L'arte romanica designa la produzione artistica dell'Europa che va dal 1000 d.C. circa fino all'emergere dello stile gotico nel XII secolo, con variazioni regionali nella sua durata. L'epoca immediatamente precedente viene identificata come periodo preromanico. Questa nomenclatura è stata coniata dagli storici dell'arte del XIX secolo, principalmente per descrivere l'architettura romanica. Questo stile architettonico preservò elementi fondamentali del design romano, come archi a tutto sesto, volte a botte, absidi e ornamenti a foglie d'acanto, sviluppando allo stesso tempo nuove caratteristiche distinte.
Mentre la continuità architettonica con il periodo tardoantico persisteva nella Francia meridionale, in Spagna e in Italia, lo stile romanico segnò il movimento artistico inaugurale che si diffuse in tutta l'Europa cattolica, estendendosi dalla Sicilia alla Scandinavia. L'arte romanica trasse significativa ispirazione anche dall'arte bizantina, in particolare nelle sue forme pittoriche, e dal vigore decorativo dinamico e anticlassico caratteristico dell'arte insulare delle isole britanniche. La sintesi di queste diverse influenze ha portato alla formazione di uno stile artistico straordinariamente innovativo e coeso.
Caratteristiche stilistiche
Al di là delle sue manifestazioni architettoniche, l'arte del periodo romanico mostra uno stile robusto ed energico sia nella scultura che nella pittura. La pittura romanica aderiva in gran parte alle convenzioni iconografiche bizantine per i temi ecclesiastici prevalenti, tra cui Cristo in maestà, il Giudizio universale e i racconti della vita di Cristo. Al contrario, i manoscritti miniati mostravano una maggiore innovazione, resa necessaria dalla raffigurazione di soggetti nuovi. Bibbie e salteri rappresentano i manoscritti più sontuosamente decorati di quest'epoca. Analoga originalità caratterizzava i capitelli delle colonne, spesso impreziositi da intricate scene a più figure. L'introduzione del grande crocifisso ligneo, accanto alle statue indipendenti della Madonna in trono, ebbe origine in Germania all'inizio del periodo. L'altorilievo emerse come la tecnica scultorea predominante in questo periodo.
La tavolozza utilizzata era particolarmente sorprendente, caratterizzata prevalentemente da colori primari. Oggi, la vivacità originaria di queste tonalità è tipicamente distinguibile solo negli esempi esistenti di vetrate colorate e di manoscritti meticolosamente conservati. Il vetro colorato ha ottenuto un'adozione diffusa, anche se sopravvivono pochi esempi completi. Una significativa innovazione del periodo comportò l'intaglio monumentale dei timpani sugli importanti portali delle chiese. Questi spesso raffiguravano temi come Cristo in maestà o il Giudizio universale, ma mostravano una maggiore libertà artistica rispetto alle interpretazioni dipinte, a causa dell'assenza di precedenti bizantini comparabili.
Le composizioni generalmente mancavano di una significativa profondità spaziale e richiedevano adattabilità per conformarsi ai contorni irregolari delle iniziali istoriate, dei capitelli delle colonne e dei timpani delle chiese. Un motivo ricorrente nell'arte romanica è l'interazione dinamica tra una cornice restrittiva e la composizione, che a volte trascende i suoi confini. Le cifre venivano spesso ridimensionate in base al loro significato gerarchico. Gli elementi del paesaggio, quando presenti, tendevano verso ornamenti astratti piuttosto che verso una rappresentazione realistica, esemplificata dagli alberi nella "Foglia di Morgan". La ritrattistica era in gran parte assente in questo periodo artistico.
Contesto storico
Durante l'epoca romanica, l'Europa conobbe una crescente prosperità, che portò a una più ampia diffusione dell'arte di alta qualità oltre i confini delle corti reali e delle comunità monastiche selezionate, a differenza dei precedenti periodi carolingio e ottoniano. I monasteri mantennero un immenso significato, in particolare i nuovi ordini fiorenti come quello cistercense, cluniacense e certosino, che si espansero in tutta Europa. Allo stesso tempo, le chiese urbane, i luoghi di pellegrinaggio e numerose chiese in città e villaggi più piccoli ricevettero decorazioni elaborate e sofisticate. Queste strutture più piccole rappresentano spesso gli esempi sopravvissuti, poiché molte cattedrali e chiese cittadine più grandi hanno subito successive ricostruzioni. In particolare, nessun palazzo reale romanico è stato conservato.
Il ruolo dell'artista laico ha acquisito sempre maggiore importanza; per esempio, sembra che Nicola di Verdun abbia ottenuto il riconoscimento continentale. In questo periodo, la maggior parte dei muratori e degli orafi erano professionisti laici. Inoltre, i pittori laici, esemplificati dal Maestro Hugo, costituivano il gruppo predominante, in particolare tra quelli che eseguivano le commissioni più illustri, alla fine dell'epoca. I programmi iconografici per le loro opere ecclesiastiche furono senza dubbio sviluppati in consultazione con le autorità clericali.
Scultura
Metalwork, smalti e avori
Durante quest'epoca, gli oggetti preziosi realizzati con questi materiali godevano di uno status eccezionalmente elevato, probabilmente superiore a quello dei dipinti. In effetti, sono documentate le identità di più artigiani che hanno creato questi oggetti rispetto a quelle di pittori, miniatori o architetti-muratori contemporanei. La lavorazione dei metalli, in particolare i pezzi decorati con smalto, raggiunse una notevole raffinatezza. Sono sopravvissuti numerosi magnifici santuari progettati per ospitare reliquie, il più famoso dei quali è il Santuario dei Tre Re nella cattedrale di Colonia, una creazione attribuita a Nicola di Verdun e collaboratori (c. 1180–1225). Ulteriori esempi degni di nota di smalti mosani includono il trittico di Stavelot e il reliquiario di San Mauro. Mentre i reliquiari e i paliotti d'altare erano costruiti attorno a strutture di legno, i cofanetti più piccoli erano interamente composti di metallo e smalto. Sebbene sia sopravvissuto un numero limitato di manufatti secolari, come custodie per specchi, gioielli e fermagli, questi offrono senza dubbio una rappresentazione incompleta della vasta produzione di metalli preziosi posseduta dall'aristocrazia.
Il candelabro Gloucester in bronzo e il fonte battesimale in ottone, risalenti al 1108-1117 e attualmente situati a Liegi, rappresentano esempi eccezionali, anche se stilisticamente distinti, di fusione dei metalli. Il candelabro esibisce qualità complesse e dinamiche, influenzate dall'illuminazione del manoscritto, mentre il carattere esemplifica lo stile Mosan nella sua manifestazione più classica e imponente. Ulteriori importanti opere in metallo sopravvissute includono le porte di bronzo, una colonna trionfale e vari accessori nella cattedrale di Hildesheim, le porte di Gniezno e le porte della Basilica di San Zeno a Verona. L'aquamanile, recipiente utilizzato per le abluzioni, pare abbia fatto il suo debutto in Europa nel corso dell'XI secolo. Gli artigiani spesso dotavano questi oggetti di fantastiche forme zoomorfe; gli esemplari esistenti sono prevalentemente realizzati in ottone. Numerose impronte di cera provenienti da sigilli elaborati persistono su carte e documenti, sebbene le monete romaniche in genere manchino di un significativo fascino estetico.
La Croce del Chiostro si erge come un crocifisso d'avorio eccezionalmente grande, con intricate incisioni che raffigurano numerosi profeti e altre figure, ed è attribuito al Maestro Hugo, uno dei rari artisti del periodo conosciuti che miniò anche manoscritti. Coerentemente con molti manufatti dell'epoca, questo pezzo era originariamente parzialmente policromo. Gli scacchi di Lewis rappresentano esempi straordinariamente conservati di piccole incisioni in avorio, con numerosi altri frammenti e pezzi completi sopravvissuti tra cui pastorali, placche, croci pettorali e oggetti analoghi.
Scultura architettonica
Dopo il crollo dell'Impero Romano d'Occidente, la pratica di scolpire opere monumentali in pietra e scolpire figure in bronzo cessò in gran parte, una tendenza rispecchiata (per ragioni teologiche) nell'Impero bizantino (romano d'Oriente). Sebbene alcune sculture a grandezza naturale siano state evidentemente eseguite in stucco o gesso, gli esempi esistenti sono, prevedibilmente, scarsi. L'opera scultorea su larga scala più importante sopravvissuta dell'Europa proto-romanica è il Crocifisso ligneo a grandezza naturale, commissionato dall'arcivescovo Gero di Colonia intorno al 960-965, che apparentemente servì da prototipo per una forma artistica ampiamente adottata. Questi crocifissi furono successivamente posizionati su una trave sotto l'arco del presbiterio, chiamata in inglese "rood", e dal XII secolo in poi furono spesso affiancati dalle figure della Vergine Maria e di Giovanni Evangelista. Nel corso dei secoli XI e XII, la scultura figurativa conobbe una significativa rinascita, con i rilievi architettonici che divennero una caratteristica distintiva della tarda epoca romanica.
Fonti e caratteristiche stilistiche
La scultura figurativa attingeva principalmente da due fonti distinte: miniature di manoscritti e opere di piccole dimensioni in avorio e metallo. Inoltre, gli elaborati fregi che adornano le chiese armena e siriaca sono stati ipotizzati come una probabile influenza contribuente. Collettivamente, queste influenze favorirono uno stile distintivo riconoscibile in tutta Europa, sebbene gli sforzi scultorei più impressionanti fossero prevalentemente situati nella Francia sudoccidentale, nella Spagna settentrionale e in Italia.
Le immagini frequentemente utilizzate nella lavorazione dei metalli erano tipicamente in rilievo, risultando in una superficie caratterizzata da due piani primari e solitamente caratterizzata da dettagli incisi. Questa tecnica fu successivamente adattata alla scultura su pietra, osservata in particolare nel timpano sopra i portali, dove l'iconografia di Cristo in Maestà, accompagnato dai simboli dei Quattro Evangelisti, deriva direttamente dalle copertine dorate degli Evangeliari medievali. Questo stile distintivo del portale era diffuso e persisteva nel periodo gotico. Un raro esempio sopravvissuto in Inghilterra è la "Porta del Priore" nella Cattedrale di Ely. Nella Francia sudoccidentale rimangono numerosi esempi impressionanti, compresi quelli di Saint-Pierre, Moissac; Souillac; e La Madeleine, Vézelay, tutte case figlie di Cluny, con ampie sculture aggiuntive conservate nei chiostri e in altre strutture. Nelle vicinanze, la Cattedrale di Autun presenta un Giudizio Universale di eccezionale rarità, firmato unicamente dal suo creatore, Giselbertus.
Una caratteristica delle figure nelle miniature dei manoscritti è la loro frequente raffigurazione all'interno di spazi ristretti, che richiedono una contorsione per adattarsi all'area disponibile. Questa convenzione artistica, in cui le figure erano progettate per conformarsi ai vincoli spaziali, facilitava il loro adattamento per ornare elementi architettonici come stipiti, architravi e altre superfici. Il drappeggio delle figure dipinte era comunemente reso in uno stile piatto e decorativo che aveva poca somiglianza con il peso naturale e la caduta del tessuto reale. Questo elemento stilistico è stato adottato anche nella scultura. Tra i numerosi esempi esistenti, uno dei più illustri è la figura del profeta Geremia dal pilastro del portale dell'Abbazia di Saint-Pierre, Moissac, Francia, risalente al 1130 circa.
La spirale costituisce uno dei motivi più significativi del design romanico, manifestandosi sia nella scultura figurativa che non figurativa. I potenziali antecedenti includono le capitali ioniche. Le viti che scorrono, un motivo pervasivo sia nel design bizantino che romano, sono distinguibili nei mosaici che adornano le volte della chiesa di Santa Costanza a Roma del IV secolo. Manoscritti e sculture architettoniche del XII secolo mostrano analoghi motivi di viti a scorrimento.
Un'altra chiara fonte per il motivo a spirale sono i manoscritti miniati del VII-IX secolo, in particolare i manoscritti irlandesi come il Libro evangelico di San Gallo, che furono diffusi in tutta Europa dalla missione iberno-scozzese. In queste miniature l'applicazione della spirale è del tutto indipendente da viticci o altre forme botaniche; il motivo è decisamente astratto e geometrico. Questo stile fu successivamente assimilato all'arte carolingia, dove gli fu conferito un carattere più botanico. È attraverso un adattamento di questa forma che la spirale appare nei tendaggi sia delle sculture che delle vetrate. Tra i molti esempi trovati su portali romanici, uno dei più notevoli è quello della figura centrale di Cristo a La Madeleine, Vézelay.
Un'ulteriore influenza dell'arte insulare è evidente nella raffigurazione di animali impegnati e intrecciati, spesso impiegati con superbo effetto nei capitelli (come esemplificato a Silos) e occasionalmente sulla colonna stessa (come visto a Moissac). Gran parte del trattamento degli animali accoppiati, confrontati e intrecciati nella decorazione romanica, così come degli animali i cui corpi si dissolvono in forme puramente decorative, è attribuibile a origini insulari simili. Nonostante l'assimilazione delle tradizioni ibernosassoni negli stili romanici in Inghilterra e nel continente, l'influenza fu prevalentemente unidirezionale. L'arte irlandese durante questo periodo rimase in gran parte insulare, sviluppando una sintesi distintiva degli stili nativi irlandesi e vichinghi, che sarebbero stati gradualmente sostituiti e sostituiti dallo stile romanico tradizionale all'inizio del XIII secolo in seguito all'invasione anglo-normanna dell'Irlanda.
Oggetto
La scultura romanica è prevalentemente pittorica e scritturale nel suo contenuto tematico. Sui capitelli si trova una vasta gamma di motivi, che comprendono scene della Creazione e della Caduta dell'Uomo, episodi della vita di Cristo e narrazioni dell'Antico Testamento che prefigurano la sua Morte e Resurrezione, come Giona e la Balena e Daniele nella fossa dei leoni. Si verificano numerose scene della Natività, con il tema dei Re Magi particolarmente popolare. I chiostri dell'abbazia di Santo Domingo de Silos, nel nord della Spagna, e di Moissac, costituiscono esempi esemplari esistenti nella loro interezza, così come le incisioni in rilievo sulle numerose fonti battesimali di Tournai scoperte nelle chiese dell'Inghilterra meridionale, della Francia e del Belgio.
Una caratteristica distintiva di alcune chiese romaniche è l'ampio programma scultoreo che adorna l'area circostante il portale e, occasionalmente, una parte significativa della facciata. Ad esempio, la cattedrale di Angoulême in Francia presenta un'intricata disposizione scultorea integrata nelle ampie nicchie formate dalle arcate della facciata. Allo stesso modo, nella regione catalana della Spagna, l'ingresso della chiesa di Santa Maria a Ripoll presenta un elaborato schema pittorico a bassorilievo.
Questi programmi scultorei sono stati progettati per impartire un messaggio teologico, esortando i cristiani a riconoscere le trasgressioni, cercare il pentimento e ottenere la redenzione. La rappresentazione del Giudizio Universale serviva come potente promemoria per i credenti al pentimento. Inoltre, il Crocifisso scolpito o dipinto ben visibile all'interno dello spazio ecclesiastico simboleggiava la redenzione per il penitente.
Spesso gli elementi scultorei mostrano forme e contenuti tematici inquietanti. Tali intagli tipicamente adornano capitelli, mensole e borchie, o sono intrecciati con fogliame sulle modanature delle porte. Queste rappresentazioni spesso raffigurano forme i cui significati originali non sono più facilmente distinguibili. I motivi ricorrenti comprendono figure come Sheela na Gig, demoni formidabili, ouroboros (draghi che si consumano la coda) e numerosi altri esseri mitici il cui simbolismo rimane enigmatico. Spirali e motivi accoppiati, un tempo permeati di particolare significato all'interno delle tradizioni orali, sono andati perduti nella storia o ignorati dagli studiosi contemporanei.
Anche i sette peccati capitali, tra cui la lussuria, la gola e l'avarizia, costituiscono soggetti iconografici frequenti. La raffigurazione di figure con genitali esagerati spesso simboleggia il peccato carnale, un tema trasmesso in modo simile da numerose figure con lingue sporgenti, osservate in particolare sulla porta della Cattedrale di Lincoln. Storicamente, l'atto di tirarsi la barba significava masturbazione, mentre la bocca spalancata veniva interpretata come un segno di oscenità. Un motivo prevalente sui capitelli di quest'epoca ritrae individui impegnati a "pizzicare la lingua" o "accarezzare la barba" che vengono castigati dalle loro mogli o arrestati da entità demoniache. Un altro argomento comune riguarda i demoni che si contendono l'anima di un trasgressore, come un avaro.
Scultura tardo romanica
Si ritiene generalmente che l'architettura gotica abbia avuto origine con il progetto dell'abate Suger per il coro dell'Abbazia di Saint-Denis, situata a nord di Parigi, consacrata nel 1144. L'emergere della scultura gotica è tipicamente collocato leggermente più tardi, segnato dall'intaglio di figure che circondano il portale reale nella cattedrale di Chartres, in Francia, tra il 1150 e il 1155. Questo stile scultoreo si diffuse rapidamente da Chartres, superando anche il nascente movimento architettonico gotico. Numerose chiese del tardo romanico furono infatti costruite dopo l'Abbazia di Saint-Denis. Un’estetica scultorea che privilegia l’osservazione e il naturalismo rispetto al design formalizzato ha conosciuto una rapida evoluzione. Una spiegazione proposta per questa rapida progressione verso forme naturalistiche è un crescente apprezzamento per i resti classici nelle regioni in cui erano abbondanti, insieme a una consapevole emulazione delle loro convenzioni artistiche. Di conseguenza, alcuni portali mostrano una forma strutturale romanica e allo stesso tempo mostrano un naturalismo caratteristico della scultura del primo gotico.
Un esempio esemplare è il Pórtico da Gloria a Santiago de Compostela, risalente al 1180. Questo portale interno è straordinariamente ben conservato, in particolare conservando la policromia sulle sue figure, che suggerisce l'aspetto originale vibrante, spesso percepito come "sgargiante", di molti ornamenti architettonici ora in gran parte visti come monocromatici. Le figure che circondano la porta sono integrate con le colonnette che formano le modanature della porta. Queste figure possiedono una qualità tridimensionale, anche se sottilmente appiattita. Presentano una significativa individualizzazione sia nell'aspetto che nell'espressione, con una notevole somiglianza con le sculture sul portico nord dell'Abbazia di St. Denis, che risalgono al 1170. Sotto il timpano, un fregio scolpito realisticamente raffigura figure che suonano una vasta gamma di strumenti musicali facilmente identificabili.
Pittura
Illuminazione del manoscritto
Il primo periodo romanico vide la convergenza di diverse scuole regionali nella miniatura dei manoscritti. La "scuola del Canale" che comprendeva l'Inghilterra e la Francia settentrionale dimostrò un'influenza significativa dall'arte tardo anglosassone, mentre gli stili della Francia meridionale dipendevano maggiormente dalle tradizioni artistiche iberiche. Allo stesso tempo, gli stili ottoniani persistettero in Germania e nei Paesi Bassi, influenzando anche l’Italia insieme alle influenze bizantine. Nel XII secolo, queste diverse tradizioni avevano esercitato influenze reciproche, sebbene persistessero naturalmente caratteristiche regionali distinte.
I focolai principali della miniatura romanica erano la Bibbia, che spesso iniziava con un'importante iniziale istoriata per ogni libro, e il Salterio, anch'esso adornato con grandi miniature. In entrambi i casi, esempi più elaborati presentavano cicli narrativi su miniature a tutta pagina, occasionalmente suddivisi in compartimenti con più scene per pagina. Le Bibbie, in particolare, erano spesso estese e potevano estendersi su più volumi. Esempi degni di nota includono il Salterio di St. Albans, il Salterio Hunterian, la Bibbia di Winchester (con la "foglia di Morgan"), la Bibbia di Fécamp, la Bibbia di Stavelot e la Bibbia dell'Abbazia di Parc. Verso la conclusione di quest'epoca, l'emergere di laboratori commerciali laici per artisti e scribi acquisì importanza, portando a una più ampia accessibilità di manoscritti e libri miniati sia per le popolazioni secolari che ecclesiastiche.
Dipinto murale
Le ampie superfici murali e le volte curve e disadorne caratteristiche del periodo romanico erano molto favorevoli alla decorazione murale. Purtroppo, un numero significativo di questi primi murales ha ceduto ai danni causati dall'umidità o è stato oscurato da successivi intonaci e ridipinture. Durante i periodi di iconoclastia della Riforma, in particolare in Inghilterra, Francia e Paesi Bassi, queste opere d'arte furono sistematicamente cancellate o imbiancate. Al contrario, numerosi murali in Danimarca, Svezia e in altre regioni sono stati successivamente sottoposti a restauro. In Catalogna, in Spagna, un'iniziativa dell'inizio del XX secolo, iniziata intorno al 1907, mirava a preservare questi murales staccandoli e ricollocandoli in un deposito sicuro a Barcellona, creando così la straordinaria collezione ospitata presso il Museo Nazionale d'Arte della Catalogna. Altrove, queste opere d'arte sono state influenzate negativamente da conflitti, negligenza e preferenze estetiche in evoluzione.
Uno schema convenzionale per la decorazione murale completa della chiesa, influenzato da precedenti tradizioni musive, tipicamente prevedeva Cristo in Maestà o Cristo Redentore in trono all'interno di una mandorla e circondato dalle quattro bestie alate che simboleggiano i Quattro Evangelisti, posizionate come elemento centrale all'interno della semicupola dell'abside. Questa disposizione è direttamente parallela alle raffigurazioni che si trovano sulle copertine dorate contemporanee dei libri evangelici o all'interno delle loro miniature. Se la chiesa fosse dedicata alla Vergine Maria, ella potrebbe occupare questa posizione centrale. Al di sotto di questo, le pareti dell'abside mostravano tipicamente santi e apostoli, incorporando potenzialmente sequenze narrative pertinenti al santo patrono della chiesa. L'arco del santuario raffigurava spesso figure di apostoli, profeti o dei ventiquattro "anziani dell'Apocalisse", che guardavano verso un busto di Cristo o del suo simbolico Agnello situato all'apice dell'arco. La parete nord della navata presenta tipicamente le narrazioni dell'Antico Testamento, mentre la parete sud presenta scene del Nuovo Testamento. La parete posteriore ovest era comunemente riservata a una raffigurazione del Giudizio Universale, coronato da un Cristo in trono che giudica.
Tra gli schemi decorativi meglio conservati c'è quello trovato a Saint-Savin-sur-Gartempe in Francia. L'ampia volta a botte della navata offre una superficie ideale per gli affreschi, ornati con narrazioni dell'Antico Testamento come la Creazione, la Caduta dell'Uomo e altri racconti. In particolare, una vibrante rappresentazione dell'Arca di Noè presenta una formidabile polena e molteplici finestre che rivelano Noè e la sua famiglia sul ponte superiore, uccelli sul ponte centrale e coppie di animali sul piano inferiore. Un altro pannello illustra in modo potente l'inghiottimento dell'esercito del Faraone da parte del Mar Rosso. Questo ampio schema continua in altre sezioni della chiesa, comprese le rappresentazioni del martirio dei santi locali nella cripta, l'Apocalisse nel nartece e Cristo in Maestà. La tavolozza utilizzata è limitata al verde-azzurro, al giallo ocra, al bruno-rossastro e al nero. Arte murale comparabile è presente anche in Serbia, Spagna, Germania, Italia e in altre località francesi.
I murales attualmente dispersi provenienti da Arlanza nella provincia di Burgos, in Spagna, nonostante la loro provenienza monastica, mostrano temi secolari, raffiguranti creature mitiche colossali e dinamiche posizionate sopra un fregio in bianco e nero popolato da vari altri esseri. Queste opere d'arte forniscono una visione unica degli elementi decorativi che avrebbero adornato i palazzi romanici.
Arti visive aggiuntive
Moda
Durante l'epoca romanica in Inghilterra e Francia, l'emergere dei pigaches, le tipiche scarpe a "coda di scorpione" o a "corno di montone", provocò una notevole condanna da parte del clero contemporaneo. Orderic Vitalis, in particolare, attribuì a queste scarpe un percepito aumento della sodomia e dell'omosessualità durante quel periodo. Oggi, queste scarpe sono riconosciute principalmente come antecedenti delle poulaines, molto più elaborate, che acquisirono una popolarità diffusa dopo la peste nera.
Ricamo
Il ricamo romanico è ben esemplificato dall'Arazzo di Bayeux a Bayeux, in Francia, e dall'Arazzo della Creazione a Girona, in Spagna. Inoltre, numerosi pezzi di Opus Anglicanum ("opera inglese") di fattura complessa, ampiamente considerati come i migliori del mondo occidentale, insieme ad altri esempi stilistici, sono sopravvissuti, principalmente sotto forma di paramenti ecclesiastici.
Vetro colorato
Si ritiene che i primi frammenti conosciuti di vetrate pittoriche medievali risalgano al X secolo. Le figure complete più antiche si trovano in cinque finestre dei profeti ad Augusta, che risalgono alla fine dell'XI secolo. Nonostante l'aspetto rigido e stilizzato, queste figure mostrano una notevole perizia progettuale, sia nella rappresentazione pittorica che nell'applicazione pratica del vetro, suggerendo la profonda familiarità dell'artigiano con il mezzo. Diversi pannelli del XII secolo sono stati conservati nelle cattedrali di Le Mans, Canterbury e Chartres, nonché a Saint-Denis. Tra quelli di Canterbury ci sono una rappresentazione di Adamo impegnato a scavare e un'altra di suo figlio Seth, entrambi provenienti da una serie che illustra gli antenati di Cristo. La rappresentazione di Adamo è particolarmente naturalistica e dinamica, mentre la figura di Seth mette in mostra abiti utilizzati per un notevole impatto decorativo, rispecchiando la più raffinata scultura su pietra di quell'epoca. Gli artigiani del vetro adottarono cambiamenti stilistici più gradualmente rispetto agli architetti, portando gran parte delle vetrate colorate almeno dall'inizio del XIII secolo ad essere classificate come fondamentalmente romaniche. Esempi particolarmente degni di nota includono le grandi figure del 1200 nella cattedrale di Strasburgo (alcune ora trasferite in un museo) e quelle del 1220 circa nella chiesa di San Cuniberto a Colonia.
Mentre la maggior parte delle splendide vetrate francesi, comprese le famose finestre di Chartres, risalgono al XIII secolo, sono sopravvissute intatte molte meno grandi finestre del XII secolo. Un esempio notevole è la Crocifissione di Poitiers, una straordinaria composizione a tre livelli. La sua sezione più bassa presenta un quadrifoglio che illustra il Martirio di San Pietro, l'ampio livello centrale è dominato dalla crocifissione e il palco più alto raffigura l'Ascensione di Cristo all'interno di una mandorla. La figura del Cristo crocifisso presenta già caratteristiche della curva gotica. George Seddon ha definito questa finestra dotata di "bellezza indimenticabile". Numerosi singoli frammenti sono ospitati nei musei e una finestra della chiesa di Twycross in Inghilterra incorpora importanti pannelli francesi recuperati dalla Rivoluzione francese. Data la sua spesa e la sua adattabilità (consentendo aggiunte o riarrangiamenti), il vetro sembra essere stato spesso riproposto durante la ricostruzione gotica delle chiese. Il primo vetro inglese databile, un pannello nella cattedrale di York raffigurante un albero di Jesse, probabilmente anteriore al 1154, esemplifica questa pratica di riciclaggio.
- Elenco degli artisti romanici
- Note
Note
Riferimenti
- Saggio sulla cronologia del Museo metropolitano
- Corpus della scultura romanica in Gran Bretagna e Irlanda
- Círculo Románico: arte visigota, mozarabica e romanica in tutta Europa
- Gruppo scultoreo romanico su Flickr