Gótico Internacional denota uma fase da arte gótica que se originou na Borgonha, na França e no norte da Itália durante o final do século XIV e início do século XV. Posteriormente, a sua ampla disseminação pela Europa Ocidental levou à sua designação, termo cunhado pelo historiador de arte francês Louis Courajod no final do século XIX.
A circulação generalizada de conceitos artísticos e obras de arte portáteis, particularmente manuscritos iluminados, por toda a Europa fomentou uma convergência estilística entre artistas e mecenas, diminuindo assim significativamente as variações regionais. As principais influências emanaram do norte da França, do Ducado da Borgonha, de Flandres, de Brabante, da corte imperial de Praga e da Itália. As uniões dinásticas, exemplificadas pelo casamento de Ricardo II de Inglaterra e Ana da Boémia, facilitaram a disseminação desta tendência artística.
Inicialmente caracterizada pelo refinamento cortês, interpretações mais robustas estenderam-se posteriormente a obras de arte encomendadas pelas crescentes classes mercantis e pela menor nobreza. No Norte da Europa, as manifestações "góticas tardias" deste estilo, particularmente nos seus aspectos ornamentais, persistiram até ao início do século XVI, devido à ausência de um léxico decorativo alternativo localizado antes do ressurgimento renascentista do Classicismo.
A aplicação desta terminologia entre os historiadores da arte apresenta variabilidade, com alguns estudiosos empregando o termo de forma mais restrita do que outros. Certos historiadores da arte afirmam que o termo é "em muitos aspectos... não muito útil... uma vez que tende a ignorar tanto as diferenças quanto os detalhes da transmissão".
Desenvolvimento
Uma iteração boêmia significativa do estilo surgiu na corte de Carlos IV, Sacro Imperador Romano, em Praga, que serviu brevemente como um centro central para o avanço da arte europeia. Carlos, membro da dinastia luxemburguesa, recebeu tutela do futuro Papa Clemente VI e, durante a juventude, residiu durante sete anos na corte francesa, além de realizar duas visitas à Itália. Estas experiências e ligações familiares estabeleceram laços estreitos com várias cortes francesas, abrangendo o Papado de Avignon e, a partir de 1363, o distinto Ducado Valois da Borgonha sob Filipe, o Temerário. Inicialmente, o estilo boêmio divergiu de outros centros por não apresentar figuras alongadas; no entanto, a sua representação de figuras femininas com notável riqueza e doçura revelou-se altamente influente. Carlos possuía pelo menos um retábulo italiano, aparentemente feito na Itália e posteriormente transportado para Praga, onde está atualmente alojado no seu proeminente Castelo Karlštejn. Para a construção da Catedral de São Vito em Praga, ele contratou inicialmente um arquiteto francês, seguido pelo alemão Peter Parler.
Uma parte substancial da evolução do estilo ocorreu na Itália; sua disseminação para o norte, através dos Alpes, na França, provavelmente ocorreu em parte através da comunidade de artistas italianos associados à Corte Papal em Avignon, e através das obras de arte exibidas naquela residência durante as décadas de 1330 e 1340 por Simone Martini, um precursor sienense do estilo. A Siena republicana influenciou significativamente o desenvolvimento do estilo, mas manteve sua estética gótica distinta e digna durante e além desta época, enquanto a opulenta corte Visconti em Milão, que também mantinha laços estreitos com a família real francesa, emergiu como o principal centro italiano para o estilo cortês. Por outro lado, à medida que o estilo progredia no Norte da Europa, os artistas italianos absorveram posteriormente as suas influências.
O casamento de 1384 entre o jovem rei Ricardo II de Inglaterra e Ana da Boémia, filha de Carlos IV, facilitou uma ligação cultural entre Praga e Londres, introduzindo assim o estilo em Inglaterra, apesar do falecimento de Ana em 1394.
Retratos reais
Várias obras essenciais dentro do corpus gótico internacional incluem retratos votivos retratando monarcas ao lado de figuras sagradas - ocasionalmente ilustrando sua recepção no céu, como exemplificado por uma miniatura retratando Jean, Duc de Berry e seus parentes sendo recebidos por São Pedro no Très Riches Heures du Duc de Berry. Esta era também produz os primeiros retratos em painel de monarcas existentes, e os manuscritos reais dessa época exibem uma incidência significativamente elevada de retratos realistas de seus monarcas comissionados.
Pesquisa
Arquitetura
No âmbito da arquitectura, onde este estilo demonstrou uma longevidade considerável, as suas manifestações regionais são frequentemente identificadas como arquitectura perpendicular em Inglaterra, Sondergotik na Alemanha e Europa Central, Gótico Flamboyant em França e, posteriormente, Manuelino em Portugal e Isabelino em Espanha.
Pintura e escultura
Na pintura e na escultura, este movimento artístico é ocasionalmente referido pelas suas designações alemãs, "Schöne Stil" ou "Weicher Stil", que se traduz como "Estilo bonito" ou "Estilo suave". Suas características definidoras incluem uma elegância refinada, que substituiu a monumentalidade anterior, complementada por paletas decorativas opulentas, formas humanas alongadas e linhas sinuosas. O estilo também demonstrou uma aplicação mais sofisticada de perspectiva, modelagem e composição ambiental. As figuras recebiam cada vez mais uma maior integração espacial em seus cenários, juntamente com um interesse crescente na representação verística da flora e da fauna. Notavelmente, certas obras, particularmente as renomadas ilustrações de calendário dentro das Très Riches Heures du Duc de Berry, exibem os estágios iniciais da autêntica pintura de paisagem. À medida que o estilo evoluiu no Norte da Europa, a ornamentação tornou-se progressivamente elaborada, enquanto na Itália, o refinamento aprimorado da representação figurativa foi assimilado pela nascente tradição da pintura do início da Renascença.
Escultores italianos proeminentes mantiveram em grande parte uma afinidade pelo classicismo, exibindo menos suscetibilidade a esta corrente artística; Lorenzo Ghiberti, embora compartilhasse vários pontos em comum estilísticos, simultaneamente evidenciou uma infusão precoce do classicismo renascentista. Claus Sluter, o principal escultor da Borgonha, aproveitou o estilo de forma única para alcançar um poderoso impacto monumental. As identidades da maioria dos escultores deste período permanecem sem registro, e o estilo geralmente persistiu por mais tempo na escultura do norte da Europa do que na pintura, principalmente porque o intrincado realismo característico da pintura holandesa antiga provou ser difícil de representar esculturalmente. Figuras de madeira pintadas em pequena escala, frequentemente representando a Madonna, tiveram uma importância considerável e, devido à sua portabilidade, provavelmente facilitaram a ampla disseminação do estilo em toda a Europa.
Pintores ilustres associados a este período incluem Mestre Teodorico e o Mestre do Retábulo de Třeboň na Boêmia; o Mestre do Parement, Jacquemart de Hesdin, e os irmãos Holandeses Limbourg na França; e Gentile da Fabriano, Lorenzo Monaco e Pisanello na Itália, com Pisanello ligando notavelmente o estilo ao início da Renascença. Na Borgonha, artistas como Jean Malouel, Melchior Broederlam e Henri Bellechose foram sucedidos por Robert Campin e Jan van Eyck, que impulsionaram a pintura holandesa inicial em direção ao ilusionismo intensificado. Mestre Bertram e Conrad von Soest emergiram como mestres regionais proeminentes na Alemanha, servindo principalmente aos clientes urbanos. Pinturas em painéis de alta qualidade anteriores a 1390 são extremamente escassas, com notáveis exceções encontradas apenas na Itália e na corte de Praga. Muitos destes artistas realizaram extensas viagens entre países ou regiões ao longo das suas carreiras, facilitando a exposição a diversos centros artísticos. Especificamente, Broederlam residiu na Itália durante vários anos, e conjecturas acadêmicas sugerem que o Mestre do Parement pode ter sido boêmio, dado o número limitado de suas obras francesas documentadas e sua profunda afinidade estilística com a arte boêmia.
Manuscritos iluminados continuaram a servir como condutores cruciais para o estilo, com obras como o Missal Sherborne representando a principal contribuição da Inglaterra, juntamente com as criações de vitrais de John Thornton na Catedral de York e Thomas Glazier em Oxford e outros locais. As esculturas em alabastro de Nottingham, produzidas em massa por oficinas de acordo com designs padronizados, foram amplamente exportadas por toda a Europa Ocidental para igrejas paroquiais preocupadas com os custos. As Horas de Gian Galeazzo Visconti de Milão constituíram uma obra fundamental, assim como a Bíblia de Venceslau (com texto alemão), encomendada pelo filho de Carlos IV. Ambos os manuscritos, semelhantes ao Missal Sherborne, distinguem-se pelas suas bordas ricamente adornadas. John, duque de Berry, filho e irmão de monarcas franceses, foi o mais prodigioso patrono dos manuscritos, servindo como o principal empregador dos Irmãos Limbourg, do Mestre das Iniciais de Bruxelas e de Jacquemart de Hesdin, além de contratar vários outros artistas. Outros colecionadores importantes incluíram Venceslau, filho de Carlos IV; João de Lancaster, primeiro duque de Bedford, filho de Henrique IV da Inglaterra e "regente" da França ocupada pelos ingleses; e os duques da Borgonha. Durante o século XV, as cidades flamengas, especialmente Bruges, ultrapassaram Paris como centros proeminentes tanto para a iluminação de manuscritos como para a pintura de painéis.
Tapeçaria
Os centros de tecelagem de tapeçarias em Arras, Tournai e Paris contribuíram significativamente para a disseminação do estilo gótico internacional, apesar da interrupção da produção de tapeçaria causada pela ocupação inglesa de 1418 a 1436. O patrocínio sustentado dos duques de Borgonha promoveu uma estética gótica internacional cortês caracterizada por figuras alongadas, detalhes de trajes elaborados e composições densamente povoadas dispostas em camadas. Este estilo inspirou-se em iluminadores manuscritos e diretamente em pintores; por exemplo, Baudouin de Bailleul, um artista radicado em Arras, forneceu desenhos animados para oficinas de tapeçaria em Arras e Tournai, tornando difícil diferenciar elementos estilísticos locais (Weigert, p. 44). As Hunts de Chatsworth, instaladas no Victoria and Albert Museum, derivam sua inspiração temática do tratado de Gaston de Foix sobre a caça e de inúmeras narrativas românticas contemporâneas que retratam os ciclos da Guerra de Tróia.
A tapeçaria também serviu como uma forma de arte altamente portátil. Conjuntos completos de tapeçarias podiam acompanhar seus nobres proprietários enquanto eles se moviam entre vários castelos sem aquecimento e sem mobília. Embora os tecelões de tapeçaria fossem por vezes persuadidos a mudar as suas oficinas, as suas operações continuavam dependentes da disponibilidade de lã inglesa. Dentro desta forma de arte predominantemente secular, tanto temas religiosos como seculares competiram pela proeminência.
As cortinas pintadas representam um meio gótico tardio que é muitas vezes esquecido devido ao seu quase total desaparecimento. Estas cortinas funcionavam como uma alternativa mais económica às tapeçarias tecidas e podiam ser produzidas rapidamente com conteúdo temático adequado.
O zênite do movimento
Aproximadamente de 1390 a 1420, uma notável coerência estilística emergiu entre as obras de arte criadas em regiões geograficamente díspares da Europa. Exemplos do norte da Europa incluem as miniaturas de Très Riches Heures dos irmãos Limbourg, enquanto na Itália, Adoração dos Magos de Lorenzo Monaco, juntamente com esculturas e miniaturas de várias nações, exibem figuras alongadas e altamente estilizadas, muitas vezes retratando homens mais velhos com barbas longas imponentes e posturas graciosas e oscilantes. Figuras em cenas bíblicas são frequentemente retratadas vestindo roupas exóticas, vagamente inspiradas em trajes contemporâneos do Oriente Médio ou bizantinos; na verdade, muitas figuras parecem ter sido incluídas principalmente para mostrar esses trajes elaborados. A população em muitas cenas religiosas convencionais expandiu-se significativamente; por exemplo, os Magos são acompanhados por extensos séquitos, e a Crucificação frequentemente se transforma num espetáculo densamente povoado. Esta inovação específica persistiu além da vida útil do próprio estilo.
O declínio do período gótico internacional
A apresentação da Adoração dos Magos de Gentile da Fabriano em Florença em 1423, considerada "a obra culminante da pintura gótica internacional", foi rapidamente sucedida pelos afrescos de Masolino e Masaccio na Capela Brancacci (1424-1426), que foram reconhecidos como pioneiros de um novo estilo artístico. Da mesma forma, a obra-prima dos irmãos Limbourg, as Très Riches Heures du Duc de Berry, foi sucedida em poucos anos pelas Horas de Turim-Milão. Este último manuscrito, uma continuação de um trabalho iniciado décadas antes pelo Parement Master para o Duque de Berry, introduziu um estilo de pintura distintamente diferente, apesar de manter uma estrutura estrutural gótica.
No entanto, para além de Florença e das principais cortes, o estilo gótico internacional manteve a sua proeminência, evoluindo progressivamente de formas que novamente divergiram significativamente entre a Itália e o Norte da Europa. Posteriormente, tanto as artes quanto a arquitetura fizeram a transição para o início da Renascença.
Galeria
Arte gótica internacional na Itália
- Arte gótica internacional na Itália
- Madona de Nesvacily
Notas
Referências
- Levey, Michael. Pintura na Corte. Weidenfeld & Nicolson, Londres, 1971.
- Hyman, Timothy. Pintura de Siena. Tâmisa e Hudson, 2003. ISBN 0-500-20372-5.
- Marks, Richard e Nigel Morgan. A Idade de Ouro da Pintura Manuscrita em Inglês, 1200–1400. Chatto & Windus, 1981. ISBN 0-7011-2540-3.
- Syson, Luke e Dillian Gordon. "Pisanello, Pintor da Corte Renascentista." National Gallery Company, Londres, 2001. ISBN 1-85709-946-X.
- Thomas, Marcel. A Idade de Ouro: Pintura Manuscrita na Época de Jean, Duque de Berry. Chatto & Windus, 1979. ISBN 0-7011-2472-5.
Boehm, Barbara Drake; e outros. (2005). Praga: A Coroa da Boêmia, 1347–1437. Nova York: Museu Metropolitano de Arte. ISBN 1588391612.
- Boehm, Barbara Drake; et al. (2005). Praga : a Coroa da Boêmia, 1347–1437. Nova York: Museu Metropolitano de Arte. ISBN 1588391612.Exposição Metropolitana: Praga, A Coroa da Boêmia, 1347–1437
- Exposição metropolitana Praga, A Coroa da Boêmia, 1347–1437