Barok (Baroque)

Öne çıkan bir Batı sanatsal hareketi olan Barok, mimariyi, müziği, dansı, resmi, heykeli, şiiri ve diğer çeşitli sanat biçimlerini kapsar ve 17. yüzyılın başlarından 1750'lere kadar gelişir. Telaffuzu Birleşik Krallık'ta: bə-ROK, ABD'de: bə-ROHK ve Fransızca'da: [baʁɔk] şeklindedir. Bu tarz, hem Rokoko (tarihsel olarak "geç Barok" olarak adlandırılır) hem de Neoklasik estetikten önce gelen Rönesans sanatı ve Maniyerizm'den sonra ortaya çıktı. Katolik Kilisesi, Protestan sanatsal ifadelerin algılanan sadeliğine ve sadeliğine karşı koymaya yönelik bir strateji olarak Barok sanatı aktif olarak destekledi; ancak Lutheran Barok sanatı da Avrupa'nın belirli bölgelerinde gelişti.

Barok (İngiltere: bə-ROK, ABD: bə-ROHK, Fransızca: [baʁɔk]), 17. yüzyılın başlarından 1750'lere kadar gelişen Batı tarzı bir mimari, müzik, dans, resim, heykel, şiir ve diğer sanatlardır. Rönesans sanatını ve Maniyerizmi takip etti ve Rokoko (geçmişte genellikle "geç Barok" olarak anılırdı) ve Neoklasik tarzlardan önce geldi. Protestan mimarisinin, sanatının ve müziğinin sadeliğine ve sadeliğine karşı koymanın bir yolu olarak Katolik Kilisesi tarafından teşvik edilmişti, ancak Lutheran Barok sanatı Avrupa'nın bazı bölgelerinde de gelişmişti.

Kontrast, dinamik hareket, cömert ayrıntı, zengin renklendirme, anıtsal ihtişam ve beklenmedik unsurların kullanımıyla karakterize edilen Barok tarz, derin bir hayranlık uyandırmayı amaçlıyordu. 17. yüzyılın başlarında Roma'da ortaya çıkan stil, hızla İtalya, Fransa, İspanya ve Portekiz'e yayıldı ve ardından Avusturya, güney Almanya, Polonya ve Rusya'ya ulaştı. 1730'lara gelindiğinde, rocaille veya Rokoko olarak bilinen ve 18. yüzyılın ortalarına ve sonlarına kadar Fransa ve Orta Avrupa'da hakim olan daha da süslü bir estetiğe dönüştü. İber Yarımadası da dahil olmak üzere İspanyol ve Portekiz İmparatorluklarında Barok üslup, ortaya çıkan yeni üslupların yanı sıra 19. yüzyılın başlarına kadar varlığını sürdürdü.

Dekoratif sanatlar içerisinde Barok üslup, bol ve ayrıntılı süslemeleriyle öne çıkıyor. Rönesans klasisizminden farklılık farklı ülkelerde benzersiz bir şekilde ortaya çıkarken, tutarlı bir özellik, Rönesans sırasında oluşturulan dekoratif unsurların temel kullanımıydı. Klasik repertuar oldukça sıkışık, yoğun, üst üste bindirilmiş ve aşırı yüklü hale geldi ve çarpıcı bir görsel etki yaratmak için tasarlandı. Barok çağın getirdiği yeni motifler arasında kartuşlar, kupalar ve silahlar, meyve veya çiçek sepetleri ve kakmacılık, sıva veya oymacılıkla yapılmış diğer unsurlar yer alır.

Etimolojik Kökenler

İngilizce baroque terimi doğrudan Fransızcadan türetilmiştir. Bazı akademisyenler, Fransızca kelimenin Portekizce barroco teriminden kaynaklandığını ve 'kusurlu inci' anlamına geldiğini ve potansiyel olarak Latince verruca ('siğil') veya Romantizm eki -ǒccu (Roma öncesi İberya'da yaygındır). Bunun tersine, diğer bilimsel bakış açıları, en olası etimolojik kaynak olarak bir Orta Çağ Latincesi mantıksal terimi olan baroco'yu tanımlar.

16. yüzyılda, Orta Çağ Latince terimi baroco, skolastik mantıktaki orijinal uygulamasının ötesine geçerek aşırı derecede karmaşık olarak algılanan her şeyi tanımlamak için kullanılmaya başlandı. Fransız filozof Michel de Montaigne (1533–1592), baroco (bu terimi Barroco) 'tuhaf' veya 'gereksiz yere karmaşık' çağrışımını kazanıyor. İlk dönemlere ait ek referanslar barok'u büyü, karmaşıklık, düzensizlik ve savurganlık gibi kavramlarla ilişkilendirir.

18. yüzyıldan önce barok terimi düzensiz şekilli incilerle de bağlantılıydı. Takı bağlamında hem Fransızca barok hem de Portekizce barroco kullanıldı. Örneğin, Fransa'nın Charles V hazinelerinin 1531 tarihli bir envanteri, incileri karakterize etmek için bu terimi kullandı. Daha sonra bu kelime, Le Dictionnaire de l'Académie Française'in 1694 baskısında yer aldı ve barok'u "kusurlu şekilde yuvarlak olan inciler için özel olarak kullanılan" olarak tanımladı. Benzer şekilde, 1728 tarihli Portekizce bir sözlük barroco'yu "kaba ve düzensiz inci" ile ilgili olarak tanımladı.

Barok kelimesi için alternatif bir etimolojik hipotez, kökeninin İtalyan ressam Federico Barocci (1528–1612) adına dayandığını öne sürüyor.

18. yüzyılda. yüzyılda bu terim, başlangıçta aşağılayıcı çağrışımlarla müziğe uygulanmaya başlandı. Jean-Philippe Rameau'nun Hippolyte et Aricie adlı eserinin Ekim 1733'teki galasının Mercure de'de yayınlanan anonim hicivli incelemesi Mayıs 1734'te Fransa, operanın yeniliğini "du barocque" olarak tanımlayan bir eleştirmene yer verdi. Eleştiri, müziğin melodik tutarlılıktan yoksun olduğunu, uyumsuzluklarla dolu olduğunu, ton ve ölçülerde sık sık değişiklik sergilediğini ve mevcut her türlü kompozisyon tekniğinin hızla kullanıldığını ileri sürdü.

1762'ye gelindiğinde, Le Dictionnaire de l'Académie Française, bu terimin mecazi olarak bir şeyi ifade edebileceğini belgeledi. "düzensiz, tuhaf veya eşitsiz."

Filozof, müzisyen ve besteci Jean-Jacques Rousseau, 1768'deki Encyclopédie'de şunu ifade etmiştir: "Barok müzik karışık armoni, bol modülasyonlar ve uyumsuzluklarla karakterize edilir. Sesin sunumu sert ve yapaydır, tonlama zorluklar yaratır ve hareket kısıtlıdır. Bu terimin kökeni görünüşe göre 'baroco,' mantıkçılar tarafından kullanılan bir kelime."

1788'de, Quatremère de Quincy, Encyclopédie Méthodique'de terimin tanımını sunarak onu "geniş bir süsleme ve mimari tarzla karakterize edilen bir mimari üslup" olarak tanımladı. eziyetli bir estetik."

Fransızca ifadeler style baroque ve musique baroque, Le Dictionnaire de l'Académie'de belgelenmiştir. 1835'te Française. 19. yüzyılın ortalarına gelindiğinde sanat eleştirmenleri ve tarihçiler, Rönesans sonrası sanatı kötülemek için barok terimini benimsemişlerdi. Bu aşağılayıcı çağrışım, önde gelen sanat tarihçisi Jacob Burckhardt'ın 1855'te Barok sanatçıların "geleneğe saygı" eksikliği nedeniyle "ayrıntıları küçümsediğini ve kötüye kullandığını" ileri süren ünlü sanat tarihçisi Jacob Burckhardt tarafından kullanılmasında açıkça görülüyordu.

1888'de sanat tarihçisi Heinrich Wölfflin, Rönesans ve Barock başlıklı, stil üzerine ilk önemli akademik incelemeyi yayınladı. Bu çalışma, Rönesans ve Barok dönemlerine ait resim, heykel ve mimari arasındaki ayrımlara açıklık getirdi.

Mimarlık: Kökenleri ve Özellikleri

Barok olarak bilinen mimari üslup, Protestan Reformasyonuna yanıt olarak toplanan Trent Konsili (1545–1563) sırasında Katolik Kilisesi tarafından oluşturulan doktrinlerden ortaya çıkmıştır. Başlangıçta, Karşı Reform'un ilk aşaması, dini mimariye yönelik, entelektüellerde yankı uyandıran ancak daha geniş cemaatin ilgisini çekmede başarısız olan titiz, akademik bir yaklaşımı zorunlu kıldı. Sonuç olarak Trent Konseyi, sanatsal ifadelerin dini anlatıları anında ve duygusal bir yankıyla aktarması gerektiğine karar vererek daha geniş bir nüfusu hedeflemeyi tercih etti. Aynı zamanda, Lutherci Barok sanatı, Kalvinistler tarafından gerçekleştirilen Büyük İkonoklazmaya tepki olarak, farklı bir günah çıkarma tanımlayıcısı olarak gelişti.

Barok dini yapılarda geniş merkezi nefler bulunuyordu; ibadet edenler, tapınağa bol ışık alan yüksek bir kubbe veya kubbenin altında, sunağa yakın bir yerde konumlanıyordu. Kubbe, Barok mimaride göksel ve dünyevi alemlerin yakınsamasını simgeleyen çok önemli bir sembolik unsur oluşturuyordu. Kubbenin içi, meleklerin alçı heykelciklerinin yanı sıra melek ve aziz tasvirleriyle görkemli bir şekilde süslenmişti, böylece aşağıdaki gözlemciler için doğrudan cennete bakıyormuş gibi bir yanılsama yaratıldı. Barok kiliselerin bir başka özelliği de quadratura'nın dahil edilmesidir: trompe-l'œil tavan resimleri, genellikle gerçek veya boyalı alçı çerçeveler içine yerleştirilmiştir, yoğun olarak aziz ve melek resimleriyle doldurulmuştur ve korkuluklar ve konsollar gibi mimari unsurlarla bütünleştirilmiştir. Atlantislilerin kornişlerin altında yer aldığı Quadratura kompozisyonları, kilisenin tavanını destekliyormuş izlenimi veriyordu. Michelangelo'nun Sistine Şapeli tavanlarının, her biri sıralı izleme amaçlı ayrı perspektiflere sahip ayrı sahneler sunan tavanlarının aksine, Barok tavan resimleri, sanki tasvir edilen figürler somut bir gerçekliğe sahipmiş gibi, kilise zeminindeki izleyicinin tüm tavanı doğru perspektifte algılamasını sağlamak için titizlikle işlendi.

Yüksek Barok döneminde, Barok kiliselerin içlerindeki süslemeler giderek arttı ve tipik olarak ağırlıklı olarak sunak üzerinde yoğunlaştı. kubbenin altında bulunmaktadır. En ünlü Yüksek Barok dekoratif başarıları arasında, Roma'daki Aziz Petrus Bazilikası'nda bulunan, her ikisi de Gian Lorenzo Bernini'nin eseri olan Aziz Petrus Sandalyesi (1647–1653) ve Aziz Petrus Baldachin (1623–1634) yer alır. Aziz Petrus'un Baldachin'i, Barok estetiğin zıtlıklar dengesinin bir örneğidir: Devasa ölçeği, kanopinin algılanan hafifliğiyle yan yanadır ve bronz, altın ve mermerden yapılmış sağlam, bükülmüş sütunlar, kanopiyi süsleyen meleklerin akışkan perdelerine karşıtlık oluşturur. Dresden Frauenkirche, 1743'te Dresden'in Lüteriyen belediye meclisinin himayesinde tamamlanan ve "on sekizinci yüzyıl gözlemcileri tarafından Roma'daki Aziz Petrus Kilisesi ile karşılaştırılan" Lüteriyen Barok sanatının dikkate değer bir örneği olarak duruyor.

Kilisenin iç mekanlarına sıklıkla dahil edilen bükülmüş sütun, Barok tarzın ayırt edici bir özelliğini temsil ediyor. Bu mimari unsur hem dinamik bir hareket hissi hem de ışık yansıması için yenilikçi, dramatik bir yöntem sağlıyor.

Kartuşlar Barok süslemenin ayırt edici bir unsurunu oluşturuyordu. Tipik olarak mermer veya taştan oyulmuş bu önemli plakalar genellikle oval ve dışbükey bir yüzeye sahipti. Yaldızlı resimler veya metinler içeriyordu ve iç dekor olarak veya bina girişlerinin üzerinde stratejik olarak konumlandırılarak gözlemcilere mesaj iletiliyordu. Önemli bir sanatsal çeşitlilik sergileyen kartuşlar, büyük katedrallerden saraylara, mütevazı şapellere kadar geniş bir yapı yelpazesinde ortaya çıktı.

Barok mimarlar zaman zaman optik illüzyonlar yaratmak için zorlayıcı perspektifi kullandılar. Dikkate değer bir örnek, Francesco Borromini'nin Roma'daki Palazzo Spada için yaptığı tasarımdır; burada giderek daha küçük sütunlar, birleşen bir zemin ve gerçek uzunluğu yalnızca yedi metre olmasına rağmen otuz metre uzunluğunda bir geçit algısı yaratmak için minyatür bir bahçe heykeli kullanmıştır. Sonuç olarak, geçidin bitiş noktasına yerleştirilen ve yüksekliği yalnızca altmış santimetre olan heykel, gerçek boyutta görünüyor. Borromini bu yanılsamayı bir matematikçiyle işbirliği yaparak geliştirdi.

İtalyan Barok

1584 yılında Roma'da tamamlanan Gesu Kilisesi, şehrin ilk Barok cephesini içeriyordu. Sonraki Barok tasarımlarla karşılaştırıldığında mütevazı olmasına rağmen, önceki Rönesans mimari tarzlarından önemli bir farklılığı temsil ediyordu. Kilisenin iç kısmı, kapsamlı ve gösterişli süslemelere maruz kaldığı Yüksek Barok dönemine kadar ciddi bir estetiği korudu.

1605'te V. Paul, Roma'da bir papalık akımı başlattı ve çok sayıda form, canlı renkler ve teatral efektlerle derin duygu ve saygı uyandırmayı amaçlayan çok sayıda bazilika ve dini yapıyı hizmete soktu. Erken dönem Barok döneminin önemli anıtları arasında Aziz Petrus Bazilikası'nın cephesi (1606-1619) ve cepheyi Michelangelo'nun önceden var olan kubbesiyle bütünleştiren yeni inşa edilmiş nef ve sundurma yer alıyordu. Bu yenilikçi tasarım, yükseltilmiş kubbe ile geniş cephe arasında çarpıcı bir birliktelik oluşturdu ve Dor sütunları ile cephedeki önemli revak arasındaki kontrast daha da vurgulandı.

Barok tarzı, daha sonra Yüksek Barok olarak adlandırılan bir dönem olan 17. yüzyılın ortalarından sonlarına kadar zirveye ulaştı. Papa Urban VIII ve Alexander VII bu dönemde çok sayıda anıtsal projeyi hayata geçirdi. Tanınmış bir heykeltıraş ve mimar olan Gian Lorenzo Bernini, Aziz Petrus Meydanı'nı (1656-1667) çevreleyen yeni bir dörtlü sütunlu sütun tasarladı. Geniş bir elips şeklinde düzenlenmiş üç sütunlu galeri, kiliseye ve meydana bir bütünlük duygusu ve devasa bir tiyatronun ihtişamını aşılayarak devasa kubbeyi görsel olarak karşılıyor.

Francesco Borromini, San Carlo alle Quattro Fontane Kilisesi (Dört Çeşmeli Aziz Charles) ile ufuk açıcı eseri ile İtalyan Yüksek Barok döneminin bir başka önemli yenilikçisi olarak ortaya çıktı. (1634–1646). Bu yapının dinamik kalitesi, süslemelerinden değil, duvarlarının doğal dalgalanmasından ve içbükey ve dışbükey formların etkileşiminden, özellikle oval kuleden ve içbükey bir bölüme entegre edilmiş balkondan kaynaklanmaktadır. Oval bir kubbe ile örtülen oval bir ana mekana sahip olan iç mekan da aynı derecede çığır açıcıydı.

Melekler, azizler ve trompe-l'œil mimari yanılsamalarla dolu, özenle boyanmış tavanlar, İtalyan Yüksek Barok döneminin önemli bir özelliğini oluşturuyordu. Öne çıkan örnekler arasında, Roma'daki Sant'Ignazio Kilisesi'ndeki Andrea Pozzo'nun Aziz Ignatius'un Cennete Girişi (1685–1695) ve Giovanni Battista Gaulli'nin Roma'daki Gesù Kilisesi'ndeki İsa'nın Adının Zaferi (1669–1683) sayılabilir. eğik aydınlatma ve keskin ışık-gölge kontrastları.

Barok tarzı, Roma'dan İtalya'nın diğer bölgelerine hızla yayıldı. Venedik'te, Baldassare Longhena'nın Santa Maria della Salute'sinde (1631–1687), devasa bir kubbenin üzerinde yer aldığı son derece yenilikçi sekizgen bir yapıda kendini gösterdi. Torino, özellikle Guarino Guarini'nin Kutsal Kefen Şapeli'nde (1668-1694) bu stili benimsedi. Ayrıca Barok estetiği saray mimarisini de etkilemeye başladı; Guarini, Torino'daki Palazzo Carignano'yu tasarlarken Longhena, Giorgio Massari'nin daha sonra tamamlayıp Giovanni Battista Tiepolo'nun tablolarıyla süslediği Büyük Kanal'daki Ca' Rezzonico'yu (1657) tasarladı. Sicilya'da meydana gelen bir dizi yıkıcı depremin ardından birçok yapının yeniden inşa edilmesi gerekti; birçoğu gösterişli geç Barok veya Rokoko tarzında yeniden inşa edildi.

İspanyol Barok

İspanya'daki Katolik Kilisesi, özellikle de Cizvit tarikatı, İspanyol Barok mimarisinin başlıca itici gücü oldu. Pedro de la Torre tarafından 1643 yılında başlatılan Madrid'deki San Isidro Şapeli, bu tarzdaki ilk önemli çalışma olarak duruyor. Son derece zengin bir dış süsleme ile sadelik, bölümlere ayrılmış alanlar ve gizem duygusu uyandırmak için tasarlanmış stratejik aydınlatma efektleriyle karakterize edilen bir iç mekan arasında çarpıcı bir kontrast vardı. Santiago de Compostela Katedrali, 17. yüzyılın sonlarından başlayarak, ayrıntılı bir çan kulesiyle (1680) başlayan Barok modernizasyona uğradı. Bunun daha sonra iki yanında, Fernando de Casas Novoa tarafından 1738 ile 1750 yılları arasında inşa edilen Obradorio olarak bilinen, daha uzun ve daha süslü iki kule bulunuyordu. İspanyol Barok tarzının bir diğer önemli örneği, Leonardo de Figueroa tarafından tasarlanan Sevilla'daki San Telmo Sarayı'nın şapel kulesidir.

15. yüzyılda Moors'tan yeniden fethedilen Granada, Barok mimarisinin kendine özgü bir versiyonunu geliştirdi. Ressam, heykeltıraş ve mimar olarak yetkin sanatçı Alonso Cano, 1652 ile 1657'deki ölümü arasında Granada Katedrali'nin Barok iç mekanını tasarlamaktan sorumluydu. Bu iç mekan, masif beyaz sütunlar ve gösterişli altın süslemelerin dramatik etkileşimi ile dikkat çekiyor.

İspanyol Barok mimarisinin en ayrıntılı ve görkemli bir şekilde dekore edilmiş biçimi, adını Churriguera'dan alan Churrigueresk tarzı olarak adlandırılır. Başlıca çalışmaları Salamanca ve Madrid'de yürütülen kardeşler. Katkıları arasında Salamanca'nın ana meydanı Plaza Mayor'u (1729) çevreleyen yapılar bulunmaktadır. Bu son derece süslü Barok tarz, Amerika'da İspanyollar tarafından inşa edilen çok sayıda kilise ve katedral üzerinde önemli bir etki yarattı.

Geç dönemin diğer seçkin İspanyol Barok mimarları arasında, Madrid'deki Real Hospicio de San Fernando'yu tasarlayan, Churriguera'nın öğrencisi Pedro de Ribera yer alıyor. Narciso Tomé aynı zamanda Toledo Katedrali'ndeki (1729-1732) ünlü El Transparente mihrap parçasını yaratmasıyla da dikkat çekmektedir; bu yapı, belirli aydınlatma koşulları altında yukarıya doğru hareket yanılsaması yaratır.

İspanyol Barok mimarlarının etkisi İspanya'nın çok ötesine geçerek Latin Amerika ve Filipinler'deki İspanyol kolonilerinde inşa edilen kiliselerin tasarımını derinden etkilemiştir. Bunun başlıca örneği, Tepotzotlán'daki San Francisco Javier Koleji için Cizvitler tarafından inşa edilen, gösterişli Barok cephesi ve kulesiyle öne çıkan kilisedir.

Hollanda Barok

Hollanda Barok mimarisi, Hollanda Cumhuriyeti'nin on yedinci yüzyıldaki kültürel, dini ve politik ortamı tarafından derinden şekillendirilen daha geniş Barok tarzının benzersiz ve sade bir yorumunu temsil eder. İtalya ve İspanya gibi Katolik bölgelerde yaygın olan coşkulu ve teatral Barok mimarinin aksine, Hollanda'nın tezahürü ayıklığa, dengeye ve netliğe öncelik verdi. Bu ılımlılık, Cumhuriyetin Protestan değerlerini ve işlevselliğe ve estetik biçime eşit derecede değer veren müreffeh bir ticaret toplumunun pragmatik ahlakını yansıtıyordu.

Hollanda Barok mimarisi dramatik eğriler ve cömert süslemeler kullanmak yerine simetri, klasik oranlara bağlılık ve dekoratif unsurların akıllıca uygulanmasıyla karakterize edilir. Rönesans klasisizminden ve Jacob van Campen ve Pieter Post gibi mimarların çalışmalarından etkilenen yapılarda sıklıkla düzenli cepheler, pilasterler, alınlıklar ve hassas ölçülerde bezemeler sergileniyor. Tuğla, çoğunlukla doğal taş vurgularıyla tamamlanan baskın yapı malzemesi olarak hizmet verdi ve böylece hem yapısal dayanıklılığı hem de görsel sınırlamayı güçlendirdi. Sivil binalar, belediye binaları ve özel konutlar, Amsterdam Kraliyet Sarayı'nın en ikonik anıtlarından biri olduğu bu tarzın örnekleridir.

Sonuç olarak, Hollanda Barok mimarisi, haysiyeti teatrallik ve abartılılık yerine uyumu ön planda tutan Barok ruhunun farklı bir ulusal ifadesini temsil eder. Bu, uluslararası bir sanat hareketinin yerel geleneklere ve değerlere nasıl uyarlanabileceğini ve bunun sonucunda hem barok hem de benzersiz bir şekilde Hollanda tarzına sahip bir tarzın nasıl ortaya çıkabileceğini gösteriyor.

Orta Avrupa

1680 ile 1750 yılları arasında Avusturya, Bohemya ve güneybatı Polonya'yı kapsayan Orta Avrupa, çok sayıda süslü katedralin, manastırın ve hac kilisesinin inşasına tanık oldu. Bu yapılardan bazıları, Barok'tan ortaya çıkan, daha belirgin, daha gösterişli ve asimetrik bir estetik olan Rokoko tarzını benimsemiş ve daha sonra 18. yüzyılın ilk yarısında Orta Avrupa'da bu tarzın yerini almış, ardından yerini klasisizm almıştır.

Bu bölgedeki çok sayıda devletin yöneticileri de sarayları ve konutları için Barok veya Rokoko tarzlarını tercih etmişler ve inşaatları için sıklıkla İtalyan eğitimli mimarları görevlendirmişlerdir.

1704 ile 1755 yılları arasında Christoph Dientzenhofer ve oğlu Kilian Ignaz Dientzenhofer tarafından inşa edilen Prag'daki Aziz Nicholas Kilisesi (Malá Strana) bu tarzın bir örneğidir. İç duvarları geniş bir şekilde süslenmiştir. Merkezi kubbenin altındaki nef içinde yer alan sunak, hem kubbeden hem de çevredeki şapellerden inen aydınlatmayla şapellerle çevrelenmiştir. Bu sunak, tamamı heykellerle cömertçe süslenmiş kemerler, sütunlar, kavisli korkuluklar ve renkli taştan yapılmış pilasterlerden oluşan karmaşık bir düzenlemeyle çerçevelenmiştir. Bu karmaşık tasarım, yapısal öğeler ile dekoratif özellikler arasındaki ayrımı kasıtlı olarak bulanıklaştırarak mimari alanı dinamik bir ışık, renk ve hareket gösterisine dönüştürüyor.

Polonya'da, 17. yüzyılın başlarından 18. yüzyılın ortalarına kadar uzanan, İtalyan etkisindeki Polonya Barok dönemi, ayrıntılı ayrıntılara ve canlı renklendirmeye yapılan vurguyla karakterize edilir. Giovanni Battista Trevano tarafından tasarlanan Kraków'daki Aziz Peter ve Paul Kilisesi, çağdaş Polonya'daki ilk Barok yapı olarak kabul ediliyor ve oldukça tanınabilir olmaya devam ediyor. 1644 yılında dikilen Varşova'daki Sigismund Sütunu, sütunlu formdaki dünyanın ilk laik Barok anıtı olarak öne çıkıyor. Görkemli konut tarzı, 1677 ile 1696 yılları arasında inşa edilen Wilanów Sarayı'nda somut örneğini buldu. Polonya'da faaliyet gösteren en önde gelen Barok mimar, önemli katkıları arasında Varşova'daki St. Kazimierz Kilisesi ve Krasiński Sarayı, Kraków'daki St. Anne Kilisesi ve Białystok'taki Branicki Sarayı bulunan Hollandalı Tylman van Gameren'di. Yine de Pompeo Ferrari'nin detaylarının yer aldığı Poznań Fara Kilisesi, genellikle Polonya Barok döneminin en ünlü örneği olarak kabul edilir. Otuz Yıl Savaşları'nın ardından ve Vestfalya Barışı'na uygun olarak iki farklı Barok saz ve çamur yapısı inşa edildi: Jawor'daki Barış Kilisesi ve Świdnica'daki Kutsal Üçlü Barış Kilisesi, toplu olarak Avrupa'nın en büyük ahşap Barok tapınaklarını temsil ediyor.

Almanya'da Barok Mimarisi

Kutsal Roma İmparatorluğu içinde, günümüz Almanya topraklarındaki çok sayıda devlet, muhteşem Barok yapılarla prestijlerini savunmaya çalıştı. Bu dönemin önde gelen mimarları arasında Bavyera'da Johann Bernhard Fischer von Erlach, Lukas von Hildebrandt ve Dominikus Zimmermann, Brühl'de Balthasar Neumann ve Dresden'de Matthäus Daniel Pöppelmann vardı. Prusya'da II. Frederick, Versailles Sarayı'ndaki Büyük Trianon'dan ilham aldı ve onu, Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff (1745–1747) tarafından tasarlanan Potsdam'daki yazlık evi Sanssouci'nin mimari örneği olarak benimsedi. Barok saray mimarisinin bir diğer önemli örneği, 18. yüzyılda Saksonya Seçmenlerinin sarayının eski limonluğu olarak hizmet veren Dresden'deki Zwinger'dir.

On Dört Kutsal Yardımcı Bazilikası olarak da bilinen Basilika Vierzehnheiligen, Rokoko dini mimarisinin başlıca örneği olarak duruyor. Bu hac kilisesi, Almanya'nın güneyindeki Bavyera'daki Bamberg'e yakın, Bad Staffelstein yakınında bulunmaktadır. Balthasar Neumann tarafından tasarlanan ve 1743 ile 1772 yılları arasında inşa edilen zemin planı, merkezi bir ovali çevreleyen bir dizi birbirine kenetlenen daireye sahiptir ve sunak tam olarak kilisenin çekirdeğine konumlandırılmıştır. Bu bazilikanın iç dekorasyonu, Rokoko dekoratif sanatının zirvesini temsil ediyor. Tarzın bir diğer önemli örneği, J. B. ve Dominikus Zimmermann kardeşler tarafından tasarlanan Wies Hac Kilisesi'dir (Almanca: Wieskirche). Bavyera'nın Weilheim-Schongau bölgesindeki Steingaden belediyesi içinde, Alp dağlarının eteklerinde yer alan yapının inşaatı 1745 ile 1754 yılları arasında gerçekleştirilmiştir. İç mekan, Wessobrunner Okulu geleneğine bağlı kalınarak freskler ve sıva işçiliği ile süslenmiştir. Bu site artık UNESCO Dünya Mirası Alanı olarak tanınmaktadır.

Fransız Barok Mimarisi

Fransız Barok mimarisi, İtalya, İspanya ve Avrupa'nın diğer bölgelerinde bulunan daha süslü ve dramatik bölgesel Barok tezahürlerden belirgin bir şekilde gelişmiştir. Nispeten sert, bağımsız ve ölçülü bir estetikle karakterize edilen bu yapı, Neoklasizmin ve Aydınlanma'nın mimari ilkelerinin habercisiydi. İtalyan yapılarının aksine, Fransız Barok yapılarında özellikle kırık alınlıklar veya eğrisel cepheler yoktur. Dini yapılar bile Borromini'nin çalışmalarının yoğun mekansal dinamizminden kaçınıyordu. Bu tarz, Louis XIV (hükümdarlık dönemi 1643-1715) tarafından yaptırılan projelerle yakından bağlantılıdır ve bu da onun alternatif olarak Louis XIV stili olarak adlandırılmasına yol açmıştır. Louis XIV, Barok ustası Bernini'ye Louvre'un yeni doğu kanadı için bir tasarım önermesi için davette bulunsa da, hükümdar sonuçta Claude Perrault ve Louis Le Vau tarafından sunulan daha klasik bir planı tercih etti.

Bu tarzın önde gelen mimarları arasında François Mansart (1598–1666), Pierre Le Muet (Val-de-Grâce Kilisesi'nden sorumlu, 1645–1665) ve Louis Le Vau (Vaux-le-Vicomte tasarımcısı, 1657–1661) vardı. Mansart, özellikle uygulamalı düzen ve ağır rustikleştirmenin sıklıkla uygulanması yoluyla Barok unsurları Fransız mimari sözlüğüne entegre eden ilk mimardı. Mansart çatıyı kendisi icat etmemiş olsa da, Mansart'ın yaygın kullanımı, bu çatının kendi adıyla anılmasına yol açtı.

Bu dönemin önemli bir kraliyet girişimi, 1661'de Le Vau tarafından başlatılan Versailles Sarayı'nın genişletilmesi ve iç dekorasyonunun ressam Charles Le Brun tarafından yapılmasıydı. André Le Nôtre, bahçeleri mimari ihtişamı tamamlayacak ve geliştirecek şekilde titizlikle tasarladı. Merkezi özellik, Le Brun'un tablolarıyla süslenmiş Galerie des Glaces (Aynalı Salon) 1678 ile 1686 yılları arasında inşa edildi. Mansart, Grand Trianon'u 1687'de tamamladı ve Robert de Cotte tarafından tasarlanan şapel 1710'da tamamlandı. Louis XIV'in ölümünün ardından, Louis XV, daha samimi Petit Trianon'u ve gösterişli bir tiyatroyu görevlendirdi. Bahçe çeşmeleri, sarayın içinden dramatik manzaralar sunacak şekilde stratejik olarak yerleştirildi. Versailles, diğer Avrupalı hükümdarlar için bir model teşkil etti; özellikle Rusya'nın Büyük Petro'su, XV. Louis'nin saltanatının ilk döneminde burayı ziyaret ettikten sonra 1705'ten 1725'e kadar Saint Petersburg yakınlarında benzer bir mülk olan Peterhof Sarayı'nı inşa etti.

Portekiz Barok

Portekiz'deki Barok mimari, on yedinci yüzyılın sonlarını ve on sekizinci yüzyılın tamamını kapsayacak şekilde yaklaşık iki yüzyıla yayıldı. Kraliyet Mutlakiyetçiliği ile karakterize edilen bir dönem olan V. John ve I. Joseph hükümdarlıkları sırasında, artan altın ve elmas ithalatı, Portekiz Barok döneminin gelişmesi için mali kaynaklar sağladı.

Portekiz Barok mimarisi, benzersiz tarihsel bağlamı ve diğer Avrupa tezahürleriyle karşılaştırıldığında farklı bir kronolojik gelişimi ile ayırt edilir.

Bu ayırt edici özellik, birden fazla aşamayı oluşturan ve çeşitli dış etkileri bütünleştiren siyasi, sanatsal ve ekonomik faktörlerin birleşimiyle şekilleniyor. Ortaya çıkan benzersiz karışım, benzersiz Portekiz kimliğini tanımlayan belirli formlar ve özellikler sergilediği için İtalyan Barok'uyla paralellikler arayan gözlemciler tarafından sıklıkla yanlış yorumlanıyor. Önemli katkıda bulunan unsurlardan biri de "sade stil" (Estilo Chão veya Estilo Plano) olarak da bilinen ve adından da anlaşılacağı gibi daha basit, biraz sade estetiğiyle karakterize edilen Cizvit mimari geleneğidir.

Bu yapılarda genellikle tek odalı bazilikalar, derin bir ana şapel ve küçük bağlantı kapılarıyla donatılmış yan şapeller bulunur. Başlangıçta iç ve dış süslemelerden yoksun olan bu yapılar, basit bir portal ve pencereler sunar. Bu pratik tasarım, minimum değişikliklerle imparatorluk genelinde yaygın inşaatı kolaylaştırdı ve ekonomik kaynaklar mevcut oldukça daha sonraki dekorasyonlara izin verdi.

Aslında, "sade stil" kendisini kolayca dönüşüme verdiği için Portekiz Barok döneminin ilk aşamasında yapı kıtlığı yaşanmadı. Boyama ve döşeme gibi dekoratif unsurların uygulanmasıyla bu süssüz alanlar, dış cephelere de eşit derecede uygulanabilen bir prensip olan ayrıntılı, gösterişli Barok ortamlara dönüştürülebilir. Bu doğal uyarlanabilirlik, değişen zevklere ve bölgesel tercihlere göre kolayca özelleştirilebilmesine olanak tanıdı, yeni özelliklerin ve ayrıntıların eklenmesini kolaylaştırdı, böylece hem pratik hem de ekonomik oldu.

Artan nüfus ve artan ekonomik refahtan yararlanan kuzey bölgeler, özellikle Porto ve Braga, önemli bir mimari canlanma yaşadı. Bu yenileme, kiliselerin, manastırların ve aristokratik sarayların kapsamlı inşaatlarında açıkça görülmektedir.

Porto, UNESCO Dünya Mirası alanı olarak belirlenen tarihi merkeziyle, Portekiz'de Barok mimarisi için önemli bir merkez olarak tanınmaktadır.

Porto'nun tarihi bölgesi ve çevresindeki bölgelerdeki çok sayıda Barok yapı, Portekiz'de ikamet eden İtalyan mimar Nicolau Nasoni'ye atfedilmektedir. Nasoni, aralarında Clérigos Kilisesi ve Kulesi, Porto Katedrali'nin sundurması, Misericórdia Kilisesi, São João Novo Sarayı, Freixo Sarayı ve Piskoposluk Sarayı'nın (Portekizce: Paço Piskoposluk do Porto) da bulunduğu, dramatik, senaryo yerleşimli farklı binalar tasarladı.

Rus Barok

Petrin Barok olarak da bilinen Rus Barok tarzının ortaya çıkışı, Büyük Petro'nun kapsamlı sanatından doğrudan etkilenmiştir. Rusya'ya döndükten sonra, 1712'de Rusya'nın yeni başkenti olarak belirlenen St. Petersburg'da benzer yapılar inşa etmeye karar verdi. Petrine Barok mimarisinin önde gelen erken örnekleri arasında Peter ve Paul Katedrali ve Menşikov Sarayı yer alır.

Anna ve Elisabeth'in hükümdarlıkları sırasında, Rus mimarisi ağırlıklı olarak İtalyan doğumlu Francesco Bartolomeo Rastrelli'nin gösterişli Barok tarzı tarafından şekillendirildi ve bu stil daha sonra Elizabeth Dönemi Barok tarzına dönüştü. Rastrelli'nin dikkate değer mimari başarıları Kışlık Saray, Catherine Sarayı ve Smolny Katedrali'ni kapsamaktadır. Elizabeth Dönemi Barok tarzının diğer seçkin örnekleri arasında Troitse-Sergiyeva Lavra'nın çan kulesi ve Kızıl Kapı yer alır.

Moskova'da Naryshkin Barok tarzı, özellikle 17. yüzyılın sonlarında Doğu Ortodoks kiliselerinin tasarımında yaygın bir önem kazandı. Bu kendine özgü tarz, Batı Avrupa Barok estetiği ile geleneksel Rus halk mimarisi unsurlarının bir sentezini temsil ediyordu.

İspanyol ve Portekiz Sömürge Amerikası'nda Barok Mimarisi

Amerika kıtasının Avrupalı ​​güçler tarafından sömürgeleştirilmesi, Barok tarzın, İspanyol ve Portekiz egemenliği altındaki bölgelerde özellikle verimli bir zemin bulduğu Yeni Dünya'ya doğal olarak aktarılmasını kolaylaştırdı. Her iki ulus da merkezileşmiş, sadık Katolik monarşileriydi, doğası gereği Roma'yla ve Barok Karşı-Reform'un savunucularıyla uyumluydu. Avrupalı ​​sanatçılar Amerika'ya göç ederek sanat okulları kurdular ve yetenekli Katolik misyonerlerin yaygın varlığının yanı sıra, sıklıkla popüler zevklerden etkilenen farklı bir Barok ifadeyi teşvik ettiler. Criollo ve yerli zanaatkârlar, bu Amerikan Barok tarzının benzersiz özelliklerle donatılmasına önemli ölçüde katkıda bulundular. Amerikan Barok gelişiminin başlıca kalıcı merkezleri arasında sırasıyla Meksika, Peru, Brezilya, Küba, Ekvador, Kolombiya, Bolivya, Guatemala, Nikaragua, Porto Riko ve Panama yer alıyor.

Meksika ve güneybatı Amerika Birleşik Devletleri'nden Arjantin ve Şili'ye kadar uzanan geniş bir alanda İspanyol Katolik misyonerleri tarafından organize edilen yerli yerleşimler olan İspanyol azaltmaları sırasında ortaya çıkan "Misyoner Barok" özellikle önemlidir. Bu indirgemeler, yerli halkları Hıristiyanlığa dönüştürmeyi ve onları Batı kültürüne entegre etmeyi amaçladı ve sonuçta Yerli geleneklerden etkilenen melez bir Barok üslup ortaya çıktı. Bu ortam, çok sayıda Criollo'nun ve yerli zanaatkar ve müzisyenin yeteneklerini besledi; bunlardan bazıları okuryazar ve hatırı sayılır becerilere sahipti. Misyoner anlatıları sıklıkla Batı sanatının, özellikle de müziğin orman sakinleri üzerindeki derin, neredeyse hipnotik etkisini anlatır ve azizlerin resimlerinin çoğu zaman büyük bir güce sahip olduğu algılanır. Pek çok yerli din değiştirerek, ayrıntılı şenlik ayinleri, kutsal konserler ve dini gizemlerle kendini gösteren, mistisizm, batıl inanç ve teatrallik ile karakterize edilen yeni, son derece tutkulu bir bağlılık biçiminin gelişmesine yol açtı.

İspanyol Amerika'daki sömürge Barok mimarisi, Mexico City'deki La Profesa Kilisesi'nin portalı ve Puebla tarzı azulejolarla süslenmiş cephelerde örneklenen bol süslemelerle öne çıkıyor. San Andrés Cholula'daki San Francisco Acatepec Kilisesi ve Puebla'daki San Francisco Manastır Kilisesi'nde görüldüğü gibi. Bu dekoratif coşku, Lorenzo Rodríguez'in Mexico City Metropolitan Katedrali'nin Tabernacle Cephesi'nde, Tepotzotlán'daki San Francisco Javier Kilisesi'nde ve Santa Prisca de Taxco Kilisesi'nde açıkça görülen Churrigueresque tarzında yoğunlaştı. Peru'da, yapılar öncelikle 1650'den itibaren Lima, Cusco, Arequipa ve Trujillo'da geliştirildi ve Cusco'daki Iglesia de la Compañía de Jesús'ta ve Lima'daki San Francisco Bazilikası ve Manastırı'nda gözlemlendiği gibi yastıklı duvarların ve Solomonik sütunların kullanımı gibi Avrupa Barok döneminden bile önce gelen orijinal özellikler sergiledi. Bölgedeki diğer dikkate değer örnekler arasında Bolivya'daki Sucre Metropolitan Katedrali, Guatemala'daki Esquipulas Katedral Bazilikası, Honduras'taki Tegucigalpa Katedrali, Nikaragua'daki León Katedrali, Quito, Ekvador'daki la Compañía de Jesús Kilisesi, Bogotá, Kolombiya'daki San Ignacio Kilisesi, Venezuela'daki Caracas Katedrali, Arjantin'deki Buenos Aires Cabildo, Kilise Santiago, Şili'deki Santo Domingo ve Küba'daki Havana Katedrali. Bolivya'daki İspanyol Cizvit Misyonları, Paraguay'daki İspanyol Cizvit misyonları, Meksika'daki İspanyol misyonları ve Kaliforniya'daki İspanyol Fransisken misyonları içindeki kiliselerin olağanüstü kalitesi de tanınmayı hak ediyor.

Brezilya'nın metropol gücü Portekiz'i yansıtan mimari tarzı, genellikle Borrominesk unsurlarla karakterize edilen farklı bir İtalyan etkisi sergiliyor. Dikkate değer örnekler arasında Recife Ortak Katedrali (1784) ve Rio de Janeiro'daki Nossa Senhora da Glória do Outeiro Kilisesi (1739) sayılabilir. Minas Gerais bölgesinde Aleijadinho'nun mimari katkıları özellikle önemlidir; kavisli düzenleri, dinamik içbükey-dışbükey efektlere sahip cepheleri ve tüm mimari bileşenlere yönelik heykelsi yaklaşımıyla öne çıkan bir dizi kiliseyi kapsar (ör. São Francisco de Assis Kilisesi, Ouro Preto, 1765–1788).

İspanyol ve Portekiz Sömürge Asya'sında Barok Mimarisi

Hindistan'daki Portekiz kolonilerinde, özellikle Goa, Daman ve Diu'da, Barok formları yerli Hindu unsurlarıyla harmanlayan kendine özgü bir mimari tarz ortaya çıktı. Öne çıkan örnekler arasında Goa'daki Se Katedrali ve Bom Jesus Bazilikası yer alır; ikincisi St. Francis Xavier'in dinlenme yeridir. Goa'daki kilise ve manastırlardan oluşan kolektif topluluk, 1986 yılında UNESCO Dünya Mirası Alanı ilan edildi.

Üç yüzyıldan fazla bir süredir İspanyol kolonisi olan Filipinler'de çok sayıda Barok yapı bulunmaktadır. Barok ve Neoklasik şehir Vigan'ın yanı sıra bunlardan dördü UNESCO Dünya Mirası Alanları olarak tanınmaktadır. Dahası, resmi bir sınıflandırmadan yoksun olmasına rağmen, hem Manila Duvarlı Şehri hem de Tayabas şehri, İspanyol-Barok dönemi mimarisinden oluşan önemli bir koleksiyona sahiptir.

Eflak ve Moldavya'da Barok Etkiler

İtalya'da ortaya çıkan Barok, temelde Batılı bir sanat tarzıdır. Etkileri, öncelikle İtalyan ticari ve kültürel alışverişleri yoluyla Doğu Avrupa'ya, özellikle Balkan Yarımadası'ndaki Moldavya ve Eflak'a yayıldı. Ancak bu etkiler genel olarak ılımlıydı; ağırlıklı olarak mimaride ve taş oyma süslemelerde kendini gösteriyordu ve sıklıkla Bizans ve İslam sanatından türetilen unsurlarla bütünleşiyordu.

Bizans İmparatorluğu'nun çöküşünden önce ve sonra, Eflak ve Boğdan'ın sanatsal üretimi ağırlıklı olarak Konstantinopolis'ten gelen etkilerle şekillendi. 16. yüzyılın sonuna kadar kilise ve manastır planları, duvar resimleri ve oyma taş süslemeler, çok az değişiklikle geleneksel biçimlerini büyük ölçüde korudu. Ancak İtalyan Barok sanatının artan popülaritesine denk gelen Matei Basarab (1632–1654) ve Vasile Lupu (1634–1653) dönemleriyle dönüştürücü bir dönem başladı. Bu dönemde yeni dekoratif unsurlar eklendi ve dini mobilyaların tarzı önemli ölçüde gelişti. Bu değişim tesadüfi değildi; Dekoratif prensipler ve motifler, Venedik veya Dalmaçya bölgeleri aracılığıyla İtalya'dan getirilmiş ve daha sonra yerel mimarlar ve zanaatkarlar tarafından benimsenmiştir. Pencere ve kapı çerçeveleri, ithaf pisanie, mezar taşları, sütunlar, korkuluklar ve bazı bronz, gümüş veya ahşap mobilyalar gibi unsurlar, eskisinden daha belirgin bir estetik rol kazandı. Bu unsurlar Bizans geleneğinde mevcut olsa da artık daha gerçekçi bir görünüm benimsemişler ve genellikle narin çiçek motifleri yer almıştır. Yine önceden var olan bir özellik olan yardım çalışmaları daha belirgin hale geldi, daha fazla hacim ve tutarlılık sergiledi. Daha önce, Eflak ve Moldavya'daki kabartmalar, daha geniş Doğu'dakilere benzer şekilde, tipik olarak yalnızca iki sığ seviyeden oluşuyordu: biri yüzeyde, diğeri ise hafifçe girintili. Büyük çiçek desenleri, potansiyel olarak güller, şakayıklar veya deve dikenleri ile birlikte kalın akantus veya benzeri yapraklar, sütunların veya çerçeveli kapı ve pencerelerin etrafına girift bir şekilde bükülmüştü. Özellikle sütunlar ve korkuluklar güçlü bir Barok etkisi gösteriyordu. Başkentler yeşilliklerle daha ayrıntılı bir şekilde süslendi. Sütunlarda sıklıkla Solomonik sütunun yerel bir yorumunu temsil eden büküm şaftları bulunuyordu. Bu sütunların arasına, genellikle rinceaux ile süslenmiş maksimalist korkuluklar yerleştirildi. Mogoșoaia Sarayı'ndan bazı örneklerde yunus motifleri de bulunmaktadır. Kartuşlar ara sıra, özellikle Constantin Brâncoveanu'nunki gibi mezar taşlarında kullanıldı. Bu mimari ve tasarım hareketi, saltanatı (1654-1714) gelişimiyle yakından ilişkili olan Eflak hükümdarı Constantin Brâncoveanu'dan adını alan Brâncovenesc tarzı olarak adlandırılmıştır. Tarz 18. yüzyıl boyunca ve 19. yüzyılın bazı kısımlarında da devam etti; bu dönemlerde boyarlar ve voyvodalar tarafından inşa edilen birçok kilise ve konut Brâncovenesc özelliklerini sergiledi. Açık Barok etkilere rağmen Brâncovenesc tarzı, yerel geleneklerden önemli ölçüde daha fazla ilham alıyor.

18. yüzyıl boyunca, Eflak ve Boğdan'daki Fenerli hükümdarlıkları sırasında (İstanbul'un Phanar kentindeki önde gelen Rum aileleri tarafından uygulanıyordu), Barok etkiler de İstanbul'dan geliyordu. Bu etkiler daha önce 17. yüzyılda ortaya çıkmış olsa da, Feneryot dönemi daha çok Batı Barok motiflerinin aktarılmasını kolaylaştırdı ve bu motifler Osmanlı İmparatorluğu'na ulaştıktan sonra günümüz Romanya topraklarına da ulaştı. Ayrıca Moldavya, İtalyan sanat geleneklerinden önemli ölçüde etkilenen bir bölge olan Rusya'dan Barok unsurlar almıştır.

Resim

Barok ressamlar kendilerini bilinçli olarak Rönesans ve sonraki Maniyerist dönem sanatçılarından ayırdılar. Paletlerinde yoğun, sıcak tonlar yer alıyordu ve ana renklere (kırmızı, mavi ve sarı) özellikle vurgu yapılıyordu ve genellikle yan yana koyuluyordu. Rönesans resminin tek tip aydınlatma özelliğinden kaçındılar, bunun yerine merkezi eylemleri veya figürleri vurgulamak için chiaroscuro'nun keskin kontrastlarını kullandılar. Kompozisyon olarak Rönesans'ın sakin tasvirlerinden ayrıldılar ve bunun yerine artan hareket ve dramatik yoğunluk anlarını tercih ettiler. Rönesans sanatında yaygın olan sakin yüz ifadelerinin aksine, Barok portreler duygusal durumları canlı bir şekilde aktarıyordu. Eylemi merkezin dışına konumlandıran ve dikey veya yatay eksenler yerine çapraz eksenler belirleyen asimetri sıklıkla kullanıldı, böylece bir istikrarsızlık ve dinamizm duygusu verildi. Bu hareket algısı, figürlerin rüzgarda uçuşan giysilerle veya dinamik jestlerle tasvir edilmesiyle daha da güçlendirildi. Kümülatif etki, derin bir hareket, duygu ve dramadan biriydi. Alegori, Barok resmin bir diğer temel yönünü oluşturuyordu; her çalışma, sıklıkla semboller ve alegorik figürler aracılığıyla kodlanmış ve bilgili bir izleyicinin deşifre etmesi beklenen bir anlatı ve mesaj taşıyordu.

İtalyan Barok kavramlarının resimdeki ilk tezahürleri, Annibale, Agostino ve Ludovico Carracci'nin görsel sanatları Rönesans'ın yapılandırılmış Klasisizm'i içinde yeniden kurmaya çalıştığı Bologna'da ortaya çıktı. Bununla birlikte sanatsal çıktıları, özellikle saf zekadan ziyade duyguyu yansıtacak şekilde tasarlanmış yoğun duygu ve dini ikonografi gibi Karşı Reformasyon'un temel ilkelerini de entegre ediyordu.

Michelangelo Merisi da Caravaggio, Barok çağın oldukça etkili bir ressamı olarak duruyor. Doğrudan canlı modellerden alınan ve kasvetli bir arka plan üzerinde dramatik bir şekilde aydınlatılan insan formunun gerçekçi tasviri, hem çağdaşlarını şaşırttı hem de resmin evriminde yeni bir aşamayı başlattı. Barok üslupla yakından bağlantılı diğer önemli sanatçılar arasında İtalya'da Artemisia Gentileschi, Elisabetta Sirani, Giovanna Garzoni, Guido Reni, Domenichino, Andrea Pozzo ve Paolo de Matteis; İspanya'da Francisco de Zurbarán, Bartolomé Esteban Murillo ve Diego Velázquez; Almanya'da Adam Elsheimer; ve Fransa'da Nicolas Poussin, Simon Vouet, Georges de La Tour ve Claude Lorrain (Poussin ve Lorrain kariyerlerinin çoğunu İtalya'da geçirmelerine rağmen). Ancak Poussin ve de La Tour, duyguya daha az vurgu yapılması ve renkten ziyade figürlerin doğrusallığına daha fazla odaklanılmasıyla karakterize edilen "klasik" Barok estetiği benimsedi.

Peter Paul Rubens, Flaman Barok tarzının önde gelen ressamı olarak ortaya çıktı. Rubens'in son derece dinamik kompozisyonları sıklıkla klasik ve Hıristiyan tarihinin bilgili yönlerine gönderme yapıyordu. Kendine özgü ve geniş çapta beğenilen Barok tarzı, Karşı Reform'un savunduğu acil ve dramatik sanatsal ilkelerle uyumlu olarak hareketi, rengi ve duygusallığı vurguladı. Rubens, mitolojik ve alegorik temaları içeren sunak resimleri, portreler, manzaralar ve tarihi tablolar yaratmada uzmanlaştı.

Barok resim sanatının önemli bir türü, kelimenin tam anlamıyla "gözü kandırmak" anlamına gelen bir teknik olan Quadratura veya trompe-l'œil'di. Bu sanat eserleri tipik olarak tavanların, üst duvarların ve korkulukların alçı yüzeylerine işlenerek aşağıdaki izleyiciler için hepsi simüle edilmiş gökyüzü ve mimari fanteziler karşısında melekler, azizler ve diğer ilahi figürlerin yaşadığı göksel alemlere bakıyormuş gibi bir yanılsama yaratıyordu.

17. yüzyıl İtalya'sında sanatçılar, iç tasarım projelerinde sıklıkla mimarlarla işbirliği yapıyordu. Pietro da Cortona, illüzyonist boyama tekniklerini kullanarak bu eğilimi örnekledi. En dikkate değer siparişleri arasında Urban VIII'in papalığını yüceltmek için tasarlanan Palazzo Barberini'nin (1633-39) freskleri vardı. Pietro da Cortona'nın bu kompozisyonları, Michelangelo'nun Sistine Şapeli'ndeki çalışmalarından bu yana Roma'da gerçekleştirilen en kapsamlı dekoratif freskleri temsil ediyordu.

François Boucher, geç Barok döneminde gelişen daha rafine Fransız Rokoko tarzında öne çıkan bir figür olarak ortaya çıktı. Resimlerinin ötesinde Boucher'in sanatsal katkıları duvar halıları, halılar ve tiyatro dekorasyonlarını da kapsıyordu. Eserleri Kral XV. Louis'in metresi Madame de Pompadour'dan büyük beğeni topladı. Boucher'in resimlerinde sıklıkla mitolojik, romantik ve incelikle erotik temalar işleniyordu.

Hispanik Amerika

Hispanik Amerika'da, ilk sanatsal etkiler Sevilla Tenebrizm'inden, özellikle de çalışmaları Meksika ve Peru'da korunan Zurbarán'dan kaynaklandı. Bu etki Meksikalı sanatçılar José Juárez ve Sebastián López de Arteaga ile Bolivyalı Melchor Pérez de Holguín'in eserlerinde açıkça görülüyor. Cusco Resim Okulu, Maniyerizmi Amerika'ya tanıtan İtalyan ressam Bernardo Bitti'nin 1583'te gelişinden sonra ortaya çıktı. Bu okulun önemli sanatçıları arasında İtalyan Angelino Medoro'nun öğrencisi ve Andahuaylillas'taki San Pedro Kilisesi'ndeki duvar resimlerinin yaratıcısı Luis de Riaño yer alıyor. Cusco Katedrali'nin yüksek kemerlerini süsleyen elli büyük tuval üreten Marcos Zapata'nın yanı sıra yerli (Quechua) ressamlar Diego Quispe Tito ve Basilio Santa Cruz Pumacallao da öne çıktı. Ekvador'da, öncelikle mestizo Miguel de Santiago ve criollo Nicolás Javier de Goríbar tarafından temsil edilen Quito Okulu gelişti.

18. yüzyılda Amerika'daki heykelsi sunaklar giderek yerini tablolara bıraktı ve bölgedeki Barok resim sanatı önemli ölçüde ilerledi. Eş zamanlı olarak laik komisyonlara, özellikle de aristokrasinin ve dini şahsiyetlerin portrelerine olan talep de arttı. Baskın sanatsal etki Murillesque'ti, ancak criollo Cristóbal de Villalpando gibi bazı durumlarda Juan de Valdés Leal'in tarzı da belirgindi. Bu döneme ait resimler, daha yumuşak formlar ve daha tatlı bir renk paleti içeren, daha duygusal bir kaliteyle karakterize edilir. Başlıca temsilcileri arasında Kolombiya'dan Gregorio Vasquez de Arce y Ceballos ve Meksika'dan Juan Rodríguez Juárez ve Miguel Cabrera yer alıyor.

Heykel

Gian Lorenzo Bernini, Barok heykel sanatının önde gelen figürü olarak duruyor. Papa Urban VIII'in himayesi altında Bernini, azizleri ve diğer figürleri tasvir eden, yüz özellikleri ve jestlerle canlı duygusal ifadelerle karakterize edilen olağanüstü bir dizi anıtsal heykel üretti. Eserleri arasında ayrıca olağanüstü derecede gerçekçi portre büstleri ve Aziz Petrus Bazilikası'nın kubbesinin altında yer alan heybetli Aziz Petrus Sandalyesi gibi Vatikan için ayrıntılı dekoratif çalışmalar yer alıyor. Ayrıca Bernini, Roma'nın ana meydanlarını süsleyen anıtsal heykel gruplarının yer aldığı çeşmeler tasarladı ve tasarladı.

Barok heykel, antik Roma heykellerinden, özellikle de 1506'da keşfedilen ve daha sonra Vatikan galerisinde sergilenen ünlü MS 1. yüzyıl eseri Laocoön ve Oğulları'ndan önemli ölçüde ilham aldı. 1665 yılındaki eserinde şöyle anlatmıştı: "İlk heykelimle başım belaya girdiğinde, bir kahin gibi Antinous'a danıştım." Bu özel Antinous heykeli artık Museo Pio-Clementino'nun Hermes'i olarak tanımlanıyor.

Son dönem Fransız Barok heykeltıraşları arasında Étienne Maurice Falconet ve Jean Baptiste Pigalle yer alıyor. Pigalle, Büyük Frederick'ten, Frederick'in Versailles uyarlaması olan Almanya'nın Potsdam kentinde Sanssouci için heykeller yapması için bir sipariş aldı. Falconet ayrıca St. Petersburg'da bulunan ünlü Büyük Petro'nun Bronz Süvari heykelinin yapımını gerçekleştiren önemli bir uluslararası projeyi de üstlendi.

İspanya'da heykeltıraş Francisco Salzillo, çok renkli ahşap kullanarak çalışmasını yalnızca dini temalara adadı. En seçkin Barok heykel sanatlarından bazıları, Yeni Dünya'daki İspanyol kolonilerinin kiliselerindeki, yerli zanaatkarlar tarafından yapılan yaldızlı alçı sunaklardan ortaya çıktı. Dikkate değer bir örnek, 1724 ile 1731 yılları arasında tamamlanan Meksika'nın Puebla kentindeki Şapel del Rosario'dur.

Mobilya

Öne çıkan dekoratif motifler arasında bereket boynuzları, fistolar, puttiler, metal halkaları kavrayan aslan başları, çelenk çerçeveli kadın yüzleri, oval kartuşlar, akanthus yaprakları, klasik sütunlar, karyatidler, alınlıklar ve genellikle mobilyaların üzerine oyulmuş Klasik mimarinin diğer unsurları yer alıyordu. Ek süslemeler arasında meyveler veya çiçeklerle dolu sepetler, deniz kabukları, zırhlar ve ödüller, Apollon veya Bacchus kafalarının tasvirleri ve C şeklindeki volütler yer alıyordu.

XIV. Louis'nin saltanatının başlarında, mobilya tasarımları, önemli formlar ve heykel ve yaldızlar aracılığıyla kapsamlı süslemelerle karakterize edilen önceki Louis XIII tarzını büyük ölçüde sürdürüyordu. 1680'den sonra, büyük ölçüde mobilya tasarımcısı André-Charles Boulle'a atfedilebilen ve bazen Boulle işi olarak anılan, belirgin bir şekilde orijinal ve rafine bir estetik ortaya çıktı. Bu tarz, Boulle ve XIV. Louis'nin hizmetinde olan çağdaşlarının titizlikle geliştirip geliştirdiği, 15. yüzyıl Floransa'sında ortaya çıkan bir teknik olan abanoz ve diğer egzotik kerestelerden oluşan kakmaya dayanıyordu. Mobilya parçaları abanoz, bakır ve çeşitli çok renkli egzotik ahşaplardan yapılmış işlemeli plakalarla süslenmişti.

Bu dönem, birçok yeni ve çoğu zaman kalıcı mobilya tipolojilerinin tanıtımına tanık oldu. İki ila dört çekmeceli komodin, geleneksel sandalyenin yerini aldı. Kanepe veya kanepe, tipik olarak iki veya üç koltuğu birleştiren kompozit bir form olarak ortaya çıktı. Yeni koltuk tasarımları da hayata geçirildi, özellikle de sırt dayanağının her iki yanında yer alan yastıklı minderlerle öne çıkan fauteuil en itiraflı veya "Günah çıkarma koltuğu". Konsol masası da özellikle duvara yerleştirilmek üzere tasarlandı. Ayrıca, yemek servisi için tasarlanmış mermer kaplı bir masa olan table à gibier de bir başka yeniliği temsil ediyordu. Masanın ilk versiyonları da ortaya çıktı; Örneğin Mazarin masasında, her biri dört ayakla desteklenen iki çekmece sütunu arasında yer alan girintili bir orta bölüm bulunuyordu.

Müzik

Barok unvanı da benzer şekilde Barok sanatıyla eş zamanlı bir dönemde yaygın olan müzik tarzını belirtir. Başlangıçta 'barok' terimi müziğe eleştirel bir bağlamda uygulandı. Jean-Philippe Rameau'nun Hippolyte et Aricie adlı eserinin Mayıs 1734'te Mercure de France'da yayınlanan Ekim 1733 galasına ilişkin anonim, hicivli bir eleştiri, operanın yeniliğinin "du barocque" olduğunu ileri sürdü. Eleştirmen, müziğin tutarlı bir melodiden yoksun olduğu algısından, sürekli uyumsuzlukların bolluğundan, ton ve ölçülerde sık sık değişiklik yapılmasından ve çeşitli kompozisyon tekniklerinin hızla uygulanmasından yakındı. Seçkin bir müzisyen, besteci ve filozof olan Jean-Jacques Rousseau, 1768 yılında Denis Diderot'nun ünlü Encyclopédie'sinde benzer bir değerlendirmeyi dile getirmişti: "Barok müzik, modülasyonlar ve uyumsuzluklarla dolu, karışık bir armoni ile karakterize edilir. Ses aktarımı sert ve doğal değildir, tonlama zorludur ve hareket kısıtlıdır. Görünüşe göre bu terim, tarafından kullanılan 'baroco' kelimesinden türemiştir. mantıkçılar."

Bu terimin Curt Sachs'a atfedilerek dönemin müziğine yaygın şekilde uygulanması ancak 1919'da başladı ve İngilizce'de ilk kez 1940'ta Manfred Bukofzer tarafından yayınlanan bir makalede kullanıldı.

Barok dönemi, müzisyenler tarafından süsleme ve doğaçlamanın yaygın olarak kullanıldığı önemli bir müzikal deney ve yenilik dönemini temsil ediyordu. Konçerto ve sinfonia gibi yeni formlar tasarlandı. Opera, 16. yüzyılın sonlarında İtalya'da ortaya çıktı; Jacopo Peri'nin büyük ölçüde kayıp Dafne'siyle örneklendirildi; ilk kez 1598'de Floransa'da sahnelendi ve daha sonra Avrupa'ya yayıldı. Louis XIV, özellikle Kraliyet Müzik Akademisi'nin açılışını kurdu. 1669'da şair Pierre Perrin, Paris'te Fransa'nın ilk halka açık opera tiyatrosu olan bir opera akademisinin açılışını yaptı ve Pomone'un prömiyerini yaptı. Robert Cambert tarafından bestelenen bu eser, beş perde, karmaşık sahne makineleri ve bir bale içeren Fransızca'daki ilk büyük operayı işaret ediyordu. Almanya'da Heinrich Schütz, Fransa'da Jean-Baptiste Lully ve İngiltere'de Henry Purcell gibi tanınmış besteciler, 17. yüzyılda kendi ulusal müzik geleneklerini sağlamlaştırmada etkili oldular.

Bu dönemde, başta piyano olmak üzere birçok yeni müzik enstrümanı ortaya çıktı. Piyanonun icadı, Toskana Büyük Prensi Ferdinando de' Medici'ye Enstrümanların Bekçisi olarak hizmet eden Padua, İtalya'dan Bartolomeo Cristofori'ye (1655-1731) atfedilir. Cristofori başlangıçta bu enstrümanı un cimbalo di cipresso di piyano e forte ("yumuşak ve gürültülü bir selvi klavyesi") olarak adlandırdı; bu isim daha sonra pianoforte, fortepiano ve sonunda basitçe piyano olarak kısaltıldı.

Besteciler ve örnekler

• Giovanni Gabrieli (c. 1554/1557–1612) Sonata pian' e forte (1597) ve In Ecclesiis'i (Symphoniae sacrae kitap 2, 1615'ten) besteledi.
• Cristóbal de Medrano (c. 1561 – 1597), voce mea cum sex vocibus (1594) ile tanınır.
• Giovanni Girolamo Kapsperger (c. 1580–1651) 1610'da Libro primo di villanelle, 20'yi yayınladı.
• Claudio Monteverdi (1567–1643) L'Orfeo, favola in musica'yi (1610) yarattı.
• Heinrich Schütz (1585–1672), Musikalische Exequien'i (1629, 1647, 1650) besteledi.
• Francesco Cavalli (1602–1676), L'Egisto (1643), Ercole amante (1662) ve Scipione affricano (1664) dahil olmak üzere operaların yapımcılığını üstlendi.
• Johann Jacob Froberger (1616–1667), Simone Stella tarafından icra edilen "Harpsichord ve Organ için Tam Müzik" ile ilişkilidir.
• Jean-Baptiste Lully (1632–1687), Armide (1686) operasını besteledi.
• Marc-Antoine Charpentier (1643–1704), Te Deum (1688–1698) adlı eseriyle tanınır.
• Heinrich Ignaz Franz Biber (1644–1704), Gizemli Sonatları (1681) yarattı.
• John Blow (1649–1708), Venüs ve Adonis'i (1680–1687) besteledi.
• Johann Pachelbel (1653–1706), Canon in D (1680) adlı eseriyle tanınır.
• Arcangelo Corelli (1653–1713) 12 büyük konseri Op. 6, 1714'te.
• Marin Marais (1656–1728), Sonnerie de Ste-Geneviève du Mont-de-Paris'i (1723) besteledi.
• Henry Purcell (1659–1695), Dido ve Aeneas (1688) operasıyla tanınır.
• Alessandro Scarlatti (1660–1725), L'honestà negli amori (1680), Il Pompeo (1683) ve Mitridate Eupatore (1707) dahil olmak üzere birçok opera besteledi.
• François Couperin (1668–1733), Les barricades mystérieuses (1717) adlı eseriyle tanınır.
• Tomaso Albinoni (1671–1751) Didone abbandonata'yı (1724) besteledi.
• Antonio Vivaldi (1678–1741), Dört Mevsim (1725) filmiyle anılır.
• Jan Dismas Zelenka (1679–1745), Il Serpente di Bronzo (1730) ve Missa Sanctissimae Trinitatis (1736) gibi eserler besteledi.
• Georg Philipp Telemann (1681–1767), Der Tag des Gerichts'i (1762) yarattı.
• Johann David Heinichen (1683–1729).
• Jean-Philippe Rameau (1683–1764), Dardanus'u (1739) besteledi.
• George Frideric Handel (1685–1759), Su Müziği (1717), Kraliyet Havai Fişekleri için Müzik (1749) ve Mesih (1741) gibi bestelerle ünlüdür.
• Domenico Scarlatti (1685–1757), klavsen için yazdığı çok sayıda Sonatla tanınır.
• Johann Sebastian Bach (1685–1750), Re minör Toccata ve Füg (1703–1707), Brandenburg Konçertosu (1721) ve St Matthew Passion (1727) gibi önemli eserler besteledi.
• Nicola Porpora (1686–1768) Semiramide riconosciuta'yı (1729) besteledi.
• Giovanni Battista Pergolesi (1710–1736), Stabat Mater (1736) adlı eseriyle tanınır.

Dans.

Klasik bale Barok dönemde ortaya çıktı. Marie de' Medici, saray dansı stilini Fransa'ya tanıttı; burada başlangıçta mahkeme üyeleri dansçı olarak görev yaptı. Louis XIV, özellikle çeşitli halk balelerinde sahne aldı. Mart 1662'de Kral, ilk profesyonel dans okulu ve topluluğu haline gelen Académie Royale de Danse'yi kurdu ve böylece o dönemde Avrupa'da balenin temel standartlarını ve kelime dağarcığını oluşturdu.

Edebiyat teorisi.

Heinrich Wölfflin, "Barok" teriminin edebiyata uygulanmasına öncülük etti. "Kibir" (concetto), "nükte" (acutezza, ingegno) ve "merak" (meraviglia) dahil olmak üzere Barok edebiyat teorisinin temel ilkeleri, Emanuele Tesauro'nun Il Cannocchiale aristotelico'sinin 1654'te yayımlanmasıyla tam teorik ifadelerine kavuştu. Aristoteles Teleskobu). Giambattista Marino'nun destanı Adone'den ve İspanyol Cizvit Baltasar Gracián'ın felsefi katkılarından ilham alan bu etkileyici inceleme, hem sanatsal bir yapı hem de gerçeği kavramanın epistemolojik açıdan üstün bir aracı olarak aynı anda işlev gören, evrensel bir imge dili ve olağanüstü bir entelektüel çaba olarak bir metafor teorisi geliştirdi.

Barok'ta Orta Avrupa Dramaturjisi.

Walter Benjamin'in analizi Alman Trajik Dramasının Kökeni'nde sunulan Barok Dönemi, o dönem için herkesin bildiği gibi zorlu ama bir o kadar da saygın bir tarihsel referans noktası olarak duruyor. Görünüşte Barok tiyatroya odaklanmış olsa da, çalışmanın içeriği oldukça çeşitli ve karmaşıktır ve geniş bir tarihsel malzeme dizisini kapsamaktadır. Bu geniş kapsama rağmen, dikkatini öncelikle Orta Avrupa'ya, özellikle de Almanya'ya yöneltiyor, ancak zaman zaman Kutsal Roma İmparatorluğu'ndaki Avusturyalılara ve hatta Habsburg İmparatoru Ferdinand yönetimindeki İspanyollara da atıfta bulunuyor.

Benjamin'in analizinin temel argümanlarından biri, Barok çağın Otuz Yıl Savaşları'nın yaygın travmatik şiddetine doğrudan bir tepki olarak ortaya çıktığını öne sürüyor. Reformasyon'un şiddetli doruğuna işaret eden bu çatışma, esas olarak Kutsal Roma İmparatorluğu içinde çekişilmesine rağmen neredeyse tüm Avrupa uluslarını içeriyordu. İngiltere ve Rusya (her ikisi de dolaylı olarak etkilenmiş veya dahil olmuş olsalar da) hariç olmak üzere tüm önemli güçler, güçlerini bu savaş alanına konuşlandırdılar.

Walter Benjamin'in Köken hakkındaki çalışmasında, çağın kendine özgü kültürel üretimi - neredeyse patolojik veya en azından tarihsel olarak anormal ve yoğun ayrıntı detaylandırması, yinelenen iç içe geçme eğilimi ve hatta bir korku boşluğu ile karakterize edilen - psikolojik bir savunma mekanizması veya konu dışına çıkan bir şey olarak yorumlanır. Yaygın terör ve anominin bastırılması. Bu, daha önce Roma'daki Batı Kilisesi tarafından somutlaştırılan sembolik olarak aşkın otoritenin dağılmasından kaynaklandı; bu kilisenin kurumları ve affın ritüel biçimleri, yönetim ve toplumsal kontrolde uzun süredir kıtasal üstünlük sağlamıştı. Bu tarihsel değişim çeşitli şekillerde 'Hıristiyanlığın parçalanması' veya daha iyimser bir ifadeyle modernitenin doğuşu ve ardından kapitalist hegemonyanın yükselişi olarak adlandırılmıştır; bu bakış açısı Max Weber ve aralarında Hugh Trevor-Roper'ın Onyedinci Yüzyılın Krizi ve Avrupa Cadı Çılgınlığı hakkındaki önde gelen çalışması da bulunan diğer akademisyenler tarafından da paylaşılmıştır.

Tiyatro

Barok dönem, Fransa ve İspanya'da tiyatronun geliştiği bir dönemi temsil ediyordu; Önemli oyun yazarları arasında Fransa'da Corneille, Racine ve Molière ile İspanya'da Lope de Vega ve Pedro Calderón de la Barca yer alıyordu.

Barok dönemde tiyatro sanatı ve tarzı, opera ve balenin ortaya çıkışıyla eş zamanlı olarak hızlı bir evrim geçirdi. Daha yeni ve daha büyük tiyatroların tasarımı, daha ayrıntılı sahne makinelerinin uygulanması ve sahneyi çerçeveleyen ve mekanizmalarını seyirciden gizleyen sahne önü kemerinin yaygın olarak benimsenmesi, daha ayrıntılı manzara efektlerinin ve daha görkemli gösterilerin yaratılmasını teşvik etti.

İspanya'da Barok dönem, Rönesans'ın İtalyan edebi modellerinden ilham alan Katolik ve muhafazakar değerler sistemiyle karakterize edildi. Hispanik Barok tiyatrosu, izleyicilerine idealize edilmiş bir gerçeklik sunmayı amaçladı ve üç temel duyguyu bünyesinde barındırdı: Katolik dindarlığı, monarşik ve ulusal gurur ve şövalyelik geleneğinden gelen onur.

İspanyol Barok tiyatrosu, sınır noktası 1630 olarak belirlenen tipik olarak iki döneme ayrılır. İlk dönem ağırlıklı olarak Lope de Vega ile ilişkilendirilir, ancak aynı zamanda Tirso de Molina, Gaspar Aguilar, Guillén de'nin katkılarını da içerir. Castro, Antonio Mira de Amescua, Luis Vélez de Guevara, Juan Ruiz de Alarcón, Diego Jiménez de Enciso, Luis Belmonte Bermúdez, Felipe Godínez, Luis Quiñones de Benavente ve Juan Pérez de Montalbán. Sebastián Francisco de Medrano tarafından kurulan ünlü Medrano Akademisi gibi bu dönemin çok sayıda figürü academiasliterarias'a (edebiyat akademileri) katıldı. Sonraki dönem Pedro Calderón de la Barca ve Antonio Hurtado de Mendoza, Álvaro Cubillo de Aragón, Jerónimo de Cáncer, Francisco de Rojas Zorrilla, Juan de Matos Fragoso, Antonio Coello y Ochoa, Agustín Moreto ve Francisco Bances Candamo gibi oyun yazarları da dahil olmak üzere çağdaşları tarafından örneklenmiştir. Bireysel yazarlar sıklıkla benzersiz stiller geliştirirken, zaman zaman Lope'un oluşturduğu dramatik geleneklere uyum sağladıklarından, bu sınıflandırmalar değişkendir. Aslında Lope'un yaklaşımı Calderon'unkinden daha liberal ve yapısal olarak tanımlanmış olabilir.

1609 tarihli incelemesinde, Arte nuevo de hacer comedias en este timempo, Lope de Vega yeni komedi kavramını başlattı. Bu yeni dramatik paradigma, İtalyan şiir geleneğinin üç Aristotelesçi birliğine (eylem, zaman ve mekan) olduğu kadar, stile ilişkin dördüncü bir Aristotelesçi birliğe de meydan okudu. Trajik ve komik unsurların bütünleştirilmesini ve temsil edilen içeriğe uyacak şekilde çeşitli şiir biçimlerinin ve kıtaların konuşlandırılmasını savundu. Lope'un plastik sanatlar konusundaki kapsamlı bilgisine rağmen, kariyerinin büyük bir bölümünde bunları teatral çalışmalarına veya senaryolarına dahil etmekten büyük ölçüde kaçındı. Lope'un komedi tarzı sonuç olarak teatral temsilin görsel boyutlarını ikincil bir role indirdi.

Tirso de Molina, Lope de Vega ve Calderon, İspanya'nın Altın Çağı'nın önde gelen oyun yazarlarıydı. İnce zekaları ve insanlık durumuna dair derin içgörüleriyle öne çıkan edebi katkılarının, Lope'un önceki komedi biçimleriyle Calderon'un daha sofistike dramatik tarzı arasında köprü oluşturduğu düşünülüyor. Tirso de Molina öncelikle iki eseriyle tanınır: Hükümlü Şüpheler ve Seville Düzenbazı; sonuncusu özellikle Don Juan mitinin en eski yorumlarından birini içerir.

Cosimo Lotti, Madrid'e vardığında İspanyol sarayını Avrupa'nın en gelişmiş tiyatro teknikleriyle tanıştırdı. Mekanik ve teatral tasarım konusundaki uzmanlığı, "Fiestas" olarak bilinen saray gösterilerine ve "Naumaquias" adı verilen yapay nehirler veya çeşmelerin yer aldığı ayrıntılı su gösterilerine uygulandı. Lotti ayrıca Buen Retiro, Zarzuela ve Aranjuez Bahçelerinin tasarımından ve Coliseo del Buen Retiro tiyatrosunun inşaatından da sorumluydu. Lope de Vega'nın, yeni ortaya çıkan saray tiyatrosuna daha az uygun bir şiir tarzıyla karakterize edilen yerleşik dramatik gelenekleri, yavaş yavaş yerini yeni kavramsal çerçevelere bırakarak Calderon de la Barca gibi oyun yazarlarının kariyerlerini teşvik etti. 'Yeni Komedi'nin (çoğunlukla Lope'la ilişkilendirilen) yeniliklerini temel alan Calderon'un tarzı, titiz yapısal tasarımı ve iç tutarlılığa gösterdiği özen ile farkını ortaya koydu. Calderon'un yapıtları biçimsel mükemmellik ve son derece lirik, sembolik bir dil ile karakterize edilir. Lope'un çalışmalarının doğasında var olan özgürlük, canlılık ve açıklık, Calderon'un entelektüel yansıma ve biçimsel kesinlik üzerindeki vurgusuna dönüştü. Komedilerinde ideolojik ve doktrinsel niyetler sıklıkla tutku ve eylemin yerini aldı; *Autos sacramentales* (kutsal oyunlar) önemli bir sanatsal şöhrete ulaştı. *Komedya* türünün kendisi doğası gereği politik, çok sanatsal ve melez bir yapıya sahipti. Şiirsel metni mimariden, müzikten ve resimden alınan çeşitli medya ve kaynaklarla iç içe geçmiş ve böylece Lope'un genellikle minimal sahnelere dayanan ve öncelikli olarak diyalog ve aksiyonla meşgul olan komedilerinin daha basit teatral yanılsamasını aşmıştır.

En önde gelen Alman oyun yazarı, Hollandalı Joost van den Vondel ve Pierre Corneille'den etkilenen Cizvit dramatik modelini benimseyen Andreas Gryphius'tur. Bir diğer dikkate değer isim ise İngiliz komedi grupları ve *commedia dell'arte* geleneklerini Corneille ve Molière'in klasik Fransız tiyatrosuyla sentezleyen Johannes Velten'di. Tur şirketi tartışmasız 17. yüzyılın en önemli şirketi olarak kabul ediliyor.

Önde gelen İtalyan Barok trajedi yazarı Federico Della Valle'ydi. Edebi üretimi öncelikle saray tiyatrosu için bestelenen dört oyunla tanımlanır: trajikomedi Adelonda di Frigia (1595) ve özellikle üç trajedi içerir: Judith (1627), Esther (1627) ve La reina di Scotia (1628). Della Valle'nin etkisi, Barok estetiğini Cizvitlerin didaktik hedefleriyle kendi eserlerinde bütünleştiren çok sayıda taklitçi ve takipçiye (örneğin, Francesco Sforza Pallavicino, Girolamo Graziani) kadar uzanıyordu.

Rusya Çarlığı'nda, Barok tarzın Rus tezahürü, büyük ölçüde Rusya'nın Çar Alexis'in Rusya'da bir saray tiyatrosu kurma girişiminin teşvikiyle ancak 17. yüzyılın ikinci yarısında ortaya çıktı. 1672. Tiyatronun yönetmeni ve oyun yazarı, Artaxerxes'in Eylemi başlıklı 10 saatlik bir oyunun yazarı olan Alman-Rus Lutherci papaz Johann Gottfried Gregorii idi. Polotsklu Symeon ve Rostovlu Demetrius'un dramaturjik eserleri de Rus Barok tiyatrosuna önemli katkılar sağladı.

İspanyol Sömürge Amerikası

İspanya'da oluşturulan yörüngeyi takip ederek, 16. yüzyılın sonlarına doğru, İspanyol sömürge Amerikası'ndaki gezici tiyatro toplulukları bir profesyonelleşme sürecine başladı. Bu profesyonelleşmeye artan düzenleme ve sansür eşlik etti. Avrupa'ya benzer şekilde, kolonilerdeki tiyatro, Kilise tarafından reddedilme (istisnalar hariç) veya doğrudan zulmün yanı sıra hoşgörü, hatta hükümetin himayesi dönemleri yaşadı. Yetkililer tiyatroyu istenen davranışları yaymak, sosyal düzene ve monarşiye saygıyı güçlendirmek ve dini dogmayı aşılamak için didaktik bir araç olarak kullandı.

Corales hastanelere fayda sağlamayı başardı ve hastaneler daha sonra gösterilerden elde edilen geliri paylaştı. "Lig" olarak da bilinen gezici tiyatro toplulukları, kalıcı mekanların bulunmadığı bölgelerde doğaçlama açık hava sahnelerinde performans sergilediler ve faaliyet göstermek için genel valilik lisansına ihtiyaç duydular. Bu lisansın ücreti veya pinción, hayır amaçlı bağışlara ve dini faaliyetlere tahsis edildi. Başkentlerde ve büyük şehirlerde kurulan şirketler için birincil gelir kaynağı, hem finansal kazanç hem de önemli sosyal tanınma sağlayan Corpus Christi şenliklerine katılımlarıydı. Genel vali sarayında ve aristokrat mülklerinde, hem standart repertuvar komedileri hem de geniş ışıklandırma, sahne ve sahnelemeyle ayrıntılı özel prodüksiyonlar içeren performanslar da kazançlı ve saygın bir istihdam fırsatı oluşturdu.

Daha sonra İspanya'da ikamet eden ve daha sonra İspanya'da ikamet eden Yeni İspanya Valiliği yerlisi Juan Ruiz de Alarcón, Yeni İspanyol Barok tiyatrosunun önde gelen figürü olarak duruyor. Akademisyenler, onu İspanyol çağdaşlarından ayıran ayırt edici özelliklerini, Lope de Vega'nın yeni komedi tarzına uyum sağlaması, belirgin bir laiklik, kayda değer sağduyu ve kısıtlama ve derin bir psikolojik içgörü kapasitesi olarak tanımladılar. Önemli eserleri arasında, onun tutarlı ahlak dersi verme niyetini örnekleyen, karakter odaklı bir komedi olan La verdad sospechosa yer alır. Sor Juana Inés de la Cruz'un dramatik performansı, onu İspanyol-Amerikan Barok tiyatrosunun en etkili ikinci figürü haline getiriyor. Dikkate değer eserleri arasında kutsal El divino Narciso ve komedi Los empeños de una casa yer alıyor.

Bahçeler

Alternatif olarak jardin à la française veya Fransız resmi bahçesi olarak da adlandırılan Barok bahçe, 16. yüzyılda Roma'da ortaya çıktı ve en ünlü ifadesine 17. yüzyıl Fransa'sında, özellikle de Vaux le Vicomte bahçelerinde ve Versailles Sarayı'nda ulaştı. Almanya, Hollanda, Avusturya, İspanya, Polonya, İtalya ve Rusya'daki hükümdarlar ve aristokratlar, 18. yüzyılın ortalarına kadar Barok bahçeler yaptırdı. Bu noktada çoğu, daha doğal İngiliz peyzajlı bahçe stiline göre yeniden yapılandırıldı.

Barok bahçeler, insanın doğa üzerindeki hakimiyetini sembolize etmek ve patronlarını yüceltmek için tasarlandı. Bu bahçeler, genellikle büyük bir konutun iç bölümlerine benzeyen geometrik düzenlere sahipti. En iyi görüntüleme genellikle şato veya teras gibi yüksek bir görüş noktasından manzaraya yukarıdan bakıldığında elde ediliyordu. Barok bir bahçenin temel bileşenleri arasında, süslü tasarımlara titizlikle kesilmiş çiçek yatakları veya alçak çitlerden oluşan karmaşık düzenlemelerden oluşan parterler ve bahçeyi bölümlere ayıran ve boydan boya geçen düz çakıl şeritler ve sokaklar yer alıyordu. Teraslar, rampalar, merdivenler ve basamaklar, yükseklik farklılıklarına uyum sağlamak ve farklı izleme perspektifleri sunmak için stratejik olarak birleştirildi. Dairesel veya dikdörtgen göletler ve su havuzları, çeşmeler ve heykeller için ortam görevi görüyordu. Özenle bakımlı korulardan veya tekdüze ağaç sıralarından oluşan bosketler, yeşil duvarların yanılsamasını yarattı ve heykeller için arka plan sağladı. Bu bahçelerin çevresinde genellikle köşkler, limonluklar ve ziyaretçilere güneşten veya yağmurdan korunma olanağı sağlayan diğer yapılar bulunuyordu.

Barok bahçelerin bakımı, önemli miktarda bahçıvan iş gücü, sürekli budama ve geniş su kaynakları gerektiriyordu. İkinci Barok dönemde, biçimsel unsurların yavaş yavaş yerini daha doğal özelliklere bırakmasıyla bir değişim meydana geldi. Bu yeni eklemeler arasında dolambaçlı yollar, kesilmemiş ağaçlardan oluşan çeşitli korular, rustik mimari unsurlar ve Roma tapınakları veya Çin pagodaları gibi pitoresk yapılar yer alıyordu. Ayrıca, ana bahçenin çevresinde, yeşilliklerle dolu, kitap okumak veya özel sohbetler için tenha alanlar sağlayan "gizli bahçeler" ortaya çıktı. 18. yüzyılın ortalarına gelindiğinde, Barok bahçelerin çoğunluğu kısmen veya tamamen İngiliz peyzaj bahçesi tarzının uyarlamalarına dönüşmüştü.

Versailles ve Vaux-le-Vicomte'un ötesinde, orijinal tasarımlarını büyük ölçüde koruyan diğer ünlü Barok bahçeler arasında İtalya'nın Napoli yakınındaki Caserta Kraliyet Sarayı; Almanya'nın Brühl kentindeki Nymphenburg Sarayı ve Augustusburg ve Falkenlust Sarayları; Hollanda'daki Het Loo Sarayı; Avusturya'nın Viyana kentindeki Belvedere Sarayı; İspanya'daki La Granja de San Ildefonso Kraliyet Sarayı; ve St. Petersburg, Rusya'daki Peterhof Sarayı.

Şehir Planlama ve Tasarım

16. yüzyıldan 19. yüzyıla kadar Avrupa şehirleri, kentsel tasarım ve planlama ilkelerinde önemli dönüşümler geçirerek, peyzajlarını ve yapılı çevrelerini temelden değiştirdi. Roma ve Paris gibi büyük kent merkezleri, konut, ulaşım altyapısı ve kamu hizmetlerindeki gelişmeler yoluyla artan nüfusları destekleyecek şekilde yeniden yapılandırıldı. Bu dönemde, yaygın Barok üslup, kentsel gelişimi derinden etkilemiş ve ayrıntılı, dramatik ve sanatsal mimari unsurları şehrin dokusuna entegre eden Barok şehir planlaması olarak ortaya çıkmıştır. Bu şehirlerin tasarımı, sakinleri ve yayaları için Barok estetiğin duygusal ihtişam özelliğini uyandırmayı ve tamamlamayı amaçladı. Bu planlama metodolojisi sıklıkla, kentsel peyzajın görsel ve sembolik odak noktaları olarak işlev gören öne çıkan yapılarla, yönetici otoritelerin gösterişli zenginlik ve güç gösterisini vurguladı.

16. yüzyılda Papa Sixtus V, Roma için şehri canlandıran ve genişleten kapsamlı bir kentsel yenileme projesi başlattı. Çok sayıda büyük meydan ve meydan kamusal alan olarak bir araya getirilerek Barok tarzın doğasında bulunan dramatik etki artırıldı. Bu meydanlar, dönemin hakim duygularını yansıtacak şekilde tasarlanmış çeşmeler ve çeşitli dekoratif unsurlarla süslenmiştir. Barok planlamanın temel ilkesi, kiliseleri, hükümet binalarını ve meydanları birbirine bağlamak için karmaşık bir eksen ağı kurmayı içeriyordu. Bu stratejik düzenleme, Katolik Kilisesi'nin önemli simge yapılarını kentsel çevredeki birincil odak noktaları olarak konumlandırdı.

Barok şehir planlamasının ek özellikleri Barselona'da belirgindir. Ildefons Cerdà tarafından tasarlanan Eixample bölgesi, birkaç çapraz bulvarla tamamlanan, ızgara şeklinde düzenlenmiş geniş caddelere sahiptir. Ayırt edici sekizgen blok kavşakları sokak görünürlüğünü ve doğal ışığı artırır. Bu bölgedeki çok sayıda mimari eser, kendine özgü tarzıyla tanınan Antoni Gaudí tarafından yaratılmıştır. Gaudí tarafından tasarlanan Sagrada Familia, Eixample bölgesinin planında merkezi bir konuma sahiptir ve şehir için derin bir öneme sahiptir.

Gelecek kuşak

Rokoko'ya Geçiş

Rokoko, Barok dönemin son aşamasını temsil eder ve çoğunlukla yanılsama ve dramatik etki gibi temel ilkelerini en uç tezahürlerine kadar genişletir. Louis XIV'in Versailles Sarayı'ndaki sarayında yaygın olan gösterişli Barok ihtişamına stilistik bir karşı nokta olarak Fransa'da ortaya çıkan Rokoko hareketi, sonraki hükümdar Louis XV'in metresi olan etkili Madame de Pompadour (1721–1764) ile dikkate değer bir şekilde bağlantılı hale geldi. (1710–1774). Sonuç olarak stile Pompadour da deniyordu. Louis XV'in hükümdarlığıyla olan güçlü ilişkisine rağmen, stilin ortaya çıkışı bu dönemden önceye dayanıyor. Louis XIV'in saltanatının son yıllarına ait çeşitli sanatsal yaratımlar, erken dönem Rokoko özelliklerini örneklemektedir. Hareketin adı, tarihsel olarak mağara içlerini süslemek için kullanılan taşları ve kabukları ifade eden, "çakıl taşı" anlamına gelen Fransızca rocaille teriminden gelmektedir; benzer kabuk motifleri daha sonra Rokoko tasarımının ayırt edici özelliği haline geldi. Başlangıçta tasarım ve dekoratif sanatlarda bir stil olarak ortaya çıkan bu stil, zarif, eğrisel formlarıyla farklılaştı. Etkisi daha sonra mimariye yayıldı, ardından resim ve heykel geldi. Fransız ressam Jean-Antoine Watteau, özellikle 18. yüzyılın başlarında öne çıkan pastoral sahneleri veya fêtes galantes'i nedeniyle sıklıkla Rokoko terimiyle anılır.

Rokoko ve Barok stilleri birçok ortak noktayı paylaşıyor. Her iki sanatsal hareket de, sürekli mekansal düzenlemeleri, eşleştirilmiş sütunları veya pilasterleri ve sıklıkla yaldızlı bileşenleri içeren zengin malzemeleri içeren anıtsal formları vurgulamaktadır. Bununla birlikte belirgin farklılıklar da görülmektedir. Rokoko tasarımcıları, Rönesans'tan bu yana mimariyi ve tasarımı karakterize eden simetriye sıkı sıkıya bağlı kalmaktan uzaklaştılar. Sonuç olarak, çeşitli süs unsurlarının yanı sıra mürekkep kapları ve porselen figürler gibi çok sayıda küçük nesne sıklıkla asimetri sergiliyor. Bu asimetri, Barok sanatında bulunan Rönesans'tan miras alınan çok sayıdaki Klasik motiflerle tezat oluşturarak, yeşillik ve deniz kabuklarının yorumlarından elde edilen süslemenin yaygınlığıyla uyumludur. Bir diğer önemli ayrım, Karşı Reform'un başlıca kültürel ifadesi olarak oynadığı rol göz önüne alındığında, Barok'un dini mimariyle birincil ilişkisinde yatmaktadır. Tersine, Rokoko ağırlıklı olarak saray ve ev mimari bağlamlarıyla bağlantılıdır. Paris'te Rokoko'nun yükselişi, salonun yeni bir sosyal toplantı olarak gelişmesiyle aynı zamana denk geldi ve bu tür mekanların çoğu sıklıkla bu estetikle süslendi. Rokoko tarzı iç mekanların ölçeği Barok mekanlardan genellikle daha mütevazıydı ve bu da daha fazla ev içi samimiyete doğru bir kaymaya işaret ediyordu. Bu dönüşüm, Caravaggio'nun eserlerine özgü toprak tonlarından ve XIV. Louis döneminin kırmızı mermer ve yaldızlı iç mekanlarından, Fransa'da XV. Louis ve Madame de Pompadour dönemlerinde yaygın olan soluk mavi, Pompadour pembesi ve beyaz gibi daha yumuşak, daha rahat pastellere geçiş yapan renk paletlerine de benzer şekilde yansıdı. Renklerdeki değişime benzer şekilde, resim ve heykelde ciddi, dramatik ve ahlaki konulardan daha neşeli ve neşeli motiflere doğru ilerleyen tematik bir evrim meydana geldi.

Barok ile Rokoko arasındaki son ayırt edici özellik, on sekizinci yüzyıl aristokrasisinin Doğu Asya'ya olan artan ilgisiyle ilgilidir. Barok dönemden önce Batı estetiğinde Oryantalist eğilimler mevcut olsa da, bunlar ilhamını tipik olarak Doğu Asya kökenlerinden ziyade İslami kökenlerden alıyorlardı. Bu model Barok dönem boyunca devam etti ve özellikle Turquerie adı verilen Türk etkisindeki üslupta kendini gösterdi. Turquerie'yi de kapsayan İslam dünyasına yönelik oryantalist hayranlık, Rokoko dönemine ve ötesine yayıldı; ancak bu sonraki aşamada Çin ve diğer Doğu Asya kültürleri de Batı estetiği üzerinde etkili olmaya başladı. On sekizinci yüzyılda güzel sanatlarda, mimaride ve tasarımda yaygın olan bir stil olan Chinoiserie, hem Çin sanatından hem de çağdaş Rokoko estetiğinden önemli ilham aldı. O dönemde Çin'e ve diğer Uzak Doğu ülkelerine yapılan seyahatlerin zorlu doğası göz önüne alındığında, bu onları çoğu Batılı için büyük ölçüde gizemli kılıyordu; Avrupalıların hayal gücü, Asya'nın muazzam bir zenginlik ve lüks diyarı olarak algılanmasıyla büyülenmişti. Sonuç olarak, imparatorlardan tüccarlara kadar uzanan geniş bir yelpazedeki patronlar, evlerini Asya mallarıyla süslemek ve onları Asya tarzında dekore etmek için yarıştı. Otantik Asya objelerini elde etmenin zor olduğu ortaya çıkınca Avrupalı ​​zanaatkarlar ve ressamlar, Rokoko formlarını Asya figürleri, motifleri ve teknikleriyle birleştiren ürünler üreterek talebi karşıladılar. Doğu Asya stillerinin Avrupa yorumlarının ötesinde, Çin lake ürünleri farklı uygulamalar buldu. Seçilmiş sayıda saray odası tamamen Avrupalı ​​aristokratlar tarafından süslendi ve duvar kaplaması olarak Çin lake panelleri kullanıldı. Estetik nitelikleri nedeniyle siyah cila özellikle Batılı beyefendilerin çalışmalarında tercih ediliyordu. Bu paneller genellikle parlak ve siyahtı ve Çin'in Henan eyaletinden geliyordu. Bunlar, daha sonra renkli ve altınla kaplanmış motiflerle oyulmuş çok sayıda lake katmandan oluşuyordu. On sekizinci yüzyıl Avrupalı ​​marangozlar Çin ve Japon lake panellerini de mobilya üretimine dahil ettiler. Bunu başarmak için Asya paravanları söküldü ve Avrupa yapımı mobilyaların kaplaması olarak yeniden tasarlandı.

Kınama ve Sonraki Akademik Yeniden Değerlendirme

Öncü Alman sanat tarihçisi ve arkeolog Johann Joachim Winckelmann da benzer şekilde Barok tarzı kınadı ve bunun yerine klasik sanat ve mimarinin üstün değerlerini savundu. On dokuzuncu yüzyıla gelindiğinde Barok üslup sık sık alay konusu ve eleştirel inceleme konusu haline geldi. Neoklasik eleştirmen Francesco Milizia şunu iddia etti: "Mimaride Borrominini, heykelde Bernini, resimde Pietro da Cortona... çok sayıda sanatçıyı etkileyen zevk konusunda bir vebadır." On dokuzuncu yüzyılda İngiliz eleştirmen John Ruskin'in Barok heykelin yalnızca estetik açıdan yetersiz değil, aynı zamanda ahlaki açıdan da ahlaksız olduğunu ilan etmesiyle eleştiri daha da yoğunlaştı.

İsviçreli sanat tarihçisi Heinrich Wölfflin (1864–1945), 1888 tarihli Rönesans und Barock adlı yayınında "Barok" teriminin yeniden değerlendirilmesini başlattı. Wölfflin, Barok'u "kitleye aktarılmış hareket" olarak nitelendirdi ve onu Rönesans sanatına sanatsal bir karşı nokta olarak konumlandırdı. Ancak onun analizi, çağdaş bilim adamlarının yaptığı gibi Maniyerizm ile Barok arasında ayrım yapmadı ve 18. yüzyıla kadar uzanan daha sonraki akademik Barok aşamaya değinmedi. Barok sanat ve mimari, iki savaş arası dönemde popülerlik kazandı ve büyük ölçüde eleştirel beğeni topladı. Bununla birlikte, "Barok" terimi hâlâ aşırı derecede süslü veya yapısal olarak karmaşık olarak algılanan sanat eserlerini, el sanatlarını veya tasarımları tanımlamak için aşağılayıcı bir şekilde kullanılabilir. Aynı zamanda "barok", MS 2. ve 3. yüzyıllardan itibaren Roma sanatında geç Barok döneme benzer özellikler sergileyen çeşitli sanatsal ve mimari eğilimler için kabul edilen bir tanımlayıcı haline gelmiştir.

Yeniden Dirilişler ve Eklektik Etkiler

Başlangıçtaki eleştirilere rağmen Barok sanatı, daha sonra 19. yüzyıl boyunca sanatçılar, mimarlar ve tasarımcılar için, özellikle de Romantizm perspektifinden önemli bir ilham kaynağı olarak hizmet etti. 18. yüzyılda ortaya çıkan ve 19. yüzyılda zirveye çıkan bu hareket, duyguyu, bireyciliği ve geçmişin ve doğanın yüceltilmesini vurguluyor ve çoğu zaman klasik estetik yerine ortaçağ estetiğini tercih ediyordu. Britanya'da edebi, dini ve politik faktörlerin bir araya gelmesi, 18. yüzyıl sonları ve 19. yüzyıl mimarlarını ve tasarımcılarını Orta Çağ'dan ilham almaya yöneltti ve 19. yüzyılı sayısız yeniden canlandırmayla ünlü hale getirdi. Ancak Fransa'da Romantizm, Gotik mimari ve tasarımın yeniden canlanmasının birincil katalizörü değildi. Bunun yerine, Fransız Devrimi sırasında Ancien Régime ile ilişkili anıt ve yapılara yönelik yaygın vandalizm, arkeolog Alexandre Lenoir'ın Petits-Augustins deposunun küratörü olarak atanmasına yol açtı. Orada, kiliselerden, manastırlardan ve manastırlardan kurtarılan heykelleri, heykelleri ve mezarları barındıran Fransız Anıtları Müzesi'ni (1795-1816) düzenledi. Lenoir, ortaçağ sanatına yönelik takdirin yeniden getirilmesinde etkili oldu ve bu, sonraki çeyrek yüzyılda yavaş yavaş gelişti.

Ortaçağ sanatına yönelik bu yenilenen takdir, daha sonra Barok ve Rokoko da dahil olmak üzere diğer tarihi dönemlerin yeniden canlanmasını teşvik etti. Revivalizm başlangıçta ortaçağ temalarına odaklandı, ardından I. Louis Philippe'in saltanatının (1830-1848) sonuna doğru Rönesans tarzlarına yöneldi. Barok ve Rokoko ilhamları, III. Napolyon (1852-1870) döneminde daha fazla önem kazandı ve İkinci Fransız İmparatorluğu'nun çöküşünden sonra bile devam etti.

Gotik'in mimarlar ve tasarımcılar tarafından ulusal bir tarz olarak algılandığı İngiltere'nin aksine, Rokoko, Fransa'nın en temsili hareketlerinden biri olarak kabul edildi. Gotik mimarinin İngiltere yerine Fransa'da ortaya çıkmasına rağmen, Fransız halkı, Orta Çağ veya Rönesans mirasından ziyade Eski Rejim ve Napolyon İmparatorluğu'nun tarzlarına daha güçlü bir yakınlık hissetti.

On dokuzuncu yüzyıl yeniden canlandırmacılığı, nihayetinde çeşitli üslup unsurlarının birleşimiyle karakterize edilen eklektizme dönüştü. Mimarların Klasik tarzları sıklıkla yeniden yorumladığı göz önüne alındığında, Eklektik binaların ve tasarımların çoğu kendine özgü bir estetik sergiliyor. Barok, doğrudan yeniden canlanmanın ötesinde eklektizm için de temel bir ilham kaynağı olarak hizmet etti. Birbirine bağlı sütunlar ve dev düzen gibi belirgin Barok özellikler, 19. ve 20. yüzyılın başlarındaki Eklektik yapılarda sıklıkla görülür. Eklektizmin etkisi mimarinin ötesine geçti; İkinci İmparatorluk stilinden (1848-1870) pek çok tasarım, çeşitli dönemlerden unsurları içeriyordu. Bu döneme ait çok az mobilya parçası, bazen ayrı ayrı bazen de bir araya getirilen üç baskın tarihselci etkiden (Rönesans, XV. Louis (Rokoko) ve XVI. Louis stilleri) kurtulamadı. Gotik, Rönesans veya İngiliz Naipliği gibi diğer tarzların etkilerinin yanı sıra, Boulle kakma işçiliğini taklit eden yeniden yapımlar ve arabesklerde barok unsurlar da ilham kaynağı oldu.

Yaklaşık 1871-1880 yılları arasında Birinci Dünya Savaşı'nın başladığı 1914 yılına kadar uzanan Belle Epoque, ayrı bir tarihsel dönem oluşturuyordu. Bu dönem, hakim bir iyimserlik duygusu, bölgesel istikrar, ekonomik refah, sömürgeci genişleme ve teknolojik, bilimsel ve kültürel alanlardaki önemli ilerlemelerle tanımlandı. Eklektizm, özellikle Beaux Arts mimarisinin örneklediği bu dönemde zirveye ulaştı. Mimari tarz, adını Paris'teki École des Beaux-Arts'tan, ortaya çıktığı kurumdan ve çok sayıda baş savunucunun eğitimini aldığı yerden alıyor. Bu tarzda tasarlanan yapılar, rustik bir bodrum katının yanı sıra sıklıkla Fransız Barok örneklerini anımsatan köşe kıvrımlarına sahip İyonik sütunları içerir. Karmaşık detaylar, kemerli kapılar ve Paris'teki Petit Palais'e benzer bir giriş kemeriyle noktalanan kapsayıcı bir sadelik sergiliyorlar. Stil, XIV. Louis'nin Versailles'ının ihtişamını çağrıştıran anıtsal, özenle süslenmiş yapılarla Barok zenginliğini taklit etmeye çalışıyordu. Belle Époque tasarımıyla ilgili olarak, tarihi mobilya stillerine yönelik geniş bir takdir hakim oldu; bu, beklenmedik bir şekilde, 1900'e kadar popülaritesini koruyan İkinci İmparatorluk stilini (önceki dönemden) kapsıyordu. 1900 dolaylarında, farklı ulusların ve önceki tüm tarihsel dönemlerin stillerinin kapsamlı bir özeti ortaya çıktı. Mobilya üretimi, Çin'den İspanyol modellerine ve Boulle'den Gotik'e kadar çok çeşitli etkileri bünyesinde barındırıyordu, ancak bazı stiller diğerlerinden daha fazla beğeni topladı. Yüksek Orta Çağ ve erken Rönesans özellikle saygı görüyordu. Çeşitli egzotizm biçimleri ve ayrıntılı Rokoko tasarımları da beğeni topladı.

Barok canlanmalar ve etkiler yavaş yavaş azaldı ve 1910 civarında yeni bir modern estetik oluşturmayı amaçlayan çok sayıda Fransız tasarımcının ortak çabalarıyla tasarlanan bir stil olan Art Deco'nun gelişiyle nihayetinde geriledi. Birinci Dünya Savaşı'ndan önce nispeten belirsiz olmasına rağmen Art Deco, iki savaş arası dönemde önemli bir popülerlik kazandı ve 1920'ler ve 1930'ların on yıllarıyla güçlü bir şekilde ilişkilendirildi. Bu hareket, Viyana Ayrılığı, Kübizm, Fovizm, Primitivizm, Süprematizm, Konstrüktivizm, Fütürizm, De Stijl ve Ekspresyonizm dahil olmak üzere 1900'lerde ve 1910'larda yaygın olan Modernist akımlardan türetilen çeşitli özellikleri sentezledi. Modernist etkilere ek olarak Art Deco, Belle Époque döneminde popüler olan Rokoko Uyanışı, Neoklasizm ve neo-Louis XVI stili gibi stillerden unsurları da içerir. Birinci Dünya Savaşı öncesi Beaux Arts mimarisinin orantılı ilişkileri, hacimsel nitelikleri ve yapısal ilkeleri, 1910'lar ve 1920'lerden kalma erken Art Deco binalarında fark edilebilir. Mimarlar ve tasarımcılar genellikle XVI. Louis tarzını tercih ettiğinden barok unsurlar oldukça nadirdir.

İki savaş arası dönemin sonlarına doğru, Uluslararası Üslubun artan popülaritesi, süslemeden kesinlikle yoksun olmasıyla öne çıkan, Barok etkisinin ve yeniden canlanmanın tamamen terk edilmesini hızlandırdı. Modernist sanatçıların yanı sıra çok sayıda Uluslararası Stil mimarı ve tasarımcısı, Barok'u algılanan savurganlık ve "aşırılık" nedeniyle eleştirdi. Paradoksal olarak bu durum, orijinal Barok döneme yönelik eleştirel değerlendirmenin güçlü bir şekilde yeniden canlanmasıyla tam olarak aynı zamana denk geldi.

Postmodern Takdir ve Yeniden Yorumlamalar

Barok'a duyulan takdir, Modernizme (İkinci Dünya Savaşı sonrası hakim paradigma) meydan okuyan ve modern tasarım öncesi geçmişe yönelik takdiri teşvik ederek tarihsel stilistik unsurların çağdaş tasarımlara dahil edilmesini savunan bir hareket olan Postmodernizmin gelişiyle yeniden ortaya çıktı. Postmodernizm, alınlıklar veya sütunlar gibi daha geniş anlamda Klasisizm'den "alıntılar" olarak işlev gören son derece basitleştirilmiş unsurları sıklıkla entegre ettiğinden, açık Barok referanslar nadirdir.

Maksimalist acanthus rinceaux'nun yer aldığı Versace seramik eşyalarında ve modasında Barok estetiğine daha doğrudan referanslar belirgindir. Bu motifler, İtalyan Barok süs tabaklarında ve Boulle işlerinde bulunan motiflerin yanı sıra, İmparatorluk dönemi objeleri, özellikle I. Napolyon'un hükümdarlığından kalma kumaşlar üzerindeki tasarımlarla da güçlü bir benzerlik taşıyor.

Notlar

• Barok ve rokoko kültürü
• barocke in Val di Noto – Sizilien (2 Eylül 2018'de arşivlendi)
• Barok tarzı ve XIV. Luis etkisi (24 Haziran 2007'de arşivlendi)
• Melvyn Bragg'ın Bizim Zamanımızda: Barok başlıklı BBC Radio 4 programı.
• "Barok Stil Kılavuzu." İngiliz Galerileri, Victoria ve Albert Müzesi. 19 Ağustos 2007 tarihinde kaynağından arşivlendi. Erişim tarihi: 16 Temmuz 2007.Kaynak: TORİma Akademi Arşivi