Impressionism

O impressionismo foi um movimento artístico do século XIX caracterizado por pinceladas distintas, estruturas composicionais irrestritas, foco no retrato preciso das qualidades transitórias da luz (frequentemente destacando mudanças temporais), assuntos mundanos, perspectivas não convencionais e a integração do movimento como um aspecto fundamental da percepção humana e da experiência vivida. O movimento surgiu de um coletivo de artistas parisienses que ganharam reconhecimento através de suas exposições independentes nas décadas de 1870 e 1880.

Impressionismo foi um movimento artístico do século XIX caracterizado por pinceladas visíveis, composição aberta, ênfase na representação precisa da luz em suas qualidades mutáveis (muitas vezes acentuando os efeitos da passagem do tempo), temas comuns, ângulos visuais incomuns e inclusão do movimento como um elemento crucial da percepção e experiência humana. O impressionismo originou-se com um grupo de artistas baseados em Paris cujas exposições independentes os trouxeram à proeminência durante as décadas de 1870 e 1880.

Os impressionistas enfrentaram uma resistência significativa por parte das instituições artísticas francesas estabelecidas. A nomenclatura do movimento se origina da pintura de Claude Monet, Impressão, soleil levant (Impressão, nascer do sol), que levou o crítico Louis Leroy a inventar o termo em uma crítica irônica de 1874 à Primeira Exposição Impressionista, publicada no periódico parisiense Le Charivari. Posteriormente, o movimento de artes visuais do Impressionismo inspirou desenvolvimentos estilísticos paralelos em outros domínios artísticos, nomeadamente na música e na literatura impressionistas.

Visão geral

Considerados iconoclastas durante sua época, os primeiros impressionistas desafiaram as convenções estabelecidas da arte acadêmica. Eles priorizaram cores aplicadas livremente em vez de linhas e contornos definidos em suas composições, inspirando-se em artistas como Eugène Delacroix e J. M. W. Turner. Além disso, eles representavam cenas cotidianas em ambientes naturais, frequentemente executando esses trabalhos ao ar livre para encapsular percepções instantâneas.

Historicamente, as produções artísticas, incluindo paisagens, naturezas mortas e retratos, eram tipicamente executadas dentro do estúdio, enfatizando a verossimilhança meticulosa. Artistas impressionistas descobriram que trabalhar ao ar livre, ou en plein air, lhes permitia reproduzir as qualidades efêmeras e fugazes da luz natural. Sua abordagem se concentrava em impressões visuais abrangentes, em vez de detalhes minuciosos. Eles empregaram pinceladas curtas e distintas, "quebradas", utilizando pigmentos misturados e não misturados - um desvio da habitual mistura e sombreamento suave - para gerar uma intensidade cromática vibrante.

A ascensão do Impressionismo na França coincidiu com outros artistas, como o italiano Macchiaioli e Winslow Homer nos Estados Unidos, também investigando a pintura plein-air. No entanto, os impressionistas inovaram técnicas distintas características do seu movimento. Defendido pelos seus proponentes como uma nova abordagem perceptiva, o Impressionismo incorpora uma forma de arte caracterizada pelo imediatismo, pelo dinamismo, pelas poses e arranjos espontâneos e pela aplicação luminosa e diversificada da cor para representar a interação da luz. Em 1876, o poeta e crítico Stéphane Mallarmé articulou sua visão do estilo nascente: "Não se pode presumir que o tema retratado, constituído por uma confluência de luzes refletidas e em constante mudança, mantenha uma aparência constante, mas sim pulsa com movimento, iluminação e vitalidade." comunidade. Através da sua ênfase na replicação da sensação visual experimentada pelo observador, em vez de detalhar meticulosamente o assunto, e ao ser pioneiro numa gama diversificada de técnicas e formas, o Impressionismo serviu como um precursor fundamental para movimentos artísticos subsequentes, como o Pós-Impressionismo, o Fauvismo e o Cubismo.

O movimento artístico impressionista

A Primeira Exposição Impressionista, 1874

Durante meados do século XIX - um período marcado pela rápida industrialização e profundas mudanças sociais na França, incluindo a reconstrução de Paris e as campanhas militares pelo imperador Napoleão III - a Académie des Beaux-Arts exerceu um controle significativo sobre a produção artística francesa. A Académie funcionou como guardiã dos padrões convencionais da pintura francesa, ditando tanto o tema quanto a abordagem estética. Embora os temas históricos, as narrativas religiosas e os retratos fossem altamente apreciados, os gêneros de paisagens e naturezas mortas receberam menos reconhecimento. A Académie favorecia obras de arte meticulosamente renderizadas que transmitissem realismo após uma inspeção mais detalhada. As obras de arte que aderiram a essa estética apresentavam pinceladas precisas, meticulosamente combinadas para obscurecer a técnica individual do artista. As paletas de cores eram normalmente suaves e frequentemente atenuadas pela aplicação de um verniz dourado substancial.

A Académie organizou uma exposição anual de arte com júri, o Salon de Paris, onde os artistas expositores obtiveram reconhecimento por meio de prêmios, encomendas e posição profissional elevada. Os critérios do júri refletiram os princípios estéticos da Académie, exemplificados pelas obras de artistas como Jean-Léon Gérôme e Alexandre Cabanel. Estes artistas empregaram um conjunto diversificado de técnicas e convenções, enraizadas nas tradições da pintura ocidental desde o Renascimento – incluindo perspectiva linear e representações figurativas derivadas da arte grega clássica – para criar retratos idealizados de um mundo harmoniosamente estruturado. No entanto, na década de 1850, certos artistas, principalmente o pintor realista Gustave Courbet, começaram a atrair a atenção do público e a desaprovação da crítica ao retratar a vida contemporânea sem aderir à idealização prescrita pela Académie. Durante o início da década de 1860, quatro pintores nascentes - Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley e Frédéric Bazille - conheceram-se enquanto realizavam estudos com o acadêmico artista Charles Gleyre. Eles encontraram pontos em comum em sua preferência por retratar paisagens e a existência contemporânea em vez de temas históricos ou mitológicos tradicionais. Adotando uma metodologia que ganhou cada vez mais força em meados do século, inicialmente defendida por artistas como o pintor inglês John Constable, viajavam frequentemente para áreas rurais para executar pinturas ao ar livre. Seu objetivo divergia da prática convencional de criar esboços preliminares para posterior refinamento em estúdio; em vez disso, pretendiam finalizar as suas obras inteiramente ao ar livre.

Ao reproduzir cenas directamente da natureza sob luz natural e empregar os vibrantes pigmentos sintéticos introduzidos no início do século, estes artistas cultivaram um estilo de pintura distintamente mais leve e luminoso. Esta abordagem representou uma evolução além do Realismo defendido por Courbet e pela escola de Barbizon. O Café Guerbois, na Avenue de Clichy, em Paris, serviu de ponto de encontro frequente para estes artistas, onde Édouard Manet, muito estimado pela geração mais jovem, orientou frequentemente os seus intercâmbios intelectuais. Posteriormente, Camille Pissarro, Paul Cézanne e Armand Guillaumin também se afiliaram ao grupo.

Ao longo da década de 1860, o júri do Salon recusou consistentemente aproximadamente cinquenta por cento das inscrições de Monet e seus associados, priorizando obras de arte que aderissem à estética oficialmente sancionada. Em 1863, Le déjeuner sur l'herbe (O almoço na grama) foi notavelmente rejeitado pelo júri do Salon, principalmente devido ao retrato de uma mulher nua ao lado de dois homens vestidos em um ambiente de piquenique. Embora o júri do Salon normalmente aprovasse nus em contextos históricos e alegóricos, eles censuraram Manet por apresentar uma figura nua realista dentro de um quadro contemporâneo. A condenação veementemente formulada pelo júri à pintura de Manet provocou indignação entre os seus apoiantes, e o volume excepcionalmente elevado de obras rejeitadas naquele ano causou considerável inquietação entre a comunidade artística francesa.

Após a revisão das propostas rejeitadas em 1863 pelo Imperador Napoleão III, ele emitiu um decreto permitindo a avaliação pública das obras de arte, levando ao estabelecimento do Salon des Refusés (Salão dos Recusados). Apesar de uma parte significativa dos participantes inicialmente visitarem por diversão, o Salon des Refusés destacou com sucesso o surgimento de uma nova direção artística e atraiu maior participação do que o Salão oficial.

As petições subsequentes de artistas para Salons des Refusés adicionais em 1867 e 1872 não tiveram sucesso. Consequentemente, em dezembro de 1873, Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Cézanne, Berthe Morisot, Edgar Degas e vários outros artistas estabeleceram a Société anonyme des artistes peintres, sculpteurs, graveurs, etc. para exibir de forma independente suas criações. A adesão a esta associação exigia a abstenção de participação no Salão oficial. Os organizadores convidaram vários outros artistas progressistas para a sua exposição inaugural, incluindo o mais velho Eugène Boudin, cuja prática artística já havia inspirado Monet a abraçar a pintura plein air. No entanto, Johan Jongkind, outro pintor que influenciou significativamente Monet e o seu círculo, optou por não participar, decisão também tomada por Édouard Manet. No final das contas, trinta artistas contribuíram para a exposição inicial, que aconteceu em abril de 1874 no estúdio do fotógrafo Nadar.

Recepção crítica do impressionismo

A recepção crítica inicial foi variada. Monet e Cézanne, em particular, enfrentaram duras críticas. Louis Leroy, crítico e humorista, publicou uma crítica contundente no jornal Le Charivari, onde cunhou o termo pelo qual os artistas se tornariam conhecidos, fazendo um trocadilho com o título de Impressão, nascer do sol de Claude Monet (Impressão, soleil levante). Seu artigo, ironicamente intitulado "A Exposição dos Impressionistas", afirmava que a pintura de Monet era apenas um esboço e dificilmente poderia ser considerada uma obra de arte completa.

Sua crítica foi apresentada como um diálogo entre observadores, apresentando as seguintes observações:

"Impressão - eu tinha certeza disso. Eu estava dizendo a mim mesmo que, como fiquei impressionado, deveria haver alguma impressão nisso... e que liberdade, que facilidade de acabamento! O papel de parede em seu estado embrionário é mais acabado do que aquela paisagem marítima."

A designação Impressionista alcançou rapidamente a aceitação pública. Apesar da sua diversidade estilística e temperamental, os próprios artistas adoptaram o termo, unidos principalmente pelo seu espírito partilhado de independência e rebelião. Entre 1874 e 1886, o grupo realizou oito exposições conjuntas, apesar das flutuações no número de membros. Caracterizado por pinceladas soltas e espontâneas, o estilo impressionista logo se tornou emblemático da existência moderna. Monet, Sisley, Morisot e Pissarro são frequentemente considerados os expoentes "mais puros" do Impressionismo, perseguindo consistentemente uma estética centrada na espontaneidade, na luz e na expressão cromática. Por outro lado, Degas repudiou amplamente esses princípios, priorizando o desenho sobre a cor e menosprezando a pintura ao ar livre. Renoir divergiu temporariamente do Impressionismo durante a década de 1980, nunca se comprometendo totalmente com os seus princípios fundamentais. Édouard Manet, apesar de ser considerado um líder pelos impressionistas, manteve o seu uso característico do preto como cor (prática geralmente evitada pelos impressionistas, que privilegiavam tons mistos para tons mais escuros) e nunca participou nas suas exposições colectivas. Ele apresentou persistentemente sua arte ao Salão, onde seu trabalho Spanish Singer garantiu uma medalha de segunda classe em 1861, e encorajou seus pares a seguirem o exemplo, argumentando que "o Salão é o verdadeiro campo de batalha" para estabelecer o renome artístico.

O grupo principal de artistas diminuiu progressivamente. Bazille, por exemplo, morreu na Guerra Franco-Prussiana em 1870. Outras deserções ocorreram quando Cézanne, posteriormente acompanhado por Renoir, Sisley e Monet, optou por não participar das exposições coletivas para submeter seus trabalhos de forma independente ao Salão. Disputas internas surgiram sobre questões como a inclusão de Guillaumin no grupo, uma adesão defendida por Pissarro e Cézanne, mas contestada por Monet e Degas, que o consideraram indigno. Em 1879, Degas convidou Mary Cassatt para expor sua arte, mas também insistiu de forma controversa em incorporar Jean-François Raffaëlli, Ludovic Lepic e outros realistas cujos estilos divergiam dos princípios impressionistas, levando Monet em 1880 a criticar os impressionistas por "abrirem as portas para os primeiros a chegar". exclusivo, apresentando obras de apenas nove artistas considerados "verdadeiros" impressionistas: Gustave Caillebotte, Paul Gauguin, Armand Guillaumin, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley e Victor Vignon. Posteriormente, o grupo sofreu ainda mais fragmentação em relação aos convites feitos a Paul Signac e Georges Seurat para participarem da oitava exposição impressionista em 1886. Notavelmente, Pissarro foi o único artista a expor em todas as oito exposições impressionistas de Paris.

Recepção Comercial

Embora as exposições impressionistas tenham gerado retornos financeiros limitados para artistas individuais, seu trabalho conquistou progressivamente a aceitação e o patrocínio do público. Paul Durand-Ruel, seu negociante de arte, foi fundamental para manter a visibilidade pública e a acessibilidade das obras impressionistas para o público francês. Além disso, organizou exposições para os impressionistas parisienses em Londres e Nova York. Apesar da morte de Sisley na pobreza em 1899, Renoir alcançou um sucesso significativo no Salon em 1879. Monet alcançou estabilidade financeira no início da década de 1880, status alcançado por Pissarro no início da década de 1890. Ao mesmo tempo, formas diluídas de técnicas de pintura impressionista tornaram-se predominantes na arte de salão.

Interpretações do impressionismo do século XX

O Impressionismo, um movimento artístico proeminente do século XIX, enfrentou perspectivas em evolução no início do século XX no que diz respeito à exposição pública das suas obras artísticas. Françoise Cachin defendeu a contextualização do Impressionismo através da disposição estratégica de objetos históricos, sugerindo assim uma narrativa de progressão artística. No verão de 1945, René Huyghe e Georges Salles defenderam o Impressionismo como arte essencialmente francesa, exibindo obras de seus artistas centrais ao lado de obras de mestres franceses históricos. Esta abordagem curatorial estabeleceu uma linhagem estética direta, ligando as escolas de arte francesas à narrativa histórica mais ampla da nação francesa. Eles reconheceram a expectativa pós-Segunda Guerra Mundial entre os Aliados de um ethos humanista e pós-nacionalista. Além de educar o público sobre a história da arte francesa, as obras de arte impressionistas só eram apresentadas com destaque se fossem consideradas obras-primas adequadas para o ensino. A burguesia francesa, favorecendo o realismo directo, descobriu que os principais artistas impressionistas nunca afirmaram que as suas obras transmitiam julgamento intelectual ou moral. Consequentemente, o Impressionismo, juntamente com outras formas de arte do início do século XIX, foi frequentemente relegado ao estatuto de criações épicas em grande escala destinadas ao Salão ou às exposições de Estado. Ao mesmo tempo, o curador Jean Cassou foi encarregado de adquirir obras de arte para preencher o recém-criado Musée National d'Art Moderne.

Técnicas artísticas impressionistas

Vários pintores franceses lançaram as bases para o Impressionismo, nomeadamente o colorista romântico Eugène Delacroix, o importante realista Gustave Courbet e artistas da escola de Barbizon como Théodore Rousseau. Os impressionistas inspiraram-se significativamente nas obras de Johan Barthold Jongkind, Jean-Baptiste-Camille Corot e Eugène Boudin. Esses precursores pintaram diretamente da natureza com um estilo espontâneo que antecipou o impressionismo, e também orientaram e aconselharam a geração mais jovem de artistas.

O estilo distinto e inovador dos impressionistas foi moldado por uma coleção de técnicas e práticas artísticas identificáveis. Embora esses métodos tenham sido anteriormente empregados por artistas – e sejam notavelmente evidentes nas obras de figuras como Frans Hals, Diego Velázquez, Peter Paul Rubens, John Constable e J. M. W. Turner - os impressionistas foram os pioneiros em sua aplicação abrangente e consistente. As principais técnicas incluem:

• Os artistas utilizaram pinceladas curtas e grossas para transmitir rapidamente a essência do tema, priorizando a impressão geral em detrimento dos detalhes intrincados. A tinta era frequentemente aplicada usando a técnica de impasto.
• As cores foram justapostas com mistura mínima, um método que aproveita o princípio do contraste simultâneo para melhorar a vibração percebida dos tons pelo observador.
• Os cinzas e os tons mais escuros foram conseguidos através da mistura de cores complementares. O impressionismo puro evitou caracteristicamente o uso de tinta preta.
• A aplicação úmida sobre úmida, onde as camadas de tinta subsequentes são aplicadas antes que as anteriores sequem, resultou em bordas mais suaves e uma mistura harmoniosa de cores.
• As obras impressionistas geralmente não utilizavam a transparência de finas películas de tinta, ou esmaltes, que os artistas anteriores manipulavam meticulosamente para obter efeitos específicos. A superfície de uma pintura impressionista é caracteristicamente opaca.
• A tinta foi aplicada sobre um fundo branco ou de cor clara, diferentemente do fundo cinza escuro ou de cores intensas frequentemente empregado pelos pintores anteriores.
• A ênfase foi colocada na interação da luz natural, com observação meticulosa dos reflexos de cores entre os objetos. Os artistas frequentemente pintavam à noite para capturar effets de soir—as qualidades sombrias distintivas do crepúsculo ou crepúsculo.
• Para pinturas executadas en plein air (ao ar livre), as sombras foram representadas com ousadia usando o azul refletido do céu nas superfícies, conferindo uma sensação de frescor sem precedentes à obra de arte. Esta técnica foi inspirada principalmente na observação de sombras azuis projetadas na neve.

Os avanços tecnológicos influenciaram significativamente a evolução do estilo impressionista. Os impressionistas capitalizaram a inovação de meados do século XIX de tintas pré-misturadas embaladas em tubos de estanho, semelhantes aos tubos de pasta de dente contemporâneos. Esta inovação facilitou uma maior espontaneidade aos artistas, permitindo-lhes trabalhar tanto no exterior como no interior com maior facilidade. Antes disso, os pintores preparavam laboriosamente suas próprias tintas, moendo pós de pigmentos secos e misturando-os com óleo de linhaça, armazenando posteriormente essas misturas em bexigas de animais.

O século XIX marcou a introdução comercial de numerosos pigmentos sintéticos vibrantes para os artistas. Antes do surgimento do Impressionismo, na década de 1840, os artistas já utilizavam cores como azul cobalto, viridiano, amarelo cádmio e azul ultramarino sintético. Posteriormente, os pintores impressionistas exploraram esses pigmentos, juntamente com tons ainda mais novos, como o azul cerúleo, que se tornou comercialmente acessível na década de 1860, para alcançar seu estilo distinto e ousado.

O desenvolvimento de um estilo de pintura mais brilhante entre os impressionistas se desenvolveu progressivamente. Na década de 1860, artistas como Monet e Renoir ocasionalmente empregavam telas preparadas com motivos convencionais marrom-avermelhados ou cinza. No entanto, na década de 1870, Monet, Renoir e Pissarro geralmente optavam por fundos cinza ou bege mais claros, que serviam como tom médio na obra de arte concluída. Na década de 1880, surgiu entre alguns impressionistas uma preferência por fundos brancos ou esbranquiçados, diminuindo a influência da cor de fundo na composição final.

Conteúdo Temático e Abordagens Composicionais

Respondendo ao advento da modernidade, os artistas impressionistas investigaram uma gama diversificada de assuntos não acadêmicos, abrangendo atividades de lazer da classe média e motivos urbanos, como estações de trem, cafés, bordéis, teatros e salões de dança. A sua inspiração estendeu-se às avenidas parisienses recentemente ampliadas, ladeadas por edifícios altos contemporâneos, que proporcionaram amplas oportunidades para retratar multidões vibrantes, diversões públicas e iluminação noturna artificial em ambientes fechados.

Por exemplo, Paris Street de Caillebotte; Rainy Day (1877) exemplifica uma sensibilidade moderna ao destacar o isolamento individual dentro da ampla arquitetura e espaços urbanos. Além disso, nas suas representações de paisagens, os impressionistas incorporaram prontamente as fábricas florescentes que pontilhavam a paisagem rural. Em contraste, os artistas paisagistas anteriores normalmente omitiam as chaminés e outros marcadores industriais, considerando-os prejudiciais à harmonia natural e inadequados para a representação artística.

Antes do movimento impressionista, artistas como o pintor holandês do século XVII, Jan Steen, também se concentravam em temas do quotidiano, mas as suas abordagens composicionais permaneciam convencionais. Esses primeiros artistas estruturaram suas composições para garantir que o tema principal dominasse o olhar do espectador. Embora seja um artista da era romântica, o trabalho de J. M. W. Turner prenunciou elementos estilísticos impressionistas. Por outro lado, os impressionistas confundiram a distinção entre primeiro plano e fundo, muitas vezes criando um efeito semelhante a um instantâneo espontâneo, capturando um segmento de uma realidade mais ampla como que por acaso. A crescente popularidade da fotografia, juntamente com a maior portabilidade das câmeras, levou a representações fotográficas mais sinceras. Esta evolução fotográfica influenciou os impressionistas a retratar momentos transitórios, evidentes não apenas na luz efêmera das paisagens, mas também nas atividades cotidianas dos indivíduos.

O surgimento do impressionismo pode ser parcialmente entendido como uma resposta artística ao desafio percebido colocado pela fotografia, que parecia diminuir o valor da capacidade de um artista de replicar a realidade. Consequentemente, tanto o retrato como a pintura de paisagem foram considerados um tanto inadequados e menos verdadeiros, visto que a fotografia "produzia imagens realistas de forma muito mais eficiente e confiável".

No entanto, a fotografia paradoxalmente estimulou os artistas a explorar caminhos alternativos de expressão criativa. Em vez de competir com a fotografia para imitar a realidade, os artistas concentraram-se "na única coisa que poderiam inevitavelmente fazer melhor do que a fotografia - desenvolvendo ainda mais numa forma de arte a sua própria subjetividade na concepção da imagem, a própria subjetividade que a fotografia eliminou". Os impressionistas pretendiam transmitir as suas percepções subjetivas da natureza, em vez de produzir reproduções precisas. Esta abordagem permitiu aos artistas apresentar subjetivamente as suas observações, guiados pelos seus “imperativos tácitos de gosto e consciência”. A fotografia também levou os pintores a aproveitar elementos inerentes ao meio de pintura, como a cor, que faltava à fotografia da época. Na verdade, “os impressionistas foram os primeiros a oferecer conscientemente uma alternativa subjetiva à fotografia”.

As gravuras artísticas japonesas ukiyo-e, fenômeno conhecido como Japonismo, constituíram outra influência significativa. Os princípios estéticos dessas gravuras informaram substancialmente as perspectivas "instantâneas" características e as estruturas composicionais não convencionais predominantes no Impressionismo. O Jardin à Sainte-Adresse (1867), por exemplo, exemplifica essa influência através de seus impressionantes blocos de cores e uma composição com uma inclinação diagonal pronunciada, refletindo a estética da impressão japonesa.

Edgar Degas era um fotógrafo entusiasta e um conhecedor de gravuras japonesas. Sua The Dance Class (La classe de danse), criada em 1874, demonstra ambas as influências através de sua estrutura composicional assimétrica. Os dançarinos parecem ser capturados de surpresa em uma série de posturas não convencionais, resultando em um vazio significativo no quadrante inferior direito do espaço. Além disso, ele representou esculturalmente seus dançarinos, como exemplificado pela Pequena Dançarina de Quatorze Anos.

Mulheres impressionistas

Os impressionistas, com vários graus de ênfase, procuraram representar fenômenos perceptivos e temas modernos. As mulheres impressionistas partilhavam estas aspirações artísticas, mas enfrentavam inúmeras restrições sociais e profissionais, em contraste com os seus homólogos masculinos. Eles estavam notavelmente ausentes das representações do meio social burguês, incluindo avenidas, cafés e salões de dança.

Além de serem excluídas de imagens específicas, as mulheres também foram excluídas das discussões cruciais que aconteciam nesses locais. Essas reuniões serviram como fóruns cruciais para os impressionistas masculinos desenvolverem e disseminarem seus conceitos artísticos. Nos círculos académicos, as mulheres eram vistas como incapazes de abordar temas complexos, o que levou os instrutores a limitar o âmbito dos currículos das suas alunas. Além disso, a excelência artística foi considerada pouco feminina, uma vez que as aptidões primárias das mulheres eram então amplamente consideradas como residindo na domesticidade e nos papéis maternos.

No entanto, várias mulheres alcançaram reconhecimento durante as suas vidas, apesar das suas carreiras terem sido impactadas por circunstâncias pessoais; por exemplo, o marido de Marie Bracquemond ressentiu-se de suas atividades artísticas, levando-a a abandonar a pintura. As quatro figuras mais proeminentes - Mary Cassatt, Eva Gonzalès, Marie Bracquemond e Berthe Morisot - são, e historicamente têm sido, frequentemente designadas como as 'Mulheres Impressionistas'. O seu envolvimento nas oito exposições impressionistas realizadas em Paris entre 1874 e 1886 foi diferente: Morisot expôs em sete, Cassatt em quatro, Bracquemond em três, enquanto Gonzalès não participou.

Os críticos contemporâneos frequentemente agrupavam esses quatro artistas, desconsiderando seus estilos, técnicas ou preocupações temáticas individuais. Os revisores das suas peças de exposição procuravam frequentemente elogiar as capacidades das artistas femininas, mas limitavam-nas a uma conceptualização restritiva da feminilidade. Defendendo a congruência da técnica impressionista com os modos perceptivos femininos, o crítico parisiense SC de Soissons articulou:

Pode-se compreender que as mulheres não têm originalidade de pensamento e que a literatura e a música não têm caráter feminino; mas certamente as mulheres sabem observar, e o que elas veem é bem diferente daquilo que os homens veem, e a arte que elas colocam nos seus gestos, no seu toalete, na decoração do seu ambiente é suficiente para dar a ideia de um instintivo, de um gênio peculiar que reside em cada uma delas.

Embora o impressionismo validasse a vida social doméstica como um assunto legítimo, uma esfera com a qual as mulheres possuíam familiaridade íntima, ao mesmo tempo tendia a confiná-las a este domínio temático. As exposições apresentavam com destaque representações de assistentes frequentemente identificáveis ​​em ambientes domésticos, um gênero que poderia garantir encomendas. Os sujeitos retratados eram frequentemente mulheres interagindo com o ambiente através do olhar ou de ações. Cassatt, nomeadamente, demonstrou uma abordagem deliberada à colocação dos sujeitos: ela protegeu as suas figuras predominantemente femininas da objetificação e da representação estereotipada; quando não estão lendo, são mostrados conversando, costurando ou tomando chá; quando inativas, parecem absortas na contemplação.

As mulheres impressionistas, assim como seus colegas homens, buscavam a "verdade" por meio de novas abordagens perceptivas e metodologias de pintura inovadoras; cada artista cultivou um estilo pictórico distinto. As mulheres impressionistas, especialmente Morisot e Cassatt, exibiram uma consciência da dinâmica de poder entre as mulheres e os objetos nas suas composições – as mulheres burguesas retratadas não são meramente definidas por elementos decorativos; em vez disso, envolvem-se e exercem a sua acção sobre os seus ambientes domésticos. Existem numerosos paralelos nas representações de mulheres, que parecem simultaneamente confortáveis ​​e sutilmente constrangidas. O Caixa na Ópera Italiana de Gonzalès ilustra uma mulher olhando para longe, aparentemente confortável dentro de um ambiente social, mas restrito pelo camarote da ópera e pela figura masculina adjacente. Young Girl at a Window de Cassatt, embora mais brilhante na paleta, transmite da mesma forma uma sensação de confinamento, com a figura restringida pela borda da tela enquanto ela observa o exterior.

Apesar das suas realizações profissionais e da caracterização do Impressionismo como inerentemente feminino – devido à sua sensualidade percebida, confiança na sensação, fisicalidade e fluidez – as quatro artistas proeminentes, juntamente com outras mulheres impressionistas menos reconhecidas, foram largamente excluídas das narrativas históricas da arte relativas aos artistas impressionistas. Esta omissão persistiu até a publicação de Mulheres Impressionistas de Tamar Garb em 1986. Por exemplo, o trabalho de Jean Leymarie de 1955, Impressionismo, não continha informações sobre nenhuma pintora impressionista feminina.

O pintor Androniqi Zengo Antoniu é creditado conjuntamente pela introdução do Impressionismo na Albânia.

Impressionistas proeminentes

As principais figuras que contribuíram para o desenvolvimento do Impressionismo na França estão listadas abaixo em ordem alfabética:

• Frédéric Bazille (1841–1870), cuja participação em exposições impressionistas ocorreu postumamente.
• Gustave Caillebotte (1848–1894), que, sendo mais jovem que seus contemporâneos, juntou-se ao grupo em meados da década de 1870.
• Mary Cassatt (1844–1926), uma artista nascida nos Estados Unidos que residiu em Paris e expôs em quatro exposições impressionistas.
• Paul Cézanne (1839–1906), que posteriormente divergiu do movimento impressionista.
• Edgar Degas (1834–1917), que expressou desdém pela designação Impressionista.
• Armand Guillaumin (1841–1927).
• Édouard Manet (1832–1883), que não participou de nenhuma das exposições impressionistas.
• Claude Monet (1840–1926), reconhecido como o mais prolífico entre os impressionistas e o artista que incorporou de forma mais distinta seus princípios estéticos.
• Berthe Morisot (1841–1895), que participou de todas as exposições impressionistas, exceto a realizada em 1879.
• Camille Pissarro (1830–1903), notável como a única artista a expor em todas as oito exposições impressionistas.
• Pierre-Auguste Renoir (1841–1919), que expôs em mostras impressionistas em 1874, 1876, 1877 e 1882.
• Alfred Sisley (1839–1899).

Cronologia da vida dos artistas impressionistas

Galeria

Associados e Artistas Influenciados

Entre os associados próximos dos impressionistas, Victor Vignon se destaca como o único artista fora do grupo principal de nomes proeminentes a participar da exclusiva Sétima Exposição Impressionista de Paris em 1882. Esta exposição em particular representou uma rejeição deliberada de exposições anteriores, menos restritivas, organizadas principalmente por Degas. Vignon, originalmente da escola Corot, manteve uma amizade com Camille Pissarro, cuja influência é discernível no estilo impressionista de Vignon após o final da década de 1870, e também era amigo do pós-impressionista Vincent van Gogh.

Vários outros associados próximos dos impressionistas adotaram suas metodologias em graus variados. Estes incluíam Jean-Louis Forain, que expôs em mostras impressionistas em 1879, 1880, 1881 e 1886, e Giuseppe De Nittis, um artista italiano residente em Paris. De Nittis participou da exposição impressionista inaugural a convite de Degas, apesar de outros impressionistas expressarem desaprovação por seu trabalho. Federico Zandomeneghi, outro amigo italiano de Degas, também expôs com os impressionistas. Eva Gonzalès, uma seguidora de Manet, não expôs com o grupo.

James Abbott McNeill Whistler, um pintor nascido nos Estados Unidos, contribuiu para o impressionismo, embora não tenha se juntado formalmente ao grupo e preferisse paletas de cores suaves. Walter Sickert, um artista inglês, inicialmente seguiu Whistler antes de se tornar um discípulo significativo de Degas. Ele não expôs com os impressionistas. Em 1904, o artista e escritor Wynford Dewhurst foi o autor do primeiro estudo substancial dos pintores franceses publicado em inglês, Pintura Impressionista: sua gênese e desenvolvimento, que contribuiu significativamente para a popularização do Impressionismo na Grã-Bretanha.

No início da década de 1880, as técnicas impressionistas começaram a influenciar, pelo menos superficialmente, a arte exibida no Salão. Pintores da moda como Jean Béraud e Henri Gervex alcançaram sucesso crítico e financeiro ao iluminar suas paletas e ao mesmo tempo preservar o acabamento suave característico da arte de salão. As obras desses artistas são ocasionalmente categorizadas informalmente como impressionistas, apesar de sua considerável divergência em relação às principais práticas impressionistas.

O impacto dos impressionistas franceses estendeu-se muito depois do desaparecimento da maioria dos membros originais. Artistas como J.D. Kirszenbaum continuaram a incorporar técnicas impressionistas ao longo do século XX.

Além da França

À medida que a influência do Impressionismo se expandiu internacionalmente para além da França, numerosos artistas, demasiado extensos para serem enumerados de forma abrangente, foram identificados como praticantes deste estilo em evolução. Alguns dos exemplos mais notáveis incluem:

• Impressionistas americanos proeminentes incluíam Mary Cassatt, William Merritt Chase, Frederick Carl Frieseke, Childe Hassam, Willard Metcalf, Lilla Cabot Perry, Theodore Robinson, Edmund Charles Tarbell, John Henry Twachtman, Catherine Wiley e J. Alden Weir.
• Os impressionistas australianos incluíam artistas como Tom Roberts, Arthur Streeton, Walter Withers, Charles Conder, Frederick McCubbin e E. Phillips Fox, todos membros notáveis da Escola de Heidelberg, ao lado de John Russell, que manteve amizade com Van Gogh, Rodin, Monet e Matisse.
• Na Holanda, os impressionistas de Amsterdã incluíam George Hendrik Breitner, Isaac Israëls, Willem Bastiaan Tholen, Willem de Zwart, Willem Witsen, Marie Henry Mackenzie e Jan Toorop.
• O movimento impressionista da Califórnia contou com artistas como William Wendt, Guy Rose, Alson Clark, Donna N. Schuster e Sam Hyde Harris.
• Os pintores impressionistas belgas incluíam Anna Boch, Eugène Boch (amigo de Vincent van Gogh), Georges Lemmen e Théo van Rysselberghe.
• Os impressionistas eslovenos, incluindo Ivan Grohar, Rihard Jakopič, Matija Jama e Matej Sternen, originaram-se da escola de Anton Ažbe em Munique e foram significativamente influenciados por Jurij Šubic e Ivana Kobilca, que eram pintores eslovenos ativos em Paris.
• Wynford Dewhurst, Walter Richard Sickert e Philip Wilson Steer foram notáveis pintores impressionistas do Reino Unido. Além disso, Pierre Adolphe Valette, um artista francês que trabalhou em Manchester, serviu como tutor de L. S. Lowry.
• Os impressionistas alemães incluíam Max Liebermann, Lovis Corinth, Ernst Oppler, Max Slevogt e August von Brandis.
• Na Hungria, László Mednyánszky e Pál Szinyei-Merse foram impressionistas proeminentes.
• Theodor von Ehrmanns e Hugo Charlemont representaram uma presença impressionista menos comum entre os pintores predominantemente secessionistas de Viena na Áustria.
• Os impressionistas irlandeses incluíam William John Leech, Roderic O'Conor e Walter Osborne.
• Na Rússia, Konstantin Korovin e Valentin Serov foram notáveis artistas impressionistas.
• Francisco Oller y Cestero, natural de Porto Rico, era conhecido por sua amizade com Pissarro e Cézanne.
• James Nairn foi um artista impressionista na Nova Zelândia.
• William McTaggart foi um impressionista escocês.
• Os artistas canadenses Maurice Cullen, Laura Muntz Lyall e Helen McNicoll foram associados ao impressionismo.
• Władysław Podkowiński foi um artista polonês reconhecido por obras impressionistas e simbolistas.
• Nicolae Grigorescu foi um pintor impressionista na Romênia.
• Nazmi Ziya Güran é responsável pela introdução do impressionismo na Turquia.
• Chafik Charobim foi um artista impressionista no Egito.
• Eliseu Visconti foi um impressionista brasileiro.
• Na Espanha, Joaquín Sorolla e Fermín Arango foram impressionistas notáveis.
• Os impressionistas argentinos incluíam Faustino Brughetti, Fernando Fader, Candido Lopez, Martín Malharro, Walter de Navazio e Ramón Silva.
• Os Pintores Skagen constituíam um grupo de artistas escandinavos que trabalhavam em uma pequena vila de pescadores dinamarquesa.
• Os impressionistas sérvios incluíam Nadežda Petrović, Milo Milunović, Kosta Miličević, Milan Milovanović e Mališa Glišić.
• Ásgrímur Jónsson foi um artista impressionista na Islândia.
• Fujishima Takeji foi um pintor impressionista no Japão.
• Frits Thaulow foi um artista impressionista ativo na Noruega e posteriormente na França.

O impressionismo estendeu sua influência a vários outros meios artísticos.

Escultura

Embora Edgar Degas tenha sido predominantemente reconhecido como pintor durante sua vida, ele se aventurou na escultura na década de 1880, produzindo aproximadamente 150 obras. Ele privilegiou a cera como meio por sua maleabilidade, o que facilitou alterações, reinícios e uma exploração mais profunda do processo de modelagem. Apenas uma de suas esculturas, Pequena Dançarina de Quatorze Anos, foi exibida publicamente durante sua vida, aparecendo na Sexta Exposição Impressionista em 1881. Esta peça, Pequena Dançarina, gerou considerável debate crítico; alguns consideraram-no um desafio revolucionário às convenções escultóricas, semelhante ao impacto do impressionismo na pintura, enquanto outros consideraram-no esteticamente desagradável. Após a morte de Degas em 1917, seu espólio sancionou a criação de peças fundidas em bronze de 73 de suas obras escultóricas.

O escultor Auguste Rodin é ocasionalmente classificado como impressionista devido à sua técnica de empregar superfícies aproximadamente modeladas para evocar efeitos de luz efêmeros. Medardo Rosso, outro escultor, também foi descrito como impressionista.

Certos artistas russos produziram esculturas de animais impressionistas, com o objetivo de divergir das convenções artísticas tradicionais. Estas obras são caracterizadas pela atribuição de novas qualidades espirituais a pássaros e outras criaturas.

Fotografia e Filme

Edgar Degas, embora reconhecido principalmente por suas pinturas e esculturas, também se dedicou à fotografia mais tarde na vida. Seus trabalhos fotográficos não foram exibidos durante sua vida nem amplamente reconhecidos postumamente; o interesse acadêmico por eles só se materializou no final do século 20.

Fotógrafos associados ao pictorialismo, um movimento definido pelo uso de foco suave e efeitos atmosféricos, também foram categorizados como impressionistas. Esses fotógrafos empregaram diversos métodos, incluindo desfocagem deliberada de assuntos, o uso de lentes de foco suave ou pinhole e manipulação do processo de goma bicromato, para gerar imagens evocativas de pinturas impressionistas.

"Cinema Impressionista Francês" denota um movimento cinematográfico vagamente definido que abrange filmes e cineastas na França, ativo principalmente de 1919 a 1929, embora o escopo cronológico exato continue sendo um assunto de discussão acadêmica. Proeminentes cineastas impressionistas franceses incluem Abel Gance, Jean Epstein, Germaine Dulac, Marcel L'Herbier, Louis Delluc e Dmitry Kirsanoff.

Música

Impressionismo Musical refere-se a um movimento dentro da música clássica europeia que surgiu no final do século XIX e se estendeu até meados do século XX. Originário da França, este estilo é caracterizado pela ênfase na sugestão e na atmosfera, evitando deliberadamente o emocionalismo evidente predominante na era romântica. Os compositores impressionistas frequentemente preferiam formas mais curtas, como o noturno, o arabesco e o prelúdio, e muitas vezes incorporavam escalas não convencionais, incluindo toda a escala de tons. Entre suas inovações mais significativas estavam a introdução de acordes de sétima maior e a expansão de estruturas de acordes terciários para abranger harmonias de cinco e seis partes.

A influência precisa do impressionismo visual em sua contraparte musical permanece um tópico de discussão acadêmica. Claude Debussy e Maurice Ravel são geralmente reconhecidos como os compositores impressionistas mais proeminentes; entretanto, o próprio Debussy repudiou o termo, descartando-o como uma invenção crítica. Erik Satie também foi classificado neste movimento, embora a sua metodologia composicional fosse muitas vezes percebida como menos séria, tendendo mais para a novidade musical.

Paul Dukas, outro compositor francês, é ocasionalmente classificado como impressionista, mas a sua abordagem estilística pode ser mais precisamente associada ao Romantismo tardio. Em contrapartida, as composições de Lili Boulanger exibem claramente sonoridades debussianas e também são consideradas impressionistas. Além de suas origens francesas, o impressionismo musical se estende às obras de compositores como Ottorino Respighi (Itália), Ralph Vaughan Williams, Cyril Scott e John Ireland (Inglaterra), Alexander Scriabin (Rússia), Manuel De Falla e Isaac Albeniz (Espanha) e Charles Griffes (América).

A música impressionista americana exibe características distintas da música impressionista europeia, com essas diferenças notavelmente articuladas em Charles Tomlinson. "Poema para flauta e orquestra" de Griffes. Griffes também é reconhecido como o compositor impressionista mais prolífico dos Estados Unidos.

Literatura

O termo "Impressionismo" também foi estendido a obras literárias caracterizadas pela transmissão de impressões sensoriais de um incidente ou cena através de uma seleção de detalhes salientes. A literatura impressionista apresenta uma estreita relação com o Simbolismo, com figuras proeminentes como Baudelaire, Mallarmé, Rimbaud e Verlaine. Autores como Virginia Woolf, DH Lawrence, Henry James e Joseph Conrad compuseram obras impressionistas em seu método de descrever, em vez de interpretar, as impressões, sensações e emoções que constituem a experiência interna de um personagem. Alguns estudiosos da literatura, nomeadamente John G. Peters, propõem que o impressionismo literário é definido mais precisamente pela sua orientação filosófica do que por qualquer suposta ligação à pintura impressionista.

Pós-Impressionismo

Durante a década de 1880, vários artistas, incluindo Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Georges Seurat e Henri de Toulouse-Lautrec, começaram a articular princípios distintos para a aplicação de cor, padrão, forma e linha, inspirando-se nas práticas impressionistas. Esses artistas, um pouco mais jovens que os impressionistas, desenvolveram um conjunto de obras posteriormente denominado Pós-Impressionismo. Os artistas pós-impressionistas reagiram conscientemente contra a preocupação dos impressionistas com a reprodução realista das sensações ópticas de luz e cor, gravitando em vez disso em torno do conteúdo simbólico e da expressão aberta da emoção.

O Pós-Impressionismo antecipou as características definidoras do Futurismo e do Cubismo, espelhando assim uma mudança significativa nas perspectivas da sociedade europeia sobre a arte. Vários artistas impressionistas fundadores também exploraram estes domínios artísticos emergentes; por exemplo, Camille Pissarro adotou brevemente uma técnica pontilhista, e Claude Monet acabou indo além da rigorosa pintura ao ar livre. Paul Cézanne, participante da exposição inaugural e da terceira exposição impressionista, cultivou uma perspectiva artística distinta que priorizou a estrutura pictórica, levando à sua frequente classificação como pós-impressionista. Embora tais exemplos destaquem os desafios inerentes à atribuição categórica, a obra dos primeiros pintores impressionistas permanece, por definição, dentro da classificação impressionista.

A escola cantonesa de pintura, que exibiu influências do impressionismo.

• Escola cantonesa de pintura, influenciada pelo impressionismo
• A trajetória histórica da pintura.
• Les XX
• Luminismo, no que se refere aos princípios impressionistas.
• Divisões cronológicas na história da arte ocidental.

Notas

Citações

Trabalhos citados

Manifestações contemporâneas do Impressionismo no meio fotográfico.

• Impressionismo contemporâneo na fotografia
• Museu Hecht
• Os impressionistas franceses (1860–1900)
• Os impressionistas franceses (1860–1900) no Projeto Gutenberg
• Portal de museus Schleswig-Holstein
• Impressionismo: uma exposição centenária, apresentada no Metropolitan Museum of Art de 12 de dezembro de 1974 a 10 de fevereiro de 1975
• Pastoral Suburbana, publicado no The Guardian em 24 de fevereiro de 2007.
• Definição de Impressionismo.
• Impressionismo: pinturas coletadas por museus europeus (1999) constituiu uma exposição de arte organizada em colaboração pelo High Museum of Art de Atlanta, pelo Seattle Art Museum e pelo Denver Art Museum, que percorreu de maio a dezembro de 1999.
• Os anos de Monet em Giverny: além do impressionismo, um catálogo de exposição de 1978 do Metropolitan Museum of Art, que examina a contribuição de Monet para este movimento artístico.
• Degas: The Artist's Mind, um catálogo da exposição de 1976 do Metropolitan Museum of Art, que analisa o envolvimento de Degas neste movimento artístico.
• A exposição 'Paris 1874: Inventing Impressionism' foi realizada no Musée d'Orsay de 26 de março a 14 de julho de 2024.
• A exposição 'Paris 1874: O momento impressionista' está agendada na Galeria Nacional de Arte de 8 de setembro de 2024 a 19 de janeiro de 2025.