1743) e Jean Honoré Fragonard (1732–1806).
La pittura italiana esercitò una profonda influenza sullo stile rococò prevalente in Austria e nella Germania meridionale. L'artista veneziano Giovanni Battista Tiepolo, aiutato dal figlio Giovanni Domenico Tiepolo, ricevette l'incarico di eseguire affreschi per la residenza di Würzburg tra il 1720 e il 1744. Allo stesso tempo, Johann Baptist Zimmermann si distinse come il principale pittore delle chiese rococò bavaresi, completando in particolare il soffitto della Wieskirche dal 1745 al 1754.
Scultura
La scultura rococò era caratterizzata dalle sue qualità teatrali, sensuali e dinamiche, conferendo un pervasivo senso di movimento. Era prevalentemente integrato negli interni delle chiese, spesso strettamente intrecciato con la pittura e l'architettura. Le opere scultoree religiose adottavano tipicamente lo stile barocco italiano, come dimostrato dalla drammatica pala d'altare all'interno della Karlskirche a Vienna.
Il primo rococò, o Rocaille, la scultura in Francia mostrava una qualità più leggera e un movimento potenziato rispetto allo stile classico di Luigi XIV. Questa direzione artistica fu particolarmente incoraggiata da Madame de Pompadour, amante di Luigi XV, che commissionò numerose opere per i suoi castelli e giardini. Lo scultore Edmé Bouchardon, ad esempio, raffigurò Cupido che scoccava i suoi dardi d'amore dalla mazza di Ercole. Figure rococò popolarono anche le fontane successive di Versailles, come la Fontana del Nettuno di Lambert-Sigisbert Adam e Nicolas-Sebastien Adam (1740). Il loro successo a Versailles portò a un invito di Federico il Grande in Prussia, dove crearono sculture di fontane per il parco Sanssouci negli anni Quaranta del Settecento.
Étienne-Maurice Falconet (1716–1791) emerse come un altro importante scultore francese durante questo periodo. Sebbene celebre principalmente per la sua statua "Cavaliere di bronzo" di Pietro il Grande a San Pietroburgo, Falconet produsse anche una serie di opere più piccole per ricchi collezionisti, riproducibili in terracotta o fuse in bronzo. Altri scultori francesi, tra cui Jean-Louis Lemoyne, Jean-Baptiste Lemoyne, Louis-Simon Boizot, Michel Clodion, Lambert-Sigisbert Adam e Jean-Baptiste Pigalle, crearono similmente sculture seriali per il mercato dei collezionisti.
In Italia, Antonio Corradini si distinse come uno dei principali scultori dello stile rococò. Veneziano di nascita, viaggiò molto in tutta Europa, realizzando commissioni per Pietro il Grande a San Pietroburgo e per le corti in Austria e Napoli. Corradini prediligeva temi sentimentali, producendo diverse opere altamente qualificate raffiguranti donne con volti velati, un notevole esempio delle quali si trova ora al Louvre.
Le manifestazioni più elaborate della scultura rococò erano concentrate in Spagna, Austria e Germania meridionale, principalmente nell'ornamentazione di palazzi e chiese. Quest'opera scultorea era così intimamente integrata con l'architettura che i suoi confini individuali divennero indistinguibili. Ad esempio, nel Palazzo del Belvedere a Vienna (1721-1722), il soffitto a volta della Sala degli Atlanti è sostenuto da figure muscolose disegnate da Johann Lukas von Hildebrandt. Allo stesso tempo, il portale del Palazzo del Marchese de Dos Aguas a Valencia (1715–1776) fu interamente adornato con sculture in marmo, basate su disegni di Hipolito Rovira Brocandel.
L'altare El Transparente, situato nella cappella maggiore della Cattedrale di Toledo, rappresenta un'opera scultorea monumentale composta da marmi policromi e stucchi dorati, integrata con dipinti, statue e simboli. Creato da Narciso Tomé tra il 1721 e il 1732, il suo design facilita il passaggio della luce, conferendo un'illusione di movimento sotto i cambiamenti di illuminazione.
Porcellana
Il periodo rococò vide l'avvento di una nuova forma di scultura su piccola scala: la figura di porcellana o il piccolo gruppo di figure. Inizialmente utilizzati come sostituti delle sculture di zucchero sui grandi tavoli da pranzo, questi oggetti divennero rapidamente popolari per essere esposti su caminetti e mobili. Il numero di fabbriche europee aumentò costantemente nel corso del secolo, alcune delle quali producevano porcellane a prezzi accessibili alle classi medie in espansione. Allo stesso tempo, è cresciuto anche il volume delle decorazioni colorate soprasmalto applicate a questi pezzi. Erano tipicamente modellati da artisti formati nella scultura, con soggetti comuni tra cui figure della commedia dell'arte, venditori ambulanti cittadini, amanti, individui in abiti alla moda e coppie di uccelli.
Johann Joachim Kändler, una figura fondamentale, fu il principale modellista della porcellana di Meissen, la prima fabbrica europea, che mantenne la sua preminenza fino al 1760 circa. Allo stesso tempo, lo scultore tedesco di origine svizzera Franz Anton Bustelli realizzò diverse figure dai colori vivaci per la manifattura di porcellana bavarese di Nymphenburg, distribuendole in tutta Europa. Étienne-Maurice Falconet (1716–1791), uno scultore francese, adottò un approccio artistico simile. Oltre alle sue creazioni monumentali, Falconet diresse la manifattura di porcellane di Sèvres, dove supervisionò la produzione in serie di pezzi più piccoli, spesso raffiguranti temi di amore e gioia.
Musica
Sebbene meno riconosciuto rispetto al suo predecessore barocco o successore classico, un periodo rococò distinto emerse nella storia della musica. Questo stile musicale si è evoluto dalle tradizioni barocche sia in Francia, dove era chiamato stile galante (che indica un'estetica "galante" o "elegante"), sia in Germania, dove era conosciuto come empfindsamer Stil (che denota uno "stile sensibile"). Le sue caratteristiche distintive includono una qualità leggera e intima, spesso caratterizzata da ornamenti altamente elaborati e sofisticati.
Durante la seconda metà del XVIII secolo, sorse un significativo movimento contrario contro lo stile rococò, in gran parte in risposta ai suoi ornamenti ed elementi decorativi percepiti come eccessivi. Questa reazione, guidata da Christoph Willibald Gluck, segnò l’avvento dell’era classica. All'inizio del XIX secolo, la Chiesa cattolica aveva ritenuto lo stile rococò inappropriato per gli ambienti ecclesiastici, affermando che "non era in alcun modo favorevole a sentimenti di devozione".
Pyotr Ilyich Tchaikovsky, un importante compositore russo dell'era romantica, compose Le Variazioni su un tema rococò, op. 33, per violoncello e orchestra nel 1877. Nonostante la sua origine tematica non rococò, la composizione stessa aderisce ai principi stilistici rococò.
Moda
La moda rococò era caratterizzata da stravaganza, eleganza, raffinatezza e decorazioni elaborate. Esisteva un notevole contrasto tra l'abbigliamento femminile del XVII secolo e gli stili più elaborati e sofisticati del XVIII secolo, che incarnavano l'estetica rococò. Queste tendenze sartoriali si estendevano oltre la corte reale, permeando i salotti e i caffè frequentati dalla fiorente borghesia. Lo stile decorativo e di design esuberante, giocoso ed elegante ora identificato come "rococò" veniva contemporaneamente chiamato le style rocaille, le style moderne, le gout.
Un'innovazione della moda dell'inizio del XVIII secolo fu la robe volante, un abito fluente che guadagnò importanza verso la conclusione del regno di re Luigi XIV. Questo indumento presentava un corpetto con notevoli pieghe che scendevano a cascata dalla schiena al pavimento, indossato sopra una sottoveste arrotondata. La sua tavolozza di colori iniziale comprendeva tessuti ricchi e scuri integrati da elementi di design intricati e pesanti. Dopo la morte di Luigi XIV, gli stili di abbigliamento subirono una trasformazione, spostandosi verso un'estetica più leggera e stravagante, passando così dal periodo barocco al caratteristico periodo rococò. La successiva era rococò divenne famosa per le sue tonalità pastello, gli abiti più rivelatori e l'abbondanza di fronzoli, volant, fiocchi e rifiniture in pizzo. Subito dopo l'emergere del caratteristico abito rococò, fu introdotta la robe à la Française, caratterizzata da un corpetto aderente, una scollatura scollata spesso ornata da grandi fiocchi di nastro lungo il centro davanti, ampie borse laterali e sontuosi abbellimenti di pizzo, nastri e fiori.
Contemporaneamente, le pieghe Watteau guadagnarono popolarità, così chiamate in omaggio al pittore Jean-Antoine Watteau, le cui meticolose rappresentazioni catturavano gli intricati dettagli degli abiti, comprese le cuciture in pizzo e altri abbellimenti. Successivamente, intorno al 1718, divennero di moda la 'pannier' e la 'mantua'. Questi ampi cerchi, indossati sotto gli abiti per estendere lateralmente i fianchi, divennero presto un elemento fondamentale dell'abbigliamento formale. Questa innovazione ha contribuito alla silhouette iconica del periodo rococò, caratterizzata da fianchi larghi e ampi ornamenti sugli indumenti. Mentre le borse laterali larghe, che a volte raggiungevano fino a 4,9 metri di diametro, erano riservate alle occasioni speciali, i cerchi più piccoli venivano adottati per l'uso quotidiano. Questi elementi stilistici derivano dalla moda spagnola del XVII secolo, in particolare dal guardainfante, inizialmente concepito per nascondere la gravidanza ma successivamente reinterpretato come la gerla. L'anno 1745 segnò l'"età dell'oro" del rococò con l'assimilazione di un'influenza culturale orientale più esotica in Francia, chiamata a la turque. Questa tendenza fu particolarmente resa popolare dall'amante di Luigi XV, Madame de Pompadour, che commissionò all'artista Charles-André van Loo di ritrarla come una sultana turca.
Negli anni Sessanta del Settecento acquistarono importanza stili di abbigliamento più rilassati, tra cui la polonaise, un indumento influenzato dalla moda polacca. Caratterizzata dalla sua lunghezza inferiore rispetto al tradizionale abito francese, la polonaise lasciava scoperte la sottogonna e le caviglie, favorendo così una maggiore mobilità. Allo stesso tempo, la robe a l'anglais guadagnò popolarità, incorporando elementi derivati dall'abbigliamento maschile, come una giacca corta, ampi risvolti e maniche lunghe. Questo indumento presentava un corpetto aderente, una gonna ampia priva di borse laterali, ma che conservava un leggero allungamento sul retro per formare uno strascico modesto, ed era spesso accessoriato con un fazzoletto di pizzo attorno al collo. Inoltre, emerse la "redingote", che fungeva da indumento intermedio tra un mantello e un soprabito.
Gli accessori rivestirono un'importanza significativa per le donne durante questo periodo, contribuendo all'opulenza generale e all'ornamento del corpo che completavano i loro abiti elaborati. Durante le cerimonie formali, le donne avevano l'obbligo di indossare guanti che coprissero mani e braccia, in particolare quando i loro abiti presentavano modelli senza maniche.
Letteratura
All'interno del discorso letterario, il termine "rococò" è spesso considerato "inutilmente vago", ma in genere connota un'allegra leggerezza, un tono intimo e un'elegante giocosità. I generi letterari rococò predominanti comprendevano forme più brevi, inclusa la poesia leggera erotica (francese: poésie légère o poésie fugitive), sonetti, madrigali e altre composizioni liriche, pastorali, fiabe e novelle. Tuttavia, il periodo produsse anche estesi poemi narrativi, esemplificati dal capolavoro tedesco di Christoph Martin Wieland, Oberon.
Principalmente uno stile letterario francese del XVIII secolo, plasmato in modo significativo dalla scuola Précieuses del XVII secolo, la letteratura rococò è esemplificata da autori come Anne Claude de Caylus, nota per L'arte dell'amore; PJ Bernard; Alexandre Masson de Pezay, autore del poema narrativo Il bagno di Zélis; l'Abbé de Favre, che scrisse la poesia Les quatre heures de la toilette des dames; Évariste de Parny; e Jean-Baptiste Louvet de Couvray, tra gli altri. Lo stile rococò trovò aderenti anche in Italia, tra cui Paolo Rolli e Pietro Metastasio, e in Germania, con figure come Friedrich von Hagedorn, Johann Wilhelm Ludwig Gleim, Johann Uz e Johann Nikolaus Götz. La sua influenza si estese, anche se in misura minore, alla letteratura inglese e russa, in particolare attraverso Ippolit Bogdanovich.
Galleria
Architettura
Incisioni
Pittura
Dipinto di epoca rococò
- Arte rococò italiana
- Rococò in Portogallo
- Movimento culturale
- Storia della pittura
- Dipinto illusionistico sul soffitto
- Mobili Luigi XV
- Note e citazioni
Note e citazioni
Bibliografia
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