Sanatsal bağlamlarda gerçekçilik tipik olarak konuları yapaylıktan, abartıdan veya herhangi bir spekülatif veya doğaüstü bileşenden uzak, özgün bir şekilde tasvir etme çabasını ifade eder. Sık sık natüralizmle karıştırılsa da, bu terimler doğası gereği eşdeğer değildir. Batı görsel temsili içinde kavramsallaştırılan natüralizm, Avrupa Rönesansı sırasında doğrusal perspektif ve illüzyonizmin ortaya çıkışıyla özünde bağlantılı olan nesneleri minimum bozulmayla tasvir etmeyi amaçlamaktadır. Tersine, gerçekçilik, natüralist tasvire ve daha önceki akademik sanatta yaygın olan idealleştirmeden farklılığa dayanmasına rağmen, sıklıkla 1848 Fransız Devrimi'nin ardından Fransa'da ortaya çıkan farklı bir sanat tarihi hareketine işaret eder. Sıradan halka ve solcu siyasi ideolojilerin yükselişine yeniden odaklanılmasıyla yönlendirilen gerçekçilik, Gustave Courbet gibi sanatçıların örneklediği, sıklıkla sıradan, çirkin veya bakımsız olanı vurguladı. Realist ressamlar, 18. yüzyılın sonlarından itibaren Fransız edebiyatı ve sanatında egemen hale gelen Romantizm akımını bilinçli olarak reddettiler.
Sanatta gerçekçilik genellikle konuyu yapaylık, abartı ya da spekülatif ya da doğaüstü unsurlar olmaksızın gerçeğe uygun bir şekilde temsil etme girişimidir. Bu terim sıklıkla natüralizm ile birbirinin yerine kullanılır, ancak bu terimlerin mutlaka eşanlamlı olması gerekmez. Batı sanatındaki görsel temsille ilgili bir fikir olarak natüralizm, nesneleri mümkün olan en az miktarda bozulmayla tasvir etmeye çalışır ve Rönesans Avrupa'sında doğrusal perspektif ve illüzyonizmin gelişimine bağlıdır. Gerçekçilik, natüralist temsile ve daha önceki akademik sanatın idealleştirilmesinden bir sapmaya dayansa da, genellikle 1848 Fransız Devrimi'nin ardından Fransa'da ortaya çıkan belirli bir sanat tarihi hareketine atıfta bulunur. Gustave Courbet gibi sanatçıların sıradan, çirkin veya sefil olandan yararlanmasıyla gerçekçilik, sıradan olana olan yeniden ilgi ve solcu politikaların yükselişiyle motive edildi. Realist ressamlar, kökleri 18. yüzyılın sonlarına dayanan ve Fransız edebiyatına ve sanatına hakim olan Romantizmi reddettiler.
19. yüzyıl Avrupa'sında, "Natüralizm" veya "Natüralist okul", gerçekçilik içindeki farklı bir alt hareketi tanımlamak için bilinçli olarak kurulmuştu. Bu hareket, değişen derecelerde başarı elde ederek, siyasi ve toplumsal yorumlardan kasıtlı olarak kaçınarak kendisini temel tarzından farklılaştırmaya çalıştı. Aynı zamanda, o dönemde biyolojik bilimler için geçerli olan terim olan doğa tarihi bilimcisi olarak "natüralist" çağrışımından yararlanarak yarı bilimsel bir temeli de sık sık öne sürüyordu.
Gerçekçilik aynı zamanda verismo'nun opera tarzı, edebi gerçekçilik, teatral gerçekçilik ve İtalyan yeni-gerçekçi sineması da dahil olmak üzere diğer sanatsal disiplinlerdeki çeşitli hareketleri de etkilemiştir.
Görsel Sanatlar
Bir sıfat olarak "gerçekçi" tipik olarak görsel gerçeğe benzerlikle ilgilidir ve bu onu öncelikle konuya hitap eden "gerçekçi" sanattan ayırır. Benzer şekilde, "illüzyonist" terimi sanatsal bir kompozisyon içindeki görsel görünümlerin doğru şekilde tasvir edilmesini tanımlayabilir. Resimde natüralizm, sahnelerin ve nesnelerin tam, titiz ve sadık sanatsal temsilini ifade eder. Bu yaklaşım aynı zamanda mimesis veya illüzyonizm olarak da adlandırılır ve özellikle 15. yüzyılda Avrupa resminde, özellikle de Robert Campin ve Jan van Eyck gibi sanatçıların Erken Hollanda eserlerinde öne çıktı. Buna karşılık, Gustave Courbet'in de aralarında bulunduğu 19. yüzyıl Realizm akımı ressamları, öncelikle mutlak hassasiyetleri ve görsel görünümleri titizlikle sunmalarıyla tanınmıyordu. Courbet'nin döneminde bu tür ayrıntılı tasvirler, çoğunlukla yapmacık, yapay veya hayali tarihi sahneleri hatırı sayılır bir beceri ve özenle tasvir eden akademik resmin daha karakteristik özelliğiydi.
İdealleştirmeye Direnç
Sanatsal bir tarz olarak gerçekçilik veya natüralizm, konuları ideal olmayan bir şekilde tasvir eder ve yalnızca tipik veya sıradan olanlara değil, her türlü konuya uygulanabilir. Klasik sanattaki yaygın idealizme rağmen, bu yaklaşım klasik öncülleri buldu ve bu da Rönesans ve Barok dönemlerinde bu tür tasvirlerin savunulması açısından avantajlı oldu. Eserleri artık kayıp olan, MÖ 4. yüzyıldan kalma bir heykeltıraş olan Alopece'li Demetrius'un, idealize edilmiş güzelliğe göre gerçekçiliğe öncelik vermesiyle tanındığı bildirildi. Benzer şekilde, Antik Roma Cumhuriyeti döneminde siyasi şahsiyetler portrelerinde gerçekçi tasvirleri tercih etseler de daha sonraki imparatorlar Yunan idealizmine yöneldiler. Goya'nın İspanyol kraliyet ailesi portreleri, önde gelen kişilerin dürüst, cilasız bir temsilinin örneğidir.
Hıristiyan sanatındaki kalıcı bir tema, dini figürlerin, özellikle de İsa'nın ve onun Çile sırasında çektiği fiziksel acının insani yönünü vurgulayan bir tür "gerçekçilik" içeriyordu. Bu sanatsal gelişme, çağdaş adanmışlık edebiyatının etkisiyle Geç Orta Çağ'da ortaya çıktı. Bu dönemde, özellikle Almanya ve Orta Avrupa'da yaygın olan bazı boyalı ahşap heykeller, İsa'yı neredeyse grotesk bir yoğunlukla, yaralar ve kanla kaplı olarak tasvir ediyordu. Amaç, izleyicileri Mesih'in katlandığı derin acıları düşünmeye teşvik etmekti. Rönesans döneminde bu eğilim azalsa da Barok dönemde benzer çalışmalar, özellikle İspanyol heykelinde yeniden ortaya çıktı.
Rönesans teorisyenleri, doğal gözlemlerden elde edilen sanatsal temsil ile idealize edilmiş formlara dayanan sanatsal temsil arasındaki uygun denge konusunda yüzyıllar süren bir söylem başlattılar. Bu idealleştirilmiş formlar tipik olarak klasik prototiplerden veya diğer sanatçıların yaratımlarından kaynaklanmıştır. Bazıları natüralizmin önemini kabul ederken, birçoğu doğayı değişen ölçülerde idealleştirmeyi, dolayısıyla yalnızca estetik açıdan hoş unsurları birleştirmeyi savundu. Örneğin Leonardo da Vinci, insan figürleri ve diğer konulardaki bireysel farklılıkların tüm yelpazesini tasvir etmeyi hedefleyerek doğanın titiz bir şekilde incelenmesini destekledi. Tersine, Leon Battista Alberti tipik formları vurgulayarak idealleştirmenin ilk savunucularından biri olarak ortaya çıktı. Michelangelo gibi diğer figürler en güzel yönlerin seçilmesini desteklediler ve tam da bu nedenle portre yapmayı reddettiler.
Tartışma 17. yüzyıla kadar devam etti, özellikle İtalya'da, Carracci'yle ilişkilendirilen "klasik-idealizm" ile Caravaggisti'nin "doğalcı" yaklaşımı arasındaki ikilik etrafında dönüyordu. Caravaggio'nun takipçileri olan ikincisi, dini anlatıları sanki çağdaş İtalyan şehirlerinin sıradan arka sokaklarında yer alıyormuş gibi tasvir etti ve kendilerini "doğalcı" terimiyle tanımladılar. Caravaggio'nun vaktinden önce ölümünden onlarca yıl sonra, Caravaggio'nun tarzına karşı isteksiz bir eleştirmen olan Bellori, "Doğa bilimciler adına övünenler"den (natüralisti) söz etti.
19. yüzyılda natüralizm, Avrupa çapında geniş kapsamlı bir sanatsal hareket olarak ortaya çıktı ve açık siyasi motivasyonların olmaması nedeniyle gerçekçilikten farklıydı. Fransız sanat eleştirmeni Jules-Antoine Castagnary, 1863'te şöyle bir ifadeyle bu terimi icat etti: "Natüralist okul, sanatın yaşamın tüm aşamaları ve düzeylerinde ifadesi olduğunu ve tek amacının doğayı maksimum güç ve yoğunluğuna taşıyarak yeniden üretmek olduğunu beyan eder: bilimle dengelenmiş gerçektir." Émile Zola daha sonra bu terimi benimseyerek romandaki edebi hedeflerine benzer bir bilimsel vurgu uyguladı. Pek çok Natüralist resim, Empresyonizm'de bulunanlara benzer temaları araştırırken, genellikle daha kısıtlı ve geleneksel fırça çalışması tekniklerini kullandılar.
Birkaç on yıl boyunca, "natüralist" terimi "çeşitli gerçekçilik türleri için ayrım gözetmeksizin kullanılmaya devam edildi" ve sıklıkla Empresyonizm'den, sonraki Modernist hareketlerden ve akademik sanattan ayrılan sanatın genel bir tanımlayıcısı olarak hizmet etti. Fransız Barbizon Okulu'nun sonraki aşamaları, Düsseldorf Resim Okulu (uluslararası öğrencilerin ilgisini çeken) ve 20. yüzyıl Amerikan Bölgeselciliği gibi hareketler genellikle "doğalcı" olarak sınıflandırılır, ancak bu tanım İngiliz resmine nadiren uygulanır. Son zamanlarda bazı sanat tarihçileri "doğalcı" etiketini Courbet'e ya da İzlenimcilere atfettiler.
İllüzyonizm
Görsel olayların giderek daha kesin sanatsal temsillerinin evrimi, kapsamlı bir tarihe sahiptir. Bu ilerleme, insan ve hayvan anatomisinin doğru şekilde tasvir edilmesi, perspektif ve mesafe efektlerinin uygulanması ve ışık ve rengin titizlikle oluşturulması gibi unsurları kapsar. Örneğin Avrupa Üst Paleolitik sanatı, olağanüstü derecede gerçekçi hayvan tasvirleri üretti. Eski Mısır sanatı ise tersine, hem stilizasyon hem de idealleştirmeyi bütünleştiren gelenekler oluşturdu. Antik Yunan sanatı, anatomik temsildeki önemli ilerlemeleriyle geniş çapta kabul görmektedir. Önde gelen Yunan sanatçıların orijinal panel veya duvar resimleri günümüze ulaşmamış olsa da, edebi kayıtlar ve türev eserlerin (özellikle Yunan-Roma mozaikleri) mevcut yapısı, onların resimlerinde illüzyonizmin oldukça saygın olduğunu gösteriyor. Yaşlı Plinius'un MÖ 5. yüzyıldan kalma, Zeuxis tarafından resmedilen üzüm gagalamaya çalışan kuşları tasvir eden ünlü anekdotu muhtemelen uydurmadır.
Şekil, ışık ve renk hassasiyetinin ötesinde, Roma resimleri uzaktaki nesneleri yakındakilerden daha küçük gösterme ve oda çatıları ve duvarları gibi düzenli geometrik formları perspektifle tasvir etme konusunda sezgisel ama etkili bir anlayış sergiliyor. Ancak illüzyonist tekniklerdeki bu ilerleme idealizmin reddedildiği anlamına gelmiyordu. Yunan tanrılarının ve kahramanlarının heykelleri, idealize edilmiş ve güzel biçimleri doğru bir şekilde temsil etmeyi amaçlıyordu; ancak, çirkinliğiyle ünlü Sokrates'in kafaları gibi bazı eserlerin bu estetik ideallerden sapmasına izin veriliyordu. Roma portresi, özellikle Yunan estetiğinden daha az etkilendiğinde, gerçekçilik olarak bilinen bir uygulama olan, konularının gerçeğe uygun şekilde tasvir edilmesine daha güçlü bir bağlılık sergiliyordu.
Geç Antik dönem sanatı, ifade gücü uğruna illüzyonizmi önemli ölçüde terk etti; bu değişim, Hıristiyanlık elit sanatsal uygulamaları etkilemeye başladığında zaten önemli ölçüde ilerlemiş durumdaydı. Batı sanatında illüzyonizmin klasik kriterleri Geç Ortaçağ ve Erken Rönesans dönemlerine kadar yeniden elde edilemedi. Bu yeniden diriliş, ilk olarak 15. yüzyılın başlarında Hollanda'da ve daha sonra 1470'lerde İtalya'da yağlıboya tekniklerinin yeniliğiyle kolaylaştırıldı. Bu yöntemler, çok sayıda boya ve cila katmanı uygulanarak son derece incelikli ve hassas aydınlatma efektlerinin yaratılmasına olanak sağladı. Eş zamanlı olarak, 15. yüzyılın başlarında İtalya'da perspektif temsiline yönelik bilimsel yaklaşımlar ortaya çıktı ve giderek Avrupa'ya yayıldı. Anatomik doğruluk da büyük ölçüde klasik sanatsal ilkelerden etkilenerek yeniden keşfedildi. Klasik gelenekleri yansıtan idealizm, hakim sanatsal standart olarak varlığını sürdürdü.
Resimdeki manzaraların kusursuz tasviri, Erken Hollanda/Erken Kuzey Rönesansı ve İtalyan Rönesans sanatı aracılığıyla gelişti ve 17. yüzyıl Hollanda Altın Çağı resminde sofistike bir zirveye ulaştı. Bu dönem, farklı hava koşullarını ve değişen doğal ışık yoğunluklarını yansıtmak için oldukça incelikli tekniklerin geliştirildiğine tanık oldu. Yine Erken Hollanda resminden etkilenen 1600 civarındaki Avrupa portresi, yüz özelliklerini iyileştirerek veya stilize pozlar benimseyerek konuları sıklıkla idealleştirdi. Natürmort kompozisyonları, hem bağımsız çalışmalar olarak hem de daha geniş parçalardaki öğeler olarak, illüzyonist resmin ilerlemesine önemli ölçüde katkıda bulunmuştur. Bununla birlikte, Hollanda'nın çiçek resmi geleneği içinde, bu çalışmalar genellikle katı "gerçekçilik"ten farklıydı. Bu, ya bireysel çalışmalara dayalı kompozisyon yöntemleri ya da kasıtlı bir sanatsal gelenek nedeniyle, çeşitli mevsimlerden çiçekleri birleştirmenin yaygın uygulamasında açıkça görülüyordu. Üstelik, tasvir edildiği gibi vazolardaki buketlerin özenle sergilenmesi, çiçeklerin genellikle tek tek sunulduğu 17. yüzyıl geleneklerinin karakteristik özelliği değildi.
Gündelik Konuların Portresi
Sıradan, gündelik konuların sanatta temsili uzun bir tarihsel gidişata sahiptir, ancak bu tür tasvirler sıklıkla kompozisyonların çevresine itilmiş veya küçültülmüş bir ölçekte sunulmuştur. Bu uygulama kısmen sanatın yüksek maliyetinden ve belirli dini, politik veya kişisel hedefler için tipik olarak yaptırılmasından kaynaklanıyordu; bu da sonuç olarak alan tahsisini veya sanatsal çabayı bu sıradan sahnelere sınırlandırıyordu. Ortaçağ tezhipli el yazmalarındaki marjinal komiklikler ara sıra günlük varoluşun minyatür sahnelerini içerirken, perspektifin evrimi çok sayıda dış mekan ortamına geniş arka plan unsurları kattı. Geleneksel olarak Orta Çağ ve Erken Rönesans sanatı, kutsal olmayan figürleri çağdaş kıyafetler içinde tasvir ediyordu.
Erken Hollanda resmi, portreyi zengin Flaman tüccarları da kapsayan alt sosyal katmanlara kadar genişletti. Jan van Eyck'in Arnolfini Portresi (1434) başta olmak üzere birçok örnek ve daha sık olarak Robert Campin ve atölyesi tarafından yazılan Merode Altarpiece (yaklaşık 1427) gibi dini eserler, dikkatle işlenmiş nesnelerle dolu orta sınıf iç mekanlarının titizlikle ayrıntılı tasvirlerini sergiliyor. Bununla birlikte, bu nesneler öncelikli olarak karmaşık anlam ve sembolizm katmanlarını aktarmaya hizmet etti ve böylece kendi içinde bir amaç olarak gerçekçiliğe olan içsel bağlılığı azalttı. Ayların Emeklerini tasvir eden ve pek çok örneği saatlerce süren kitaplarda saklanan geç ortaçağ sanatsal döngüleri, sıklıkla ayrıntılı manzara arka planlarında mevsimlik işlerle uğraşan köylülere odaklanır. Bu döngüler hem manzara sanatının hem de sıradan işçi sınıfı bireylerinin temsilinin geliştirilmesinde etkili oldu.
16. yüzyılda yaygın bir sanatsal eğilim, özellikle gıda pazarlarında ve mutfaklarda emek harcayan bireyleri tasvir eden büyük ölçekli resimlerin yaratılmasıydı. Pek çok durumda, gıda maddeleri bizzat işçilerinkine benzer bir görsel vurguya maruz kaldı. Bu dönemin önemli sanatçıları arasında, ağırlıklı olarak Maniyerist bir tarz kullanan Hollanda'daki Pieter Aertsen ve yeğeni Joachim Beuckelaer vardı. Aynı zamanda, 1580'lerde İtalya'da, yeni ortaya çıkan Annibale Carracci, rafine edilmemiş bir estetiği benimserken, Bartolomeo Passerotti'nin çalışmaları orta bir konumda bulunuyordu. Yaşlı Pieter Bruegel, köylü yaşamının geniş, panoramik tasvirlerinin oluşturulmasında etkili oldu. Bu ilk tasvirler, 17. yüzyıl Avrupa'sında emek temalı tür resminin yaygın popülaritesinin habercisi oldu. Özellikle Hollanda Altın Çağı, İtalya'daki Bamboccianti (her ne kadar çoğunlukla Aşağı Ülkelerden sanatçılardan oluşsa da) ve İspanya'daki bodegones türü de dahil olmak üzere birçok farklı alt türü teşvik etti. Bu çağ aynı zamanda idealize edilmemiş köylü figürlerinin Jusepe de Ribera ve Velázquez gibi sanatçıların tarihi tablolarına entegre edilmesine de tanık oldu. Fransa'da, Le Nain kardeşler, Adriaen Brouwer ve Yaşlı ve Genç David Teniers gibi çok sayıda Flaman sanatçının yanı sıra, şehir sakinleri daha az yaygın konular olsa da, sıklıkla köylüleri tasvir ettiler. 18. yüzyılda, çalışan bireylerin daha küçük formattaki resimleri popülerliğini korudu; ağırlıklı olarak Hollanda sanat geleneklerinden ilham aldı ve sıklıkla kadın konularına yer verdi.
Sıradan bireyleri tasvir eden sanatın önemli bir kısmı, özellikle de basılı formatta, genellikle komik veya ahlaki temalar taşıyordu. Ancak deneklerin yoksulluğu nadiren ahlaki mesajın merkezi unsurunu oluşturuyordu. 19. yüzyılın ortalarından itibaren sanatsal temsiller, yoksulların karşılaştığı zorlukları giderek daha fazla vurgulamaya başladı. Avrupa'nın büyük bölümünde kırsaldan kente yoğun göçle aynı zamana denk gelen bu gelişmeye rağmen, sanatçılar büyük ölçüde yoksul kırsal nüfusları tasvir etmeye devam ettiler. Tersine, hareketli şehir sokak manzaraları Empresyonist ve ilgili ressamlar arasında beğeni kazandı; Paris sahneleri özellikle öne çıktı.
Ortaçağ el yazması tezhipçileri sıklıkla teknolojik konuları tasvir etmek için siparişler alıyordu. Rönesans'ın ardından bu tür görüntüler, erken Sanayi Devrimi'nin gelişine kadar güzel sanatlardan büyük ölçüde gerileyen deniz resmi hariç, kitap illüstrasyonlarında ve baskılarında varlığını sürdürdü. Sanayi Devrimi'nin başlarında, Derby'den Joseph Wright ve Philip James de Loutherbourg'un da aralarında bulunduğu sınırlı sayıda sanatçı, bu dönüştürücü dönemden sahneleri resmetti. Bu endüstriyel konular, 19. yüzyılın sonlarına kadar, ara sıra demiryolu sahneleri dışında, resimdeki endüstriyel tasvirlerin göze çarpan azlığının da gösterdiği gibi, muhtemelen sınırlı bir ticari başarı elde etti. 19. yüzyılın ikinci yarısında endüstriyel sanat komisyonları daha yaygın hale geldi ve genellikle sanayiciler veya sanayi şehirlerindeki kurumlar tarafından başlatıldı. Bu çalışmalar çoğunlukla büyük ölçekliydi ve zaman zaman yarı kahramanlık niteliği taşıyordu.
20. yüzyılın başlarındaki bir sanat hareketi olan Amerikan Gerçekçiliği, gerçekçiliğin bu özel yorumunu benimseyen çok sayıda modern akımdan birini temsil ediyor.
Gerçekçi Hareket
19. yüzyılın ortalarında ortaya çıkan Realist akım, hem Romantizme hem de Tarih resmine karşı bir tepki olarak gelişti. 'Gerçek' hayatın tasvirini savunan Realist ressamlar, sanat eserlerinin ana konusu olarak sıradan emekçileri ve tipik çevrelerinde günlük faaliyetlerde bulunan sıradan bireyleri seçtiler. Bu hareketin önde gelen isimleri arasında Gustave Courbet, Jean-François Millet, Honoré Daumier ve Jean-Baptiste-Camille Corot vardı. Daha önce Metropolitan Sanat Müzesi'nin Avrupa Resimleri Bölümü'nde görevli olan Ross Finocchio, Realistlerin çağdaş sıradan yaşamın gerçeklerini tasvir etmek için süslenmemiş ayrıntılar kullandıklarını belirtiyor; bu uygulama, Émile Zola, Honoré de Balzac ve Gustave Flaubert tarafından örneklenen natüralist edebiyat hareketine paralel bir uygulamadır.
Fransız Realist hareketi, her ne kadar daha sonra da olsa, diğer Batı ülkelerinde de benzer gelişmeler buldu. Özellikle, Rusya'da, 1860'larda kurulan ve 1871'den itibaren sergiler düzenleyen, Gezginler grubu olarak da bilinen Peredvizhniki, Ilya Repin, Vasily Perov ve Ivan Shishkin gibi çok sayıda Realist sanatçıdan oluşmakta ve Rus sanatını önemli ölçüde etkilemiştir. Britanya'da Hubert von Herkomer ve Luke Fildes gibi sanatçılar, toplumsal kaygılara değinen Realist tablolarıyla büyük beğeni topladı.
Edebiyat
Edebi bir hareket olarak Gerçekçilik temel olarak "nesnel gerçeklik" kavramına dayanmaktadır ve genellikle genel olarak "gerçekliğin sadık temsili" olarak nitelendirilir. Özellikle orta ve alt sınıflar arasındaki gündelik faaliyetleri ve yaşamı, romantik idealleştirmeden veya dramatik süslemelerden yoksun bir şekilde tasvir etmeye çalışıyor. Kornelije Kvas'a göre, "gerçekliğin gerçekçi şekillenmesi ve yeniden şekillenmesi, üç tür yasa ilkesini - doğa bilimleri, psikolojik ve sosyal olanlar - ihlal etmeden, bizim olağan gerçeklik anlayışımıza benzer mantıksal yapılar oluşturur." Bu yaklaşım, özneleri üçüncü şahıs nesnel gerçekliğinde, süsleme veya öznel yorum olmadan ve "laik, ampirik kurallara uygun olarak" var oldukları varsayıldığı şekilde tasvir etmeye yönelik genel bir çaba olarak anlaşılabilir. Sonuç olarak, bu metodoloji, doğası gereği, bu tür bir gerçekliğin ontolojik olarak insanın kavramsal çerçevelerinden, dilsel uygulamalarından ve inançlarından bağımsız olduğu ve dolayısıyla sanatçının aslına sadık temsil için erişilebilir olduğu inancını ima eder. Ian Watt, modern gerçekçiliğin "gerçeğin birey tarafından duyular aracılığıyla keşfedilebileceği konumundan başladığını", kökenlerinin izini Descartes ve Locke'a kadar sürdüğünü ve "ilk tam formülasyonunu on sekizinci yüzyılın ortasında Thomas Reid'den aldığını" öne sürüyor.
Önceki Romantik dönem de Sanayi Devrimi'nin değerlerine bir tepki olarak ortaya çıkarken, Realizm de Romantizme karşı bir karşı hareket olarak gelişti ve onun sık sık "geleneksel burjuva gerçekçiliği" olarak aşağılayıcı bir şekilde tanımlanmasına yol açtı. Viktorya döneminin bazı edebiyatçıları gerçekçi ilkelere uygun eserler ürettiler. "Burjuva gerçekçiliği"nin katılıkları, gelenekleri ve içkin sınırlamaları daha sonra modernizm olarak tanımlanan isyanı kışkırttı. 1900'lerden itibaren modernist edebiyatın temel itici gücü, anti-rasyonalist, anti-realist ve anti-burjuva gündemin meydan okuduğu 19. yüzyıl burjuva toplumsal düzeninin ve dünya görüşünün eleştirisiydi.
Tiyatro
Teatral gerçekçiliğin ilk kez 19. yüzyılda Avrupa tiyatrosunda ortaya çıktığı ve Sanayi Devrimi ile bilim çağının bir yan ürünü olarak ortaya çıktığı yaygın olarak kabul edilir. Bazı akademisyenler özellikle fotoğrafın icadını gerçekçi tiyatronun temel öğesi olarak nitelendirirken, diğerleri gerçekçilik ile drama arasındaki ilişkinin çok daha eski olduğunu, gerçekliği yakından yansıtan fiziksel bir dünyanın sunumu gibi dramatik ilkelerle kanıtlandığını ileri sürmektedir.
Tiyatroda gerçekçiliğin önemli başarısı, odaklanmayı sıradan yaşamın doğasında var olan sosyal ve psikolojik zorluklara yönlendirme kapasitesiydi. Bu dramalarda karakterler genellikle kendilerinden daha büyük güçlerin kurbanları, hızla hızlanan bir dünyayla karşı karşıya kalan bireyler olarak tasvir edilir. Bu akımın öncü oyun yazarları, karakterlerini sıradan, çoğunlukla iktidarsız ve içinde bulundukları çıkmazları çözemeyen kişiler olarak tasvir ettiler. Bu sanatsal tarz, gerçekliği insan vizyonunun algıladığı şekliyle temsil etmeyi amaçlamaktadır. Örneğin Anton Çehov, etkilenmemiş bir "hayattan kesit" sunmak için "kamera çalışmaları"na benzer teknikler kullandı. Thomas Postlewait gibi bilim adamları, on dokuzuncu ve yirminci yüzyıllar boyunca melodramatik ve gerçekçi biçim ve işlevlerin yaygın bir şekilde iç içe geçtiğini gözlemlediler; bu, gerçekçi yapılar içindeki melodramatik öğelerin varlığıyla kanıtlanabilir ve bunun tersi de geçerlidir.
Amerika Birleşik Devletleri'nde dramatik gerçekçilik, kurgusal gerçekçilikten yaklaşık yirmi yıl öncesine dayanıyordu; tiyatro tarihçileri onun ilk ivmesini 1870'lerin sonu ve 1880'lerin başında tanımladılar. Gelişimi aynı zamanda gerçekçiliğin önde gelen savunucuları ve estetik ilkelerinin açıklayıcıları olarak hizmet veren William Dean Howells ve Henry James'e de atfedilir.
İkinci Dünya Savaşı'nın ardından, tiyatroya gerçekçi yaklaşım sonuçta nihilizm ve absürtlükle birleşti.
Sinema
İtalyan Yeni Gerçekçiliği, II. Dünya Savaşı sonrası İtalya'da gelişen gerçekçiliğin unsurlarını içeren bir sinema hareketiydi. Yeni Gerçekçiliğin önde gelen isimleri arasında Vittorio De Sica, Luchino Visconti ve Roberto Rossellini vardı. Tipik olarak gerçekçi sinema toplumsal kaygılara hitap eder. Sinematik gerçekçilik genel olarak iki biçimde kategorize edilir: kesintisiz gerçekçilik ve estetik gerçekçilik. Kesintisiz gerçekçilik, bir "gerçeklik etkisi" yaratmak ve böylece algılanan özgünlüğünü korumak için anlatı yapılarını ve film yapım tekniklerini kullanır. Tersine, ilk olarak 1930'larda Fransız film yapımcıları tarafından savunulan ve daha sonra 1950'lerde Andre Bazin tarafından savunulan estetik gerçekçilik, çeşitli gerçekçiliklerin varlığını kabul ederek "bir filmin gösterdiği anlama göre sabitlenemeyeceğini" öne sürüyor. Sonuç olarak, estetik gerçekçilik uygulayıcıları, "tercih edilen okumaya" yönlendirilmek yerine izleyicileri kendi yorumlarını oluşturma konusunda güçlendirmek için mekan çekimi, doğal ışık ve profesyonel olmayan aktörlerden yararlanır. Siegfried Kracauer ayrıca gerçekçiliğin sinema sanatının en önemli işlevini oluşturduğunu öne sürdü.
Estetik gerçekçiliği kullanan film yapımcıları, izleyicinin algısının manipülasyonunu en aza indirmek için uzun çekimlerden, derin odaklamadan ve göz hizasında 90 derecelik perspektiflerden yararlanıyor. İkinci Dünya Savaşı'ndan sonra aktif olan İtalyan Yeni-Gerçekçi film yapımcıları, politik yönelimli bir sinema yaratmak için Fransa ve İtalya'daki mevcut gerçekçi film yaklaşımlarını benimsediler. 1960'larda Fransız film yapımcıları, Jean Rouch'un sinema gerçek ve belgesel filmleriyle örneklenen, politik yönelimli gerçekçi çalışmalar ürettiler. Eş zamanlı olarak, 1950'ler ve 1960'lar boyunca film yapımcılığında İngiliz, Fransız ve Alman Yeni Dalga hareketleri, Birleşik Krallık'ta yaygın olan mutfak lavabosu dramaları da dahil olmak üzere "hayatta kesit" yapımlar yarattı.
Opera
Verismo, Pietro Mascagni, Ruggero Leoncavallo, Umberto Giordano, Francesco Cilea ve Giacomo Puccini gibi İtalyan bestecilerle bağlantılı bir post-Romantik opera geleneği oluşturdu. Bu besteciler, Émile Zola, Gustave Flaubert ve Henrik Ibsen gibi 19. yüzyılın sonlarında etkili yazarların natüralizm özelliklerini opera formuna entegre etmeye çalıştılar. Ortaya çıkan bu tarz, genellikle cesur ve kusurlu alt sınıf kahramanların yer aldığı gerçek hayattaki dramaları tasvir ediyordu, ancak bazı yorumlar bunu gerçekçi olayların yoğunlaştırılmış bir temsili olarak nitelendiriyor. Bazı tarihsel kayıtlar Giuseppe Verdi'nin Luisa Miller ve La traviata'sını verismo'nun ilk öncüleri olarak tanımlarken, diğerleri hareketin 1890'da Mascagni'nin Cavalleria rustikana'sının prömiyeriyle başladığını ve 1900'lerin başında zirvesine ulaştığını iddia ediyor. Bunu daha sonra sadakatsizlik, intikam ve şiddet temalarını araştıran Leoncavallo'nun Pagliacci operası izledi.
Verismo'nun etkisi Britanya'ya kadar uzandı; burada ilk savunucuları oyun yazarı W. S. Gilbert ile besteci Arthur Sullivan (1842–1900) arasındaki Viktorya dönemi tiyatro işbirliğini içeriyordu. Özellikle Iolanthe adlı çalışmaları, fantastik öğeler içermesine rağmen soyluların gerçekçi bir tasviri olarak kabul ediliyor.
Notlar
Notlar
Referanslar
- Blunt, Anthony. İtalya'da Sanat Teorisi, 1450–1600. 1940 (1985 baskısına atıflar). OUP. ISBN 0-19-881050-4.
- Morris, Pam (2003). Gerçekçilik. Londra: Routledge. ISBN 978-0-415-22938-8.
- Raben, Hans. "Bellori'nin Sanatı: Roma'daki Bir Onyedinci Yüzyıl Sanat Eleştirmeninin Tadı ve Hoşnutsuzluğu." Simiolus: Hollanda Üç Aylık Sanat Tarihi Dergisi, Cilt. 32, Sayı. 2/3 (2006), s. 126–46. Stichting voor Nederlandse Kunsthistorische Publicaties.
- Watt, Ian (1957). Romanın Yükselişi: Defoe, Richardson ve Fielding Çalışmaları. Berkeley: California Üniversitesi Yayınları.West, Shearer (1996). Şakrak Kuşu Sanat Rehberi. Birleşik Krallık: Bloomsbury Publishing Plc. ISBN 978-0-8212-2137-2.Buchanan, William (1982). Realist Gelenek. Cencrastus No. 8 (Bahar 1982), s. 17–20. ISSN 0264-0856.
- Buchanan, William (1982), Gerçekçi Gelenek, Cencrastus No. 8, İlkbahar 1982, s. 17–20, ISSN 0264-0856
- Dahlhaus, Carl (1985). Ondokuzuncu Yüzyıl Müziğinde Gerçekçilik. Mary Whittall'ın çevirisi. Cambridge, Londra, New York, New Rochelle, Melbourne, Sidney: Cambridge University Press. ISBN 978-0-521-26115-9.Dahlhaus, Carl (1989). Ondokuzuncu Yüzyıl Müziği. Çeviren: J. Bradford Robinson. Berkeley, Los Angeles ve Londra: University of California Press. ISBN 978-0-520-07644-0.Frisch, Walter (2005). Alman Modernizmi: Müzik ve Sanat. Berkeley, Los Angeles ve Londra: Kaliforniya Üniversitesi Yayınları. ISBN 978-0-520-25148-9.
- Edebiyat Hareketleri sitesinde Amerikan edebi gerçekçiliği üzerine makale
- Sanat terimi: tate.org.uk'de Gerçekçilik